Картины художника Владимира Гремитских

 

Живопись и графика московского художника Владимира Георгиевича Гремитских (1916-1991) Продажа картин без посредников.

Сайт принадлежит сыну художника Александру Гремитских.

Выдаётся сертификат подлинности. 

 

Новости
РИСУНКИ ИЗ УСАДЬБЫ ЛУКИНО-ВАРИНО

 

Произведения искусства, находившиеся некогда в усадьбе Лукино-Варино, что в 25 км к северо-востоку от Москвы, ныне разрозненные по музеям и частным собраниям, по существу никогда не исследовались. Кроме хранившихся там живописных фамильных портретов конца XVIII века, не менее интересным было и собрание рисунков — в частности, портреты хозяев и их гостей, летом бывавших в усадьбе, а зимой в петербургских и московских домах. Достаточно сказать, что среди них находились портреты работы О. Кипренского, А. Орловского, П. Соколова и других известных русских и западноевропейских художников. Если они и публиковались, то в большинстве случаев как портреты неизвестных.

 

С конца XVIII века поместье последовательно принадлежало Измайловым, Одоевским, Ланским, а с конца XIX века—Шишовым и позже Поляковым. Наибольший интерес для исследования представляет начало XIX века, когда поместье именовалось Варино — по имени её владелицы Варвары Ивановны Одоевской (1790—1845) в замужестве Ланской, Здесь она родилась,- воспитывалась, и позже усадьба была постоянной летней резиденцией её семьи. По рождению она принадлежала к семье военной аристократии. Её дед по матери — генерал. И. Измайлов, участник взятия Берлина в 1760 г., отец генерал И. Одоевский, принадлежал к знатнейшему роду князей Рюриковичей. Сын её кузена — поэт, декабрист Александр Одоевский — в юности встречался с ней в доме родственников, где Варвара Ивановна воспитывалась с 17 лет после смерти обоих родителей. Это была семья Варвары Александровны, урождённой Одоевской, и её мужа, Д. С. Ланского.

Муж В. И. Одоевской, владелицы имения Варино, С. С. Ланской к делу декабристов не привлекался благодаря влиянию своего дяди В. С. Ланского, бывшего в тот период министром внутренних дел России. Удалившись после восстания декабристов из Петербурга, он несколько лет провёл в Варине.

Кстати, впоследствии он многое делал для возвращения декабристов и отмены крепостного права, В № 25 «Колокола» за 1858 г. в конце «письма редактору» есть постскриптум: «как только будет можно без вреда для крестьянского дела, я сообщу Вам некоторые подробности о том, как вынудил Ланской начать освобождение крестьян».

 

О. Кипренским выполнен портрет С. С. Ланского. Он датируется 1813 г., когда Ланской брал у художника уроки рисования, но, очевидно, завершён был позже. Рисунок исполнен был не по заказу и оставался у Кипренского до его смерти, последовавшей в Риме. Пересланный в Петербург в 1836 году, портрет попал в Варино, где хранился до начала XX века, а позже был в частных собраниях Москвы и Ленинграда. В последнее время он значился как портрет неизвестного. В 1976 г. криминалисты кафедры МГУ им. М. Ломоносова установили совпадение черт лица портретируемого с достоверными изображениями С. С. Ланского.

Можно предположить, что и другой рисунок О. Кипренского, датированный 19 февраля 1813 г., ныне хранящийся в ГРМ как портрет неизвестного, также является портретом С. С. Ланского.

 

В доме Ланских Кипренским тогда же был создан один из поэтичнейших рисунков, моделью для которого послужил прибывший из действующей армии И. И. Одоевский (младший), бывший с 1812 г. адъютантом генерала А. Тормасова. Прибыв в Петербург 20 января 1813 г., он 1 марта уже возвращается в армию, а в начале 1814 г. был убит в бою на подступах к Парижу. На выставке в Третьяковской галерее, открытой к 100-летию со дня смерти О. Кипренского, этот рисунок экспонировался как портрет неизвестного. В настоящее время его местонахождение неизвестно.

 

Многие «портреты неизвестных» работы О. Кипренского оказываются портретами лиц, заметных в истории русской культуры. Поэтому особенно интересно добиваться определения личности изображённого. Так, например, существует пастель О. Кипренского «Портрет неизвестной» (1823), некогда тоже бывшая в Варино, воспроизведенная в книге Н. Врангеля «Кипренский в частных собраниях». Сравнивая её с акварелью, находящейся в музее А. С. Пушкина в Москве и изображающей Ольгу Степановну Ланскую, сестру владельца Варина, можно убедиться, что и пастель представляет собой портрет О. С. Ланской, которая в суровые дни 1826 г. вышла замуж за В. Ф. Одоевского и была известна как хозяйка петербургского музыкального салона.

Другой пример — рисунок, хранящийся в харьковском музее. Есть основания предполагать, судя по сходству с портретом её сына и фотографиям её в старости, что на нём изображена мать В. Ф. Одоевского — Екатерина Алексеевна Одоевская, бравшая в 1815 г. в доме Ланских уроки рисования у О. Кипренского, обладавшая многими талантами, до замужества бывшая крепостной.

 

Из работ О. Кипренского, украшавших одну из комнат Лукина-Варина, была и его копия картины Ж. Тестелена «Святое семейство», выполненная углём в 1828 г., не подписанная, а лишь датированная художником. В то время он делал копии и жил их продажей, хотя тщательно скрывал это. С 1961 г. работа хранится в Казахской гос. художественной галерее им. Т. Г. Шевченко в Алма-Ате.

Есть основания предполагать, что этот заказ был дан Кипренскому не случайно: родные видели сходство В. И. Ланской с образом, созданным Тестеленом. Подтверждает это сходство и портрет В. И. Ланской, написанный в 1815 г. Я. Рейхелем. Позже портрет перешёл в собрание её дочери, А. С. Перфильевой, той самой, которая изображена у неё на руках.

 

По портретам О. Кипренского можно судить об отношении художника к модели. Были портреты, говорящие о восхищении портретируемой личностью, были и беспощадные. К числу последних можно отнести рисунок 1812 г. из Гос. музея латышского и русского искусства в Риге. По сходству с достоверными портретами Д. С. Ланского, широко известного по литературным произведениям, описывающим события 14 декабря 1825 г., на этом рисунке мы видим именно его. Сохранилось также шаржированное изображение Д. С. Ланского работы неизвестного художника, бывшее в Лукине-Варине, ныне же находящееся в собрании А. А. Шишова.

 

Из рисунков, сохранившихся до начала XX века в Лукине-Варине, были и работы А. Орловского. В частности, изображение ближайшего друга Ланских Михаила Юрьевича Виельгорского, а также рисунок 1803 г., по-видимому, изображающий отца В. И. Ланской — И. И. Одоевского-старшего.

Среди рисунков П. Соколова, бывших в Варине, можно назвать портреты детей В. И. Ланского (1826), хранящиеся в Третьяковской галерее и, возможно, тогда же сделанный замечательный рисунок-портрет, напоминающий кузена хозяйки Варина — И. С. Одоевского, отца поэта-декабриста. Ныне этот рисунок находится в Гос. литературном музее в Москве и считается по сей день портретом неизвестного.

 

Сохранялись в Лукине-Варине до начала XX века и учебные рисунки самих Ланских, исполнявшиеся под руководством О. Кипренского в 1810-е годы в Петербурге.

После смерти С.С. Ланского портреты, оставшиеся в Лукине-Варине, мало интересовали новых владельцев, а потому и приобретались коллекционерами.

 

А. ШИШОВ

Журнал «Художник», №10, 1979 г.

ДЫХАНИЕ ДАЛЁКИХ ПРОСТРАНСТВ

 

После окончания Московского художественного института им. В, И. Сурикова шесть лет я жил на Дальнем Востоке, на Камчатке.

Годы работы здесь, встречи с самыми разнообразными людьми этой земли, то человеческое тепло и понимание, без которого трудно что-либо сделать, считаю для себя большой жизненной ценностью. Человек, его характер, вся его деятельность, поставленные в трудные условия тех мест, привлекали и привлекают меня. Могучая первозданная природа с её эпическими пейзажами, с шумом птичьих базаров, с плеском нерестового хода рыбы, лежбищами котиков, моржей, с бесчисленными стадами оленей — всё это я мысленно приравниваю к чудесам, сотворенным руками и сердцем человека.

 

В первых странствиях по любимой мною Камчатке наряду с натурными рисунками, этюдами я сделал несколько готовых листов — хотелось побыстрее реализовать увиденное в композиционном решении.

 

Вначале отнёсся к ним как к эскизам будущих работ. Но попытки в мастерской усовершенствовать листы привели лишь к их выхолащиванию, сделали их более рациональными. По-видимому, непосредственность, невольно присутствующая при работе на месте, была важнее, чем «очищение» листа от некоторых шероховатостей. Работать в поездках мне оказалось легче. Ведь композиция видится вначале в общих чертах, частности подсказывает реализация задуманного. И если что-то не дорисовал, не досмотрел, достаточно было взять альбом и снова пойти туда, где родился замысел.

 

С того времени я часто именно так и работаю, если длительность поездки это позволяет.

Сжатость времени подстёгивает в работе, тогда как дома, в мастерской, часто растекаешься «мыслью по древу», возникают варианты, которые не всегда лучше первого. Сам ритм походной жизни, когда всё подчинено работе и нет никаких забот, кроме рисования, создаёт нужный настрой.

 

Для меня очень важен выбор мотива. Увиденный в натуре или придуманный по впечатлению, он рождает пластически ясное и спаянное ядро композиции, которое и определяет содержание будущего листа. В случае удачи, что бывает отнюдь не часто, натура подсказывает композицию, которая охватывается глазом сразу, как иероглиф, знак. Существенно, когда в основе композиции заложено общее графическое решение, которое определит тональную структуру листа.

 

О тоне говорю потому, что в последние годы больше рисую чёрным и белым. Иной раз решение вытекает из зарисовок, сделанных на натуре, но это в значительной степени зависит от того, как увиденное легло на бумагу, насколько выразительным получился рисунок. В конечном итоге набирается много листовых, полулистовых рисунков и беглых альбомных зарисовок, которые иногда точно передают мимолётность движения и даже портретные характеристики, хотя порой рука с карандашом плохо двигалась на морозе. Подчас без этого калейдоскопа набросков невозможно что- то сделать.

 

Рисую я в основном гуашью, и поэтому кладка краски, мера её пастозности или свечения бумаги из-под тонко прописанного играет существенную роль. Меня устраивает гуашь как материал, предполагающий локальные, обобщённые решения. С течением времени я приспособился к многократным, переписываниям отдельных частей листа, но всё же беречь поверхность приходится чрезвычайно внимательно из-за свойств этого материала. Многократность переписок возникает из желания упростить работу и привести к стилевому единству.

 

Особые сложности испытываешь, рисуя человека, Человеческое лицо, пластика, конструкция его фигуры бесконечно индивидуальны и выразительны. И потому в процессе работы над окончательным вариантом листа стараюсь за обобщённостью трактовки образа человека не потерять неповторимость характеристики.

Людей я люблю рисовать и стремлюсь, чтобы рисунок воспроизводил их с максимальным сходством. Изображать человека интересно и ответственно, и если даже в композиции масштаб людей относительно листа невелик, я стараюсь нарисовать их конкретно.

 

Длительная работа над листом подсказывает, без каких частностей он может существовать, и только тогда я их убираю. В итоге оставляю самые существенные признаки предметного мира, не мешающие условности языка. Меру перспективной глубины, иллюзорности пространства стараюсь привести к равновесию с общим стилевым решением.

Весь этот ход работы, о котором я попытался рассказать, на деле отнюдь не строен: ведь многое подсказывается чувством, интуицией, теми неуправляемыми логикой эмоциями, которые не раскладываются на составные части.

Подобные проблемы обычно возникают уже в мастерской. Иной раз я пытаюсь решить их и при работе на натуре. Это требует полной мобилизации всех художнических и физических сия, но желание высказаться заставляет трансформировать увиденное сразу, не откладывая на какой-либо срок.

 

В работах начала шестидесятых годов я пытался разобраться в том потоке информации о нашей и зарубежной художественной жизни, который меня поразил на выставках и в музеях Москвы. Поэтому в листах того времени, может быть, меньше момента личностного, достаточной прочувствованности того, что нарисовано. Но, пожалуй, именно на этом этапе я всерьёз столкнулся с проблемой отношения искусства и жизни.

Это видно и по моим работам тех лет, которые в достаточной мере были ориентированы на поразившие меня образцы.

 

Образцы были разные, и потому мои листы тоже различные по стилю и задачам. В иных — явный прицел на классику, в других — деформация рисунка, использование наклеек, различных фактур навеяны искусством нового времени. Я увидел, что условность произведений ряда современных художников каким-то неведомым образом передаёт полноту ощущений, а сами изобразительные средства при всей условности всё же несут в себе те же законы композиции, пластической и цветовой гармонии, которые выработаны талантом многих предшественников.

 

Как мне теперь представляется, практическое использование и прямое заимствование языка различных изобразительных систем на раннем этапе творчества помогли мне, кроме всего прочего, избавиться от излишней натурности рисования, подтолкнули к поиску своего языка. И с тех пор задача переложения увиденного на свой строй художественного мышления становится моим главным делом.

 

За последние годы я побывал в различных местах страны. Равнинная, плоская Западная Сибирь без привычного «картинного» пейзажа, ритмы строящейся нефтяной индустрии, своеобразная красота природы Бурятии, волжские просторы — все это в значительной мере помогла почувствовать и понять работа на Камчатке.

 

Возвращаясь мысленно к творчеству мастеров, у которых учишься в течение жизни, поражаешься остроте реакции на окружающее. И меня всё больше беспокоит в последнее время то «выключение» активного художнического мышления, которое я испытываю, возвращаясь из очередной поездки. Видимо, это результат привычки рисовать заведомо интересное и неиспользованное многократно другими художниками. Поэтому, наверное, в мастерской я испытываю нередко желание преодолеть инерцию хода работы, где иной раз что-то движется само по себе, и сделать что-то другое. Однако я не очень верю взрывоподобным изменениям творческого почерка. Индивидуальное вырабатывается всё же годами многолетнего углублённого труда на натуре.

 

Работаю я в свободных техниках, и вопрос обращения к: офорту, гравюре и т. д. представляет для меня определённые трудности.

Обычный путь графика — это капитальное освоение смолоду, как правило, со студенческой скамьи, одной из техник и многолетняя работа в излюбленном материале. Реже художник меняет материал и уж совсем редко универсально работает во многих.

 

С первых лет занятий графикой работа в материале меня стесняла и тем, что от замысла до воплощения проходит много времени, и той спецификой мышления, которая показалась мне чуждой.

В то же время я люблю большое искусство мастера ксилографии В. Фаворского со всем его чудесным арсеналом средств, лёгкость и артистичность произведений Е. Кибрика, где прелесть литографии неотрывна от пантеистической Ласочки, от героических тем и образов его творчества, люблю и таинственную драгоценную глубину офортов И. Нивинского, сочетающих классику с современностью. Трудно представить все эти произведения вне материала, средства которого каждый из мастеров так органично использовал в своём творчестве.

Длительное время я совсем не обращался к эстампу и лишь недавно начал заниматься офортом. Сделал несколько офортных серий и почувствовал, что работа в материале даёт много полезного в смысле дисциплины, воспитывает культуру графического мышления. Хочется продолжить работу в этой области.

 

Почти всем художникам рано или поздно приходится сталкиваться с темами, необычными для их творчества. Такой необычной для меня темой оказалась военная.

Я всегда изображал природу и людей, чей внешний и внутренний облик несёт отпечаток странствий по безбрежным просторам Дальнего Востока. Часто и подолгу жил я зимой в избушках охотников-промысловиков, в палатках оленеводов, на вельботе ездил с уэленскими косторезами на охоту за моржами, рисовал зверобоев на Командорах.

Когда мне впервые предложили сделать серию для одной из юбилейных военных выставок, я был полон сомнений. Однако, проработав в воинских частях, убедился, что и здесь много интересного. Красивая, современная техника, быстрые, ловкие движения матросов, военный корабль, фантастичный и в море, и у чётких линий пирса, сам типаж современного молодого воина, определенная эстетика, распространяющаяся на всё, начиная от того, как повешены шинели в раздевалке и кончая стилем планировки и архитектуры военного городка, — всё увлекло.

Я бы сказал, что и пейзаж в контексте военной темы несёт в себе другие свойства. Теперь я часто бываю у пограничников, уже без связи с предстоящими выставками, с удовольствием рисую знакомую мне армейскую жизнь и вижу тот интерес, который проявляет к этой теме зритель.

 

Довольно сложной для меня оказалась подготовка к выставке 1978 года «Художники России — рыбакам». Вроде бы и рисовал я рыбаков до этого, сделал цикл работ в офорте о камчатских рыбаках. На сей же раз нужно было каждый лист серии делать на заданную тему. После многолетней привычки рисовать только то, что выбираешь сам (а темы работ складывались по ходу дела, достаточно свободно), сюжетная заданность поначалу стесняла. Однако, попав в современные светлые цехи рыбозавода, я увидел, что последовательность работы людей, их образы, специфичность движений помогают найти решение. Причудливый силуэт массы перекинутых через блок сетей, напоминающий своими очертаниями конус вулкана, блеск влажной, в светлом жемчуге капель прорезиненной одежды женщин, работающих в коптильном цехе, — всё это было нужным дополнением для будущих композиций. Оказалось, что трудности работы над новой темой вполне преодолимы.

 

Долго я не рисковал браться за «не свои» темы, считая, что должен заниматься чем-то одним. Сейчас мне кажется, что это было не совсем верно. Художники во все времена делали то, что им предлагалось, и сейчас в ряде случаев мы уже не знаем, что для автора было главным, своим, а что ему казалось второстепенным.

