Картины художника Владимира Гремитских

 

Живопись и графика московского художника Владимира Георгиевича Гремитских (1916-1991) Продажа картин без посредников.

Сайт принадлежит сыну художника Александру Гремитских.

Выдаётся сертификат подлинности. 

 

Новости
РЕАЛИСТЫ США  увеличить изображение
РЕАЛИСТЫ США

 

ИЗ МУЗЕЕВ СССР

 

В 1959 году советские зрители имели возможность широко ознакомиться с изобразительным искусством США, сначала в Сокольниках, а потом в Государственном музее изобразительных искусств им. А. С. Пушкина. Эти выставки показали две различные тенденции, существующие в американском искусстве.

Устроители Американской национальной выставки в Москве отобрали в основном произведения живописи и скульптуры XX века. Правда, незадолго до закрытия на выставку были привезены картины крупнейших мастеров конца XVIII и XIX века. К сожалению, вследствие плохой экспозиции, отсутствия каталога, аннотаций и кратковременности экспонирования произведения эти остались почти незамеченными. В разделе современного искусства был представлен главным образом абстракционизм в разных его формах и вариантах.

Выставка произведений американских художников из собраний ГМИИ и Государственного Эрмитажа, открытая в «Белом зале» музея с ноября по декабрь, была иной по характеру. На ней были экспонированы в основном работы художников-реалистов США XVIII—XX веков. Несмотря на скромный размер, выставка удачно пополнила наше представление о развитии американского искусства в целом.

 

Изобразительное искусство США не занимало значительного места в ходе развития мировой художественной культуры. Оно мало известно и плохо представлено за пределами США. Даже в самой Америке серьёзное изучение своего художественного наследия началось лишь в сравнительно недавнее время. Выставка в ГМИИ не претендовала на развернутый показ произведений американского искусства; на ней были экспонированы сравнительно немногочисленные работы, которые имеются в советских музеях.

В экспозиции были представлены картины американских художников конца XVIII — начала XIX века, то есть периода сложения национального стиля американского искусства.

 

Художники появились в Америке в XVII веке, это были приезжие мастера: англичане, голландцы, французы. Местные художники не могли получить образования, так как в стране не было художественных институтов.

Первым большим художником был Бенджамин Уэст (1738—1820)—один из основоположников американской живописи.

Рано проявившиеся блестящие способности Уэста к живописи побудили его друзей послать молодого художника на обучение в Европу. В 1759 году он едет в Италию, потом переезжает в Лондон, и с тех пор Уэст уже никогда не видел своей родины. В Англии он быстро приобретает известность, становится придворным художником английского короля, а после смерти Рейнольдса — президентом Лондонской Академии художеств.

Историки искусства часто относят Уэста к английской художественной школе, что не совсем справедливо, ибо многие специфические черты живописи Уэста отличают его от английских мастеров того времени. Это отличие можно было проследить в произведениях, представленных на выставке, особенно в картине «Венера, утешающая Амура, ужаленного пчелой». Классическая, несколько холодная красота женского образа, конкретно реалистическая трактовка тела младенца, чёткий и сухой рисунок придают картине лёгкий оттенок трезвого рационализма и строгого пуританства — черты, которые характеризовали американскую культуру в эпоху Франклина и Джефферсона.

Бенджамин Уэст. Венера, утешающая Амура, ужаленного пчелой. Конец XVIII века.
Бенджамин Уэст. Венера, утешающая Амура, ужаленного пчелой. Конец XVIII века.

 

Уэст был родоначальником национальной исторической живописи XIX века, и этот интерес к истории также можно по праву считать специфической чертой американского искусства, складывавшегося в эпоху бурных потрясений и социально-исторических сдвигов. Об исторической живописи Уэста, Джона Синглтона Копли и Джона Трамбалла давали представление экспонировавшиеся на выставке английские репродукционные гравюры с их произведений.

