«Я давно понял, что для искусствоведов самовыражение важнее сути.»

Эльдар Рязанов

«Почему я, сын известного московского живописца, детство и юность проведший среди художников, в коллекции которого больше живописи и графики, чем в ином региональном музее, должен слушать искусствоведов, которые отродясь и кисти то в руках не держали?»

Александр Гремитских

 

 

В Википедии термин «картина» применительно к живописи определяется как «произведение искусства, обладающее законченным характером (в отличие от эскиза и этюда) и самостоятельным художественным значением.» Понятия же «этюд», «эскиз» и «набросок» применительно к живописи вообще свалены в Википедии в одну кучу и сводятся к одному понятию – набросок, подготовительный материал к собственно картине художника.

 

Посмотрим, так ли это на практике:

 

Надо сказать, что вся художественная терминология сложилась ещё в XIX веке, если не ещё раньше. Говорить в те времена не только у нас, но и во всей Европе приличным людям полагалось исключительно по-французски, о чём свидетельствуют применяющаяся до сих пор в живописи терминология. Так слово «этюд» происходит от французского «étude», а «эскиз» - от французского же «esquisse», например. Заказчики живописцев жили в основном в весьма просторных, если не сказать больше, помещениях, требовавших декорирования огромными полотнами, писать с натуры которые было, естественно, невозможно. Понятно, что в таких условиях ценился исключительно конечный продукт – большая картина (но он, кстати, и оплачивался исключительно). Поскольку натурные работы, к которым этюды, собственно говоря, относятся, никому вешать на стену и в голову не приходило, за них и денег нельзя было получить, а следовательно они если и писались, то лишь в качестве опорно-зрительного материала для какой-нибудь большой картины и имели даже меньшее значение чем эскизы, которые тщательно выписывались поскольку их надо было представить на утверждение заказчику.

 

Вот откуда, из «времён Очакова и покоренья Крыма», перекочевали давно устаревшие определения художественных терминов в «Википедию»! Да и в другие словари, увы, тоже, а уже оттуда – в наши головы.

 

Однако уже к концу XIX века с демократизацией общества взгляды на то, каким может быть, если можно так выразиться, конечный продукт в живописи, кардинально поменялись. Если французским импрессионистам ещё пеняли именно этюдностью их работ, то уже А.К. Саврасов призывал своих учеников «учиться у натуры». Из русских художников Константин Коровин, например, прославился именно своими натурными этюдами, собственно тематических картин он практически совсем не писал. Мы живём уже в XXI веке, но продолжаем в отношении живописи пользоваться пониманием её терминологии 200-летней давности, парадокс, да и только!

 

Непонимание самых простых, употребляемых в повседневной речи, терминов живописи, на основе столь древнего их понимания, сознательно навязанное широкой публике уважаемыми искусствоведами, которые, как это вполне очевидно, именно что ПРОФЕССИОНАЛЬНО ничего не понимают в искусстве, способно поставить обыкновенного человека в тупик. Поэтому в этой статье хотелось бы рассмотреть основные общеупотребительные термины в живописи применительно уже к современной нам ситуации.

 

ЗНАЧЕНИЯ СЛОВА «ПИСАТЬ» (с ударением на втором слоге, разумеется)

 

В русском языке слово «писать» имеет основное значение «писать буквы и цифры». В живописи профессионалы применяют слово «писать картину» в качестве термина. Если художник и скажет: «Я нарисовал картину», то в данном случае он не пользуется профессиональной терминологией, а просто говорит бытовым языком, как обычные люди, не связанные с художественной деятельностью. В терминологическом понимании рисуют углём, сангиной, карандашом, пастелью, но никак не картину маслом. «Эта картина художника нарисована маслом», - может сказать лишь человек, далёкий от живописи. И ничего в этом страшного нет, это не так уж и важно. Как неважно и то, что Вы не знаете, что такое краплак красный или кадмий жёлтый и слыхом не слыхивали про какую-то там умбру или сиену жжёную. Названия художественных красок, точно обозначающие определённые цвета (ведь и красный, и жёлтый и синий разными бывают), совершенно необязательно знать неспециалисту, да и искусствоведы на такие узкопрофессиональные точные термины не покушаются.

Зато эти господа, «ведающие искусство», а проще говоря, критики, то есть журналисты, пишущие на тему об искусстве, успешно навязали всем остальным людям ложную идею, что в искусстве, мол, «надо разбираться». А кто в искусстве разбирается? Ясное дело, никто кроме искусствоведов!

Таким образом, нам успешно объяснили, что в изобразительном искусстве мы с вами ничего не знаем и не понимаем. И самое интересное, что мы с этим полностью согласны! Кого не спросишь: «Я в живописи не понимаю», «Я в искусстве не разбираюсь»…, и в этом духе.

А в чём тут, собственно говоря, разбираться? Искусство, в том числе и изобразительное, создаётся для нас, простых людей, а не для «специалистов», оно апеллирует к эстетике, во всех нас заложенной природой.  В искусстве для зрителя, читателя, слушателя, есть лишь два критерия – нравится и не нравится. Вы будете читать скучную книгу? Смотреть плохой фильм или пьесу? Будете слушать оперу, музыку, песню, которая Вам не нравится? Вы считаете Казимира Малевича гениальным художником, а Велимира Хлебникова – гениальным поэтом? Нет? Браво! Вы прекрасно разбираетесь в искусстве!