Во многих произведениях, вошедших в историю советского искусства и созданных в разное время к тематическим выставкам «10 лет РККА», «Индустрия социализма», «Спорт в СССР» и т. д., ощущаются пульс времени, дыхание эпохи. К сожалению, в последние годы мы, художники, теряем универсализм, присущий людям искусства двадцатых—тридцатых годов, творческий диапазон которых был чрезвычайно широк — от круглой скульптуры, росписей, живописи до журнальных рисунков.

И это было явлением не единичным. Быть может, потому так монументально смотрится графика А. Дейнеки, а гравюры В. Фаворского выдерживают многократное увеличение.

 

Сейчас же, особенно в крупных городах, специализация художника всё более суживается, оформляясь даже организационно. Так внутри секции графики существуют свои «республики» книжников, плакатистов, станковистов, а у станковой графики в свою очередь — эстампа и уникальной, ручной графики.

Я, подобно многим моим сверстникам, работаю в основном в станковой графике, которая сложилась как явление в последние несколько десятилетий.

 

Мне думается, что эволюция языка станковой графики в сторону усложнения объясняется во многом тем, что она становится все более самостоятельной, обосабливается от других видов графики. Нынешняя функция станковой графики как бы вынуждает её нести свойства, характерные прежде для картины. Отсюда невиданно крупный «выставочный» размер листов и всё увеличивающаяся многодельность как отражение желания художника удержать зрителя для более длительного рассматривания произведения.

Технически некоторые листы столь сложно выполнены, что даже профессионал не всегда разгадает, как это сделано.

В ряде случаев мне нравятся коллажные работы с введением в изображение текста, с использованием фотографий, либо состоящие из ряда композиций, объединённых монтажно в один лист. С помощью подобных приёмов художники стремятся, как мне кажется, вернуть станковой графике то, что хотя бы чисто зрительно связывает её с полиграфией.

 

Прежде, уезжая рисовать, я целиком полагался и зависел от того, что увижу. Теперь я стараюсь мысленно представить себе стилистику будущего цикла, масштаб людей в листе и даже в какой-то степени предугадываю будущие сюжеты. Это как бы защитная реакция на многолетнюю «открытость» жизненным впечатлениям, нежелание становиться на позицию одного лишь фиксирования увиденного. Иногда я импровизирую по поводу увиденного, так как это даёт больше возможностей выразить своё отношение, иной раз совмещаю в одном листе увиденное в разных поездках.

 

Специфика работы в многолистовых сериях вынуждает собирать большой по объёму материал. Чтобы серия была разнообразной и отражала тему достаточно полно, приходится много раз переезжать в поисках того, что нужно для осуществления замысла. На БАМе, например, я собирал материал вначале в районе Северобайкальска и Улькана, затем в Якутии, от Нерюнгри до Золотинки и Тынды.

 

Общее усложнение языка графики, видимо, коснулось и моей работы, во всяком случае её пластической стороны, но от этого она становится менее мобильной: часто из длительной поездки возвращаешься с очень небольшим количеством листов.

Встречающаяся в моих работах сюжетность меньше всего задумывается мною как нечто литературное и не играет определяющей роли. Стараюсь строить работы так, чтобы с первого взгляда, издали можно было их понять. Пластическая сторона дела — одна из главных моих забот. Стараюсь избегать в рисовании того, что не увидел и не прочувствовал сам, а также использования атрибутов повышенной эмоциональности. Избегаю подчёркивать экзотичность, этнографические подробности, ибо места, где я бываю, богаты тем и другим.

 

За время поездок скопилось много рисунков, этюдов, казалось бы, пригодных для работы на долгие годы. На деле же оказывается, что собрать универсальный материал для многолетнего употребления невозможно. То рисуешь и обращаешь внимание на одно, а затем волнует совсем другое, ставишь новые задачи и по-иному смотришь даже на хорошо знакомые места. Поэтому пользоваться материалом прежних лет чаще приходится в случаях, когда нужна какая- то достоверная деталь, пожалуй, не больше. Реставрировать же свежесть первоначального ощущения для новой работы по прежде сделанному мне не удается.

 

В последний год я рисовал строителей БАМа. Рисовал с удовольствием и радовался, если удавалось передать портретное сходство. Когда выпал снег, новая красота появилась вокруг — костры, которыми окружает себя работающий на морозе человек, взрытая чёрная, мёрзлая земля на белом снегу. Закопчённые бочки с разогревающимся гудроном, парящем на морозе, костёр под ковшом экскаватора, разведённый, чтобы обколоть намёрзшую породу, — всё это я ввёл в серию. Думаю, подобные детали трудно было бы придумать самому. Невозможно извлечь их и из зарисовок, сделанных ранее. Для того чтобы на подъёме выполнить новые листы, нужны свежие впечатления, новые задачи.

 

В поездках я часто встречаю своих коллег. В самых дальних местах, как бы ни были они труднодоступны, всё-таки порой увидишь загорелого до черноты человека с этюдником. Стало нормой появление на выставках произведений, рассказывающих о людях, работающих на краю света.

В бытность мою на Камчатке приехал туда в полугодовую поездку один уже немолодой живописец. Ему не повезло: заболел, вырезали аппендикс. Однако, едва отлежавшись, художник сел на пароход и продолжил путь на Север. Случай, конечно, исключительный, но то, что художник не вернулся с половины пути домой, хотя моральное право на это было, сумел настроить себя и результативно работать, служит для меня образцом выдержки и мужества.

 

Я знаю множество примеров, когда, проявляя бездну терпения, художники тратят много сил и времени, чтобы добраться до нужных для них мест. Поскольку я тоже немало езжу и хорошо представляю трудности, связанные с переездами и работой, я внимательно и с уважением смотрю на произведения, где есть «дыхание больших пространств», и задаюсь вопросом: что же заставляет их авторов так далеко и надолго уезжать, расставаться с близкими людьми, откладывать другие дела? Мне думается, ими движет не только художническая активность, не только первооткрывательская тяга к романтике, но и чувство гражданственности, стремление увидеть самому необъятные края нашей земли и соприкоснуться с жизнью людей, её осваивающих.

 

Р. ЯУШЕВ

Журнал «Художник №10, 1979 г.

ВЕЧЕР ПАМЯТИ МОСКОВСКОГО ХУДОЖНИКА С. ВИКТОРОВА

В Московской организации Союза художников вот уже много лет функционирует клуб живописцев. Без сомнения, эта традиция интересна и животворна.

На заседаниях клуба обсуждаются наиболее актуальные проблемы советского изобразительного искусства. Но деятельность клуба этим не ограничивается: он такжеустраивает вечера памяти московских живописцев.

 

2 марта и состоялся такой вечер, посвящённый памяти Сергея Павловича Викторова, автора многих интересных произведений, среди которых наибольшую известность получила картина «В. Маяковский в «Окнах РОСТА».

Вечер сопровождался небольшой, но весьма содержательной выставкой работ художника, красноречиво убедившей нас в том, какого прекрасного художника мы потеряли.

 

 Открыла вечер актриса МХАТа им. М, Горького народная артистка РСФСР Кира Николаевна Головко. Мы помним е ёпо ленте известного кинорежиссера Арнштама «Михаил Глинка», где она исполнила роль Анны Петровны Керн, правда, под своей тогдашней фамилией — Иванова.

Кира Николаевна поведала историю своего знакомства с С. П. Викторовым.

Заворожённый красотой молодой женщины, словно сошедшей с полотен Рафаэля («Мадонной Грандукой» назовёт её художник), Викторов неотступно следовал за нею, просил, умолял согласиться позировать ему.

Подобная настойчивость — явление весьма характерное для художника, одержимого своим искусством. История сохранила немало случаев подобного рода. Несколько смущённая необычностью его порыва (оба были тогда молоды) и, надо думать, польщённая в то же время, Кира Николаевна наконец дала своё согласие.

Начались сеансы, в ходе которых она была поражена духовным богатством Сергея Павловича, его разносторонней культурой, умением вести непринуждённую и интересную беседу (а собеседником Викторов был отменным), полную жизнерадостности и иронии. Работа спорилась, и в результате родился один из лучших портретов мастера.

Своё выступление Кира Николаевна завершила проникновенным исполнением стихов А. Блока, которые художник превосходно знал и любил самозабвенно. Она прочла стихотворение «Девушка пела в церковном хоре» — редко исполняемый чтецами шедевр Блока, навеянный трагедией в Цусимском проливе, «Под насыпью, во рву некошенном» («На железной дороге») и другие. Чеканные и полные скорби строки прозвучали своеобразным реквиемом художнику.

 

Выступившие затем боевые соратники Викторова по фронтам Великой Отечественной войны — майор Л. Б. Кайдановский, вначале комиссар отдельной разведывательной роты, а потом — начальник разведывательного отдела штаба стрелковой дивизии, член-корреспондент Академии художеств СССР известный график В. Н. Минаев, заслуженный художник РСФСР И. М. Гурвич рассказали о том, как ценили талант Викторова на фронте, как окружали его любовью, вниманием и заботой все, начиная с командующего дивизией и кончая рядовыми бойцами, о роли художника на фронте, которую трудно переоценить.

 

Директор ЦГАЛИ Н. Б. Волкова, писатель и литературовед А. И. Кузьмин говорили об огромной культуре художника, о его глубоких и обширных познаниях, особенно в области русской и мировой литературы, о его чувстве и понимании красоты русского языка.

И как бы иллюстрацией этому послужила магнитофонная запись беседы, проведённой Викторовым с сотрудниками, аспирантами и студентами Института русского языка Академии наук СССР.

Дело в том, что институтом составлена обширная фонотека московского говора, являющегося основой русского литературного языка. С этой целью были прослушаны коренные москвичи самых различных профессий— актёры, литераторы, учёные, художники и другие. В их числе был и Викторов.

 

Во всех речах, перечисленных мною, как и в выступлении художника В. М. Мариупольского, прозвучало сожаление, что при жизни Викторова его творчество не всегда пользовалось тем вниманием и оценкой, которых был достоин его яркий, неповторимый талант.

 

Д. Домогацкий

Журнал «Художник №10, 1979 г.

Благодатная земля увеличить изображение
Благодатная земля

 

 «Русь моя, милая родина!» — эта известная есенинская строка покоряет искренностью и глубиной чувства. Кто произносит её как свою, тот сходным образом и относится к России. Я осмелился эту строку «присвоить», ибо моё отношение к России такое же, хоть я родился в украинском Полесье.

Не скрою, во время кратковременных наездов на свою фактическую родину массивные дубовые рощи, стога сена под «украинской» луной и раскидистые вербы, кстати, не менее красивые, чем на древней тверской земле, воскрешающие в памяти картины далёкого детства, «берут» за душу, отзываются в ней щемящей грустью. Даже южные края, после того как несколько привыкнешь к ним, рождают ощущение, что вроде бы и здесь неплохо. И только когда возвращаешься домой, на Рязанщину, и впервые увидишь за окном вагона белоствольные берёзовые рощи, поймёшь, как дороги они тебе. К средней полосе России я «прирос» уже давно и бесповоротно, пожив предварительно в Сибири, Средней Азии, Ленинграде.

 

Будучи студентом института имени И. Е. Репина, я был направлен на летнюю практику в Калининскую область, в только что возрождённый дом творчества «Академическая дача». Таким образом годы моего «профессионального детства» совпали с таким же периодом вернувшейся к жизни «Академички» — мы вроде бы с ней ровесники.

 

Там я узнал, какие крупные мастера находили вдохновение для своего творчества в этих местах. Поистине, блаженный край! И чем дальше, тем всё больше проникаешься благодарностью к Репину за открытый им для нас край! И как разумно, что после революции этот дом творчества продолжает не только существовать, но и расширяться, благоустраиваться!

 

В первые послевоенные годы здесь находили приют художники, как правило, только что окончившие учебные заведения и ещё не обзаведшиеся ни жильем, ни мастерскими, как, например, В. Гаврилов, А. и С. Ткачёвы, Ю. Подляский, да вот и я неустроенный, и это понятно.

На даче имелись мастерские, хоть и коллективные, было обеспечено снабжение материалами, натурой. Художники пользовались этими по тем временам «райскими» благами сполна. В результате после двух-, трёхмесячного пребывания в доме творчества многие из нас возвращались домой профессионально окрепшими.

 

Вспоминается такой случай. Однажды во время очередного обхода комиссии кто-то из её членов бросил в адрес тогда начинающего приморского художника К. Коваля реплику: «Он здесь здорово вырос!» А. Грицай же внёс поправку: «Не вырос — он здесь «родился»!» Надо сказать, что К. Коваль, «родившись» на «Академической даче», давно уже «оперился». «Родились» на даче очень многие художники из разных концов страны. «Родился» на «Академичке» и я.

 

Немыслим разговор о роли «Академической дачи» в развитии молодых талантов, да и всего советского изобразительного искусства, роли буквально «инкубаторской» без упоминания такого чудесного художника, как Владимир Гаврилов. Его «Свежий день», «Летний сезон кончился», «Песня слышится», «За родную землю» — настоящие жемчужины нашего искусства! Для меня лично творчество Гаврилова — путеводная звезда. Все свои лучшие картины он написал именно здесь. И позже, когда Гаврилов вполне окреп как художник и имел в столице нормальное жильё и мастерскую, он продолжал ежегодно приезжать на «Академичку».

 

А. и С. Ткачевы, можно сказать, почти безвыездно работали и работают на даче, прочно обосновавшись в этих местах. Буквально все их полотна — такие, как «У колодца», «Подруги», «Между боями», «Детвора», «Матери», «Семья Пакетовых», «Трудовые будни», — или задуманы, или от начала и до конца написаны на «Академичке», причём в основном на местном материале.

 

Московский пейзажист Иван Сошников всю жизнь «пасётся» на тверских полях.

Жанровые и пейзажные картины В. Сидорова — «Гроза прошла», «Майским утром. На плотине», «Первый венец», «Миром», «На тёплой земле» и другие— «произросли» на этой земле, «Смена идёт» Е. Самсонова «вышла» тоже отсюда.

Б. Угаров не может усидеть в городе-музее Ленинграде и каждое лето непременно приезжает сюда «пополнить запасы» подготовительного материала к следующим картинам.

Москвичи Ю. Кугач, Ф. Решетников и Л. Бродская, ленинградцы В. и Л. Токаревы, Л. Романычев, В. Соколов и Е. Табакова, Л. Левитин и М. Копытцева, Н. Тимков, ставрополец К. Казанчан и многие другие (перечислить всех я не в состоянии) оставляют свои насиженные места и едут сюда, строят свои «сельские» мастерские. Причем радиус этих «поселений» с каждым годом всё больше расширяется. Н. Новиков, вполне устроенный в Москве, вдобавок имеющий подмосковную родную деревню, как-то сказал: «Чтобы что-то сделать, надо уезжать на «Академичку».

 

Не зря и другие художники, в том числе и приморцы К. Шебеко, И. Рыбачук, А. Телешов, хабаровчане Г. Зорин, Н. Баранчук, Г. Кабанова, стремятся многие годы в эту даль. И ярославец Г. Дарьин, теперь облюбовавший новые места, лучшую свою жанровую картину «Весеннее утро» написал не где-нибудь, а на «Академической даче». X. Якупов из Казани, А. Бородин из Волгограда, А. Моторин, С. Горинов, В. Сафронов из Ульяновска — все они как художники «произошли» отсюда.

 

Так в чём же притягательная сила этого края? Благоприятные условия? Разумеется. Но зачастую многие берут сухой паёк, покидают предоставленные им уютное жильё, место в мастерской и отправляются в деревни или просто в лес и работают, работают. Значит, не в «стенах» радость. Видно, аромат природы этой полосы России, дух наших исконно русских реалистов А. Венецианова, Г. Сороки, И. Левитана, С. Жуковского, В. Бялыцкого-Бируля ещё не выветрился и «питает» творчество, как родник землю.

 

«Академичка» — это благодатная творческая среда, объединяющая художников различных областей и республик (республики, кстати, имеют свои творческие базы, но белорусы, украинцы и другие с удовольствием едут сюда «подышать русским кислородом» и покидают «Академичку» с великой благодарностью). Здесь все равны. Без регалий.

 

С самого возрождения «Академической дачи» наставниками для молодёжи были такие опытные мастера, как А. Волков, П. Крылов, Т. Гапоненко, А. Бубнов. Сейчас тогдашние молодые уже наставляют художников нового поколения. И ценно — это главное,— что направление творчества выдерживается в русле традиций русского н советского реалистического искусства. Да и как же может быть иначе в самом центре земли русской!

 

Я тоже написал на «Академической даче», с моей точки зрения, свои лучшие вещи: «Путь сибирский дальний», «Мать (М. А. Ульянова)», «Подруги».

Здесь же я почувствовал отклик на свою, может быть, стержневую тому — есенинскую. Есенинской поэзии здесь не меньше, чем у него на родине. А почему бы нет? Не свой же родительский порог воспевал он, С. Есенин воспел Россию!

 

Благодатная земля и весь дух окрестных мест «Академической дачи» вдохновляют не только на живописные творения, но и на поэзию. Но устоял и я. Осмелюсь привести отрывок из своих поэтических «шалостей», посвящённых легендарному директору «Академички» — Петру Николаевичу Козельскому:

 

«...С тех пор наш ветхий красный дом,

Как замок на семи ветрах

Или маяк в больших морях.

На верный путь нас всех выводит.

Он — «инкубатор», школьный класс,

Он — Академия для нас.

Здесь центр российского искусства...»

 

Этим я, пожалуй, и закончу своё повествование об «Академической даче».

 

С. ЯКУШЕВСКИЙ, Рязань

Журнал «Художник» №6, 1984 г.

Школа реалистической живописи увеличить изображение
Школа реалистической живописи

Художники со всех городов России приезжают на «Академическую дачу», чтобы в течение двух месяцев серьёзно поработать на натуре.

На даче можно встретить и академиков, чьи картины уже вошли в золотой фонд советского искусства, и живописцев среднего поколения, и молодёжь, для которой пребывание здесь является как бы школой, школой, где, упорно работая с натуры, молодой человек становится художником. Очень многим ныне известным мастерам «Академичка» помогла найти себя.