Бенджамин Уэст. Битва при Ла-Хоге. Холст, масло. 152,7 x 214 см, около 1778 года.
Бенджамин Уэст. Битва при Ла-Хоге. Холст, масло. 152,7 x 214 см, около 1778 года.

Джон Синглтон Копли. Битва при Джерси (Смерть майора Пейрсона). Холст, масло. 1782-1784 гг.
Джон Синглтон Копли. Битва при Джерси (Смерть майора Пейрсона). Холст, масло. 1782-1784 гг.

Джон Трамбалл. Декларация независимости. 1817-1819 гг. Холст, масло.
Джон Трамбалл. Декларация независимости. 1817-1819 гг. Холст, масло.

 

Одним из интереснейших экспонатов выставки был «Портрет Е. И. Дашковой» работы ученика Уэста, крупнейшего американского портретиста конца XVIII — начала XIX века Гилберта Стюарта.

Есть все основания полагать, что здесь изображена жена чрезвычайного посланника и полномочного министра России в Северо-Американском Союзе Андрея Яковлевича Дашкова, занимавшего этот пост с 1808 по 1817 год. Стюарт, который учился и работал в Англии, вернулся в Америку в 1793 году и вплоть до смерти (1828 год) уже не покидал своей родины. Таким образом, можно предположить, что портрет был создан между 1808 и 1817 годами, то есть в последний и наиболее зрелый период творчества Стюарта. Это подтверждается стилистическими особенностями и высоким художественным качеством портрета. Характерное для портретов Стюарта того времени отсутствие парадных аксессуаров, нейтральный тёмный фон, пренебрежение к второстепенным деталям, свободная живописная манера — всё это подчеркивает трепетность лица женщины. «Портрет Е. И. Дашковой» можно отнести к лучшим портретам, созданным Стюартом. (Портрет Евгении Иосифовны Дашковой (Прейссер) до последнего времени находился в запасах Государственного Русского музея и впервые экспонировался на данной выставке.)

Гилберт Стюарт. «Портрет Е. И. Дашковой».
Гилберт Стюарт. «Портрет Е. И. Дашковой».

 

К сожалению, в наших собраниях почти полностью отсутствуют произведения американских художников первой половины и середины XIX века. Преобладающий в искусстве этого периода дух романтического осмысления американской действительности отразился в представленных на выставке раскрашенных литографиях известных мастеров середины века: Н. Карьера, Д. Фуллера, А. П. Жирарде и других. Это пёстрые листы, рассчитанные на массового потребителя. В литографиях изображены колёсные пароходы, в лунную ночь спускающиеся по реке, конки на Бродвее, забавный поезд 50-х годов прошлого столетия.

 

Во второй половине XIX века американское искусство начинает выходить на мировую арену. Д. М. Уистлер, Д. Сарджент, М. Кессет, У. Гомер приобретают широкую известность.

О творчестве крупнейшего американского художника этого периода Джемса Макнейла Уистлера давали представление экспонированные на выставке первоклассные офорты, акварель и этюды маслом. Уистлер считается одним из родоначальников техники современного офорта. Если в ранних своих офортах («Улица в Саверне», «Женщина у окна», «Лондонская улица») он исходит из традиционной для XIX века манеры, передавая пространство, объёмы «светотеневой штриховкой», то в более поздних работах техника его меняется. Несколько лёгких штрихов, положенных на белый или чуть желтоватый лист бумаги, виртуозно передают то яркость солнечного света, заливающего всё пространство пейзажа («Пьяцетта»), то плотную атмосферу влажного воздуха, как бы растворяющего в себе контуры отдельных предметов («Адам и Ева». Старый Челси»). В картинах и акварелях Уистлер блестяще изображает свето-воздушную среду. Его небольшая акварель «Морской смотр в Саутхемптоне», написанная в тончайшей гамме прозрачных зеленоватых и голубоватых тонов, светится изнутри мягким солнечным светом, отражённым морской гладью и смягчённым лёгкими облачками.

