С 12 сентября 1983 года по 1 февраля 1984 года в Государственном музее изобразительных искусств имени А. С. Пушкина в Москве и Государственном Эрмитаже в Ленинграде демонстрировалась выставка «Западноевропейская живопись XIV—XIX вв. из собрания барона Тиссен-Борнемиса».

Выставка стала значительным событием в культурной жизни нашей страны, так как позволила советским зрителям познакомиться с произведениями коллекции, которую специалисты оценивают как вторую в мире частную коллекцию после английского королевского собрания.

 Действительно, по своему количественному и качественному составу, по разнообразию разделов коллекция Тиссен-Борнемиса, разместившаяся ныне на берегу озера Лугано в Швейцарии, может соперничать со многими государственными музеями мира. Кроме картин здесь хранятся произведения романской и готической скульптуры, средневековые изделия из слоновой кости, восточные ковры, среди которых есть редчайшие, гобелены, изделия из серебра, ювелирные изделия, драгоценности эпохи Ренессанса, фарфор, мебель, а также предметы для украшения витрин Фаберже.

Коллекция Тиссен-Борнемиса собиралась в течение шестидесяти лет. Основателем её был отец нынешнего владельца — барон Генрих Тиссен, сын крупнейшего в Германии сталелитейного предпринимателя — Августа Тиссена. Однако Генрих Тиссен не интересовался промышленностью, подлинной его страстью стала коллекционерская деятельность. В молодости он женился на венгерке из старинного обедневшего рода Борнемиса и взял вторую фамилию. Семья жила в Венгрии, в замке Рохонц, который дал первое название коллекции — «Коллекция замка Рохонц». Затем они переехали в Голландию, где в 1921 году у них родился сын — Ганс Генрих Тиссен-Борнемис — нынешний владелец коллекции.

Его отец впервые показал собранную им коллекцию картин в 1930 году — в Новой Пинакотеке в Мюнхене; выставка называлась «Собрание замка Рохонц» и получила очень высокую оценку многих авторитетных специалистов того времени. В 1933 году Генрих Тиссен переехал в Швейцарию, где купил у принца Леопольда Прусского имение Вилла Фаворита — постройку в тосканском стиле, на берегу озера Лугано, недалеко от итальянской границы и выстроил там галерею для размещения своей, уже значительной к тому времени коллекции.

После смерти Генриха Тиссен-Борнемиса в 1947 году его коллекция по завещанию была разделена между сыновьями и дочерьми. Тогда Ганс Генрих, нынешний владелец галереи, начал выкупать у своих сестер и брата некоторые произведения, стараясь восстановить коллекцию отца. Так он стал коллекционером и не только восстановил собрание в первоначальном виде, но и значительно расширил его, пополнив многими уникальными произведениями.

Барон Ганс Генрих Тиссен-Борнемис

Из сорока полотен, побывавших на выставке в СССР, двадцать одно было куплено отцом и девятнадцать — бароном Гансом Генрихом. История приобретения некоторых произведений может продемонстрировать трудности, с которыми сталкивался последний владелец, занимаясь коллекционированием. Так, например, на выставке была представлена картина нидерландского художника Петруса Кристуса (1410—1472-73) «Богоматерь сухого древа». В коллекции Тиссена произведение находится с 1965 года. Ранее картина была собственностью его тётки и находилась в Германии, затем она попала к некоему владельцу из Бонна и лишь потом была куплена на аукционе в Швейцарии Гансом Генрихом Тиссеном. Не случайно он так дорожит этой работой, которая во всех отношениях может быть названа уникальной.

На маленькой дубовой дощечке художник Петрус Кристус изобразил богоматерь с младенцем на руках, стоящую как бы на верхушке ствола сухого дерева, ветки которого с шипами образуют подобие тернового венца. Миниатюрная фигурка Марии облачена в ярко-красный плащ с зелёной подкладкой и синее платье. Складки плаща ложатся на безжизненное высохшее дерево. Чёрный фон и тёмно-коричневый венец веток создают атмосферу таинственности. Золотые буквы «А», подвешенные на ветвях, своим мерцанием довершают впечатление особой драгоценности этой картины. С поразительной тонкостью написаны лицо Марии, кротко опустившей глаза, её золотые волосы, рассыпавшиеся по плечам, и совсем маленькая фигурка Христа с крохотными ручками. В левой его руке только очень внимательный зритель заметит золотое яблоко, почти неразличимое невооружённым глазом.

Считается, что пятнадцать подвешенных букв «А» являются символом пятнадцатикратного повторения начальной буквы молитвы «Аве Мария». Сплетающиеся ветки терновника символизируют страдания, которые, по легенде, примет Христос. Яблоко в его руке служит напоминанием о первородном грехе Адама и Евы. Скорее всего картина Кристуса была связана с религиозным «Братством нашей возлюбленной госпожи сухого древа», занимавшимся благотворительной деятельностью, членами которого были сам художник и его жена.

Петрус Кристус «Богоматерь сухого дерева» 1465 г., 14,7 х 12,4 см • Масло, дерево.