В моей судьбе тверская земля сыграла очень большую роль. Не знаю, стал бы я художником, если бы в детстве в Вышнем Волочке не встретил своего первого педагога по рисованию Георгия Андреевича Коростелёва. В середине тридцатых годов в городе был организован при Доме пионеров кружок рисования. Нас было человек пятнадцать. Работали с большим энтузиазмом. Писали натюрморты, рисовали гипсы и живую натуру. Изучали перспективу, историю искусств. По выходным дням ходили на этюды на водохранилище, а в зимние и весенние школьные каникулы всем кружком выезжали в близлежащие деревни.

Георгий Андреевич был изумительным педагогом — всю энергию, все знания он отдавал нам, мальчишкам, и постоянно твердил, что заниматься изобразительным искусством не только интересно, но и очень трудно. Чтобы стать художником, нужно очень много знать и, не жалея сил, упорно работать. И мы работали — всё свободное время отдавали любимому делу: рисовали и писали с натуры, «сочиняли» композиции. Словом, Коростелёв «заразил» нас любовью к искусству и мы мечтали стать художниками.

В 1936 году я впервые попал на «Академическую дачу» — тогда на её территории находился лагерь вышневолоцких пионеров. Вспоминаю строения, заботливо сохраняемые с дореволюционных времен. В восьмиграннике у нас была столовая, которая освещалась через стёкла цветных витражей. На завалинке двухэтажного дома, где размещались наши спальни, до наших дней сохранились каменнотвёрдые «грибы», образовавшиеся из красок, которые художники Петербургской Академии счищали с палитр и оставляли как память о себе. В красном домике с верандой были комнаты для кружковых занятий.

Не помню, приходилось ли мне тогда, в пионерском лагере, писать и рисовать. У нас, пионеров, было много дел. Мы ходили в походы, занимались физкультурой, помогали колхозникам, словом, день был заполнен до отказа. Сразу же после приезда была избрана редколлегия по выпуску стенгазеты, куда попал и я как «художник». Мы очень активно взялись за дело. Собирали заметки, делали карикатуры и рисунки, чтобы к прощальному костру стенгазета украсила наш лагерь. Стенгазета вышла большая и красочная. Висела она в восьмиграннике, и мы получили за неё благодарность. Так летом 1936 года я впервые «выставился» как «художник» редколлегии вышневолоцких пионеров на «Академической даче».

После окончания ленинградского художественного института им. И. И. Репина я работал в творческой мастерской Академии художеств СССР под руководством А. Герасимова. Заканчивая мастерскую, затеял написать картину «Клевер убирают». Эскиз сделал на основе наблюдений и

этюдов, которые я писал в колхозах Ленинградской               области. Картина была уже начата, но что-то в ней меня не удовлетворяло. И тут мне предложили поехать на «Академическую дачу». Это было летом 1952 года. Естественно, я с радостью согласился. Нужно было ещё и ещё понаблюдать сенокос, поработать над эскизами и написать этюды с фигур на солнце.

Приехав на дачу, познакомился с художественным руководителем потока Александром Васильевичем Волковым. Он очень внимательно отнёсся ко мне.

И вот началась работа. Дни стояли солнечные, бродил по полям, смотрел, как колхозники убирают сено. Делал наброски и этюды. Одновременно писал новый эскиз картины. Когда он был решён, приступил к этюдам фигур. Писал подолгу на солнце — против света. Было трудно, но от этюда к этюду я сознавал, что знаю и умею всё больше и больше. Словом, к концу потока я сделал к новому эскизу много этюдов, которые потом мне очень помогли при написании картины.

Работалось на даче очень легко, так как кругом царила творческая атмосфера. Многие тогда ещё молодые художники писали здесь картины, поскольку из-за отсутствия мастерских не имели возможности писать дома, в городах.

Помню, с каким нетерпением выставкомы очередных республиканских или всесоюзных выставок ожидали работы, написанные на «Академичке». Многие из них действительно своей остротой, свежестью и правдивостью украшали крупнейшие выставки. Картины Ю. Кугача, А. Грицая, Л. Бродской, В. Гаврилова, А. и С. Ткачевых, В. Сидорова, В. Загонека, В. Токарева, Н. Сысоева, А. Романычева, Б. Угарова, А. Левитина, Н. Тимкова, В. Фёдорова, М. Копытцевой, И. Сошникова, X. Якупова, В. Шумилова и других художников, работающих на даче, всегда привлекали и продолжают привлекать к себе внимание зрителей. В лучших из этих произведений есть жизненная правда, человечность и любовь к родной земле, к земле, на которой они создавались.

Весной 1971 года секретариат правления Союза художников РСФСР предложил мне поработать художественным руководителем на «Академической даче». Я согласился, правда, долго думал и сомневался: а смогу ли? Основания для колебаний, естественно, были: в потоке обыкновенно 35—40 художников, среди них и молодые, и опытные, сложившиеся мастера. Как найти подход к каждому в отдельности, не оказаться навязчивым и все-таки быть принципиальным и правдивым — вот вопросы, которые меня волновали.

Весенний поток был сформирован очень удачно. В него вошли известные московские пейзажисты, ленинградцы, художники из городов России и группа молодых москвичей, способных и трудолюбивых, — М. Кугач, Н. Федосов, Г. Сысолятин, Б. Пархунов. Все работали много и напряжённо. Я чувствовал, что моё вмешательство, особенно, поначалу, совсем не нужно.

Очень мне помог живший тогда на даче опытный педагог, воспитатель и художник Василий Васильевич Почиталов. Он взял на себя, с моего согласия, заботу о молодых живописцах, которые когда-то были его учениками.

Беседы Почиталова с молодёжью дали ощутимые результаты: мастерская, где работали и выставлялись его «подопечные», на обходе выглядела отлично. Помогал мне также и Евгений Васильевич Павловский, который часто приезжал летом на «Академичку» писать натюрморты. Группа, работавшая тогда, состояла из педагогов художественных школ и училищ.

Я решил поставить им натюрморты на воздухе, чтобы они имели возможность в длительной натурной работе изучить закономерности пленэра. Узнав с моей затее, Павловский загорелся и упросил поручить это ему. Поставленные им натюрморты были очень интересны и разнообразны, художники с удовольствием писали эти постановки.

Обыкновенно, когда заканчивается работа группы, проводится отчётная выставка. Каждый оформляет и показывает лучшие работы. Комиссию ждут с волнением. Волнуются все — от руководителя до молодых художников.

В день, когда назначены обсуждение и просмотр работ, все мастерские открыты — масса народу стекается на дачу, чтобы посмотреть произведения и послушать их критический разбор.

Комиссия очень внимательно рассматривает холсты каждого автора. Критика зачастую бывает весьма строгая, но всегда уважительная.

Многие годы председателем комиссии назначается Юрий Петрович Кугач. Я всегда восхищаюсь его тактом, умением критически разобрать каждую работу. Юрий Петрович неизменно внимателен и доброжелателен к любому автору. Мне кажется, такой честный и откровенный разговор также является громадной школой, школой постижения тонкостей мастерства реалистической живописи.

За последние годы многое сделано на «Академичке». Появились новые мастерские, прекрасная столовая, административный корпус, дом для сотрудников и многое другое, что способствует плодотворной работе художников. За развитием и ростом дачи следят и всемерно ему помогают государственные и партийные организации Калининской области, Министерство культуры РСФСР и секретариат правления Союза художников России.

Сразу же после Великой Отечественной войны налаживать и возрождать «Академичку» взялся бессменный её директор, заслуженный работник культуры РСФСР Пётр Николаевич Козельский. Вся его жизнь отдана даче. Он знает и любит искусство, уважительно относится к художникам и старается сделать всё возможное, чтобы им хорошо жилось и работалось.

В этом году «Академическая дача» празднует столетний юбилей. Приятно сознавать, что в течение столь длительного времени не потеряны высокие традиции реалистического искусства. Многие поколения советских живописцев были верны этим традициям. Работая на даче и изучая пытливо и углубленно натуру, они создали множество талантливых произведений, которые по праву вошли в золотой фонд советского искусства. Уверен, что молодые художники России достойно примут эстафету и также ревностно будут оберегать и развивать дорогие всем нам традиции русской реалистической школы.

 

Ю. ПОДЛЯСКИЙ

Журнал «Художник» № 6, 1984 г.

Трудолюбие художника — неписаный закон увеличить изображение
Трудолюбие художника — неписаный закон

Когда приходит пора воспоминаний, а с ними и сомнения, и грызущее чувство совести — всё ли сделал, что мог, когда одолевают раздумья над собственным творчеством и всем созданным коллегами, товарищами по российскому Союзу художников, невольно оглядываешься на то далёкое время, которое рождало в молодых душах надежды, ожидание радостей, дарило счастье творческих мук и вместе с ними разочарования и огорчения.

Жизнь многих людей искусства бывает связана с местами, оставляющими на долгие годы, на всю жизнь память-отметину.

Есть такое место и у российских живописцев. Называют они его ласково, с душевной теплотой — «Академичка». Русская советская живопись, особенно послевоенного периода, во многом обязана своим становлением этому заповедному месту, роднику, который не замутнился, не пересох от «набегов и соблазнов», порой настойчивых попыток предать забвению великое наследие русской реалистической живописи.

Как человек и художник я счастлив, что был свидетелем и участником двух событий, имевших значение для послевоенной российской живописи. Первое — это организация студии для художииков-фронтовиков. Инициаторами этого дела были Тимофей Ильич Катуркин и Дмитрий Степанович Суслов. Преподавали в ней Борис Владимирович Иогансон и Александр Михайлович Герасимов, занимались — многие ныне здравствующие и ставшие известными художники, а тогда совсем молодые фронтовики Е. Зверьков, X. Якупов, М. Лихачёв и другие.

Но главное событие того времени в жизни Российской организации — возрождение «Академической дачи», которой было суждено стать местом паломничества художников, очагом, где утверждались реалистические принципы творчества. Время не стёрло в памяти незабываемые месяцы, проведённые на творческой даче, художников, с кем мне пришлось работать, и руководителей потоков. Всегда вспоминаю этих людей с чувством восторга и теплоты, ибо грешно забыть тех, кто сделал так много, кто заронил в душу ныне живущих и творящих художников ту искру, что питает их творчество до сих пор. Первыми, возглавившими потоки, были П. Крылов, Т. Гапоненко, Л. Бубнов, затем — Л. Волков, В. Гаврилов, В. Загонек. Под их руководством мне посчастливилось работать, сколько встреч, споров и задушевных бесед рождалось в то время.

Думается, было бы справедливо, и того стоит «Академическая дача» — создать подробную коллективную монографию, рассказывающую о людях, работавших там. И, самое главное, о влиянии самого духа творческой дачи на Формирование художника.

На «Академическую дачу» приезжали и приезжают живописцы разных поколений, разной степени одаренности и подготовленности и зачастую (особенно это было заметно раньше у периферийных художников) с «зауженным» кругозором. Задачи, которые они ставят перед собой, порой не идут дальше создания пейзажей с натуры и чаще всего приобретения практических навыков. Уезжают эти люди преображёнными.

По моему глубокому убеждению, дух и принцип воспитания художника на «Академической даче» осуществляется на познании глубинных основ искусства, на понимании задач пейзажа, гармонического единения природы с человеком труда.

В те теперь уже далекие времена самым главным и важным условием для работы на «Академической даче» было трудолюбие. Художники работали до изнеможения, «взахлёб» и днем, и вечером, и утром, и даже в ночь. Хотелось сделать много, хотелось впитать всё, что тебя окружало, — это становилось законом для всех. Творчество не терпит себя щадящих, за праздность оно мстит даже талантливым, это знали тогда на даче. Трудолюбие было неписаным законом, и оно осталось на всю жизнь главным принципом для тех, кто прошёл эту удивительную школу творческого мужества и труда. За это безмерно благодарен «Академичке».

Убеждён, что от любимого дела нет резона отдыхать. И хочется предостеречь молодых: позволил себе расслабиться, можешь разлюбить своё дело, даже предать его.

Что же мне лично дала дача, на которой работал в разное время, с разными руководителями и разными, ныне живущими и уже ушедшими от нас художниками? Когда задаёшь себе такие вопросы, то начинаешь понимать, что это удивительное место как бы концентрирует в себе представление о Родине, России, которая «раскинулась на тысячи верст».

«Академическая дача» является носителем идей гражданственности, патриотизма, служения идеалам реалистического искусства, служения своему Отечеству.

 

А. КУРНАКОВ

Журнал «Художник» № 6, 1984 г.

Верность природе увеличить изображение
Верность природе

 «Академическая дача» славна своей историей, своими традициями, красотой окружающей природы. И сегодня нужно с благодарностью вспомнить тех, кто возродил её к жизни, — Т. Катуркина, Д. Суслова, а также её бессменного директора П.Н. Козельского, вложившего всего себя в это дело.

 

Велика заслуга и художественных руководителей — Т. Гапоненко, А. Волкова, А. Бубнова, В. Гаврилова, братьев А. и С. Ткачёвых, В. Сидорова, Н. Новикова, которые вместе с работающими здесь художниками создали поразительно долговечную благоприятную атмосферу, где все мы учились у великого учителя — природы и друг у друга, что способствовало духовному сближению людей.

Забыв житейские заботы, художники целиком отдавались творчеству, создавая своеобразное братство, при котором все равны перед искусством и природой.

Здесь творили такие мастера, как В. Бакшеев, П. Крылов. Помню, П. Крылов писал на натуре этюды вместе со всеми, никогда не прятался, не отъединялся.

Работающие рядом художники извлекали для себя много полезного, видя, что выбирает, что и как пишет опытный живописец. Такая учёба не на словах, а на деле всегда драгоценна.

На «Академической даче» воскресают к творчеству порой потерявшие веру в себя, забытые художники, тут растут и обретают творческие силы начинающие художники, принимая эстафету школы реалистической живописи.

Сколько дала «Академическая дача» советскому изобразительному искусству художников, создавших именно там свои лучшие полотна — тематические картины, пейзажи, натюрморты, портреты.

На «Академичке» определились творческие индивидуальности В. Гаврилова, Ю. Кугача, Б. Угарова, братьев А. и С. Ткачёвых, В. Сидорова, В. Загонека, В. Стожарова, А. Тутунова, И. Шевандроновой, В. Токарева, А. Левитина, X. Якупова, В. Шумилова, Б. Фёдорова и многих, многих других — всех не перечесть.

Здесь установился прочный человеческий контакт художников с местным населением. Многие живописцы черпают материал для своих будущих произведений непосредственно из жизни окрестных деревень, и их жители становятся героями полотен.

Взаимоуважение и понимание, душевную дружескую атмосферу, царящие тут, все мы должны бережно сохранять. Для большинства, кто работал и работает на «Академической даче», она стала родным домом и подлинной художественной школой, культивирующей понимание природы и верность ей.

Мне очень близка природа этих мест. Здесь родились многие замыслы, что определило целую полосу в моём творчестве. Многому я научился у художников, с которыми рядом работал. И по сей день я всегда с радостью приезжаю сюда, как в родные места.

 

А. ГРИЦАЙ

Журнал «Художник» № 6, 1984 г.

Романтические образы Кузнецова

ХУДОЖНИК И ВРЕМЯ

 

Анатолий Владимирович Кузнецов одинаково успешно и плодотворно работает в двух видах искусства, максимально и полно выражая в них свое мировоззрение. Сейчас, после выхода на экран более десятка фильмов, одним из создателей которых является Кузнецов, после его почти двадцатилетнего участия в различных выставках киноэскизами и после двух персональных отчётов (в Москве н Ленинграде) , где в основном были показаны станковые произведения, он предстаёт как признанный мастер искусства кино и как глубоко индивидуальный и последовательный в своих исканиях художник-станковист.

Пожалуй, в живописных композициях и пейзажах Кузнецов проявляет своё дарование непосредственней и свободней, чем в киноработах, где на результат его творчества не могут не влиять драматургия фильма, режиссёрский замысел, задача этнографической достоверности, специфика многомерного охвата действительности в эскизе. Том не менее в творчестве Кузнецова неразделимы и внутренне связаны прочными нитями киноискусство и станковая живопись. Об этом говорят даже биографические факты. В годы учёбы во ВГИКе художник испытал влияние таких преподавателей, как Ф. Богородский, И. Шпинель, поощрявших стремление к станковым формам искусства. На процесс утверждения станкового мышления и мастерства благотворно повлияли и различные киноэкспедиции по стране в составе съёмочных групп. Режиссер И. Поплавская, неоднократно сотрудничавшая с Кузнецовым в кино, характеризует в своей записной; книжке некоторые черты творческого метода художника: «Существует, вероятно, внутренняя связь между его кинематографической работой и живописными полотнами. Прямым поводом для рождении многих тем его живописи были путешествия и длительное пребывание на съёмках фильмов «Джамиля», «Я — Тянь-Шань», «Горянка» в Киргизии и Дагестане. Но, вероятно, есть и глубинные связи: большая литература и большая поэзия Чингиза Айтматова и Расула Гамзатова, авторов сценариев этих фильмов, круг проблем изобразительного решения и художественных поисков в кинематографе — всё это толчки п питательная среда, на которой произросли неповторимые и своеобразные «цветы» его живописи».

В киноэскизе Кузнецов подобен актёру, занятому таинственным перевоплощенном, вдохновенной игрой. Здесь он старательно делает убедительный пластический слепок с коллективно сочинённого образа, подсказывая его возможные визуальные модификации, пропуская литературный материал через собственные ощущения и мысли. В станковом полотне он — драматург, созидающий самовластно и самоуглублённо, опирающийся на глубоко личный контакт с натурой, использующий широкий круг жизненных воспоминаний и ассоциаций.