А вот чтобы нас с вами можно было, как выразился Пётр I, «от других незнающих болванов распознать», необходимо, всё-таки, уяснить себе несколько общераспространённых, часто встречающихся в обиходной речи терминов, касающихся в данном случае живописи.

Итак:

 

МАТЕРИАЛ ДЛЯ КАРТИНЫ ХУДОЖНИКА

 

Непрофессионалы с подачи всё тех же искусствоведов обычно считают, что настоящая картина маслом должна быть написана исключительно на холсте, а другие основы вроде художественного картона вообще, мол, не заслуживают внимания. Тогда «Мону Лизу» и картиной считать не стоит, ведь для работы Леонардо использовал доску липы.

Картон, загрунтованный, чтобы краски не впитывались в него, белым составом, так называемым грунтом, состоящим из мела и клея, или цветным грунтом, если это требуется художнику, то есть специальный художественный картон, удивительно удобен для работы, особенно на пленэре. Картон - компактный, достаточно плотный материал, который не пружинит под нажимом кисти, в отличие от холста. Холст под влиянием изменения температуры и влажности в помещении то провисает, то натягивается, краски с него со временем поэтому осыпаются, а с картона - нет. Живопись на картоне долговечна настолько, насколько долговечен сам картон, а по долговечности картон холст даже превосходит.

То же самое можно сказать и об оргалите, хотя он значительно более тяжёлый, чем картон. Советские художники оргалит часто сами грунтовали, а то и просто, для того чтобы удобнее было писать и кисть не пружинила, специально наклеивали грунтованный холст на оргалит. Вот Вам яркий пример, натюрморт с сиренью вполне картинного размера:

В.Г. Гремитских 'Сирень' холст на оргалите масло; 95х120; 1970-е годы

 

А что же холст? Исключительно с ним художники Российской Империи работали до 1862 года, когда русская промышленность стала выпускать художественный картон.

К холсту требуется тяжёлый подрамник плюс хорошая натяжка на него холста. При этом приходится долго ждать, пока краска просохнет после окончания работы, иначе холст нельзя свернуть, так как непросохшие краски слипнутся между собой, и картина будет совершенно испорчена. Сохнуть же краски могут и целый месяц. Вот у художника и начинается вынужденный простой. Для перевозки картина, если она большая, снимается с подрамника, аккуратно сворачивается на большую бобину живописью вверх чтобы не повредить живопись. Следующий этап –  после доставки на место вновь натянуть холст на подрамник, правильно, без перекосов, морщин по углам и провисаний, но и без излишнего натяжения (всё это тоже может повредить живописный слой). А со временем, натянутый на подрамник холст, под действием перемен влажности и температуры может провиснуть или наоборот, слишком сильно натянуться, что может грозить даже разрывом холста. Это, в свою очередь, может вызвать осыпь красочного слоя, погубив или испортив живопись. Вот поэтому то в залах и запасниках художественных музеев так строго следят за постоянством влажности и температуры.

Художественный картон имеет немало достоинств. Он лёгкий, уезжая на пленэр его можно поместить в специальную деревянную рамку с зажимами, имеющую сверху ремённую ручку для переноски. Представление об этом полезном приспособлении даёт сохранившийся в бумагах моего отца чертёж такой рамки для этюдов, которую отец заказывал какому-то столяру. Вот этот чертёж:

 

 

 

 

 

 

Иногда живописец берёт с собой на этюды сразу два картона. Сначала используется один, а затем, если

изменилось освещение или настроение или привлёк внимание какой-то другой мотив, художник берёт второй картон и пишет уже на нём. Окончив работу, он переворачивает картоны сырой пока ещё живописью внутрь рамки и закрепляет их зажимами. Друг друга картоны не касаются. Живопись при этом остаётся целой и невредимой. Сохнуть она будет в мастерской.

Поэтому после 1862 года, когда  было налажено промышленное производство грунтованного художественного картона, живописцы постепенно всё больше стали ездить на пленэр с картонами.

Господа искусствоведы, которые обо всём этом вообще ничего не знают, да и сами ни одного этюда не написали, презрительно относятся к художественному картону, отчего-то считая живопись на картоне заведомо незаконченной, исходя при этом лишь из того, что на картоне пишутся в основном этюды, которые, как мы увидим ниже, всегда законченные, тщательно проработанные произведения, зачастую требующие очень большого труда. Мало того, было ещё изобретено слово «этюдность», используемое как синоним недоделанности, небрежности и… незавершённости! Но позвольте спросить, какое отношение имеет небрежность исполнения или незавершённость картины к тому, на чём она написана? Да и этюдов на холстах разве не бывает?

 

Кстати, картина в стиле соцреализма советского художника Николая Овчинникова «В цеху», которую в сентябре 2016 года В.В. Путин подарил на день рождения Д.А. Медведеву написана именно на картоне.

Николай Овчинников «В цеху» картон, масло

Строго говоря, это не картина, а натурный этюд, выполненный художником непосредственно в заводском цехе, но об этой терминологии речь пойдёт ниже.