Картина Петруса Кристуса — одно из нескольких прекрасных произведений ранней нидерландской живописи, представленных на выставке. Большинство картин этого раздела было приобретено в 1930-е годы. Ещё до этого времени из собрания Вендланд (Базель) в коллекцию Тиссена поступил мужской портрет одного из крупнейших мастеров европейского искусства XV века — нидерландского художника Рогира ван дер Вейдена (1399-1400 — 1464). Этот небольшой оплечный портрет запечатлел, вероятно, одного из представителей нидерландских придворных кругов, точное имя которого пока не удалось узнать. Голова и плечи портретируемого почти сливаются с тёмным фоном. Художник буквально приковывает зрителя к худому скуластому лицу, имеющему почти скульптурную чеканность формы. Жёсткой линией очерчена левая щека, прямыми прядями падают на лоб и на виски тёмные, ровно подстриженные волосы, ещё более усиливая контраст светлого и тёмного. Отстранённость в глазах, резкие складки у рта, плотно сжатые губы подчёркивают внутреннюю напряжённость и полную замкнутость в себе изображённого человека.

Экспозиция выставки позволяла сравнить портрет Рогира ван дер Вейдена с «Портретом молодого человека», выполненным другим нидерландским художником XV века Гансом Мемлингом (1433—1494), Мемлинг учился у Рогира ван дер Вейдена и был моложе своего учителя более чем на тридцать лет. В его искусстве нашли отражение тенденции, свойственные уже следующему этапу развития нидерландской живописи XV столетия.

Мемлинг изобразил модель в таком же трёхчетвертном повороте, что и Рогир, но уменьшил фигуру. Это позволило при том же размере дать поясное изображение, включающее руки. Молодой человек как бы находится в пространстве, наполненном светом. Воздушная дымка смягчает черты его лица, лёгкие пушистые волосы. Фрагмент пейзажа за окном созвучен настроению портретируемого. В глазах его просветлённость, открытость миру, ощущение гармонии и покоя, царящих и в природе и в его сердце. Мемлинг уделил большое внимание изображению костюма: чёрный мех эффектно контрастирует с белой рубашкой и золотистыми шёлковыми лентами. Молитвенная поза свидетельствует, что первоначально этот портрет являлся левой створкой трёхчастного алтаря, в центре которого находилась фигура Богоматери с младенцем. На правой боковой створке был помещён портрет жены портретируемого. Такие триптихи были популярны в Нидерландах того времени.

Ганс Мемлинг «Портрет молодого человека» Дубовая доска, масло.

После расчистки оказалось, что на оборотной стороне портрета, написанного на доске, изображён стол, покрытый ярким ковром, на котором стоит кувшинчик из итальянской майолики с изумительным букетом цветов. Букет составлен из изящных белых лилий, пышных синих ирисов и ажурного кустика водосбора. Расположенный в уголке, освещённом тёплым светом, он кажется чудом; однако не случайно такая святость и тишина ощутимы здесь в простых предметах. Смысл их символичен: на кувшинчике стоят инициалы Христа и крест, согласно легенде,— символ его страданий; белые лилии указывают на чистоту непорочного зачатия Марии, синие ирисы символизируют Марию — царицу небесную, куст водосбора — Богоматерь скорбящую. Натюрморт с букетом цветов, представленный с внешней стороны портрета-створки, указывал, что в центре триптиха находилось изображение Марии с младенцем. Портрет молодого человека является единственным произведением художника Ганса Мемлинга в коллекции Тиссена и наряду с портретом Рогира ван дер Вейдена относится к числу бесспорных шедевров этого собрания.

Необычностью трактовки традиционной темы «Рождества» привлекала на выставке алтарная композиция малоизвестного нидерландского художника Жака Дарэ (ок. 1403-1406—1468). Рядом с поклоняющейся младенцу Богоматерью художник изобразил двух женщин, которые своими яркими одеждами и экзотическими головными уборами диссонируют со скромностью всей сцены. Это героини апокрифической легенды, согласно которой при рождении Христа присутствовали две повитухи. Одна из них — Зеломия — поверила в девственность Марии, а другая — Саломея — усомнилась. В наказание за это у неё отсохли руки, однако она исцелилась, прикоснувшись к новорождённому младенцу. Художник наделяет обеих повитух соответственными выразительными жестами.

Жак Дарэ «Рождение Христа»

С нидерландской живописью XVI века знакомила одна, но очень ценная работа художника Луки Лейденского, явившегося создателем жанровой живописи в Европе (1489-1494—1533). Картина «Игра в карты» считается одним из самых ранних жанровых произведений в Европе. За карточным столом художник представил трёх игроков: в центре женщина, которая, очевидно, выигрывает, так как самое большое количество золотых монет лежит перед ней. Но игра продолжается, и она сделала ход, положив на стол валета. Сидящий слева молодой игрок держит в руке короля. У другого, почти старика, в руке десятка. Оба мужчины напряжённо следят друг за другом. Со времен средневековья карточные игры осуждались как занятия греховные. Игра в карты воплощала также соперничество двух кавалеров за благосклонность дамы. Однако в связи с данной картиной высказывается ещё одна интересная гипотеза: на основании сходства с другими портретами можно опознать в молодом игроке Карла V, в игроке справа — кардинала Уолсей, посла Генриха VIII, дама же может быть Маргаритой Австрийской, регентшей Нидерландов. Картина датируется 1521 годом. Известно, что в этот год Лука Лейденский находился в Брюгге и там же состоялась встреча этих исторических личностей. Таким образом, картина приобретает политический смысл.