Серии эскизов Кузнецова к разным фильмам отличны по пластике, экспрессии, стилистической концепции, но объединяет их чувство изобразительной природы литературного образа. Поэтому даже четыре-пять эскизов Кузнецова, рассматриваемых вместе, как правило, образуют связанный и завершённый рассказ, приближаясь к станковой серии. Это качество киноработ художника хорошо подмечено его коллегой М. Мукосеевой: «Он пишет целую серию эскизов, даже если нужно построить всего лишь одну декорацию. Пишет не эскизы декораций, а эскизы к фильму. Именно поэтому они представляют самостоятельную ценность. В то же время при таком подходе к работе художник становится не помощником, а соавтором режиссёра и драматурга. Он ищет и предлагает образный строй всего фильма».

Серии эскизов Кузнецова различны по интонационному настрою: то в них преобладает лирическое звучание, то доминирует гражданская идея. Эскизы к «Сказке о царе Салтане» представляют собой чеканные композиции, точные в цвете и силуэте, сделанные как добротные книжные иллюстрации, объединённые общей сказочной стилистикой. Пластичны и музыкальны благодаря ритмическим повторам и усилениям, отмечены живым поэтическим волнением эскизы на тему фильма «Я — Тянь-Шань». Листы к ленте «Вас ожидает гражданка Никанорова» сосредоточены на чисто жанровых коллизиях и бытовых подробностях, в них царит интрига, преобладают чёткие портретные характеристики. Весёлый юмор, внимание к обстановочным эффектам наполняют пёстрой динамикой и живописным изяществом эскизы оформления города к кинофильму «Женитьба Бальзаминова». Предельного обобщения и напряжённого драматизма достигают композиции к фильму «Экипаж», они изобилуют контрастами, сложной живописной нюансировкой и отчётливо окрашены фантасмагорическим звучанием. Деликатные графические реминисценции к «Василию и Василисе» подкреплены и обогащены воспоминаниями рязанского детства, в них логично и тонко сочетаются быстрые и лаконичные штрихи перового рисунка со строчками из сценария, введёнными в композицию листов. Как самоценная, завершённая в образном и пластическом отношении графика воспринимается сюита эскизов-настроений к фильму «Домой» по рассказу А. Платонова «Возвращение».

Истинный профессионализм художника кино заключается в умении изобразительно полнокровно и ясно аранжировать литературную фабулу фильма, дать ей оптимальное пластическое толкование. Такого правила, судя по эскизам, придерживается в кинематографе Анатолий Кузнецов. В своих лучших работах он создаёт ключевое состояние фильма, нащупывает его живописно-графическую модель, чтобы по ней авторский коллектив смог цельно, в единой стилистике выстроить многоступенчатую лестницу кадров.

В станковых произведениях художника рождение образа стимулируют многочисленные натурные наблюдения, гражданский и жизненный опыт. Определённым подспорьем в живописи служат, безусловно, и навыки работы в кино — это зачастую «видение кадром», драматургическая определённость сюжета, эмоциональное богатство состояний. Есть ещё один источник, из которого черпает художник свежесть и силу для создания живописных полотен, — его графические дневники. Это сброшюрованные в несколько объёмистых книг натурные зарисовки и путевые наброски, иногда сопровождаемые скупыми записями. Они дают представление о той громадной и чётко осмысленной работе, которую постоянно совершает художник в поездке, экспедиции, в мастерской и при обыкновенной прогулке по городу, когда он исподволь изучает людей и природу, присматривается к хорошо знакомым местам или жизни неведомого для него экзотического края. Дневник с рисунками — это и оригинальная графика живописца, и бесценное «сырьё» для будущих полотен.

Станковые произведения Кузнецова на разные темы — «Киргизия», «Дагестан», «Родная Рязанщина», «Мир детства» — спаяны в единую и страстную исповедь художника о жизненных привязанностях и духовных ценностях неповторимой интонацией его душевного расположения к человеку, находящемуся вне мелочных конфликтов и суетных устремлений, к человеку, свободно развивающемуся на лоне родной природы, в кругу привычных забот. Не случайно в творческой программе Кузнецова прослеживается настойчивая мысль о тождественности для нравственно здорового, вобравшего в себя народную мудрость человека понятий «природа» и «Родина», заботливо хранимая повседневным трудом земля и оберегаемая непреклонной верностью Отчизна. Полотна художника, лишённые прямой патетики и лобовых риторических приёмов, в полной мере наделены искренним патриотическим чувством. Их поэтический мир при всей очевидной связи с «патриархальным» сельским бытом, с народными идеалами и представлениями глубоко современен.

Современен прежде всего неиссякаемым интересом живописца к внутреннему миру людей, трудолюбивых, честных, приобщённых к поэзии и мудрости не только культурой и знаниями, но природной интуицией, врождённым чувством долга и доброты. На таких людях держится мир, гармония и благоденствие нашей земли. На них взирает художник с надеждой и верой, творя светлые романтические полотна.

Поэтичность взгляда на естественное бытие трудовых людей — черта, связывающая в цельное живописное повествование почти все тематические и сюжетные линии станкового творчества Анатолия Кузнецова. Более всего эта черта ощутима в цикле, посвящённом солнечной поре детства, юношеской окрылённости радостью жизни, теплу и надёжности семьи. Художник самозабвенно пишет детей, несколько угловатых и неуклюжих, но всегда трогательно-доверчивых. Они заняты беззаботной игрой: то взлетают на деревянных качелях к небу, то запускают бумажного змея или гоняют мяч. Но в видимой лёгкости, светлой беззаботности детства подчас угадываются и тревожные драматические интонации: радостное бытиё представляется хрупким, таит подсознательную печаль быстротечности юных лет. Подобное настроение передаёт сам характер живописи, импульсивной, трепетной, с колеблющимися силуэтами и мягкими, перетекающими формами. Работы «Девочка с мячом», «Дети со змеем», «Двое с петухом», «Играющие дети», «Девочки на качелях», «Небо над головой» утверждают непревзойденную ценность счастья, юношеской мечты, наивного удивления яркими красками жизни.

Постоянность образов, к которым обращается художник — дети, старики, женщины, — подчёркивает бесконечность человеческого бытия, незыблемость добра, традиционных семейных устоев. Героям произведений Кузнецова всегда сопутствуют домашние животные. В жестах, настроениях и позах человека и его четвероногих друзей, в их слитности с природой, землей, избой или кошарой, деревней или аулом, степным русским озерцом или животворным источником у подножия далёких гор запечатлены раздумья автора о судьбах людей, живущих мужественным трудом и стремлением к красоте, тягой к обновляющей силе природы.

«Миражная и монументальная природа Киргизии» (по определению Павла Кузнецова) открыла А. Кузнецову скромную прелесть неторопливой, ценной удивительным величием и исконной простотой жизни. Что бы ни изображал живописец — фантастический пейзаж с красными скалами на горизонте или обычный бытовой сюжет, весеннюю декоративную сюиту или полную живописного очарования композицию на тему феерического заката, — везде он сплавляет непосредственное натурное наблюдение с таинственным ощущением неподвижности времени и беспредельности пространства. Он словно загипнотизирован первозданной гармонией природы и людей. Даже в картине «Ослик, старик, дети» с нефтеналивной цистерной на заднем плане истинная современность воплощена не в этой броской детали, а в эпически возвышенном ощущении связи поколений, в мотиве близости и обоюдной необходимости старика, детей и везущего тележку животного.

Полотно «Борьба», запечатлевшее весёлую национальную игру, композиция «Вброд», построенная на контрасте тяжёлого, плотного но цвету всадника и почти воздушного, решённого в нежной гамме силуэта лошади, словно парящая над безмолвным пространством женщина с ребёнком в полотне «Вечер», или в других работах — красные тревожные скалы гор, писанные в традициях пленэра широко и свободно, и лёгкая знойная дымка киргизских ландшафтов близ Иссык-Куля, навевающая воспоминание о нежно-зелёных рязанских раздольях, — всё, «сказанное» художником о Киргизии, овеяно романтикой, приподнятостью и лирической восторженностью.

В не менее эмоциональной дагестанской серии живопись пастозная, вязкая, плотная. Порой автор накладывал, смешивал краски пальцами, словно ваял складки одежд, пластику фигур, рельефы гор, гнездоподобные строения аулов. И в дагестанских композициях художник не останавливается на деталях н бытовых подробностях. Экзотические особенности пейзажа и сельского уклада жизни не заслоняют незыблемые для художника ценности — трудовые будни, народные обычаи, шумные праздники и домашние заботы. Снова — женщины, дети, фигурки животных и обобщённый пейзаж. Нет многословных описаний, пестроты перечислений. Сами краски, ритмы, напряжённость цветовой композиции создают образ суровой страны гор.

Восток и средняя Россия в творчестве Анатолия Кузнецова увидены и прочувствованы одними глазами, одним сердцем. Разница в типаже, ландшафте, цветовой гамме и характере свето-воздушной среды заключена в законах натуры. Позиция автора не меняется: он везде живёт жизнью народа, дышит воздухом Родины. Он постоянно и всецело захвачен бесконечным очарованием природы, внимателен и чуток к гордой, уверенной поступи человека, будь то хозяин киргизских пастбищ, степенный горец из Дагестана или колхозник, радеющий об урожае рязанских полей.

В величавых живописных сказах художника о родной рязанской земле мы не встретим развёрнутого жанрового действия, обилия персонажей, экспрессии трудовых процессов. Всё это остаётся «за кадром» неторопливо-раздумчивых кузнецовских полотен, сосредоточенных на глубоком лирическом состоянии, на драгоценных мгновениях, определяющих главное настроение в природе и человеке — духовную и физическую гармонию, растворение и продолжение друг в друге. Живопись ЭТОЙ серии, в основном монохромная, хотя и многооттеночная, плавная, умиротворённая, построена на зыбких, еле уловимых нюансах двух-трёх цветов. Память автора исторгает из потаённых глубин все когда-либо виденные сенокосы и, отбрасывая суету и случайность, трансформирует их в монументальные сцены колхозного труда, в дивные мгновения счастливого бытия сельского жителя. Вот дородная женщина в сарафане, опершись на грабли, жадно пьёт воду. Её фигура предельно обобщена, чуть грубовата, утрирована. Природа и женщина — сёстры, как бы говорит автор всем содержанием полотна,— в них общая сила, красота, радость («Сенокос. Пьющая воду»). Сближенными тонами нежно струящейся цветовой гаммы передано в картине «Девушки с граблями» состояние знойной истомы, великолепного полдня жизни, покоя и силы созидательной женственности. Элегические оттенки и нотки таинственности сквозят в композиции «Кончилось лето».

Образное прочтение действительности, широкое поэтическое обобщение натурных впечатлений — сознательное и принципиальное свойство полотен Кузнецова. Искусство для него — благодатная возможность познания собственной души и выражения чистого восторга перед непреходящим, вечным, прекрасным. Остаются в памяти и волнуют ещё многие композиции рязанского цикла — своеобразная философская притча о женщине, отдыхающей среди лугов, скромные и неброские по цвету, но многослойные и ёмкие по состоянию волжские пейзажи...

Анатолий Кузнецов серьёзно и бескомпромиссно относится к искусству. И где бы ни были теперь многие его работы — на выставке, в музее, мастерской, — они неотделимы от своего автора, они живут его несуетным, полным любви и доверия трудом, его добрым взволнованным чувством, чем дороги зрителю, ценящему в искусстве естественность, искренность, подлинную поэзию взгляда на мир.

 

Н. ИВАНОВ

Журнал «Художник» №3, 1984 г.

 

Выставка «Архитекторы братья Веснины»

МОСКВА

 

В Государственном научно-исследовательском музее архитектуры им. А. В. Щусева в январе — феврале 1984 года была открыта выставка «Архитекторы братья Веснины», приуроченная к 100-летию со дня рождения младшего из братьев. Подлинные образцы архитектурной графики, вышедшие из-под руки этих мастеров, удачно дополнены фотоматериалами, сценографическими и станковыми работами Александра Веснина, чрезвычайно знаменательными с точки зрения сложения формологической концепции конструктивизма.

Леонид Александрович (1880—1933), Виктор Александрович (1882—1950) и Александр Александрович (1883—1959) Веснины представляли собой редкостный по единомыслию и слиянию художественных устремлений творческий коллектив. Их индивидуальности счастливо дополняли друг друга, а взаимопонимание и нежная братская привязанность были так велики, что в результате совместной работы они вошли в историю современной архитектуры как некое нерасчленимое целое, как Мастер, имя которому — Братья Веснины.

Именно это и доказывает выставка, несмотря на то, что представлены здесь работы, выполненные братьями индивидуально или вместе с другими соавторами,— к их числу относятся произведения, созданные до 1923 года, когда, работая над конкурсным проектом Дворца Труда для Москвы, они впервые сформулировали творческое кредо конструктивизма, ставшего эпохой в советском зодчестве. Известно, что, хотя проект не был по достоинству оценен жюри и получил на конкурсе лишь 3-ю премию, он знаменовал собой начало нового архитектурного подхода, нового мышления — крупными стереометрическими формами, скомпонованными в соответствии с потребностями функционально организованного внутреннего пространства и расчленёнными обнажённой сеткой железобетонного каркаса, являющегося конструктивной основой постройки.

Новая социальная функция и конструкция здания, правдиво выраженные во внешнем облике, легли в основу конструктивизма как метода архитектурного творчества, сформулированного как программа лишь двумя годами позже, при образовании в 1925 году ОСА— Объединения Современных Архитекторов, признанными лидерами которого стали братья Веснины.

Выставка в музее архитектуры последовательно отразила этапы становления этого творческого коллектива, начиная с работ предреволюционной поры.

В начальный период они отдают дань различным стилевым направлениям, сосуществовавшим в предреволюционной архитектуре,— от вариаций на древнерусскую тему до увлечения неоклассикой (сказывается пройденная Леонидом Весниным школа Л. Бенуа). Уже в эти годы обнаруживается тяга Александра Веснина к изобразительному искусству. Для особняка Сироткина, спроектированного братьями (ныне Художественный музей в г. Горьком), он исполняет эскизы росписи интерьера, слегка напоминающие барочные композиции.

Позднее, сблизившись с В. Татлиным, А. Веснин остается надолго приверженцем его окружения, в особенности Л. Поповой и А. Экстер. Выставка показала основные этапы эволюции художественных взглядов А. Веснина с точки зрения разработки новых пластических форм разнообразия его поисков — вплоть до постановок в Московском камерном театре, где режиссерская концепция А. Таирова оказалась сродни стремлениям самого художника.

В эти же годы продолжается проектировочная деятельность В. и Л. Весниных в области архитектуры промышленных зданий, поиск рациональных планировочных решений рабочих поселков при них. Выработанный во время занятий сценографией новый пластический язык А. Веснин привносит в совместную архитектурную работу с братьями над проектом Дворца Труда.

«Счастливому» периоду деятельности Весниных — с 1923 г. до начала 30-х гг.— была посвящена основная часть экспозиции.

После первых проектов — здания акционерного общества «Аркос», московской конторы «Ленинградской правды» — Веснины постепенно приходят к более усложнённому пониманию архитектурного организма, каждая часть которого трактуется ими как фрагмент живого организма. В этот период им удалось воплотить максимальное число своих замыслов. Архитектура Днепрогэса блестяще подтвердила, что и чисто утилитарная индустриальная форма может быть высокоэстетической.

В конце 1920-х годов общее изменение направленности архитектурных вкусов не могло не отразиться и на творчестве братьев Весниных. Однако предпринятые ими попытки «обогатить» конструктивистскую форму средствами скульптуры и монументальной живописи вряд ли можно признать органичными для этого коллектива.

В 1930-е годы братья Веснины, несмотря на кончину Леонида Александровича, продолжают активную творческую деятельность и педагогическую работу. В. Веснин становится первым президентом Академии архитектуры и возглавляет созданный в 1932 году Союз советских архитекторов.

В проектах мастерской Весниных этого времени нет примеров прямых заимствований из арсенала форм прошлого. В таком известном произведении, как 2-й Дом Совнаркома в Москве, геометрическое каркасное тело приобретает симметрию, ордерное членение и таким образом авторы приспосабливаются к имевшимся в то время представлениям о монументальности, приличествующей такому зданию.

Содержательная выставка в музее архитектуры стала данью благодарной памяти братьев Весниных, чьё значение в истории советской и мировой архитектуры велико.

 

Е. Сарычева

Журнал «Художник № 7, 1984 г.

Народная традиция увеличить изображение
Народная традиция

Кировский живописец Инна Алексеевна Широкова принадлежит к поколению советских художников, творческий путь которых начался в период, отмеченный заметной активизацией процессов в советском искусстве.

В 1961 году после окончания Горьковского художественного училища она вернулась в свой родной город, где живёт и работает по сей день. Тогда же, более двадцати лет назад, она сразу заявила о себе как о «картинщике»: на областной выставке появился первый большой холст молодого автора «Перед экзаменами».

С тех пор написано много жанровых картин, портретов, натюрмортов, которые показывались в различных экспозициях. Широкова — признанный мастер в коллективе кировчан и среди художников зоны «Советский Север».

Её произведения с успехом экспонируются и на более широких художественных смотрах, где оцениваются зрителями и критикой как яркое и самобытное явление российского искусства.

Индивидуальность автора проявляется в своеобразной манере письма, яркой, насыщенной цветовой гамме, тематической направленности полотен, в которых видна любовь художника к человеку, своему современнику, к народной жизни. Глубоко национальное, жизнерадостное и оптимистичное искусство Широковой питается традициями народного творчества, в котором она находит для себя неиссякаемый источник вдохновения.

 

Как уже отмечалось, начало самостоятельной творческой работы Широковой совпало со временем, когда на арену художественной жизни вышло новое поколение живописцев, произведения которых несли полемическую заостренность.

Инна Алексеевна вспоминает, что на неё, как и на многих выпускников училища, огромное впечатление произвела картина В. Попкова «Строители Братска». Они восприняли это полотно как одно из самых значительных явлений в живописи того периода. Молодёжь привлекали творческое дерзание, искренность и смелость, с которой лидеры этого направления, позднее названного «суровым стилем», заявляли о своих взглядах па искусство, на роль художника в обществе.