 

Самое главное – это не материал, на который нанесена живопись, а то, как сумел художник отразить действительность, настроение, свои ощущения и предать их зрителю. Материал основы, будь то холст, картон, оргалит, бумага, доска или даже тонкое оцинкованное железо, к этому никакого отношения не имеет. Важен талант, опыт, хорошая художественная школа. Рассказывают, что в Абрамцево у С.И. Мамонтова как-то раз меняли на доме крышу. М.А. Врубель подобрал кусок кровельного железа и написал на нём сирень. Так что ж теперь, это не Врубель?

 

Вот «Портрет Смирновой Д.П., работницы Трёхгорной мануфактуры, депутата Верховного Совета СССР»

С.Ф. Соловьёв 'Портрет Смирновой Д.П., работницы Трёхгорной мануфактуры, депутата Верховного Совета СССР'

работы советского художника Сергея Фёдоровича Соловьёва. Он тоже выполнен на оцинкованном железе. Портрет, в силу его более чем скромных размеров 37,5х31,5 см и столь официозного названия, явно представляет собой натурный этюд для большого заказного портрета передовика производства. Видимо, когда модель явилась для позирования в мастерскую художника, у того не оказалось под рукой ничего другого, вот он и написал вполне законченный небольшой женский портрет, который потом, возможно с некоторыми незначительными изменениями, перенёс на большой холст.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Иногда, в силу тогдашнего дефицита во всём, советские художники писали масляными красками даже на бумаге, совершенно для этого не предназначенной. Так, в частности, иногда поступал и мой отец. Потом, уже после смерти отца, мне пришлось наклеивать эту бумагу на картон. ("Выпал снег" бумага на картоне, масло; 61,5х82; 1969 год )

В.Г. Гремитских 'Выпал снег' бумага на картоне, масло; 61,5х82; 1969 год

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Да что там, писали даже на мешковине от распоротых мешков! И неплохо получалось!

Вот, например,  работа отца "Председатель". История у неё такая: отец получил командировку в один из колхозов на Алтае, где-то под Бийском, с заданием написать тамошнего председателя, Героя Социалистического труда. В колхозе, естественно, никакого холста, а тем более грунтованного, не оказалось, посему отец распорол какой-то огромный мешок, натянул на импровизированный, тут же сколоченный подрамник, загрунтовал мешковину и написал портрет председателя. Впоследствии, уже через 50 лет после событий, мне пришлось перетягивать эту работу на уже нормальный подрамник. 

В.Г. Гремитских 'Председатель' мешковина, масло; 113х83 1962 год

Или вот осенний пейзаж "Багряная осень", написанный отцом где-то в глухой деревне тоже по аналогичной технологии:

 

В.Г. Гремитских 'Багряная осень' мешковина, масло; 90х60; год неизвестен

 

Таким образом: ЕСЛИ ВЫ ПИШЕТЕ ОГРОМНУЮ МНОГОМЕТРОВУЮ КАРТИНУ, волей-неволей придётся писать её на холсте ИСКЛЮЧИТЕЛЬНО ИЗ СООБРАЖЕНИЙ ПОСЛЕДУЮЩЕЙ ТРАНСПОРТИРОВКИ, а не для того чтобы она представляла собой художественную ценность!

 

В остальных случаях всё равно на чём писать, иначе бы первые, купленные П.М. Третьяковым два ЭТЮДА М.А. Врубеля НА КАРТОНЕ, никакой бы художественной ценности не представляли.

 

 

ЭТЮДЫ И ЭСКИЗЫ

 

Этюд – это, всё-таки, что ни говорите, вполне законченная, относительно небольшая по размеру именно натурная работа, которая выполнена на пленэре (пейзаж) или, скажем, в мастерской (натюрморт, портрет) и является вполне самостоятельным произведением. Впрочем, этюды могут также использоваться в дальнейшем для написания большой картины, иногда даже огромного многометрового полотна, что возможно уже исключительно в мастерской. Этюд, особенно это касается пейзажей, чаще всего имеет размеры, грубо говоря, не превышающие 60 на 80 см, то есть размер, удобный для переноски одним человеком. Вот пример такого натурного этюда:

В.Г. Гремитских 'Август в Жигулях' холст на оргалите; 60х80; 1950-е годы

 

Этюд может быть односеансовым, написанным за один сеанс, то есть за один день. Но это бывает достаточно редко, гораздо чаще этюд требует нескольких, а то и множества сеансов. Многосеансовый этюд, особенно если это натурный пейзаж, иногда требует нескольких лет работы. Обыкновенно это происходит тогда, когда резко и надолго меняется погода, и нужное состояние теперь появится уже в следующем году.  Ну, например, Вы пишите золотую осень при ярком солнце, остаётся ещё пара сеансов, а тут на целый месяц зарядили дожди, поневоле надо будет приезжать на это место на следующий год.

Таким образом, этюд – это натурная работа, законченное художественное произведение, на которое живописцем потрачено изрядное количество труда, то есть, говоря бытовым языком, законченная картина маслом относительно небольшого размера.

Конечно же, есть и незаконченные этюды, но незаконченной бывает и многометровая большая картина. Так что, как мы видим, давно устарелое, уже более 100 лет как потерявшее своё прежнее значение, представление уважаемых искусствоведов о том, что этюд – это непременно нечто незаконченное и имеющее незначительную художественную ценность, которое они, к сожалению, прочно вложили нам с вами в голову, и что отражено, увы, даже в словарях, сегодня уже давно не имеет под собой ни малейшего основания.