Лукас ван Лейден (Лука Лейденский) «Игра в карты» 1525 г. дерево, масло

Наряду с произведениями нидерландских художников лучшую часть коллекции составляют работы немецких живописцев XV—XVI столетий. Тиссен-старший проявлял особенный интерес к этому искусству. В период расцвета своей коллекционерской деятельности — в 1930 годы — он покупал картины старых немецких мастеров через своего агента Рудольфа Гейкеманна, так как, будучи противником нацизма, сам не мог бывать в эти годы в фашистской Германии. Сейчас в коллекции находится более семидесяти работ немецких живописцев, из числа которых на выставке находились две.

Первая — «Вознесение Богоматери» — торжественная композиция с сияющим фоном и ярчайшими красками, в которой представлены апостолы в ярких одеждах, взволнованно наблюдающие за возносящейся па небо фигуркой Марии. Исполненное художником Кербекке (1410-1420—1491), это произведение являлось частью алтаря одной из церквей. Алтарь был давно разрознен, и одна из створок с изображением сцены «Бичевания Христа» находится в Гос. музее изобразительных искусств им. А. С. Пушкина.

Другая картина познакомила советских зрителей с живописью одного из самых выдающихся художников Германии — Альбрехта Альтдорфера (ок. 1480—1538).

«Портрет молодой женщины» — один из двух портретов Альтдорфера, дошедших до наших дней. Вообще этот жанр искусства не был характерен для мастера. Предполагают, что здесь художник изобразил свою жену Барбару фон Бломберг. Женщина предстаёт в костюме зажиточного сословия. Красная юбка, красновато-зелёные рукава и лиф, оттороченные широкими чёрными полосами отделки, сталкиваются в цветовом диссонансе. Она стоит, опустив плечи, скромно, даже застенчиво сложив руки на животе. Её фигура с непропорционально длинными руками кажется чуть нескладной. Лицо с мягкими чертами; во взгляде больших карих глаз выражены не только кротость, но какая-то особая чуткость женской души. Для этого портрета Альтдорфер выбрал тёмно-зелёный фон со вспышками света. Своей неконкретностью он усиливает настроение взволнованности.

Альбрехт Альтдорфер «Портрет молодой женщины» Еловая доска, масло.

Портрет Альтдорфера можно сравнить на выставке с другим женским портретом — знаменитой «Красавицей» («Ла Белла») итальянского художника Пальма Веккио. Художники были ровесниками, оба портрета написаны почти одновременно (ок. 1520—1522). Однако женщины разительно отличаются друг от друга. В них выразилось не только различие типов лиц, моды, но и различие идеалов одной и той же эпохи, эпохи Возрождения, в двух разных странах. Скромности облика и духовной сложности героини Альтдорфера здесь противостоит полнокровная, чувственная красота молодой венецианки. Ослепительна белизна её кожи, оттеняемая блеском золотистых волос, ложащихся на покатые обнажённые плечи. Роскошный синий и красный шёлк пышными складками драпирует её руки. Лицо абсолютно в своей красоте, глаза уверенно и спокойно смотрят на зрителя, раскрывая мироощущение человека, не знающего внутренних сомнений и противоречий. Хотя красавица держит в руках коробку драгоценностей, символизирующих вечность природы и мимолётность жизни, всем своим обликом она утверждает не быстротечность, но совершенство человеческой красоты, которая существует вечно.

Пальма Веккио «Красавица» («Ла Белла) Холст, масло.

Портрет Веккио принадлежит к эпохе Высокого Возрождения, но итальянский раздел открывался самой ранней на выставке работой художника Дуччо ди Буонинсенья (ок. 1255—1319), созданной ещё в эпоху проторенессанса, в начале XIV века. Это композиция «Христос и самаритянка», входившая первоначально в состав знаменитой алтарной композиции, получившей название «Маэста», т. е. «Величество» и исполненной художником между 1308—1311 годами для собора города Сиена. Не случайно композиции алтаря Дуччо сравнивают с роскошными миниатюрами богато иллюстрированного манускрипта, цвет которых напоминает драгоценные камни и слоновую кость. Ганс Генрих приобрел это произведение у Джона Д. Рокфеллера II в Америке в 1971 году. Тиссен-старший в начала своей коллекционерской деятельности не интересовался итальянскими художниками. Но позднее в коллекцию поступили прекрасные работы, причём некоторые из них были куплены при распродаже частных американских собраний в тридцатые годы, когда многие шедевры, уплывшие за океан в конце прошлого столетия, вновь возвращались в Европу. В настоящее время коллекция итальянских мастеров включает восемьдесят картин и относится к ценнейшим разделам собрания Тиссена.

В экспозиции выставки находилось несколько портретов, созданных итальянскими художниками в эпоху Возрождения. Исключительно важное место среди них занимает «Мужской портрет» Антонелло да Мессина (1430— 1479).

Лицо портретируемого, выступающее из чёрного фона, написано с такой пластической силой, а взгляд обращён на зрителя с такой волнующей прямотой, что портрет достигает почти пугающей живости. Всё внимание мастера приковано к лицу, обрамлённому густыми завитками тёмных волос, кажется, поблескивающих в темноте. Белая полоска вокруг глухого ворота и маленькое серебряное украшение у самой шеи являются единственными деталями костюма, растворившегося к черноте фона. Художник добивается редкой индивидуализации образа, создавая характер яркий, живой и сильный. В портрете звучит тот пафос возвышения и значительности человеческой личности, который пронизывает всю гуманистическую культуру эпохи Возрождения.