Разделяя во многом эти взгляды, Широкова тем не менее не испытала на себе влияния «сурового стиля». Её собственные искания шли в ином русле.

Зная и любя русское искусство, отдавая в нём предпочтение отдельным мастерам (особенно близки ей К. Петров-Водкин и Б. Кустодиев), Широкова в своём творчестве впрямую не опирается ни на одного из них. Сюжетные мотивы её работ, их образы и стилистика порождены её особой «укоренённостью» на родной почве, микроклиматом среды, с ранних лет питавшим будущего художника.

И.А. Широкова «У зеркала. Автопортрет.» Холст, масло. 1978 г.
И.А. Широкова «У зеркала. Автопортрет.» Холст, масло. 1978 г.

Она родилась на земле, богатой талантами, в семье художников. Формирование её личности происходило среди людей, теснейшим образом связанных с изобразительным искусством, как профессиональным, так и народным. С детства она знакома с дымковской игрушкой и со многими мастерицами дружит до сих пор, в юности открыла для себя хохлому, с годами общение с рукотворным искусством русского парода переросло для неё в необходимость.

В мастерской ему отведено почётное место. И не ради модного антуража, оформляющего интерьер. Северные прялки, городецкие доски, хохломские братины, дымковские игрушки для Широковой стали не только предметами эстетического любования, художница черпает в народном творчестве не внешние приёмы, заимствует не стилистику (хотя мода на народное искусство, буквально «захлестнувшая» общество, создаст предпосылки и для подобного использования его достижений), оно помогает постичь характер образного мышления их создателей, в нём открывается огромный мир накопленного нравственного опыта, в конечном счёте эти рукотворные изделия помогают понять душу народа. В процессе этого познавания формировалось её мировоззрение, изобразительно-выразительная система искусства, обретённая не «вдруг», не в результате «озарения».

И.А. Широкова «Хохлома» Холст, масло.
И.А. Широкова «Хохлома» Холст, масло.

Становление и совершенствование мастерства заняло у Широковой почти десятилетие. Она постепенно отходила от увлечения докоративизмом открытого цвета, от соблазна использовать необычные ракурсы, намеренно подчёркивать черты внешности и пришла к углублению и усложнению внутреннего строя образов.

Но, освобождая свой «язык» от наносного, внешнего, стремясь всякий раз найти средства, наиболее полно выражающие замысел, Широкова в содержательной части работ оказалась удивительно последовательной. Если мысленно выстроить ряд основных её произведений, они предстанут в большом разнообразии сюжетных мотивов: жизнь удивляет художницу то в момент приготовления школьников к выходу на сцену («Перед выступлением»), то ярким зрелищем, народного гулянья («Проводы русской зимы») или оживленным шумом базара («Базар»); это может быть короткая передышка юных балерин у рабочего станка («Групповой портрет выпускниц Кировского культпросветучилища») или работа большого завода, где стеклодувы заняты своим нелёгким трудом («Стеклозавод»).

И.А. Широкова «Стеклозавод» Холст, масло. 165х175 см. 1974 г.
И.А. Широкова «Стеклозавод» Холст, масло. 165х175 см. 1974 г.

И.А. Широкова «Юность» Холст, масло. 140х120 см. 2008 г.
И.А. Широкова «Юность» Холст, масло. 140х120 см. 2008 г.

Герой каждого из этих холстов — человек-творец. И для Широковой не столь важно, в какой области — материальной или духовной — идёт созидание. Художнице равно ценны и изделия, поколениями создаваемые крестьянскими руками, и современные формы стекла, возникающие на конце трубок стеклодувов, и танец балерины, и сам дух веселья, рождённый народом на коллективном празднике. Неиссякаемая творческая потенция, активное деятельное начало человека, творящего красоту, — по этому пути тянется нить преемственности от изделий народных мастеров к нашему времени, не оскудевшему талантами, в этом видит Широкова прочность духовных связей.

 

Последние семь—десять лет — время обретения автором творческой зрелости — можно определить как один из этапов подъёма её искусства. Именно в этот период родился цикл, посвящённый хохломе. Первый холст был написан в начале 70-х годов.

А затем наступило время, когда Широкова как бы заново набиралась впечатлений, накапливала материал. И вот в последние годы один за другим появляются всё новые и новые полотна, каждое из которых дополняет и развивает конкретную тему. Несколько раз, например, варьировался художницей сюжет картины «Семёновская сказка».

И если в первых своих работах она не смогла уйти от обыденности обстановки цехов, в которых трудится мастерица, то во всех последующих вариантах, а особенно в тех, которые были написаны в 1979 и 1981 годах, видно, что автор стремится создать именно «сказку», разместив женщин не в обычных цехах фабрики, а в своеобразных теремах с красивыми, богато украшенными арочными перегородками. Художница любуется плавными движениями рук женщин, занятых росписью самых различных предметов, находит определённый ритм в расположении фигур, объединённых длинным столом.

И.А. Широкова «Семёновская сказка» Холст, масло. 1981 г. (Вариант)
И.А. Широкова «Семёновская сказка» Холст, масло. 1981 г. (Вариант)

И.А. Широкова «Семёновская сказка» Холст, масло. (Вариант)
И.А. Широкова «Семёновская сказка» Холст, масло. (Вариант)

И.А. Широкова «Семёновская сказка» Холст, масло.
И.А. Широкова «Семёновская сказка» Холст, масло.

Здесь хотелось бы несколько слов сказать о своеобразном методе работы Широковой над произведениями. Её искусство питается жизненными впечатлениями. Но в то же время в каждом полотне чувствуется большая доля творческого воображения автора. Впечатления от увиденного накапливаются и откладываются в памяти, основная работа проходит в сознании художницы.

Начиная писать холст, Широкова почти не делает предварительных эскизов, «раскрывает» полотно сразу, несмотря на его размер.

 

В жанровых картинах художницы, посвящённых народным промыслам, проявляется определённая творческая «независимость» Широковой от натуры. Это отстранение осознанно. Широковой и здесь дорога прежде всего мысль о том, что руками простых тружениц, наших современниц, создаётся чудо, которому отдают дань признательности и соотечественники, и зарубежные ценители народного искусства. Именно поэтому она меняет обстановку комнат, где работают расписчицы деревянной посуды или мастерицы дымковской игрушки, поэтизирует её.

Тем же восхищением делами рук человеческих рождена большая часть её натюрмортов, посвящённых всё той же дымковской игрушке, семёновским матрешкам, хохломским ковшам, братинам и поставцам. Натюрморты дают возможность хидожнице полностью реализовать свой колористический дар. Эти полотна, написанные сильно, сочно и смело, воспринимаются как радостный и искрящийся праздник творчества, который звучит то мажорно, торжественно, то нежно, лирически («Золотой натюрморт», «Натюрморт с бумажными цветами», «Натюрморт с синим окном» и другие).

 

В «сказочном» ключе написаны и «праздники», куда в первую очередь, думается, можно отнести «Проводы русской зимы» и многочисленные «Базары». Инна Широкова любит писать эти сюжеты, точно угадывая стихию народного гулянья, когда всё шумит и волнуется вокруг. Живая непринуждённость поведения гуляющей, весёлой толпы, правдивая передача характеров и настроений людей, участвующих в празднестве, заставляют поверить, что перед нами кусочек жизни, достоверно переданный живописцем на холсте.

И.А. Широкова «Девушка с самоваром»
И.А. Широкова «Девушка с самоваром»

 

Это впечатление во многом идёт от композиционного построения полотна, его «фрагментарности». «Срезая» рамой фигуры, Широкова заставляет зрителя домыслить живую толпу, часть которой изображена на полотне. При всей кажущейся случайности такого решения в нём есть выверенность и образная выразительность, которые могут питаться только жизненными впечатлениями, художническим опытом.

Чтобы убедиться в этом, достаточно вглядеться в фигуры, лица людей, изображённых на картинах. Нарядные одежды, улыбающиеся, раскрасневшиеся на морозе лица, расписные ларьки и лабазы, припорошенные снегом, — всё сливается в яркое, незабываемое зрелище.

 

Говоря о тематическом разнообразии художницы Инны Широковой, хотелось бы остановиться на производственной теме в её искусстве. Она неоднократно писала портреты рабочих, ею было создано несколько вариантов картины «Кузнецы». Но наибольшего успеха в этой теме художница все-таки добилась в полотне, которое связано с трудом мастеров- стеклодувов. Их нелёгкий, но удивительно красивый труд предстаёт в картине «Стеклозавод» как гармония физического и прекрасного. И труд здесь воспринимается как симфония, включающая в себя красоту цвета, особый, как бы музыкальный ритм движений рабочего человека, управляющегося с раскалённым, светящимся шаром жидкого стекла.

 

Любовь живописца к натуре, одарённой, творческой, проявляется не только в жанровых картинах, но и в её портретном цикле. Широкова пишет портреты лишь тех людей, кого хорошо знает. Не случайно её мастерская всегда открыта для гостей, куда приходят её коллеги — художники, а также писатели, актёры, врачи, учёные, журналисты. Мир этот очень дорог художнице, это мир единомышленников, людей, близких ей по духу, мировосприятию. Именно здесь, в общении, рождаются замыслы многих портретных работ. Иногда она создаёт несколько вариантов портрета одной и той же модели, каждый раз осуществляя новый взгляд на неё в другом композиционном или колористическом решении.

 

Достоинства портретов Широковой определяются способностью автора подмечать и запечатлевать на холсте характерные черты внешности человека, его манеру держать себя, разговаривать, двигаться, всё то, что для художника является одновременно ключом к раскрытию состояния и настроения портретируемого. Модели в её портретах в основном статичны, лишены движения. Но очень редко внешнюю статику изображённого можно отождествлять со спокойствием внутренним, душевным.

Композиционная построенность холстов, их напряжённое колористическое звучание сообщают портретируемым внутреннюю энергию, подчеркивают сугубо индивидуальные черты характера человека.

В немалой степени раскрытию характера модели способствует и фон. У Широковой он — всегда активно действующая среда, также работающая на образ. Им определяется место действия, по нему можно многое узнать о самом человеке, его профессии. Примером могут служить такие работы, как «Мои соседи по мастерской», «Портрет профессора В. А. Журавлёва», «Портрет заслуженной артистки РСФСР Т. И. Ветко». Глубоко индивидуальный облик изображенной личности несёт в себе и черты типические, присущие людям этих профессий — художнику, врачу, актёру.

 

Интересен в этой связи цикл портретов-картин, посвящённых актёрам театра кукол. В портретах режиссера Вадима Афанасьева («Рождение образа»), актрисы Альбины Рычковой, куклы, изображённые на фоне, так активны и выразительны, что воспринимаются уже как самостоятельные образы. Настолько крепко, выразительно психологически даны две большие куклы в натюрморте «Рождение кукол», что работа выходит за границы жанра, выбранного автором.

На протяжении всего творчества Широкова с особым увлечением писала детские портреты. И сегодня это одна из самых любимых и благодатных, как сама она считает, тем. Детские образы в картинах художницы покоряют зрителя искренностью, непосредственностью, естественностью поведения. Каждый из них — маленький человек со своим внутренним миром и настроением. В этом отношении характерны портреты Светланы, племянницы художницы, которая стала одной из самых любимых моделей автора. В одном из ранних холстов она изображена ещё совсем ребенком с любимой игрушкой в руках. В более поздней работе «Света» — это уже подросток, вступающий в пору юности. Сопоставляя холсты, можно увидеть, как тонко чувствует живописец изменения, произошедшие во внутреннем мире девочки.

 

Несколько лет тому назад активно вошла в творчество Инны Широковой и тема юношества. Чаще всего она реализуется в групповых портретах, картинах (хотя встречаются и однофигурные композиции). Обычно автор представляет образы молодёжи как коллектив единомышленников, объединенных общей целью и делами. Таковы триптих «Студенты», «Групповой портрет выпускниц Кировского культпросветучилища» и другие.

 

Примечательны автопортреты Широковой  Их много, они разные по настроению и состоянию. В каждом — отражение определённого этапа творческого пути. Одни лирические, грустные («У зеркала. Автопортрет»), другие безмятежно созерцательные («Зимний автопортрет»). Но в большинстве случаев художница предстаёт перед нами в момент творчества, как, например, в работе 1981 года, где изображает себя за мольбертом с кистью в руке, серьёзно и задумчиво глядящей на зрителя. Сравнивая автопортреты — ранние с более поздними, — ясно видишь, как усложнился и углубился внутренний мир художницы, насколько чётче и явственнее обозначился её характер.

И.А. Широкова «Автопортрет с собаками»
И.А. Широкова «Автопортрет с собаками»

Оглядывая созданное Широковой к началу 80-х годов, довольно трудно определить, какому жанру она отдаёт предпочтение. Художница одинаково заинтересованно работает над натюрмортами, портретами, тематическими композициями. Нередко они объединяются в одном произведении, расширяя и обогащая его жанровые границы.

Как и любой художник, Инна Широкова не застрахована от неудач. У неё, человека, всегда находящегося в поиске, были работы, которые принесли немало огорчений. Но как бы ни трудны были пути обретения собственного лица, об одном можно сказать с уверенностью: ни одно своё произведение художница не писала равнодушно. Без чувства волнения, радостного, а подчас даже и восторженного удивления перед жизнью Инна Широкова не берёт кисть в руки. Этим чрезвычайно ценным качеством, данным от рождения, она всецело делится со зрителем.

Инна Широкова сейчас в расцвете творческих сил. Она всё зорче всматривается в окружающую жизнь, острее чувствует характер современников. Её искусство с каждым годом набирает всё большую силу.

 

В. ПЕРЕСТОРОНИНА

Журнал «Художник» №1, 1984 г.

ХУДОЖНИК И ВРЕМЯ Выдающийся советский анималист увеличить изображение
ХУДОЖНИК И ВРЕМЯ Выдающийся советский анималист

Более полувека жизни отдал любимому делу — изображению животных— замечательный мастер, выдающийся советский анималист Василий Алексеевич Ватагин (1884—1969).

Пожалуй, о высшем признании достижений творца можно говорить тогда, когда его имя становится как бы синонимом его профессии. Особый, «ватагинский» мир настолько прочно вошёл в наше сознание, что, как правило, широкий зритель, сталкиваясь с анималистической скульптурой, сразу вспоминает об этом великолепном художнике.

Признание его таланта всенародно. Действительный член Академии художеств СССР, народный художник РСФСР, лауреат Государственных премий, профессор В. А. Ватагин прожил красивую и долгую жизнь. Можно только восхищаться и преклоняться перед трудовым подвигом художника, до конца отдавшего себя служению искусству.

 

Считая, что всё созданное природой— норма совершенства и красоты, он своим творчеством стремился приблизиться к этому идеалу. Если для других анималистов искусство становилось средством самовыражения, то для Ватагина оно всегда было средством «выражения зверя», проявлением доброго внимания к нему.

В.А. Ватагин «Бегемоты»
В.А. Ватагин «Бегемоты»

Всю жизнь он считал, что учится у природы, восхищаясь её бесконечной красотой. Обладая особым, беспримерным «талантом большой трудоспособности», он был примером высокого творческого горения. Замечательный скульптор, прекрасный рисовальщик, тонкий акварелист, редкий мастер автолитографии, незабываемый иллюстратор книг о животных, создатель научной иллюстрации, керамист, педагог, незаурядный писатель, человек большой души, он на склоне лет в своих «Воспоминаниях» напишет: «Мои стремления не были недостижимыми, мои требования были скромными, потребности ограниченными. Не увлекаясь несбыточными мечтами, я не испытывал горького разочарования. Не предъявляя к жизни больших запросов, я удовлетворялся немногим. Я никогда и никому из моих товарищей по искусству не завидовал. Я никогда не стремился превзойти кого-то бы то ни было и работал только из любви к работе».

 

В 1907 году Ватагин окончил отделение естественных наук физико-математического факультета Московского университета, обучался в частной художественной школе акварелиста Н. Мартынова, а затем в течение двух лет — в художественной студии К. Юона.

Может быть, удивительная цельность художника зиждется на представлении, что наука и искусство для него — две стороны одного и того же процесса: глубокого познания мира. Изучая зверя как зоолог, он восторгался им как художник.

Работа над научными иллюстрациями к трудам профессора зоологии Московского университета М. Мензбира, где требовались предельная точность и знание анатомии зверя или птицы, и одновременно занятия с К. Юоном дали будущему художнику с одной стороны отличное знание анатомии животных, с другой — понимание необходимости конструктивной основы пластической формы, её смысла и изменчивой красоты, глубокое понимание внутренней единой связи всего живого.

В.А. Ватагин «Мамонты»
В.А. Ватагин «Мамонты»

Эта крепкая основа научно-художественного познания расширялась и укреплялась в многочисленных поездках по России и за границу.

Путешествуя по Европе (1908—1909), духовно общаясь с шедеврами искусства в музеях Берлина, Гамбурга, Амстердама, Лондона, Парижа, Антверпена, он проходит великолепную школу.

Величавостью, отточенным лаконизмом форм его необыкновенно влечёт искусство Египта. Однако не менее остро он вглядывается в живую натуру, делает карандашом и кистью бесчисленные зарисовки животных в различных зоологических садах мира.

Результатом этого первого большого путешествия стал достаточно органичный переход от рисунка к живописи и далее, через рельеф, к круглой скульптуре, выполняемой первоначально, как правило, в дереве.

В.А. Ватагин «Мандрил сидя». Зоопарк Берлина. 1907-1908. Акварель
В.А. Ватагин «Мандрил сидя». Зоопарк Берлина. 1907-1908. Акварель

В.А. Ватагин «Мандрил». Дерево тонированное. 1911 г.
В.А. Ватагин «Мандрил». Дерево тонированное. 1911 г.

Ранние скульптуры Ватагина всегда монументально торжественны. Недюжинный его талант сказывается в живом композиционном решении групп, в красоте силуэтов, в плавных, волнообразных изгибах тел, в «чувстве зверя».