 

ЭСКИЗ

 

Эскиз отличается от этюда тем, что он всегда делается исключительно в целях подготовки к большой тематической картине (многофигурная композиция на какую-то определённую тему. «Утро стрелецкой казни» Сурикова, например). Законченность присутствует в эскизе не всегда, и в этом случае он носит характер наброска. Давайте сравним два эскиза к большим работам советской художницы Клавдии Тутеволь. В первом случае эскиз делался для себя, в качестве рабочего материала (Эскиз панно для павильона "Космос" на ВДНХ)

К.А. Тутеволь 'Эскиз панно для павильона 'Космос' 44х65; бумага, темпера; 1958 год

Во втором же случае (Эскиз потолочного плафона театра оперы и балета им. Абая в Алма-Ате) эскиз был выполнен для утверждения художественным советом, о чём свидетельствуют подписи и штампы в нижней и верхней левых частях эскиза. Поэтому он полностью завершён и отделан, никакой эскизностью, т.е. небрежностью или недоделанностью здесь и не пахнет. В архитектуре, например, это был бы макет соответствующего архитектурного сооружения.

К.А. Тутеволь 'Плафон для театра им. Абая' холст, смешанная техника; 130х158; 1958 год

 

А вот вроде бы на первый взгляд вполне законченная картина «Первомайская демонстрация на проспекте 25 октября» размером 89х61 см  1930 год, которая хранится в  ГРМ. На самом деле это эскиз картины размером 253х200 см, которая экспонировалась на выставке в 1935 году в Русском музее, и была закончена И.З. Бродским в 1934 году, а сейчас находится в собрании Третьяковской галереи. Помимо размеров, приличный по размерам эскиз 1930 года и большая окончательная тематическая картина Исаака Бродского отличаются друг от друга также некоторыми деталями.

Как видим, эскиз может иметь вид, и даже размер, вполне законченной тематической картины, так что если не знать историю создания картины, то подчас и не отличить одного от другого.

 

И.З. Бродский «Первомайская демонстрация на проспекте 25 октября» 89х61 см 1930 год.

 

Для большей наглядности приведу ещё один пример:

 

Вот картина известнейшего советского художника Семёна Афанасьевича Чуйкова, хранящаяся в Третьяковской галерее:

Чуйков Семён Афанасьевич. Утро. Холст, масло 120 х 150 см. 1947 г. Государственная Третьяковская галерея.

А вот эскиз к этой картине:

Чуйков Семён Афанасьевич. Эскиз к картине «Утро». Холст, масло. 45х36 см. Находится в семье художника.

Сравните оба варианта.

 

Кроме того, эскиз к картине может представлять собой вполне законченное, и даже тщательно выписанное или прорисованное, изображение кисти руки, ноги, уха, лица, фигуры или головы человека, лошади, собаки, других животных, или же даже трактор, грузовик, какой либо предмет, либо часть одежды, всё, что в данный момент интересует живописца, в общем, что угодно, что может войти в будущую большую картину художника. Причём всё это иногда может умещаться на одном и том же куске холста, картона или оргалита. 

В.Г. Гремитских 'Стройка Куйбышевской ГЭС. Эскизы.' картон, масло; 33,5х44; 1952 год

Такие эскизы, иногда незавершённые, небрежно, наспех выполненные называются ещё набросками, то есть то, что художник в процессе замысла большой многофигурной композиции «набросал» на листе бумаги, картона, холста и т.д. 

В.Г. Гремитских 'Базар. Наброски.' холст. масло; 47х53,; конец 1930-х годов

Кроме того, набросками именуются ещё и быстрые зарисовки, сделанные художником спонтанно, под влиянием момента. Примером может служить набросок В.Г. Гремитских "В гостях" 25,5х17 бумага, карандаш; 1940-е годы.

В.Г. Гремитских 'В гостях' бумага, карандаш; 25,5х17; 1940-е годы

Как видим, художник на первом же подвернувшемся под руку клочке обёрточной бумаги просто так, для себя, зарисовал простым карандашом, тоже видимо, подвернувшимся под руку, наблюдаемую им жанровую сценку.

А вот московский художник Игорь Радоман сделал набросок с моего отца, отдыхающего на кровати или диване в доме творчества художников «Академическая дача»:

 

А этот набросок карандашом, изображающий моего отца, другой известный советский художник Николай Соломин сделал на заседании МОСХа:

Художники на всяких, многочисленных в советское время собраниях и заседаниях вообще постоянно скучали, и равлекались тем, что делали карандашные наброски друг друга. У меня в коллекции есть много подобных набросков самых разных художников.

 

 Набросок может быть сделан не только карандашом, но и масляными красками, сангиной, пастелью, углём, пером, да чем угодно, даже шариковой ручкой, ибо истинный художник ни минуты прожить без своей профессии не может. У художников-реалистов это просто какая-то профессиональная мания на уровне условного рефлекса, требующего постоянной тренировки, совершенствования мастерства, что, собственно и отличает настоящего художника, ежедневно и ежечасно посвящающего всю свою жизнь искусству, от так называемых «современных» художников и авангардистов которым ничего и уметь то не надо, а следовательно и тренировки никакой не требуется – нет мастерства, нечего и оттачивать, знай себе малюй квадраты да треугольники!