Антонелло да Мессина «Мужской портрет» 1474-76 гг. 31x26 см

Если Антонелло да Мессина в своём портрете открывает мир духовной глубины человека, то другой живописец эпохи кватроченто — венецианец Витторе Карпаччо (1455—1526) распахивает перед зрителем мир видимый и зримый, прекрасный и разнообразный в замечательном произведении «Молодой рыцарь на фоне пейзажа».

На большом холсте изображён рыцарь в доспехах, стоящий на дороге среди цветов и травы. В глубине — стены дворца, из ворот которого выезжает на лошади оруженосец с копьём в руке. Справа — зеркальная гладь воды, к которой подступает скала с крепостью. Художник населяет этот пейзаж птицами, оленями, зайцами, собаками и так тщательно выписывает детали, что глаз без труда может рассмотреть всё, что изобразил художник и на переднем плане, и вдали. Нежное и тонкое лицо молодого рыцаря диссонирует с воинственностью его облачения.

Только в 1903 году было установлено, что на портрете изображен Франческо Мария делла Ровере, происходивший из старинного знатного рода. В 1508 году он наследовал герцогство Урбино и получил титул герцога Урбинского, а с 1523 года стал главнокомандующим всех военных сил Венеции. Многие предметы, столь непосредственно воспринимаемые сегодня в картине, несут скрытый символический смысл. Например, слева, внизу на земле лежит записка с латинской надписью: «Умереть в мучениях, чем быть униженным». В сочетании с маленьким белым горностаем, пробегающим здесь же по земле, этот девиз служит эмблемой рыцарского неаполитанского ордена горностаев (основанного Фердинандом I).

Сам герцог Франческо Мария делла Ровере не принадлежал к этому ордену, по его дед — герцог урбинский Федериго да Монтефельтро — был одним из его главных членов. Франческо Мария очень гордился своим знаменитым дедом, служившим ему во многом образцом. У ног рыцаря растут синие ирисы, белые лилии и водосбор. Символический смысл этих цветов нам уже известен но натюрморту на оборотной стороне портрета Мемлинга. Их появление в данном произведении связано с именем изображенного, который родился 25 марта, в день Благовещения Богоматери, и своё второе имя — Мария— получил в её честь. Дуб, растущий за спиной рыцаря, также связан с его именем, так как по-итальянски дуб «roverе». Его голые ветви с кое-где оставшимися листочками странно контрастируют с весенним пышный пейзажем всей композиции и указывают на неходящесть красоты, а также — на прекращение рода. В этом портрете заключена целая династическая программа, но с течением времени символика забывается и аллегорический смысл многих деталей уходит, однако в произведении остаётся то благоговейное восхищение красотой мира и природы, которое открывали мастера Возрождения. (Дата и подпись портрета начертаны на маленькой записке, изображенной справа на ветке сухого дерева. Портрет создан в 1510 году и считается одним из первых портретов в рост в европейском искусстве).

Витторе Карпаччо «Молодой рыцарь на фоне пейзажа,» 1510 г.

Хотя Карпаччо работал в Венеции, его искусство осталось в стороне от того подлинно венецианского стиля, создателем которого был художник Джованни Беллини (1430—1516). Все произведения предшественников Беллини покажутся тусклыми по цвету рядом с глубиной сияющих красок его картины «Ныне отпущаеши». Секрет такого красочного эффекта во многом объясняется тем, что Беллини одним из первых стал использовать в полную силу масляную живопись, привезённую из Нидерландов в Италию художником Антонелло да Мессина.

Новая техника давала невиданные ранее возможности в передаче цвета, света, объёма, пейзажа. В этой картине новые живописные приёмы воплотились в полной мере. В величавом и торжественном ритме расставлены полуфигуры на переднем плане. Святая Анна в ярко-зелёном плаще и золотистом платье повернулась в сторону Богоматери, облачённой в пышный тёмно-синий плащ, из рук которой старец Симеон принимает младенца. Согласно легенде, сбылось пророчество, Симеон увидел Христа, и теперь он «отпущен», то есть может умирать.

Нарушая традицию, художник изображает это событие не в преддверии храма, но на фоне пейзажа. Природа посылает из глубины небес сияние света. Он озаряет горы, холмы, пушистую зелень, освещает фигуры, придаёт прекрасным лицам Анны и Марии особую нежность.

Пейзаж обладает таким единством и цельностью, а его эмоциональная роль в картине так велика, что его можно причислить к одному из лучших пейзажей Джованни Беллини.

Джованни Беллини «Ныне отпущаеши»

Венецианскую школу венчал на выставке «Портрет дожа Франческо Вениера» кисти Тициана (1477—1576). На фоне тёмной стены с окном и красноватой драпировкой фигура дожа в парадном золотистом одеянии кажется особенно торжественной. Тонкие оттенки жёлтого с коричневым и красным передают мерцание золотой парчи, затканной цветами. Золотистый свет вспыхивает в складках тяжёлой шёлковой драпировки, смягчая её карминно-красный цвет. Драгоценная красота цвета ещё более подчёркивает болезненность и усталость дожа, его худое лицо с впалыми щеками, большие задумчивые глаза, полные скрытого страдания. Франческо Вениер был избран главой Венецианской республики за два года до смерти — в 1554 году. Когда Тициан писал этот портрет, Франческо Вениер был уже тяжело болен. С трудом превозмогая недуг, позирует дож художнику, словно немного сгибаясь под тяжестью золотой парчи, подбитой мехом. Портрет поражает своим реализмом, трагическим настроением, столь несвойственным парадным портретам.