В эти же годы у художника пробуждается интерес к работе в материале, что приводит к созданию из мрамора «Краба» (1909) и «Удава» (1912). Однако самой выразительной из ранних произведений стала скульптурная группа «Моржи» (1909), о которой художник говорил, что в работе над ней шёл от форм египетского искусства.

 

В.А. Ватагин «Моржи» Дерево. 1909. Берёза. Первая работа В.Ватагина по дереву. Поражает мастерством, трёхмерностью.
В.А. Ватагин «Моржи» Дерево. 1909. Берёза. Первая работа В.Ватагина по дереву. Поражает мастерством, трёхмерностью.

 

 

 

 

В.А. Ватагин «Краб». 1909 г.
В.А. Ватагин «Краб». 1909 г.

В.А. Ватагин «Удав». Камень Тарусский. 1912 г.
В.А. Ватагин «Удав». Камень Тарусский. 1912 г.

Упорные поиски монументально-лаконичного пластического языка, тяга к значительным образам приводит Ватагина к созданию «Головы белого медведя», которая стала своеобразным итогом первого этапа его творчества. Не непосредственность, не случайность впечатления, а глубокое, целостное, полное и вместе с тем своеобразно очеловеченное представление о звере — вот к чему стремится скульптор. Под рукой мастера выявляется могучая и совершенная живая плоть, выступают широкие, чётко намеченные плоскости, которые, перетекая друг в друга, выявляют объём.

Художник работает без модели, опираясь на свою зрительную память, натренированную бесчисленными зарисовками с натуры. Он смело обобщает пластическую форму, стремясь к целостности общего художественного впечатления. Зато в натурном рисунке его главная задача аналитическая: фиксация мгновенного поворота, движения, позы зверя. С этой целью он вырабатывает свой приём в рисунке, на одном листе изображая зверя в разных ракурсах: в фас, в три четверти, в профиль, со спины или затылка.

Подчиняя живую форму логике архитектонического построения, Ватагин в какой-то мере геометризует скульптурный объём, стремится выявить специфическую красоту и пластические особенности материала. Своеобразным синтезом этих исканий стала «Рысь» (1918). Спокойная, сытая, довольно «улыбающаяся» рысь внутренне напряжена, но вместе с тем небольшая по размерам фигурка монументальна, ваятель, как на пьедестал, возносит «зверя-тотема», «празверя».

 

Большую работу проводил Ватагин в Дарвинском музее под руководством проф. А. Ф. Котса, его основателя и бессменного директора.

Начав эту работу ещё до революции, художник в течение почти пятидесяти лет написал более четырёхсот живописных панно, картин, таблиц, охватывающих различные области палеонтологии, зоогеографии, зоопсихологии. Им были созданы портреты Дарвина и его последователей, а также около ста больших скульптур — изображения обезьян и первобытных людей. Около тридцати лет (1931—1959) занимает работа над художественным оформлением Музея зоологии Московского университета, где мастером было выполнено около двухсот произведений.

В 1931—1932 годах Ватагин безвозмездно, на общественных началах, работает в Московском зоопарке, оформляя вход на новую территорию со стороны Садовой улицы. Два рельефа, изображающие бегущих антилоп и северных оленей, украсили вогнутую поверхность портала. По углам ворот — две парные группы обезьян и росомах. Позднее для входа на старую территорию зоопарка он сделал две большие фигуры львов.

 

Образы Ватагина — это животные, уверовавшие в благородство человека, его дружбу к «меньшим братьям». При этом перед художником стоит сложная творческая задача — «объединить научное понимание зверя с художественным его воплощением». В её успешном решении мастеру помог редкий дар вносить дух строгой упорядоченности в образ, чувство меры. Как учёный он стремится с объективной достоверностью передать облик зверя, называя все попытки утрировать какие-то его особенности «уродованием». Как художник он видит в животных воплощение диких, могучих стихийных сил природы и этим романтическим духом наполняет свои творения.

Ватагин был убежден, что любую скульптуру от начала до конца обязан делать сам автор. Он любил процесс работы, чувствовал материал, а преодоление его инерции, осмысление и всемерное выявление специфических художественных возможностей радовало и увлекало мастера. Поэтому так ощутимо в его работах каждое движение резца или стамески. Они следуют за мыслью художника, хранят его дух. Ватагину казалось неэтичным выставлять скульптуру, механически переведённую в материал другими, хоть и искусными руками, как свою. Он с гордостью писал: «Закончив работу, я мог со спокойной совестью назвать скульптуру моей, произведением моих рук».

 

Все исследователи творчества Ватагина отмечают изумительное чувство материала, свойственное художнику. Так А. Фёдоров-Давыдов в одном из обзоров художественной жизни Москвы писал: «Скульптурное чутьё материала при умении подчинить его своей воле и заставить говорить то, что хочет скульптор, — вот что делает такой врезывающейся в память его небольшую фигурку «Мальчика в халате» (1921). В нем и форма, и композиция, и даже узор на халате (восточный стиль) — естественная игра слоев и многочисленных срезанных сучков.

 

С годами мастер все глубже и глубже проникает в таинственный мир звериной души, останавливая нас перед завораживающим взглядом чёрной «Кошки» (1925), полными боли глазами «Горюющей обезьяны» (1939). С глубоким пониманием, любовью и уважением он создает такие необычные, оригинальные в своей трактовке произведения, как «Голова орангутанга» (1927), «Голова львицы» (1952). По силе проникновения в «душу» животного они созвучны человеческому портрету с его психологической характеристикой, значительностью образа. Художник-гуманист, он выявляет в них своеобразный интеллект, достоинство и благородство зверя.

В.А. Ватагин Голова орангутанга»  Дерево тонированное.  1927 г.
В.А. Ватагин Голова орангутанга» Дерево тонированное. 1927 г.

Творческая деятельность Ватагина имела необыкновенно широкий диапазон и охватывала порой диаметрально противоположные области: монументальную роспись и книжную иллюстрацию, декоративную монументальную скульптуру и мелкую пластику.

 

Графикой он начал заниматься еще до революции, познакомившись с литографией в Берлине, в мастерской знаменитого тогда графика Капштейна. Увлекшись ею, он, как всегда, начинает с глубокого и тщательного изучения техники, работая то пером, то жирным литографским карандашом, то применяя заливку тушью для получения однотонных поверхностей. Мастер открывает для себя совсем уж редкую технику асфальтового лака, используя которую, добивается значительного художественного эффекта в передаче разнообразия фактуры и тональной гаммы. 

В 1919—1921 годах им были литографированы для альбома «Индия» листы, сделанные в результате поездки в эту страну, в 1938 — серии «Звери» и «Ископаемые», в 1944 — очаровательная серия «Звериное и птичье детство и материнство».

В.А. Ватагин
В.А. Ватагин

Как единственный в своем роде мастер научной иллюстрации, Ватагин создал более ста акварелей для фундаментального труда проф. С. Огнева «Звери восточной Европы и Сибири» (1921—1923) и книги Г. Дементьева «Кречеты СССР» (1946—1948), иллюстрации для Большой и Малой Советской Энциклопедии. Преображая сухопознавательный материал в живую, красочную картину жизни птиц и животных, он заставил себя увлечься, творчески подойти даже к решению такой, казалось бы, сугубо научной задачи.

В.А. Ватагин из серии «Кречеты СССР»
В.А. Ватагин из серии «Кречеты СССР»

В.А. Ватагин. Иллюстрация к статье «Птицы» в Малой Советской энциклопедии 1947 г.
В.А. Ватагин. Иллюстрация к статье «Птицы» в Малой Советской энциклопедии 1947 г.

Ватагин отдал дань и мелкой пластике. Любовно сделаны «Утка с утятами» (1958), «Медведица с медвежатами» (1953), «Зубр», «Байбаки» — забавные семейные сценки, где материал (керамика, терракота) позволял создавать мягкие, обтекаемые формы, которые ласкают и радуют глаз.

Миниатюрные работы из кости — «Зевающий утконос», «Дельфин» (кость, перламутр) — изящны, им присуща удивительная деликатность в обработке поверхности. Такая скульптура, по мысли художника, предназначена для того, чтобы дарить людям радость.

В.А. Ватагин «Пингвин с птенцом». Дерево. 1960 г.
В.А. Ватагин «Пингвин с птенцом». Дерево. 1960 г.

В последние годы жизни Ватагин преподавал в Московском художественно-промышленном училище (бывш. Строгановском). Особое внимание уделял он изучению студентами рисунка, считал, что в основе каждого образа должно лежать глубокое знание.

Первый советский анималист передал своё мастерство ученикам и достойным продолжателям — художникам Д. Горлову, В. Трофимову, А. Лаптеву и другим. Кроме того, он оставил ценные практические советы будущим поколениям художников в написанных им воспоминаниях и статьях, собранных в книгах «Изображение животного. Записки анималиста.» (М., «Искусство», 1957) и «Воспоминания. Записки анималиста. Статьи» (М., «Советский художник, 1980).

Василий Алексеевич Ватагин имел право сказать: «В искусстве я сделал всё, что было в моих силах».

 

С. РОМАНОВА

 

журнал "Художник" № 3 за 1984 год

 

 

 

Портрет кисти Серебряковой увеличить изображение
Портрет кисти Серебряковой

Коллекция русского искусства Государственного музея искусств Грузинской ССР пополнилась новым портретом кисти известной русской художницы 3. Серебряковой. Работа эта до недавнего времени находилась в частном собрании в Лондоне.

 

Портрет Саломеи Николаевны Андрониковой-Гальперн, исполненный 3. Серебряковой в 1924 году, представляет особый интерес, так как это одно из первых произведений, созданных ею во Франции. Являясь как бы продолжением тех тенденций, которые уже определились в «Автопортрете с кистью» (1923—1924 гг., Киевский музей русского искусства), портрет этот несёт в себе черты, характеризующие новый период в творчестве художницы. К числу новых черт следует отнести отказ от прежней схемы композиционного портрета жанрового характера, стремление к большей чёткости и остроте силуэта.

 

Портреты 3. Серебряковой 1923— 1924 годов вообще отличались более сдержанным колоритом, лаконичностью рисунка, строгой выверенностью композиции. Поэтическая одухотворённость, столь свойственная её женским портретам, находит выражение и в этой работе. Особенно пленяет удивительная музыкальность линейных и цветовых ритмов, способствующая раскрытию внутреннего состояния модели.

Присущее 3. Серебряковой внимательное и любовное отношение к натуре, острота художественного видения помогли ей тонко передать не только обаяние внешнего облика, но и душевное настроение модели, её интеллектуальность. Достигается это предельно скупыми средствами: пластической выразительностью покоящихся на коленях рук с тонкими удлинёнными пальцами маленькой изящной кисти, свободной, непринужденной осанкой фигуры, как мы говорим, певучей ритмикой линий, очерчивающих женственный силуэт. В лёгком наклоне головы женщины, как бы прислушивающейся к невидимому собеседнику, в мечтательной задумчивости взгляда миндалевидных глаз та глубокая поэтичность и лиризм, которые были присущи С. Н. Андрониковой.

 

Личность модели как бы подсказала художнице и композицию портрета. С. Н. Андроникова (по мужу Гальперн) формально не имела отношения ни к искусству, ни к литературе, но её можно назвать «музой» русской поэзии и изобразительного искусства начала XX века — так много связало с её именем поэтических творений и такое количество художников избрало её моделью своих произведений. Тесная дружба связывала С. Н. Андроникову со многими деятелями русской культуры. Свой знаменитый сборник «Чётки», изданный в 1914 году, А. Ахматова подарила ей с трогательной надписью: «Милой Саломее Николаевне в надежде на дружбу». Ей посвятил свои стихотворения и О. Мандельштам.

 

Оказавшись в 1920-х годах в Париже, С. Н. Андроникова и там продолжала быть притягательным центром для многих. Сама будучи в довольно стеснённых материальных обстоятельствах, она всё же помогала некоторым представителям русской интеллигенции, находившимся в бедственном положении.

В те годы в Париже образовалась целая колония русских художников: здесь жили и работали А. Бенуа и К. Сомов, С. Сории и С. Судейкин, В. Шухаев и А. Яковлев. Для некоторых из них С. Андроникова стала излюбленной моделью. Её портреты писали А. Яковлев и В. Шухаев, посетивший в эти годы Париж К. Петров-Водкин, а скульптор С. Судьбинин вылепил её бюст. Там же в 1924 году написала её портрет и 3. Серебрякова.

Помещая свою модель в интерьере с минимальным количеством деталей (лишь папки, прислоненные к массивному обрамлению камина, служат лёгким намёком на причастность изображённой к миру искусства), художница находит лаконичное и пластически убедительное решение портрета.

Колорит портрета приглушенностью, вниманием к светотеневой разработке как бы тяготеет к традиционным для русской живописи второй половины XIX века решениям. Его мягкая гамма тонко сгармонированных золотисто¬коричневых и зеленовато-оливковых тонов создает не только богатство красочного звучания, но и определенный музыкальный ритм, столь свойственный портретам 3. Серебряковой.

Портрет этот был подарен художницей С. Н. Андрониковой-Гальперн и находился в её собрании в Лондоне. Он был завещан владелицей Государственному музею искусств Грузии в Тбилиси. куда и поступил в 1982 году.

 

Н. ЭЛИЗБАРАШВИЛИ

 

Журнал «Художник» № 1 за 1984 год

 

На аватаре: З. Серебрякова «Портрет С. Н. Андрониковой-Гальперн». X., м. 1924. Гос. музей искусств Грузинской ССР. Нажмите на картинку чтобы увеличить.

ЗАГАДКА В СЕНТ-ЖЕНЕВЬЕВ-ДЕ-БУА увеличить изображение
ЗАГАДКА В СЕНТ-ЖЕНЕВЬЕВ-ДЕ-БУА

Приведённые даты рождения и смерти (14.1.1871 – 11.9.1939) на могиле Константина Алексеевича Коровина в Сент-Женевьев-де-Буа в статье «Православный уголок Парижа» («МХ» № 10 от 15 марта 1991 г.) списаны мною с медной дощечки на памятнике, установленном на могиле художника. Однако хорошо известна дата рождения Константина Алексеевича Коровина — 18 ноября 1861 года. Как могло такое случиться? Можно предположить, что в 1939-40 годах первоначальные даты, были правильны. Видимо, после смерти жены и сына произошла эта досадная ошибка,

Ю. ШАШКОВ

Газета «Московский художник» № 27 от 2 августа 1991 г.

 

На авартаре: могила русского художника К.А. Коровина (нажмие на фото чтобы увеличить).

ИЛЛЮСТРАЦИИ К СКАЗКАМ А.С. ПУШКИНА увеличить изображение
ИЛЛЮСТРАЦИИ К СКАЗКАМ А.С. ПУШКИНА

Сказкам Пушкина отдало дань множество художников-иллюстраторов. При этом каждый из них за полтора века внёс свой вклад в историю иллюстрирования этих сказок, интерпретируя их по-своему.

Наряду с иллюстрациями, полностью созвучными творениям великого поэта, история иллюстрирования сочинений Пушкина знает немало рисунков, мастерски выполненных, но не имеющих органической связи с текстом, существующих как бы параллельно с ним. Их авторы использовали только тот или иной сюжет Пушкина, не стремясь воссоздать дух его творений. Некоторые иллюстраторы грешили крайне индивидуалистическим подходом к интерпретации произведений Пушкина. Отдельные художники стилизовали свои рисунки к пушкинским сказкам под лубок. Псевдонародность такого рода иллюстраций не имела ничего общего с полнокровным реализмом сказок Пушкина.

В советскую эпоху художники получили возможность глубоко и полно раскрыть наследие гения русской литературы, свободолюбие и гуманизм Пушкина.

Идеи и образы великого поэта привлекали внимание таких художников, как Д.Н. Кардовский и Б.М. Кустодиев, А.И. Кравченко и В.А. Фаворский, К.И. Рудаков и Д.А. Шмаринов.

Над иллюстрированием пушкинских сказок много и плодотворно трудились И.Я. Билибин, В.М. Конашевич, А.М. Каневский, Б.А. Дехтерев.

Большую серию акварелей на темы сказок Пушкина создал народный художник СССР действительный член Академии художеств СССР В.А. Серов.

Советский живописец и график Владимир Александрович Серов родился в 1910 году. В 1931 году он закончил Всероссийскую Академию художеств, где учился у академика В.Е. Савинского -- крупного педагога, носителя традиций русской реалистической художественной школы, последователя педагогической системы П.П. Чистякова.

В.А. Серов известен по большей части тем, что он работает в жанре историко-революционной живописи. Его тематические картины «В.И. Ленин провозглашает Советскую власть» и «Ходоки у В.И. Ленина» были отмечены Сталинскими премиями. Художник неоднократно обращался и к иллюстрированию произведений русской литературы («Полтава» А.С. Пушкина, «Война и мир» Л.Н. Толстого, «Кому на Руси жить хорошо» Н.А. Некрасова, «Фома Гордеев» А.М. Горького).

В.А. Серов «В.И. Ленин провозглашает Советскую власть»
В.А. Серов «В.И. Ленин провозглашает Советскую власть»

В.А. Серову свойственно стремление осмыслить идеи и образы творений классиков, в частности сказок Пушкина, с позиций нашего времени и в полном соответствии с замыслами писателя. Его иллюстрациям присуща социальная заострённость.

Художник изображает центральные сюжетные моменты и главных героев сказок.

Иллюстрации Серова красочно повествуют нам о сказочных событиях. Однако художнику, как и Пушкину, чужды мотивы сверхъестественного. О самом что ни на есть фантастическом Пушкин умел рассказывать вполне реалистически, просто, наглядно. Так же и в рисунках Серова вполне реален бытовой фон, знакомящий нас с обстановкой, в которой разворачивается действие той или другой сказки. Иллюстрации Серова, если можно так выразиться, „населены“ живыми, полнокровными образами.