Кстати, набросок, в зависимости от времени, которое есть у художника на его выполнение, может переходить и во вполне законченный рисунок. Вот перед нами вполне законченный детский портрет карандашом «Володя за игрой» муромского живописца Василия Васильевича Серова, но тем не менее – это набросок!

В.В. Серов 'Володя за игрой' бумага, карандаш; 13.5х18; 21.01.1935 год

Эскизы – это подспорье в процессе работы художника над большой тематической картиной. Эскизы делают не только маслом, но и углём или карандашом, темперой и т.д. В эскизе, кроме того, может быть скомпонована вся будущая большая многофигурная картина художника.

В качестве примера можно привести два эскиза к большой тематической картине «Полководцы Гражданской войны» советского художника Григория Гордона, собственно говоря, представляющей собой групповой портрет наиболее известных красных командиров Гражданской войны.

Г.М. Гордон Эскиз к картине 'Полководцы Гражданской войны' бумага, темпера; 49х82; 1972-75 годы

Сначала живописец решил было просто выстроить их всех в ряд на фоне красного знамени,

но затем такая композиция ему показалась скучной, и он решил её несколько усложнить:

Г.М. Гордон Второй эскиз к картине 'Полководцы Гражданской войны' бумага, темпера; 53х83; 1972-75 годы

Как видим, в данном случае эскизы выполнены темперой, и кроме того, несмотря на эскизность обеих работ, т.е. незавершённость и кажущуюся небрежность исполнения, все герои будущей большой картины вполне узнаваемы. Мы ясно видим Ворошилова, Будённого, Щорса, Фрунзе, Чапаева, Пархоменко и т.д.

А вот эскиз к большой тематической картине «Арест Александра Ульянова» уже упоминавшегося муромского художника В.В. Серова: 

В.В. Серов 'Арест А.Ульянова' картон, масло; 35х41; 1950-е годы

Конечно, итог, скорее всего, будет отличаться от первоначального замысла. У истинного художника, как правило, новая вещь не выходит из головы. Он постоянно углублён в интересующую его тему. Обдумывает её, передумывает, много наблюдает, читает соответствующую литературу. Если в будущей тематической картине присутствует пейзаж, пишутся соответствующие натурные этюды, которые впоследствии, обычно в несколько изменённом виде, переносятся на картину. Иногда на большую картину переносятся отдельные детали сразу с нескольких натурных этюдов.

Однако же натурный этюд, в отличие от эскиза и наброска, - произведение, как мы уже видели,  самостоятельное и обязательно вполне законченное. Вот вам яркий пример. Получив заказ на большую тематическую картину «Ленин и Горький в Горках», отец специально весной 1952 года много раз ездил в подмосковные Горки Ленинские и написал там два больших этюда, оба на холсте. Сначала «Горки. Весна. холст, масло; 60х80 см»,

В.Г. Гремитских «Горки. Весна. холст, масло; 60х80; 1952 год»,

а потом - «В Горках Ленинских  холст, масло; 78.5х57 см».

В.Г. Гремитских «В Горках Ленинских холст, масло; 78.5х57; 1952 год».

 

Впоследствии, на окончательной большой картине, отец взял за основу второй этюд, чуть отодвинул ступени, а перед ними поставил Максима Горького, беседующего с Лениным. От этюда ««Горки. Весна.» он взял более раннее состояние природы на заднем плане, значительно уменьшив сам пейзаж с беседкой по сравнению с центральными фигурами. Тем не менее, оба этюда, каждый сам по себе представляет собой вполне законченный самостоятельный парковый пейзаж, ничем не отличающийся от других многочисленных натурных пейзажей отца.

 

Если бы я не поведал тут эту историю, Вы, будь Вы хоть трижды искусствоведом, ни за что бы не догадались что обе эти работы использовались для создания картины соцреализма, не так ли? Так как же можно говорить о том, что этюды не обладают законченным характером и самостоятельным художественным значением? (Вспомним определение в Википедии).

 

Большая тематическая многофигурная картина требует огромного и продолжительного труда над ней, наличия огромного количества эскизов и этюдов. Её пишут исключительно в мастерской, часто по многу лет. Возьмите хотя бы А. А. Иванова с его огромной картиной «Явление Христа народу» над которой художник трудился двадцать лет -  с 1837 по 1857 год, или же Василия Сурикова, работавшего над каждой своей картиной по три – пять лет.

 

В ЧЁМ ОТЛИЧИЕ КАРТИНЫ ОТ ЭТЮДА?

 

Этюд, будучи самостоятельным и вполне законченным художественным произведением, отличается от картины прежде всего тем, что он пишется с натуры. Картину же пишут исключительно в мастерской на основе огромного количества материала – этюдов, эскизов, набросков, карандашных зарисовок и фотографий. Иногда приходится изучать большое количество литературы и периодики, при этом сюжет, то есть тема картины, придумывается самим художником, либо диктуется заказчиком. И ещё, что самое важное, в картине всегда воплощается ПРЕДВАРИТЕЛЬНЫЙ ЗАМЫСЕЛ ХУДОЖНИКА, в то время как этюд ПИШЕТСЯ В ОСНОВНОМ СПОНТАННО – берёт художник этюдник и идёт искать мотив, т.е. вид, который он будет писать. Где увидел, там остановился и пишет.