Тициа́н Вече́ллио «Портрет дожа Франческо Вениера» Холст, масло.

Особое место на выставке принадлежало крестьянскому жанру художника Якопо Бассано (1515—1592). Его искусство сформировалось в тихой итальянской провинции, и он знал крестьян не понаслышке, не по художественным произведениям, но видел их своими глазами и охотно помогал беднякам. В мире величавой природы не менее величественна и жизнь простых людей — так трактует художник свою «Сельскую сцену». Крестьянской трапезе придана особая значительность благодаря большому размеру картины, подчёркнутой пластике форм, обобщенно трактованному пейзажу с мощными деревьями и горами.

XVII столетие представлено в коллекции Тиссена произведениями крупнейших художников всех европейских ведущих школ, за исключением французской. Картины выдающихся мастеров этого времени экспонировались на выставках.

Эпоху XVII столетия открывало произведение великого итальянского живописца Меризи да Караваджо (1573—1610) — «Святая Екатерина Александрийская». Святая Екатерина была приговорена к колесованию, однако перед началом казни каменный град разрушил колесо, и Екатерине отрубили голову мечом. Художник изобразил молодую женщину в костюме простолюдинки, коленопреклонённой на красной парчовой подушке. Её фигура в окружении пышных драпировок заполняет почти весь холст, приобретая подчёркнутую монументальность. Она прислонилась к сломанному колесу, её поза свободна, изящен поворот головы и жест рук, в которых она держит мяч. В лице исследователи отмечали портретное сходство с Катариной Кампани, женой архитектора Онорио Лонги, близкого друга Караваджо. Новизна трактовки святой сказалась не только в светскости образа, но и в той реалистичности и поразительной пластической осязательности, которых не знало искусство до Караваджо. Ясные чёткие линии фиксируют контуры фигуры, черты лица, предметы. Подчёркнут контраст белого, чёрного, тёмно-синего, красного цветов. Свет буквально лепит объём, то резко сталкиваясь с тёмным, то мягко уходя в тень.

Известно, что открытые Караваджо новые возможности и эффекты света привлекли к нему внимание многих европейских художников.

Микеланджело Меризи да Караваджо «Святая Екатерина Александрийская» Холст, масло. 173 x 133 см 1598 г.

Рядом с этой картиной на выставке была представлена работа художника Тербрюггена (1588—1629). Выходец из Голландии, он десять лет своей жизни провёл в Италии, где испытал сильнейшее влияние великого Караваджо.

Интерес к простонародному типажу и эффектам света сказался и в его картине «Исав продаёт своё первородство». Горящая свеча ярко сияет в комнате, бросая отсветы и причудливые тени на лица собравшихся вокруг стола библейских героев. Эта картина совсем недавно куплена Гансом Генрихом Тиссеном из частной коллекции в Ломбардии и впервые была показана на выставке именно в СССР.

Хендрик Тербрюгген «Исав продаёт право первородства за чечевичную похлёбку» 1627 г.

Другие картины голландского раздела знакомили с ведущими мастерами традиционных жанров искусства Голландии XVII века. Имена многих художников хорошо знакомы советским зрителям по музейным собраниям СССР.

Острую индивидуальность модели и непосредственность настроения раскрывает великий голландский живописец Франс Хальс (1581-1585—1666) в своей картине «Рыбак, играющий на скрипке». Играя на скрипке и глядя куда-то в сторону, он широко улыбается, однако в глазах его нетрудно уловить лёгкий оттенок горечи. Загорелое лицо, длинношёрстная голубоватая шапка, одежда и скрипка написаны тем свободным мазком, той «беглой кистью», которые всегда позволяют узнать руку Хальса. Художник раскрывает характер своего героя через его контакт с окружающим миром, создавая особый тип «жанрового портрета». Пейзаж с башней на пригорке и силуэтами фигур на фоне дюн у моря исполнен скорее всего другим мастером (возможно, Питером Молином).

Франс Хальс «Рыбак, играющий на скрипке» Холст, масло.

Четыре пейзажа, представленные на выставке, ярко демонстрировали богатство возможностей этого жанра искусства, столь популярного в Голландии XVII века. В картине Филипса Конинка (1619—1688) «Панорама Гельдерланда» (1655) предстаёт обобщённый образ страны с её просторами, бесконечной сменой рощ и полей, селений и одиноких ферм. Пейзаж отличает эпическая широта, ощущение простора и вечного движения природы.

Поэтическое очарование моря, впервые воспетое именно голландскими художниками, раскрывается в картине Яна ван де Капелле (1624 -1679) «Морское затишье с кораблями». В середине, между кораблями, остаётся свободное пространство, и взгляд беспрепятственно уходит вдаль, где море сливается с небом. Зеркальная гладь поверхности воды и тёплый рассеянный свет придают композиции удивительный эффект спокойствия и тишины.