Персонажи пушкинских сказок, являющихся обработкой народного творчества, всегда остро характерны и типичны, поскольку из народной сказки, которая передаётся изустно в течении ряда веков, от поколения к поколению, постепенно отсеивалось всё случайное.

Задача каждого иллюстратора-реалиста - вскрыть суть характеров литературных героев.

Серов конкретизирует сказочные образы, делает их для читателя наглядными, чётко обрисовывает основные индивидуальные, только им присущие, черты действующих в сказке лиц.

Выразительны сопоставления персонажей: сильный, умный русский мужик Балда и жадный поп, недалекий, ленивый царь Дадон и обольстительная, загадочная шамаханская царица, сварливая, взбалмошная, жадная старуха и простодушный, добрый рыбак.

Читатель отчётливо ощущает отношение иллюстратора к тому или иному действующему лицу. Характеристики отрицательных персонажей у Серова порой остры до гротеска, что отвечает стилю сказок Пушкина.

Серову абсолютно чуждо чистое стилизаторство ради стилизаторства. Изобразительный язык его иллюстраций близок поэтическому строю самих пушкинских сказок, их простой и ясной форме. Акварели Серова характеризует простота композиции, яркость красок, чёткий, законченный и отточенный рисунок.

Иллюстрации Серова правдиво и поэтично раскрывают содержание сказок, с особым, только этому художнику присущим выражением, передают присущие иллюстрируемым им сказкам черты лиричности и юмора, дают своё собственной, оригинальное толкование образам пушкинских сказочных героев. Красочная, нарядная серия сказочных иллюстраций В.А. Серова - это несомненно яркий вклад в историю иллюстраций всем нам с детства известных сказок великого поэта.

 

Э. Милина

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

https://artistasrusos.ru/books.html

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Поэзия отроческих лет. О выставке художника Н.М. Чернышёва. увеличить изображение
Поэзия отроческих лет. О выставке художника Н.М. Чернышёва.

Значение подлинного искусства в быстротекущем времени не угасает, а возрождается. Огнём любви и понимания.

Прошедшая в залах Центрального Дома художника на Крымском валу выставка произведений Николая Михайловича Чернышёва вызвала горячий непосредственный интерес множества людей, которые приходили к полотнам Мастера, чтобы снова и снова пережить высокие минуты соприкосновения с благородством всеобъемлющей мысли, светлого чувства, горчайшей боли и дерзновенного взлёта, которыми исполнены полотна и графические листы, мозаики и дивные копии фресок соборов древней Руси.

Подобно жизни и творчеству Александра Иванова, столь любимого Мастером, путь Чернышёва являет собой пример живой связи с бессмертными традициями изографов древней Руси с исканиями современности, пример бескорыстного, непреклонного, мужественного служения высокой идее и однажды и навсегда избранной цели — любить и защищать и воспевать Родину, Жизнь, Человека.

Не случайно книгу отзывов каждый день дополняли голоса взволнованных и потрясённых посетителей, которые, даже ничего не зная прежде о художнике, испытывали на себе благодатную силу очищения чувств и просветления сознания.

Приводим фрагменты некоторых: записей.

* * *

Дорогие, Антонина Александровна и Полина Николаевна! Большое спасибо за эту встречу с настоящим, большим художником, с подлинным, человечным, столь трепетным Искусством! Восхищает многогранность, то, что одинаково равноценно: психологический портрет — и пейзаж, натюрморт и — удивительные, лёгкие и тонкие, как стрекозы, девочки у воды, в полёте, в танце. Большой и совершенно индивидуальный талант! (А.А. Мацевич и И.К. Киселёва, филологи).

* * *

 Замечательная выставка! Мы ошеломлены творчеством Н.М. Чернышёва. Нашим горячим желанием после посещения выставки стала необходимость создания музея этого великого художника. Побольше таких выставок! (Т.Н. и Е.O. Венгеровы, Г. Ермакова).

* * *

 Выставка очень понравилась своей неординарностью, красками, композицией. Хотелось бы больше таких выставок, чтобы зрители узнавали новые имена художников, таких, как Чернышёв, творивших в трудное время в истории России. (Учащиеся).

* * *

Чудо-художник! (А. А. Лазыкин, живописец).

* * *

Большое спасибо за выставку! После пошлости, виденной в других залах ЦДХ, она — глоток свежего воздуха. (В. В. Репин, студент).

Н.М. ЧЕРНЫШЁВ  «Девочка с книгой»
Н.М. ЧЕРНЫШЁВ «Девочка с книгой»

Милый, Великий, Русский художник! Николай Михайлович Чернышёв!!! Огромное достояние — надо беречь и показывать народу для просветления души! (В. Ездаков, художник).

* * *

 Большую радость принёс Николай Михайлович Чернышёв — большой души человек, пронёсший духовность сквозь тяжёлые времена. Работы Н.М. Чернышёва — большой вклад в дело возрождения России. (Н.Н. Шестаков).

* * *

 Искусство Николая Михайловича Чернышёва — глубоко национально, глубоко русское и является национальной гордостью и душой седой России. Если сейчас оно может быть недооценивается, то пройдёт время и будущие поколения отдадут ему должное. Нужно сделать всё возможное, чтобы эту прекрасную выставку посмотрели как можно больше зрителей, ибо она будет помогать формировать душу и сердце зрителей. Это нам всем так нужно! (И.Е. Кабыш, художник).

* * *

Это целый мир целого века русской души тонкого внешне, но радушно прекрасного внутри. Этому творчеству нужен целый отдельный дом, а художнику — мозаичный монумент на века! (И.В. Стебаев, профессор НГУ).

* * *

Большое спасибо за чудесную экспозицию. Как жаль, что только сейчас можно увидеть произведения такого мастера — одного из славных представителей русской живописи XX века. Это не просто выставка — это хрестоматия и отличный урок для молодых художников. Спасибо! (Ю.А. Брянский, профессор, Т.М. Лязгина, заслуженная артистка РСФСР).

Н.М. ЧЕРНЫШЁВ  «Обнажённая»
Н.М. ЧЕРНЫШЁВ «Обнажённая»

 Эта выставка работ Н.М. Чернышёва открыла мне большого художника, о котором я знал, но явно недостаточно. К числу наших мастеров XX века должен быть по праву причислен и Н.М. Чернышёв. Сколько в его работах — малых и больших, — поэзии, пластики, мысли, движения! Какой дивный мир своей души открывает нам этот Мастер, произведения которого должно знать как можно больше людей! Где монография о нем? Где открытки, буклеты, альбомы? Во всём этом большая нужда. Рад, что открыл для себя Н.М. Чернышёва. (Л.А. Озеров).

* * *

 Как живительный бальзам на раны подействовала выставка Николая Михайловича Чернышёва, светлые, трепетные чувства вызывают работы Мастера! Отзвуки чистого прошлого. Редкий случай, когда нравятся почти все работы художника, будь то портреты или пейзажи. Большое спасибо устроителям этой замечательной выставки! (Э. И. Фридма, певица).

* * *

Очень признательна устроителям выставки Н.М. Чернышева. Я ощутила большую радость от его картин. Мы так ещё мало знаем наших великих русских художников. (И.Л. Разина).

* * *

 Выставка Н.М. Чернышёва — лучшая в Москве за последние годы. Понимают ли это в ЦДХ? Чувствуют? Или в погоне за количеством, новыми именами и коммерческим успехом, не имеют ни вкуса, ни собственного мнения? ЦДХ надо иметь собственное талантливое лицо, чтобы стать и быть культурным центром. (В.Б. Файзулаев, инженер).

* * *

Спасибо тебе, Россия, что ты родила такого художника! Чернышёв — это русский гений! Спасибо, что не забыли сделать эту выставку! Столько радости и покоя принёс он в душу. Спасибо! (В. Ельчанинов).

* * *

 Выражаем благодарность родным великого художника и человека Николая Михайловича Чернышёва и устроителям прекрасной выставки. Получили много познаний, удовольствия от встречи с прекрасным. Великий труженик, гениальный художник во всех направлениях искусства оставил бесценное наследие, на котором многие годы нужно учиться и учиться молодежи. Нигде не встречали изображения такой прекрасной непосредственности юности и вообще не хватит слов, чтобы перечислить все достоинства работ художника.

Уходя с выставки, уносишь чувство соприкосновения с прекрасным и желанием жить. К сожалению, приходится огорчаться, что встречи с такими талантами, прекрасными художниками происходят крайне редко, а чаще знакомят нас со скороспелыми бездарными работами, под которые отводятся престижные залы. (Т.В. Юргене, Г.Н. и Л.Н. Тимофеевы).

* * *

Хочется выразить сердечную благодарность за организацию выставки Н.М. Чернышёва. Много раз бываем на «30-х годах», чтобы полюбоваться «Голубым домиком», «Автопортретом», «Раненым голубем». Удивительное ощущение чистоты, света, человеческого счастья и грусти оставляют картины художника. Ваша выставка – подарок москвичам, встреча с настоящим искусством. Никакие «модные течения» не страшны настоящему художнику! Спасибо! (А.В. Батурин)

Н.М. ЧЕРНЫШЁВ  «Голубой домик»  1930-е годы
Н.М. ЧЕРНЫШЁВ «Голубой домик» 1930-е годы

Выставка Николая Михайловича Чернышёва меня потрясла и взволновала до глубины души моей, высокой нравственностью и чистотой. Меня потрясает и то, как он мог сохранить высокие духовные качества, живя в такое сложное время. На какую картину художника не вскинешь взор, как «Под душем», «Купальщицы», «Модель на жёлтом», от этих картин веет чистотой, высокой нравственностью. Я вышла из зала одухотворённой, очищенной от скверны.

О, Господи! Сколько ещё у нас хранится сокровищ, скрытых от глаз людских. Выношу глубокую благодарность организаторам такой высоконравственной выставки. (Н.А. Клеймёнова)

 

Газета «Советский художник» 2 августа 1991 г.

 

На аватаре: Николай Михайлович Чернышёв. Фотография из архива семьи художника.

 

Чернышёв Николай Михайлович (1885-1973) «Летом в городе» Холст, масло. 1955 г.
Чернышёв Николай Михайлович (1885-1973) «Летом в городе» Холст, масло. 1955 г.

 

Н.М. ЧЕРНЫШЁВ  «После купания»
Н.М. ЧЕРНЫШЁВ «После купания»

 

Н.М. ЧЕРНЫШЁВ  «Сумерки (Дерево)»  Холст на картоне, масло. 60х50 см  1909 г.
Н.М. ЧЕРНЫШЁВ «Сумерки (Дерево)» Холст на картоне, масло. 60х50 см 1909 г.

 

Н.М. ЧЕРНЫШЁВ  «Портрет Кнута Гамсуна»  1913 г.
Н.М. ЧЕРНЫШЁВ «Портрет Кнута Гамсуна» 1913 г.

 

Н.М. ЧЕРНЫШЁВ  «Венера» 1918 г.
Н.М. ЧЕРНЫШЁВ «Венера» 1918 г.

 

Н.М. ЧЕРНЫШЁВ  «Утро на Неве»  Холст, масло. 74х124 см  1945 г.
Н.М. ЧЕРНЫШЁВ «Утро на Неве» Холст, масло. 74х124 см 1945 г.

 

Н.М. ЧЕРНЫШЁВ  «Ночь на озере Сенеж»  Холст, масло.  75х125 см  1949 г.
Н.М. ЧЕРНЫШЁВ «Ночь на озере Сенеж» Холст, масло. 75х125 см 1949 г.

 

Н.М. ЧЕРНЫШЁВ  «Ненастный вечер»  Холст, масло. 73х123 см  1949 г.
Н.М. ЧЕРНЫШЁВ «Ненастный вечер» Холст, масло. 73х123 см 1949 г.

 

Н.М. ЧЕРНЫШЁВ  «Весна в Коломенском»  Холст, масло. 100х120 см  1956 г.  Иркутский областной художественный музей им. В.П. Сукачева
Н.М. ЧЕРНЫШЁВ «Весна в Коломенском» Холст, масло. 100х120 см 1956 г. Иркутский областной художественный музей им. В.П. Сукачева

 

Н.М. ЧЕРНЫШЁВ  «Купание на озере»  1958 г.  Брянский областной художественный музейно-выставочный центр
Н.М. ЧЕРНЫШЁВ «Купание на озере» 1958 г. Брянский областной художественный музейно-выставочный центр

 

Н.М. ЧЕРНЫШЁВ  «Земной рай»
Н.М. ЧЕРНЫШЁВ «Земной рай»

 

Н.М. ЧЕРНЫШЁВ  «Дионисий с сыновьями на Бородавском озере»  Частное собрание
Н.М. ЧЕРНЫШЁВ «Дионисий с сыновьями на Бородавском озере» Частное собрание

 

Н.М. ЧЕРНЫШЁВ  «А. Рублёв и Д. Чёрный»  Холст, масло. 81х132 см  1960 г.  Пермская государственная художественная галерея
Н.М. ЧЕРНЫШЁВ «А. Рублёв и Д. Чёрный» Холст, масло. 81х132 см 1960 г. Пермская государственная художественная галерея

 

Н.М. ЧЕРНЫШЁВ  «На катке»  Холст, масло. 53х106 см  1958 г.
Н.М. ЧЕРНЫШЁВ «На катке» Холст, масло. 53х106 см 1958 г.

 

Н.М. ЧЕРНЫШЁВ  «Верба распустилась»
Н.М. ЧЕРНЫШЁВ «Верба распустилась»

 

Н.М. ЧЕРНЫШЁВ  «Тоня»
Н.М. ЧЕРНЫШЁВ «Тоня»

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Заметка из газеты «Вечерняя Москва» увеличить изображение
Заметка из газеты «Вечерняя Москва»

Фотоинформация

 

Картины московского живописца В.Г. ГРЕМИТСКИХ хорошо известны любителям советского изобразительного искусства. Он участник многих республиканских, всесоюзных и зарубежных выставок.

Последние годы Владимир Георгиевич плодотворно работает в жанре портрета — рисует людей труда, государственных и политических деятелей. Ветеран Великой Отечественной войны, художник в своём творчестве часто обращается к теме ратного подвига советских людей.

 

Фото Р. ФЁДОРОВА.

Газета «Вечерняя Москва» 27 января 1982 г.

Заметка из газеты «Московский художник» увеличить изображение
Заметка из газеты «Московский художник»

ХУДОЖНИКИ—О ГЕРОЯХ

ВДОХНОВЕННАЯ ТЕМА

 

Одна из самых ответственных в современном изобразительном искусстве тема Ленинской партии, её выдающихся деятелей. Меня давно уже волнует, вызывает творческий подъём воплощение образа Леонида Ильича Брежнева, в ряде последних полотен я ставил перед собой трудную большую задачу средствами композиционного живописного портрета воссоздать облик нашего замечательного современника — выдающегося партийного и государственного деятеля, героя Великой Отечественной войны, борца за мир с высоким международным авторитетом и человека очень интересной жизненной судьбы.

Эта судьба, её мужественная прямота, её труд и напряжение, направленные к высокой цели служения Родине, глубоко тронули меня, когда я прочитал «Воспоминания» Л.И. Брежнева. Они значительно обогатили мои представления о руководителе нашей партии, они помогают мне в настоящее время более цельно и углублённо работать над новым полотном, посвящённым товарищу Л.И. Брежневу.

Каждая строка воспоминаний содержит урок высокой нравственности и понимания неразрывной связи автора с народной жизнью. Рассказывает ли Леонид Ильич о своих родителях, о рабочей семье, в которой он рос, о родном городе или заводе, где начиналась его трудовая деятельность, — перед нами предстает человек благородной души, для которого любовь к Родине начисто лишена эффектных внешних проявлений, ибо она — кровная суть всей его жизни и каждого его поступка. Для него Родина — это прежде всего люди, отдающие ей свой, самоотверженный труд, свою жизнь.

С волнением читаешь каждый эпизод «Воспоминаний», простота и цельность рассказа вызывают глубокое сопереживание, серьёзные размышления о свершениях целой эпохи. Всё это побуждает особенно требовательно решать образ Леонида Ильича Брежнева в живописи, стремиться к максимальной глубине и проникновенности портретного решения.

 

В. ГРЕМИТСКИХ.

 

На снимке: «Портрет Л.И. Брежнева» работы В. Гремитских. С выставки «40 лет Победы под Москвой».

 

газета «Московский художник» от 12 января 1981 г.

 

P.S.  Авторство заметки явно отцу не принадлежит. Во-первых, он не владел расхожими иделогическими штампами, которыми эта заметка изобилует. Во-вторых, сам стиль явно не его. В-третьих, он "Воспоминаний" Л.И. Брежнева по его собственным словам отродясь не читал, а к самому Леониду Ильичу относился, как и большинство советских людей в ту пору, весьма прохладно, что не помешало ему в последний год жизни Генерального секретаря написать аж семь его ростовых портретов. Поскольку отец был хорошим портретистом, ему давали много подобных заказов. При этом за каждый портрет Л.И. Брежнева отцу платили очень большие по тем временам деньги - по четыре тысячи рублей, в то время как у самого Брежнева официальная зарплата составляла 1,5 тысяч рублей в месяц. Кстати, работа над каждым таким портретом у отца занимала тоже ровно месяц.

Отец просто дал согласие на свою подпись под заметкой. Ещё бы он не дал!

 

Александр Гремитских

 

Из рубрики «Письма в «Правду» увеличить изображение
Из рубрики «Письма в «Правду»

Здравствуй, солдат!

 

С группой ветеранов войны побывал я недавно на художественной выставке, посвящённой 40-летию битвы под Москвой. Случайно разговорились с художником В.Г. Гремитских, работы которого были здесь представлены. Он рассказал и о том, что в грозном сорок первом, будучи студентом Института им. В.И. Сурикова, добровольцем попросился на фронт. В составе 18-й дивизии народного ополчения защищал столицу.

Слушая художника, мы вдруг поняли, что перед нами тот самый Володя Гремитских, который, помнится, в часы затишья между боями писал портреты солдат и командиров. А в конце ноября 1941-го он рука об руку с другими ополченцами выдержал сильный натиск врага, пытавшегося овладеть деревней Баренцево. На том огневом рубеже ныне установлен памятный знак.