Джемс Макнейл Уистлер. Лондонская улица. Офорт.
Джемс Макнейл Уистлер. Лондонская улица. Офорт.

 

Картина Мери Кессет «Мать и дитя» проникнута нежной лирикой материнства. В повышенном звучании цвета и остроте рисунка картины чувствуется влияние французских импрессионистов, в частности Э. Дега, который был учителем художницы.

Импрессионизм получил широкое распространение в американском искусстве конца XIX века. Американские импрессионисты шли за своими европейскими коллегами и не создали своего национального варианта этого течения. В картине М. Кессет и в представленных на выставке ранних картинах Альфреда Маурера трудно найти какие-нибудь специфически американские черты.

Мери Кессет. Мать и дитя. Пастель.
Мери Кессет. Мать и дитя. Пастель.

 

В начале XX века среди передовых художников Америки назревает протест против официального искусства. В 1908 году художники «Группы, восьми» во главе с Р. Генри порывают с официальным искусством и обращаются к непосредственному отображению действительности своей страны.

Ряд экспонированных на выставке произведений — офорт крупнейшего представителя «Группы восьми» Джона Слоуна, являющий собой тонкую сатиру на уходящий XIX век с его вычурными каретами и кучерами в цилиндрах, пышными кринолинами и высокими причёсками дам, со всем его спокойным, размеренным ритмом жизни, офорты Джозефа Пеннелла, изображающие пропитанный дымом и угольной пылью рабочий район Питсбурга,— рассказывают нам о периоде подъёма реалистического искусства США.

Джон Слоун. Китайский ресторан. 1909 г. (Memorial Art Gallery of the University of Rochester)
Джон Слоун. Китайский ресторан. 1909 г. (Memorial Art Gallery of the University of Rochester)

Джозеф Пеннелл «1 апреля 1924 года» Из коллекции Библиотеки Конгресса США.
Джозеф Пеннелл «1 апреля 1924 года» Из коллекции Библиотеки Конгресса США.

Джозеф Пеннелл «Бруклинский мост» Из коллекции Библиотеки Конгресса США.
Джозеф Пеннелл «Бруклинский мост» Из коллекции Библиотеки Конгресса США.

 

В 1920-х годах американское искусство захлёстывает волна модернистских течений. Подлинную сущность этих направлений, ушедших от отображения важных вопросов жизни в область формального экспериментаторства, продемонстрировала выставка американского искусства в Сокольниках.

Раздел искусства XX века на выставке в ГМИИ, который занимал её основную часть, показал другую линию в развитии современного американского искусства. Представленные на выставке произведения свидетельствовали о том, что традиции реалистического, социально направленного искусства, начало которому      положили художники «Группы восьми», продолжают развиваться в американском искусстве на протяжении всего XX века.

 

Подъём реализма начинается в конце 20-х— 30-х годов. Это тяжёлая эпоха для США. В годы экономического кризиса происходит обнищание трудящихся масс, на страданиях народа наживает капитал верхушка общества. Из Европы доносится до Америки тлетворное дыхание фашизма и угроза надвигающейся второй мировой войны; в этой душной атмосфере распадается буржуазное искусство. Оно захлёбывается в бессильной страсти экспрессионистического протеста, безумствует от ужаса сюрреалистических видений и окончательно теряет содержание в бесплодной игре абстрактных форм. Но в эти же годы складывается и новое искусство, которое выступает с критикой социальной действительности.

 

В конце 1920-х годов прогрессивные художники объединяются в «Клуб Джона Рида». Один из активных деятелей этого прогрессивного объединения, Фред Эллис, проходит трудный путь от рабочего-маляра до крупнейшего политического графика современной Америки. Его рисунок «Чёрные и белые, объединяйтесь в борьбе!» и по сей день звучит как пламенный призыв к интернациональной солидарности рабочих.

Фред Эллис. Чёрные и белые, объединяйтесь в борьбе! Литография.
Фред Эллис. Чёрные и белые, объединяйтесь в борьбе! Литография.