Ян ван де Капелле «Морское затишье с кораблями»

По контрасту с умиротворённостью природы Капелле «Зимний пейзаж» выдающегося художника Якоба ван Рейсдаля (1628-1629—1682) полон драматизма. Холодное голубое небо затягивают чёрные тучи, тени от которых густым мраком накрывают заснеженную землю. Природа оцепенела: заиндевели деревья, льдом покрылись брёвна, лодки, крыши домов; в мире дарит лютая стужа. Затерянными и маленькими кажутся и этом мире люди. Свет, пробивающийся сквозь тучи, озаряет кирпичную стену одного из домов, создавая мощный цветовой контраст с холодным голубоватым светом и этим усиливая зловещность надвигающегося мрака. Художник интерпретирует зиму как драму природы, которая раскрылась ему одному.

Якоб ван Рейсдаль «Зимний пейзаж» Холст, масло.

Ученик Якоба ван Рейсдаля — Мейндерт Хоббема (1638—1709) был представлен на выставке пейзажем «Деревья у воды», типичным для Голландии XYII века. Низина, болото, корявые деревья, дорога с путниками, и надо всем высокое облачное небо. В основе картины лежит офорт Я. Рейсдаля — очевидно, картина была создана в то время, когда Хоббема был его учеником.

Мейндерт Хоббема «Деревья у воды» Холст, масло.

Одно из ценнейших произведений коллекции Тиссена «Натюрморт с наутилусом» (1660) голландского живописца Виллема Кальфа (1619—1693), который многие исследователи считают лучшим из творений этого мастера.

В темноте фона буквально завораживает драгоценное свечение предметов, расставленных на столе с серебряным подносом и персидским ковром. Надо всеми предметами царит в композиции невиданной красоты кубок из перламутровой раковины морского моллюска наутилуса, оправленный позолоченным серебром. Кубок венчает голова морского чудовища, от которого спасается бегством библейский пророк Иона, ножку кубка поддерживает Нептун.

Словно не выдержал соперничества с такой роскошью, в глубину отступил венецианский бокал, почти растворенный чёрным фоном. Его форму мы угадываем по наполнившему его до половины красному вину и лёгким бликам стекла. Зато ярко-белая с синим орнаментом круглая китайская фарфоровая чаша со снятой крышкой выдвинута вперед. Она подчёркнуто материальна, весома, её пластика ещё более усилена яркими скульптурными фигурками на стенках.

Подчиняясь особому воздействию света, предметы выявляют свою драгоценную сущность: обычный лимон, каждой своей клеточкой впитавший свет, лучится изнутри, а затерявшийся в складках персидского ковра апельсин, освещённый бликом скромного стеклянного бокала, словно покрыт маленькими капельками. Каждая деталь раскрывается зрителю, вплоть до блика на рукоятке ножа, бахромы ковра или угла мраморного стола с несколькими лежащими орехами. Так ещё раз Кальф восхитил нас силой своего необычайного мастерства, способностью передавать красоту предметов реального мира.

Виллем Кальф «Натюрморт с наутилусом» Холст, масло. 1660 г.

В экспозицию голландского раздела выставки были включены также две жанровые композиции. Одна из них — «Непослушный барабанщик» — интимная сценка, исполненная художником Николасом Масом (1634—1693), где молодая мать грозит розгами плачущему сыну, разбудившему спящую в колыбели сестрёнку. В зеркале на стене, над головой женщины, отражается сам художник за мольбертом. Вся сценка — очень красочная, особенно оживляют её красное платье женщины и красная скатерть на столе — как бы превращается в оригинальный портрет семьи художника.

Николас Мас (Маес) «Непослушный барабанщик» Холст, масло. 66×62 см

Автор другой картины — знаменитый живописец Питер де Хоох.

Созданная им композиция «Зал совета бургомистров в ратуше Амстердама» представляет собой интерьер с фигурами. Горожане, изображённые в глубине картины, щеголеватый господин, представленный на переднем плане, девушка, стоящая у открытого окна, неспешностью своих движений, задумчивостью создают ощущение покоя и плавного течения жизни. В огромный зал ратуши проникает свет, льющийся из двухъярусных окон. Он смягчает контуры лиц и фигур, наполняя пространство зала воздухом. Картина интересна ещё и тем, что на ней запечатлён первоначальный облик давно уже перестроенного зала Амстердамской ратуши.

Питер де Хоох «Зал совета бургомистров в ратуше Амстердама» Холст, масло.

Своеобразным дополнением к голландскому разделу были на выставке две работы фламандских живописцев. Одна из них написана выдающимся художником Якобом Йордансом и может служить примером парадного портрета барокко. Произведение подписано самим художником как «Портрет семидесятитрёхлетнего старца», но имени портретируемого установить не удалось. Автор второй композиции «Солдаты, играющие в кости» — малоизвестный живописец Михаэль Свертс (1624—1664).

Михаэль Свертс «Солдаты, играющие в кости» Холст, масло. ок. 1656-1658 г.

Небольшое испанское собрание коллекции Тиссен-Борнемиса отличается качественным подбором.

На выставке в СССР находилось несколько интереснейших работ. Картина Хуана де Фландес (умер в 1519 г.) напоминает о том, что формирование испанской живописи было во многом связано с деятельностью художников-иностранцев. Хуан де Фландес происходил из Нидерландов (о чём свидетельствует его имя) и работал при дворе королевы Изабеллы Кастильской в Испании.