Не составляют исключения и этюды, написанные специально для создания больших тематических картин. В том случае, о котором я говорил выше, отец сначала нашёл беседку в Горках Ленинских, решил, что перед ней и поставит Ленина с Горьким, а уж затем написал с натуры два этюда с этой беседкой.

В основном можно сказать, что всё, что пишется с натуры – это этюд, будь то пейзаж, натюрморт или портрет, а всё, что требует предварительного замысла, длительной работы с многочисленными и разнообразными подготовительными материалами – это картина.

Однозначно картиной можно назвать эпохальное полотно большого, а иногда и просто огромного размера. Был такой художник Генрих Ипполитович Семирадский. Так он писал такие большие картины, что они в мастерской были подвешены к потолку и доходили до пола, причём, заметьте, дело происходило далеко не в хрущобе. Поэтому академику и профессору Императорской Академии художеств приходилось постоянно лазить на лестницу, такие у него бывали иногда громадные работы. У Г.И. Семирадского были в основном большие фантазийные картины на античные темы, сюжеты которых он брал из головы, поскольку реальную жизнь Древней Греции и Рима времён императора Нерона воочию наблюдать, он, естественно, не мог.

 

Однако картина может быть и довольно скромного размера, особенно это касается жанровых картин, то есть картин художников с изображением бытовых сценок. Например, знаменитое «Сватовство майора» Павла Федотова, имеет вполне этюдный размер - всего 58,3х75 см. Но, как сами понимаете, писана она явно не с натуры прямо в купеческой гостиной.

Павел Федотов 'Сватовство майора'

 

Историческая картина вообще вещь исключительно фантазийная. Оба брата Васнецова, например, писали на историческом материале, но очень разном. Один воссоздавал быт и архитектуру Москвы XIV и XVII столетий, другой за основу брал русские народные сказки и былины. Но если Аполлинарий, серьёзно, на научном уровне, занимавшийся историей и археологией, состоявший членом различных исторических и археологических обществ, будучи страстным сторонником распространения знаний по истории, стремился воссоздать быт и виды средневековой Москвы «так как оно было» на основе древних документов и результатов археологических раскопок, в которых иногда и сам лично принимал участие, то картины его старшего брата, Виктора, носили уже чисто фантазийный характер.

 

Батальные картины относятся к той же категории. Писать их с натуры прямо на поле боя, как это представляют себе некоторые дамы от искусствоведения, просто смешно. Знаменитый русский баталист В.В. Верещагин, лично наблюдавший множество сражений, и иногда даже принимавший в них непосредственное участие, свои картины писал исключительно по памяти, естественно в мастерской, опираясь на многочисленные зарисовки, сделанные им на театрах военных действий. Кроме того, Василий Васильевич много читал, опрашивал очевидцев, тратил огромные деньги на реквизит - скупал оружие, форму, снаряжение, которое затем рисовал с натуры, приготовляя, таким образом, эскизы к картинам, которые он задумал.

 

Большие картины, изображающие пейзаж, тоже вещи не натурные, а выдуманные художником из головы и сделанные на основе натурных этюдов. Есть даже такой термин - "пейзаж-картина".*

Однажды мне довелось видеть этюд, размером примерно 60 на 80 см, на основе которого И.И. Шишкин написал свою знаменитую большую картину «Рожь» размером уже 107 на 187 см. Этюд был на холсте и изображал всё то же самое, что и на картине, только дорога шла не прямо от зрителя к соснам, а несколько вбок и количество сосен было другое. В данном случае натурный этюд явно послужил основой для создания большой картины с пейзажем, но он и сам по себе представляет вполне законченное и тщательно проработанное произведение. 

И.И. Шишкин 'Рожь' холст, масло; 107х187; 1878 год

 

Таким образом, можно говорить не только об эскизе к картине, но и об этюде к картине, если этюд специально к ней пишется. Чаще всего это касается именно пейзажа. Если бы И.И. Шишкин ограничился упомянутым выше этюдом, и по какой-либо причине не стал писать по нему работу большого размера, то сейчас бы искусствоведы Третьяковской галереи хвастались картиной И.И. Шишкина «Рожь» 60х80 см, не подозревая о том, что это натурный этюд.

 

 

ПОДВЕДЁМ ИТОГИ:

 

•        Картина, в отличие от этюда, обязательно требует предварительного замысла художника, длительного обдумывания, и всегда отличается тщательностью исполнения и отделки, так сказать выписанностью. Картина любого размера всегда пишется художником в мастерской на основе самого разнообразного материала: фотографий, подготовительных эскизов и набросков и, если это необходимо, опираясь на заранее написанные натурные этюды. Картина, даже небольшая по формату, а уж тем более больших размеров, всегда пишется не на пленэре, даже если это пейзаж (попробуйте-ка потаскать с собой в поле или в лес этакую махину!), а в мастерской художника. Большая картина пишется непременно на холсте, что обусловлено не чем иным, как исключительно удобством больших холстов для транспортировки.