 

Острой политической направленностью отличаются графические работы другого известного графика США, Джекоба Бэрка, монументальная форма которых сочетается с выразительностью социального типажа.

 

В развитии американского реализма 20—30-х годов большую роль сыграли мастера карикатуры и монументальных росписей Уильям Гроппер и Антон Рефрежье, график Александр Ставениц и многие другие. Их острые карикатуры и политические рисунки, публикуемые на страницах прогрессивных газет и журналов Америки, в течение многих лет были оружием борьбы американских рабочих с империализмом. Включённые в экспозицию выставки их графические работы, изображающие трущобы бедноты, безработных на улицах Нью-Йорка и полицейских, разгоняющих демонстрации, донесли до нас отзвуки этой напряженной борьбы.

Уильям Гроппер. На заседании Конгресса.
Уильям Гроппер. На заседании Конгресса.

 

Мастером большого графического дарования показал себя в представленных на выставке литографиях Луис Лозовик. Америка небоскрёбов и гигантских строек, страна бескрайних просторов и больших городов предстаёт перед нами в его листах. Художник смотрит на растущую мощь своей родины глазами её подлинного создателя и хозяина — рабочего. Выразителен его лист «Рождение небоскрёба», где фигура рабочего, стоящая на вершине строящегося здания, доминирует над пространством пейзажа и воспринимается как символ творческого начала в этом нагромождении строительных конструкций. Лозовик — мастер острых композиций и неожиданных точек зрения, которые создают в его листах ощущение то бескрайней широты пейзажа, то головокружительной высоты здания.

Взволнованная игра светотени и контрастов обобщённых форм передаёт напряжённую, деловую атмосферу труда.

Луис Лозовик. Рождение небоскрёба. Литография.
Луис Лозовик. Рождение небоскрёба. Литография.

 

Общественная направленность определила характер прогрессивной американской живописи и скульптуры этого периода. Таково произведение Ф. Керка «Жилище бедноты». В этой картине предстает перед зрителем Америка трущоб и трагической нищеты, мы видим страшную жизнь негритянской бедноты.

Работа Морриса Пасса «Нью-Йорк» в условных формах политического гротеска выражает драму маленького человека большого капиталистического города.

 

Тема безработицы тесно переплетается с темой героической борьбы пролетариата против эксплуататоров. Образы рабочих — борцов за свободу были представлены на выставке произведениями скульптуры. Среди них выделялась глубиной раскрытия образа и пластической выразительностью формы «Голова рабочего» известного скульптора США Минны Гаркави. Обобщённая трактовка придавала подлинную монументальность небольшим по размеру скульптурам Адольфа Вольфа, изображающим рабочих-забастовщиков.

Минна Гаркави. Голова рабочего. Бронза.
Минна Гаркави. Голова рабочего. Бронза.

 

Трудным путём поисков новых форм идёт в своем творчестве один из ведущих художников современной Америки — Филип Эвергуд. На выставке был экспонирован первоклассный рисунок Эвергуда, сделанный в технике литографии, которому автор дал ироническое название «Натюрморт».

В небольшой комнате в напряжённых, неудобных позах застыли слуга-японец и супружеская чета, сидящая за столом, на котором лежит газета с бросающимся в глаза заголовком «Бомбардировка Пирл Харбора». В мирный быт этих людей пришла война, правда, пока ещё в виде этого жирного газетного заголовка; она внесла в жизнь людей атмосферу враждебности, подозрительности, отчуждения. Даже обыденные предметы — вилка, стаканчик с яйцом, букетик цветов на столе — приобретают несвойственную им зловещую окраску. Война враждебна человеку, даже призрак её извращает и губит простые человеческие отношения — говорит художник в этом произведении, сделанном в начале второй мировой войны.

Филип Эвергуд. Автопортрет.
Филип Эвергуд. Автопортрет.