На портрете изображена дочь королевы Изабеллы — принцесса Катарина. Здесь она ещё совсем девочка 11—12 лет, гладко причёсанная, в светлом, голубоватом платье с чёрной отделкой. Бутон алой розы в её руке — символ дома Тюдоров — напоминает о том, что она была обручена с наследником английского престола принцем Артуром. Портрет отличается изяществом рисунка и тонкой колористической гаммой, подобной мерцанию драгоценных эмалей.

Хуан де Фландес Портрет девушки, возможно, Екатерины Арагонской в возрасте 11 лет, или её старшей сестры Иоанны Кастильской ок. 1496 г.

Первым подлинно великим, испанским художником был не испанец, а грек с острова Крит — Доменико Теотокопулос, прозванный испанцами Эль Греко (1541—1614). Одна из двух картин, экспонированных на выставке, носит название «Непорочное зачатие».

Среди облаков, высоко над землей в ночном небе, озарённом вспышками света, парит Богоматерь. Она является абсолютным центром композиции, придавая произведению величавую торжественность. Над её головой в золотом сиянии голубь — символ святого духа, по сторонам — ангелы, молитвенно сложившие руки. На далёкой земле изображено множество предметов, связанных с идеей этого произведения, символизирующего рождение Христа у непорочной девы: роза без шипов и белые лилии — символ чистоты Марии, пальма и кипарис — райские деревья, фонтан живой воды — символ Марии, которая дарует человечеству вечную жизнь в образе Христа.

Вместе с другим вариантом этого сюжета, находящимся в музее Толедо, картина из собрания Тиссена стала прообразом многочисленных изображении «Непорочного зачатия», особенно популярных в Испании XVII века. Второе показанное произведение Эль Греко — «Благовещение».

Эль Греко «Непорочное зачатие» 1605-10 гг. 108x82 см

Совсем в иной мир, реальный и осязательный, дышащий величавым спокойствием ясных лаконичных форм, вводит нас «Святая Касильда» испанского художника Франсиско де Сурбарана (1598—1664).

Молодая женщина, изображённая в рост на нейтральном фоне, как бы медленно проплывает мимо, повернув голову к зрителю. Её прекрасное, лицо обрамляют тёмные длинные волосы, благородную красоту её, облика подчёркивает драгоценно-изысканный костюм. Платье из золотистого шёлка с орнаментом из красных и серебристо-сиреневых цветов украшено каймой жемчуга и драгоценных камней, серебристо-сиреневый плащ с тонким золотым кружевом драпируют её спину. В складках платья святая Касильда держит розы, которые напоминают нам легенду её жизни.

Дочь мавританского правителя Толедо, св. Касильда тайком от отца помогала заключённым в тюрьму христианам.  Когда однажды она несла и тюрьму хлеб, её встретил отец, но чудесным образом хлеб превратился в цветы. Эта картина принадлежала к серии святых и мучениц, исполненных Сурбараном для украшения собора в Севилье. Однако в образах мучениц художник представил знатных дам Андалузии, позировавших ему для этой серии.

Франсиско де Сурбаран «Святая Касильда» Около 1635 г.

Живописной манере Сурбарана очень близки картины художника Хуана ван дер Хамена-и-Леона (1596—1631). Не случайно «Натюрморт» из коллекции Тиссена долгое время приписывали Сурбарану. Кухонная посуда, заботливо расставленная на столе, ярко выделяется на тёмном фоне. Предметы стоят свободно, так что каждый из них утверждает свою пластическую неповторимость, своеобразие формы, красоту цвета, особенность фактуры. Погружаясь в мир каждодневного, художник находит в нём изящество и красочность, раскрывает свою чуткость к красоте повседневного.

Искусство XVIII века составляет один из самых небольших разделов коллекции, однако высокое качество произведений выдающихся художников, собранных здесь, позволяет назвать его одним из интересных. Все лучшие работы этого раздела коллекции были включены в выставку.

«Портрет Джулии Ламы» кисти художника Пьяцетты (1682—1754) демонстрирует развитие итальянской светотеневой живописи в XVII столетии. Джулия Лама была художницей и ученицей Пьяцетты. Автор наделил свою героиню, держащую в руке палитру, томной грацией, как бы подчёркивая, что, занимаясь этим мужским, как тогда считалось, делом, Джулия Лама не утратила своей женственности.

Джованни Баттиста Пьяцетта «Джулия Лама» Около 1715-1720 г.

Одним из прелестных украшений выставки стала «Сцена в гареме» венецианского живописца Джанантонио Гварди (1699—1760).

Маленькие фигурки в ярких одеждах и причудливых головных уборах кажутся героями из сказок «Тысячи и одной ночи». Обращение к «турецким» темам в Италии, подобно «китайщине», популярной в других европейских странах, отражало тягу художников к освобождению от строгих требований академического искусства, стремление дать волю свободной фантазии.

Джанантонио Гварди «Сцена в гареме» Холст, масло. 64х46 см

Изысканность картины Гварди сближает её с произведениями французских художников рококо. Традиционные персонажи — дамы, кавалеры и герой театральных подмостков Пьеро—появляются в изящной картине Антуана Ватто (1684—1721) «Довольный Пьеро».