 

•        Тематическая картина – как следует из самого термина, это картина на какую-либо определённую тему. Чаще всего это многофигурная композиция большого размера. Этот термин возник уже в советском искусствоведении, поэтому его чаще всего применяют к произведениям так называемого соцреализма, например, на тему Гражданской, Великой Отечественной войны, или, скажем, «Ленин в Октябре».  Поскольку размеры таких произведений зачастую просто огромны, живописец, естественно, работает над такой картиной в своей мастерской, и пишет её на холсте. «Запорожцы пишут письмо турецкому султану» И.Е. Репина, размер которой 2,03 на 3,58 метра, в принципе тоже можно назвать тематической картиной, хотя социалистическим реализмом там и не пахнет. Она тоже была написана Ильёй Ефимовичем именно в мастерской на базе множества эскизов и этюдов, также как и, например, «Бурлаки на Волге» (1,31 на 2,81 м).

 

•        Жанровая картина – название происходит от французского слова «genre» - это работа обычно

небольшого размера, изображающая какую-либо сценку из жизни. Например широко известная картина русского художника Павла Федотова (1815—1852) «Сватовство майора», о которой уже говорилось, имеет размер всего лишь 58,3 на 75,4 см. Его же «Свежий кавалер» и того меньше -  48,2 на 42,5 см, и тем не менее художник работал над этой небольшой жанровой картиной девять месяцев!

 

Небольшая жанровая картина может быть выполнена не только на холсте, но и на картоне или оргалите. Этот материал стал широко распространяться уже в XX столетии.

 

Есть ещё и такое понятие как жанровый портрет. Просто портрет – это портрет человека на нейтральном фоне, а вот когда есть задний план, на котором изображены предметы, люди или даже промышленный пейзаж, подсказывающие зрителю, например род занятий изображённого человека, то это уже жанровый портрет. В качестве примера можно привести жанровый женский портрет "Ветеран шахтёрского труда" работы уже упоминавшейся здесь советской художницы Клавдии Александровны Тутеволь:

 

•        Этюд, как мы уже говорили выше, – это вполне законченное самостоятельное произведение, но непременно натурное. Он является вполне самостоятельным художественным произведением, но может выступать и как вспомогательный материал для большой картины художника, что отнюдь не умаляет его художественной ценности. Это может быть натюрморт, портрет, пейзаж, интерьер. Этюд, в силу его относительно небольших размеров, пишут на всех вышеперечисленных материалах, но главное в нём, конечно же, качество работы живописца, его умение выстроить композицию в натюрморте, отразить характер модели в портрете, передать волнение или покой моря, холод зимнего леса, красоту заката, прелесть золотой осени или весеннее настроение природы в пейзаже.

 

•        Эскиз – произведение вспомогательное, его назначение зафиксировать замысел композиции будущей

Э.Д. Ишмаметов 'Целинники' картон, масло; 40х30; 1959 год

тематической картины. В качестве примера возьмём эскиз к картине "Целинники" Э. Д. Ишмаметова. В нём художник разработал композицию и колорит, характеры, позы персонажей, а затем написал большую картину на эту тему. Эскиз к картине живописец всегда очень тщательно продумывает. Обычно для эскиза характерна некая незаконченность, незавершённость. Это обусловлено тем, что художнику чаще всего и не надо его заканчивать, тут другая задача - разработка вариантов композиции будущей картины, доработка её первоначального замысла. Поэтому эскиз чаще всего носит характер наброска. Но это может быть и вполне законченная тщательно прорисованная работа, особенно когда эскиз предназначен для утверждения приёмной комиссией, как мы уже видели на примере эскиза плафона для театра им. Абая в Алма-Ате работы Клавдии Тутеволь и на примере работы И. Бродского «Первомайская демонстрация на проспекте 25 октября».

 

 

 

 

•        Набросок, если он делается в процессе работы над картиной   – произведение тоже чисто вспомогательное, незаконченное, детально не прорисованное. 

В.Г. Гремитских 'Танец' картон, масло; 30х21; 1950-е годы

Он пишется или рисуется быстро, но небрежности у хороших художников в нём не бывает. Можно быстро прописать, скажем, голову модели, из которой позже получится великолепный законченный портрет, или же сделать быструю зарисовку какой-нибудь фигуры, которая может впоследствии понадобиться для создания композиции большой картины, а набросок останется самостоятельным произведением, интересным для коллекционеров и любителей. Вот, например, набросок В.Г. Гремитских «Танец»:

Однако, как мы видели выше, наброски могут носить и вполне самостоятельный характер.

Эскиз тоже обыкновенно носит характер наброска, но эскиз - это по сути план будущей картины, всей её композиции, в то время как набросок к картине - это быстрая зарисовка чего-нибудь, что может быть в принципе включено в будущую картину.

 

 

 

 

О НЕКОТОРЫХ ДРУГИХ РАСПРОСТРАНЁННЫХ ТЕРМИНАХ В ЖИВОПИСИ:

 

КОПИЯ И АВТОРСКОЕ ПОВТОРЕНИЕ

 

Копия - это когда картину какого-нибудь художника копирует другой художник. Или студент художественного ВУЗа в целях тренировки. Копия всегда повторяет чужую картину в мельчайших деталях.

 

Авторское повторение - это когда свою картину повторяет сам автор. Например А.И. Лактионов неоднократно получал заказы на авторское повторение своей знаменитой картины "Письмо с фронта". Он умер, не закончив восьмое повторение этой работы.

Поскольку авторское повторение художник делает обычно по памяти, оно может отличаться от оригинального варианта некоторыми незначительными деталями.