 

На выставке экспонировались реалистические произведения 40-х годов ведущих американских художников Чарльза Уайта, Дорис Ли и других.

В настоящее время, несмотря на засилье в американском искусстве абстракционизма, продолжает развиваться линия реалистического, социально направленного искусства. Передовые художники группируются в объединения и союзы для борьбы за реалистическое, народное искусство.

Чарльз Уайт. Жатва. Литография.
Чарльз Уайт. Жатва. Литография.

 

 На выставке были представлены работы членов образовавшейся недавно в Сан-Франциско Графической мастерской, ставящей целью служить своим творчеством «нуждам и прогрессу народа и развитию демократической культуры» (декларация мастерской). Яркий образ руководительницы движения за равноправие негров в Америке Гарриет Табмен воссоздал в своей литографии, пожалуй, наиболее талантливый представитель этой мастерской — Виктор Арнаутов.

Виктор Арнаутов. Уборка хлопка. Литография.
Виктор Арнаутов. Уборка хлопка. Литография.

 

В необычной технике гравюры на фанере выполнены работы А. Рубинштейна. Используя шероховатую, неровную фактуру фанеры, художник добивается передачи воздушной атмосферы, наполняющей его индустриальные пейзажи.

Интересны гравюры на дереве Маргарет Бэрроус — представительницы союза негритянских художников Чикаго. В выразительной, несколько экспрессивной манере Бэрроус чувствуется сильное влияние мексиканской графики.

 

Рокуэлл Кент «Аляска. Вид с Лисьего острова зимой». 1918 1919 гг.
Рокуэлл Кент «Аляска. Вид с Лисьего острова зимой». 1918 1919 гг.

Наиболее полно на выставке было представлено творчество Рокуэлла Кента — крупнейшего современного художника США, продолжателя большой реалистической традиции американского искусства.

В творчестве Кента тесно переплетаются два противоположных начала: его тяга к суровой, первозданной, не тронутой цивилизацией природе и острое чувство современности, пристальный интерес ко всем актуальным проблемам нашего века. Первое ярче всего выражается в его исполненных маслом пейзажах, второе — в графике.

Его пейзажи, проникнутые суровой романтикой могучей природы Севера и героикой труда человека, блестящие иллюстрации к книге Германа Мельвила «Моби Дик, или Белый кит», острые политические рисунки уже знакомы советским зрителям по его персональной выставке, экспонировавшейся в Москве в 1957 году.

Рокуэлл Кент. Иллюстрация к роману Германа Мельвила «Моби Дик, или Белый кит».
Рокуэлл Кент. Иллюстрация к роману Германа Мельвила «Моби Дик, или Белый кит».

Помимо уже известных работ на выставке в ГМИИ было представлено и несколько новых графических листов Кента. В его литографии «Европа— 1946», изображающей сидящую на развалинах символическую женскую фигуру, воплощены мучительные раздумья художника того периода над дальнейшими судьбами послевоенной Европы. «Вечная бдительность — залог свободы» назвал художник другую свою литографию, в которой фигура простого фермера, указывающего на возникший пожар, воспринимается как призыв к человечеству не допустить новой войны.

Рокуэлл Кент. Иллюстрация к роману Германа Мельвила «Моби Дик, или Белый кит».
Рокуэлл Кент. Иллюстрация к роману Германа Мельвила «Моби Дик, или Белый кит».

Идеи борьбы за мир и прогресс захватывают всё большее число американских художников. Они выражают их на своём языке, в разных художественных формах, подчас непохожих на формы нашего искусства. Но передовые идеи должны быть понятны всем, на каком бы языке они ни были выражены. И выставка американского искусства в ГМИИ, которую за двадцать дней посетило семьдесят тысяч человек, явилась ещё одним вкладом в дело взаимопонимания между нашими народами.

 

И. ГОЛОМШТОК

Журнал «Искусство» №5. 1960 г.

 

На аватаре: Рокуэлл Кент. Приближение бури. Масло.