Меланхолик и мечтатель, вечный неудачник, Пьеро предстает здесь в необычном настроении: он улыбается. Облачённый в свой белый нелепый костюм, Пьеро сидит на садовой скамейке между двумя парочками. Одна дама наигрывает на гитаре, и, полный любовной тоски, на неё взирает застенчивый влюбленный. Хрупкие фигурки в переливающихся одеждах возникают на фоне таинственного осеннего парка. Они принадлежат тому иллюзорному и прекрасному театральному миру, который создал художник в своих произведениях.

Антуан Ватто «Довольный Пьеро»

Искусство Жака Линара относится еще к XVII веку (1600—1645), но в его натюрморте «Цветы в китайской вазе» в красоте сияющих красок, вычурности изрезанных лепестков и листьев, в извивах гибких стеблей словно уже заложено изящество причудливого стиля рококо.

Блестящего расцвета французский натюрморт достигает в творчестве Жана Батиста Симеона Шардена (1699—1779), который был представлен на выставке «Натюрмортом с кувшином и медным котелком». Это единственная работа Шардена в коллекции Тиссена.

Рядом с пышной эффектностью цветов Линара предметы на кухонном столе выглядят особенно скромно. Но вся композиция исполнена с той редкой живописной свободой, которая присуща Шардену. Художник достигает в натюрморте тончайшего соотношения оттенков одного и того же коричневого цвета, по-разному повторённого в окраске стола, чашки, ступки, котелка, стены. Каждый из белых предметов, соединённых вместе на переднем плане,— сыр, кожа лосося, шампиньоны — тоже имеет свой оттенок. Зеленоватый кувшин заставляет ярче звучать все цвета.

Жан Батист Симеон Шарден «Натюрморт с кувшином и медным котелком»

Законодатель художественных вкусов середины XVIII века, главный представитель французского рококо — Франсуа Буше (1703—1770) выступает как скрупулезный бытописатель в редкой для него жанровой сцене «За туалетом».

«Веком мелочей» назвал Вольтер эту эпоху, и с ним можно согласиться, рассматривая картину, героини которой буквально утопают в мелочах. Моделью для дамы, сидящей в кресле, послужила жена художника. Однако эта картина не является портретом, а служит скорее рассказом об образе жизни светской дамы, представленной художником не без иронии.

Франсуа Буше «За туалетом» 1742 г.

Точность рисунка, ювелирная тщательность в проработке деталей в картине Буше сменяет беззаботная лёгкость и удивительная воздушность «Качелей» Оноре Фрагонара (1732—1806).

Оноре Фрагонар «Качели» Холст, масло. 81 × 64,2 см Около 1767 г.

Изысканное изящество французского рококо контрастировало с глубокой трагичностью образов Гойи (1746— 1828).

На выставке великий испанский живописец был представлен двумя работами. Одна из них приобретена для коллекции ещё Тиссеном-старшим.

С редкой проницательностью и необычайной экспрессией изобразил Гойя «знаменитого слепца», «дядюшку Пакете» — старого нищего с паперти церкви Сан Феличе эль Реале, известного всему Мадриду и славившегося своим пением и игрой на гитаре.

Безобразное лицо слепца с чёрным провалом беззубого рта сотрясается в беззвучном смехе. Широкие, плотные мазки и контрасты света и тени не столько формируют объём, сколько разрушают его. Кошмарным видением кажется это жуткое лицо с расплывшимися чертами, возникшее из тьмы и во тьме растворяющееся.

Франсиско Гойя «Дядюшка Пакете»

Подобные работы характерны для позднего периода творчества Гойи, когда он, лишившийся слуха и начавший терять зрение, раскрывал свое трагическое, гротескное восприятие действительности.

На другой картине Гойи слева внизу видна собственноручная надпись художника: «Гойя другу своему Асенсио».

Асенсио Хулио — художник, помогавший ему при исполнении росписей церкви Сан Антонио де ла Флорида в Мадриде. В интерьере этой церкви стоящим у рабочих лесов представил его Гойя. Маленькая фигурка кажется затерянной в пространстве. Но художник раскрывает внутреннюю значительность своей модели, он передаёт эмоциональный накал, который царит в душе художника в момент творчества.

Франсиско Гойя «Асенсио Хулио»

Произведения Гойи завершали экспозицию выставки. Сорок картин тридцати восьми художников составили внушительную панораму европейского искусства.

Собрание Тиссен-Борнемиса продолжает расти и пополняться. Ганс Генрих приобрёл картины европейских и американских художников XIX и XX веков, в настоящее время их более 350.

Он проявляет большой интерес к французскому искусству XIX— XX столетий, не случайно для обменной выставки в Лугано были отобраны сорок произведений французских импрессионистов, постимпрессионистов и мастеров XX века из Музея изобразительных искусств им. А. С. Пушкина и Эрмитажа. Выставка эта прошла в Швейцарии с огромным успехом и вызвала такой же живой интерес у зрителей, как и выставка коллекции Тиссен-Борнемиса, экспонированная у нас в стране.

0. ПОСТНИКОВА

Журнал «Художник» № 5, 1984 г.

На аватаре: Генрих Тиссен, барон Борнемиса де Касон (фото около 1946 г.)  31 октября 1875, Мюльхайм-ан-дер-Рур, Германия — 26 июня 1947, Лугано, Швейцария