 

Авторское повторение стоит практически столько же, сколько и первоначальный оригинал, иногда может быть примерно процентов на пять, десять дешевле.

 

Копии картин, особенно студенческие копии, не стоят практически ничего, а уж по сравнению с оригиналом - тем более. 

 

Копии картин, выполненные с целью продать их по цене настоящих картин художника, именуются подделками. Подделки могут быть очень высокого качества. Чтобы отличить качественно сделанные подделки от оригинала требуется дорогостоящая техническая экспертиза. Но это уже уголовно наказуемое деяние, квалифицируемое как мошенничество.

 

Я однажды очень удивился, узнав, что стаффаж – это «картина маслом без чёткой прорисовки фигур людей или животных». На самом деле стаффаж – это мелкие фигурки людей или животных, вписанные художником в пейзаж для его оживления.

 

Ещё один термин из пейзажной живописи – камертон. Это яркое пятно, контрастирующее в общим фоном пейзажа. Обычно это какой-нибудь стаффаж. Примером может служить работа ташкентского художника 

В.М. Ковинина «Горный пейзаж» с фигурой девочки, одетой в яркую красную национальную одежду.

 

Полотно

 

Странно, когда полотном называют любую масляную живопись, даже небольшого размера, да ещё и написанную на картоне. «Полотно — это гладкая и плотная льняная ткань простейшего переплетения; самые тонкие сорта называли батистом, самые грубые — холстом, парусиной, равендуком и пр.» (Википедия). Таким образом, полотно ни картоном, ни оргалитом быть никак не может, применительно к живописи. Это однозначно холст.

В живописи полотном называют картины огромных размеров да ещё обычно на какую-нибудь эпохальную тему. Таким образом, можно сказать, что из-под кисти Василия Сурикова выходили исключительно полотна, а вот Константин Коровин прославился в основном своими этюдными работами. Если «Девятый вал» Айвазовского можно вполне назвать полотном, то применительно к уже упоминавшейся маленькой работе «Свежий кавалер» Федотова это будет просто смешно, несмотря на то, что она тоже написана на холсте.

 

Грунт

Ещё немного о грунтах: А что такое левкас? Это особый грунт, тоже на основе мела, которым покрывают деревянную доску. Раньше в Западной Европе на досках часто писались картины, на Руси – иконы, причём всегда. Это крайне неудобный материал. В Голландии в своё время доски сушили по 50 лет, только после этого их брали в работу. Сейчас художники редко используют левкас, так как краска вместе с толстым слоем грунта со временем или от лёгкого удара легко скалывается. Да и современные иконописцы всё реже и реже им пользуются.

 

В заключение приведу ещё несколько иллюстраций для наглядности:

 

Работа В.Г. Гремитских, которая так и называется - "Этюд". Это по сути, как следует из самого названия, натурный односеансовый жанровый портрет рабочей, написанный прямо на её рабочем месте на строительстве Куйбышевской ГЭС. 

В.Г. Гремитских 'Этюд' картон, масло; 37х28; 1952 год

 

А вот жанровый портрет работы ташкентского художника Валерия Ковинина:

В.М. Ковинин 'Портрет художника Щупака' холст, масло; 67х112; 1979 год

Это уже явно не односеансовый портрет, тут художник своего коллегу, послужившего ему моделью, явно изрядно помучил количеством сеансов, что видно и из тщательной выписанности работы, и из её размеров. Но тем не менее этот мужской портрет не картина, а многосеансовый натурный этюд, что нисколько не умаляет его художественной ценности.

 

В доказательство этого последнего утверждения рассмотрим знаменитый женский портрет «Девушка, освещённая солнцем». Свою кузину, Марию Симонович В.А. Серов писал с натуры всё лето 1888 года, ловя каждый солнечный день (в пасмурные дни он писал пейзаж «Заросший пруд»). Предварительный замысел (выше мы говорили, что  у знаменитого художника тоже отсутствовал, ему просто захотелось, по его словам, «написать что-то отрадное».

 

Таким образом, здесь мы имеем дело ни с чем иным, как с типичным многосеансовым натурным этюдом, написанным по наитию, по мгновенно возникшему желанию. На счастье П.М. Третьякова, который приобрёл эту работу, тогда ещё не ведали, что «Этюд — в изобразительном искусстве — подготовительный набросок для будущего произведения.» (Википедия) Да и Валентин Серов проявил крайнюю степень непрофессионализма, потратив на каких-то два подготовительных наброска – портрет девушки и пейзаж с прудом, аж 90 дней!

 

Можно было бы привести ещё множество подобных примеров, но боюсь, я уже сильно утомил читателя. Надеюсь, мне всё-таки удалось внести свою скромную лепту в разъяснение широкой публике некоторых наиболее употребительных художественных терминов, в которых иногда, что греха таить, путаются даже сами художники.

 

Александр Гремитских

 

* Процесс создания пейзажа-картины великолепно описан в статье Ю. Осмоловского «Пейзаж-картина в творчестве трёх советских мастеров (В. Мешков, С. Чуйков, Г. Нисский» https://ruskartina.ru/article_35.html

 

На аватаре: В.М. Ковинин "На воскресный базар. Каракалпакия." холст, масло 98х178. 1971 год (Это типичная большая жанровая картина)