 Мы долго ходили по выставочному залу, вспоминали многих однополчан. Владимир Георгиевич показал свои работы. Так, на одном из портретов — рядовой Рафгат Валиев. Солдат воевал бесстрашно. На фронте его приняли в ряды партии. Он стал командиром отдельного артиллерийского полка. Ну а теперь Рафгат Ахтямович Валиев (на снимке) уже генерал-майор.

На собрании однополчан В.Г. Гремитских избран членом совета ветеранов нашей дивизии, который ведёт большую военно-патриотическую работу среди молодежи.

М. Позднин.

г. Москва

газета «Правда» 12 января 1981 г.

Современная японская национальная живопись школы «Нихонга» увеличить изображение
Современная японская национальная живопись школы «Нихонга»

В мае 1976 года в СССР открылась выставка произведений японской национальной живописи из музея «Яматанэ». Выставка экспонировалась в Государственном Эрмитаже в Ленинграде, в Государственном музее украинского искусства в Киеве, а также в Государственном музее изобразительных искусств имени А.С. Пушкина в Москве.

Вниманию читателя предлагается вступительная статья к каталогу этой выставки, знакомящая русского читателя с основными направлениями традиционной японской живописи.

 

 В современной японской живописи существуют два основных направления — традиционная школа “нихонга” и западная школа. “Нихонга” берёт своё начало в живописи, развивавшейся в странах Азии ещё в давние времена; западное же направление получило распространение в Японии лишь в XIX веке под влиянием европейских мастеров кисти. Если говорить об особенностях японской живописи, то наиболее ярко они проявляются в школе “нихонга”, влияние которой прослеживается даже в работах, исполненных в западной манере.

 

Следовательно, знакомство с данной выставкой, на которой представлены только произведения “нихонга” (большинство из них написано в послевоенный период), позволяет составить правильное представление о характере современной японской живописи в целом. Дело в том, что школа “нихонга”, или, говоря в более широком смысле, японская национальная живопись вообще, с одной стороны, следует давним, тысячелетним традициям, а с другой,— с готовностью отражает жизнь и настроения современников, отвечая таким образом на требования сегодняшнего дня. Это значит, что в современной японской национальной живописи, которая органично сочетает в себе давние традиции и черты нового, в полной мере проявляются художественные способности народа.

 

Хотя зарождение школы “нихонга” относится ещё к первобытным временам, значительное развитие она получила лишь в VI-II веках благодаря проникновению в Японию культуры с Азиатского материка. Однако характерные национальные особенности этого стиля в полной мере проявились только в XI-XII столетиях, когда художники наряду с изображением природы стали показывать и повседневную жизнь народа. С этого времени “нихонга” получает второе название — “яматоэ” (“японская живопись”).

 

Стиль “яматоэ” можно разделить на два главных течения: первое характеризуется красотой цветовых сочетаний и тонкой, изящной проработкой элементов композиции; второе направление отличает динамичный показ реальных жизненных явлений с использованием резких линий и широких, свободных мазков. Иначе говоря, произведения “яматоэ”, с одной стороны, передают декоративную, эмоциональную красоту, а с другой, — показывают красоту по повседневной жизни. Эти два направления дополняют и обогащают друг друга и создают выразительность художественной  школы “нихонга”.

 

Произведения современных японских художников, исполненные в традиционной национальной манере, при всём разнообразии их сюжетов характеризуются гармоничным сочетанием реализма и декоративности. Это свидетельствует о том, что и в наши дни красота в понимании японцев тесно связана с традиционными особенностями “яматоэ”.

Однако было бы неправильно думать, что гармония и соединение реализма и декоративности порождают однообразие и монотонность. На практике картины японских мастеров отличаются как разнообразием творческих почерков, так и широтой тематики.

Собственно говоря, достоинство того или иного представителя школы “нихонга” и определяется по тому, насколько его творчество характеризуется самобытностью манеры письма и спецификой подхода к раскрытию избранной темы.

Одни художники тяготеют к яркой цветовой гамме, другие рисуют главным образом тушью. Некоторые мастера пишут в основном пейзажи, тогда как их коллег интересуют в первую очередь исторические события и жизнь людей. Одни художники основное внимание обращают на композицию картины, другие — на показ силы и красоты жизни. Все эти сложные творческие поиски и определяют широту и разнообразие “нихонга”.

Художников, представленных на данной выставке, можно разделить на четыре основные группы: ”Интэн”, Киотоскую, нейтральную и группу современников.

 

Мастера “Интэн” — это последователи Тэнсин Окакура, который явился одним из создателей нового течения “нихонга” в конце XIX века. Наиболее выдающимся представителем этой группы следует считать Тайкан Иокояма, который, пользуясь в основном тушью, с большой экспрессией выражал духовную жизнь японской нации.

В эту школу входят художники разных стилей. Так, если Усэн Огава и Санрио Сакаи пишут в свободной манере, то Кокэй Кобаяси и Догю Окумура строго придерживаются реалистических рамок. Их роднит уважение к духовной и эмоциональной сторонам изобразительного искусства. Этим же путём идут и такие молодые способные мастера, как Эйгэцу Китадзава, Иосихико Иосида и Кохэй Морита.

 

Члены Киотоской группы унаследовали традиции, заложенные в начале XIX века художниками древней столицы страны Киото. Это такие видные мастера реалистической живописи, как Сэйхо Такэути, Сюнкё Ямамото и Сиоэн Уэмура.

Выдающийся представитель этой группы Хэйхатиро Фукуда, мастерски сочетавший в своих произведениях характерный для него реализм с элементами декоративного стиля, внёс большой вклад в развитие современного японского изобразительного искусства.

 

Мастеров, входящих в третью группу, ради удобства называют нейтралистами. Они не связаны с первыми группами и относятся скорее к художественному направлению “Кантэн”.

Эту группу представляют сторонник свободного письма с натуры Гиокудо Каваи, тонкий певец природы Хякусуй Хирафуку и современный поэт-пейзажист Кайи Хигасияма.

Следует особо упомянуть также о выходце из группы “Сэйрюся” Рюси Кавабата и его любимом ученике Мисао Иокояма. Придерживаясь широкой и мощной манеры письма, они создали крупные произведения, передающие японское понимание романтизма и красоты природы.

 

В заключение — о современниках. Это представители нового, послевоенного течения “Согакай” или их ровесники из других групп. Они откровенно стремятся к созданию новых стилей в рамках школы “нихонга”. Однако при этом они используют и традиционные элементы и ставят своей главной целью добиться соединения реализма с декоративностью.

В данную группу входят мастер декоративной живописи Матадзо Каяма, целеустремленный реалист Тадаси Исимото, автор мужественных произведений Кадзуо Омори и многие другие современные художники. К их числу принадлежат и Акира Акидзуки, занимающийся поисками новых выразительных возможностей письма тушью, и молодой Кодзи Мацуму-ра, создающий выразительные произведения о жизни японских тружеников.

Современная “нихонга”, унаследовавшая традиции древней японской национальной культуры и одновременно ведущая поиски новых путей, представляет собой самобытное художественное явление, характерное именно для Японии и практически не имеющее аналогов в других странах.

 

Матиаки Кавакита

Директор государственного музея современного искусства в Киото, искусствовед

 

«Фудзи на утренней заре» ширма 167,8X170 1960 г.

В детстве Мисао Иокояма постигло горе, и он решил покончить жизнь самоубийством, бросившись в воду. Размышляя об исполнении своего решения, он увидел, как заходит багрово-красное солнце и его лучи освещают линию горизонта. Поражённый красотой открывшейся ему картины, Мисао Иокояма решил не уходить из жизни.

Впоследствии, став художником, он охотно применял этот красный цвет, прочно запечатлевшийся в его творческом воображении. На картине изображена гора Фудзи в конце осени — начале зимы в лучах красного восходящего солнца; видны золотистые склоны горы.

Мисао Иокояма
Мисао Иокояма

«Ночной дождь в Оясиразу»  картина  72,5х115,6  1968 г.

Вдоль скалистого, обрывистого берега Японского моря тянется узкая тропинка, по которой вряд ли сможет пройти хоть один человек. У нашего народа существует предание о несчастной матери, которая, пытаясь пройти по этой дороге, уронила в бурные волны своего ребёнка и, несмотря на все старания, так и не смогла спасти его. В этой картине рассказывается именно о такой дождливой ночи. Мисао Иокояма охотно писал тушью такие уединённые, забытые уголки.

 

Мисао Иокояма

1920-1973. Родился в префектуре Ниигата. Окончил художественное училище Кавабата. Ученик Рюси Кавабата. Был профессором художественного университета Тама.

Мисао Иокояма умер сравнительно молодым в возрасте 53 лет, однако успел создать ряд крупных и ярких произведений и завоевать большую популярность у любителей живописи.

Мисао Иокояма
Мисао Иокояма

 

 

 

 

 

 

 

«Пышный веер» ширма 167,6X350,4  1966 г. (Фрагмент)

Следуя традициям японской живописи, художник выражает новое восприятие мира. На этой ширме изображены бегущий водный поток и плывущие облака — символы жизни в бесконечных просторах Вселенной. Цветы олицетворяют четыре времени года.

 

Матадзо Каяма

Родился в 1927 году в г. Киото. После окончания в 1944 году Киотского училища прикладного искусства поступает в Токийское училище изобразительных искусств. Ученик Гакуто Ямамото. Принимает участие в выставках “Синсэйсаку”. С 1974 года участник выставок “Согакай”. Профессор художественного университета Тама.

Матадзо Каяма
Матадзо Каяма

 

«Юмэдоно в снегу» картина 72X91 1972 г.

На картине изображено здание Юмэдоно (по преданию было построено в честь принца Сётоку) при храме Хорюдзи, считающемся наиболее древним деревянным храмом в мире. В молодости Иосида довелось делать репродукции фресок храма Хорюдзи. С тех пор он стал проявлять интерес к написанию пейзажей древней столицы Японии города Нара, где ещё многое напоминает эпоху Тэмпио (729-749 гг.). Художник написал много картин в этом жанре. 

 

Иосихико Иосида

Родился в 1912 году в г. Токио. Учился у Гиосю Хаями, Кокэй Кобаяси, Юкихико Ясуда. Член Японской академии художеств. Профессор Токийского университета искусств.

Иосихико Иосида
Иосихико Иосида

 «Олени» картина 114,7х145 1968 г.

Если смотреть картину с точки зрения западной живописи, на холсте изображены три оленя над облаками. В исполнении же этого произведения применен традиционный метод школы “нихонга”, при котором зрителю предоставляется право воспринимать картину по-своему, по-своему понимая неописанное пространство. Не видно на холсте, что находится за оленями - роща ли, река ли или же молодая листва и трава. Это пространство в японской живописи так и называют “иохаку”, то есть оставшееся пространство, для свободного воображения зрителем. Догю Окумура награждён Орденом культуры. В весьма преклонном возрасте художник продолжает творческую деятельность.

Догю Окумура «Девушка на утреннем базаре картина 90,5хб5,3  1969 г.
Догю Окумура «Девушка на утреннем базаре картина 90,5хб5,3 1969 г.

Крепкую, здоровую девушку художник написал смелыми лаконичными мазками. Перед ней на снегу разложена недавно пойманная рыба, которую девушка принесла утром на базар в районе Тояма.

Догю Окумура «Замок» картина 127х97
Догю Окумура «Замок» картина 127х97

 

Догю Окумура

Родился в 1889 году в г. Токио. Ученик Ханко Кадзита, Кокэй Кобаяси. Участвует в выставках “Тюо-бидзюцу” и других. С 1932 года — постоянный участник выставок “Интэн”. Член правления “Интэн”. Член Японской академии художеств. В 1962 году был награжден Орденом культуры.

Догю Окумура
Догю Окумура

 

 

«Бамбуковая роща» свиток 60х71,4    1923 г.

Живописцев, живущих где-нибудь в тихом месте, окружённом бамбуковыми рощами, вдали от мирской суеты, в Японии называют художниками-литераторами—“бу-ндзин-гака”. К числу таких мастеров следует отнести и автора этого произведения—Хирафуку. Художник писал в основном пейзажи, но иногда увлекался и декоративными, красочными картинами.

 

Хякусуй Хирафуку

1877-1933. Родился в префектуре Акита. Ученик Гиокусё Кавабата. Окончил Токийское училище изобразительных искусств. Основал кружок “Мусэй-кай”, много сделал для популяризации традиционной японской живописи, воспевающей природу. Создал целый ряд уникальных произведений. Известен и как поэт, принадлежавший к группе “Арараги”. Являлся членом Императорской академии искусств. Был профессором Токийского училища изобразительных искусств.

Хякусуй Хирафуку
Хякусуй Хирафуку

«Сбор шелковиц» свиток 58,6х75,4     1936 г.

На картине показаны жизнь и обычаи крестьян, которые изображены кормящими шелковичных червей тутовым листом. Художник охотно писал картины на темы, далёкие от житейской суеты.

В молодости Огава был очень беден и покупал только картофель. Иероглиф, обозначающий слово “картофель”, по-японски читается “у”. Отсюда и псевдоним “Усэн”: “у” картофель, “сэн” мелкая монета.

 

Усэн Огава

1868-1938. Родился в г. Токио. Первоначально писал маслом. Впоследствии стал публиковать карикатуры в газетах под псевдонимом “Усэн”. Свободное владение письмом тушью  позволяет передавать свежий юмор. Особенно известны его картины о сказочном зверьке "Каппа". Был членом Японской академии художеств.

Усэн Огава
Усэн Огава

 

 

 

 

 

 

 

 

Сюнкё Ямамото  «Снежная зимняя гора» свиток 54,4х78,4
Сюнкё Ямамото «Снежная зимняя гора» свиток 54,4х78,4

Сюнкё Ямамото  «Летняя гора в дымке» свиток 54,4х78,4
Сюнкё Ямамото «Летняя гора в дымке» свиток 54,4х78,4

С использованием специального приспособления для растушёвки автор передаёт тишину в горах. При написании второй картины “Летняя гора в дымке” применен метод накладывания туши на мокрую поверхность холста. Две ширмы представляют одно законченное произведение. Они вывешиваются обычно в стенных нишах “токонома”. Произведения построены на контрастах: жаркое лето и холодная зима, высокая гора и текущая внизу река.

 

Сюнкё Ямамото

1871-1933. Родился в префектуре Сига. Учился у Бункё Номура и Кансай Мори. Работал в области пейзажной живописи, основанной на традициях школы Маруяма. Участвовал в выставках “Бунтэн”. Вместе с Сэйхо Такэути был ведущим представителем художественного мира города Киото в эпохи Мэйдзи и Тайсё. Был профессором Киотского художественного училища. Являлся членом Императорской академии искусств.

Сюнкё Ямамото
Сюнкё Ямамото

 

 

 

Кайи Хигасияма  «Предновогодний вечер» картина 72,7х99,7 1968 г.
Кайи Хигасияма «Предновогодний вечер» картина 72,7х99,7 1968 г.

Кайи Хигасияма
Кайи Хигасияма

Кайи Хигасияма

 

Родился в 1908 году в г. Иокогама. После окончания в 1931 году Токийского училища изобразительных искусств учился у Сомэя Юки. В 1933-35 годах стажировался в Германии. После возвращения в Японию с успехом принимал участие в выставках “Кантэн”. В 1960 году работал над фресками в новом Императорском дворце. В том же году был удостоен Ордена культуры. Постоянный член правления выставок “Ниттэн”. Член Японской академии художеств.

За роспись фресками нового Императорского дворца художник был удостоен Ордена культуры. Хигасияма является председателем правления выставки “НИТТЭН” (с 1958 года стала юридическим лицом, а до этого времени проводилась Министерством просвещения и называлась Японской художественной выставкой), одним из ведущих мастеров кисти Японии. Написанные им пейзажи Киото пользуются большой популярностью. В молодости Хигасияма учился в Германии; в эти годы им были написаны виды Германии и Швейцарии.

Кайи Хигасияма  «Тихая весна» картина  73х100 1968 г.
Кайи Хигасияма «Тихая весна» картина 73х100 1968 г.

В местности Китаяма (Северные горы), недалеко от города Киото, есть место, славящееся своей криптомерией. Художник в лёгком орнаментальном стиле передаёт красоту очертаний окрестных гор, поросших криптомерией, показывает спокойно цветущие в горах японские вишни. Картина изображает тихую весну в Киото; в каждом дереве, в каждой травинке чувствуется изящная самобытность этого города.

 

Сумио Гото  «Одинокая тень» картина 130х88 1971 г.
Сумио Гото «Одинокая тень» картина 130х88 1971 г.

На картине изображена одиноко стоящая в горах трёхъярусная пагода, построенная около тысячи лет назад. Художник хотел передать грусть пагоды, стареющей с каждым годом на фоне гор, которым суждена вечная жизнь.

 

Сумио Гото
Сумио Гото
Сумио Гото

 

Родился в 1930 году в префектуре Тиба. Ученик Сэйбэй Танака. Лауреат премии “Тайкан

” Японской академии художеств. Член Японской академии художеств.

 

 

 

 

 

 

 

 

Тосио Хиракава  «Сливы» картина	 86х153 1968 г.
Тосио Хиракава «Сливы» картина 86х153 1968 г.

С использованием золотого и серебряного порошков мастер написал деревья и цветы сливы. Следуя традициям декоративной техники живописи, которая получила наибольшее развитие в период между эпохами Момояма и Эдо, художник вместе с тем вносит некоторые новые элементы в композиционное построение картины.

При написании картин в японском декоративном стиле обязательно применяют золотой и серебряный порошки.

 

Тосио Хиракава
Тосио Хиракава
Тосио Хиракава

Родился в 1924 году в префектуре Аити. В молодые годы учился живописи в Киотской студии “Нисидзин”. Принимает участие в выставках “Син-сэй-саку”. С 1974 года — участник выставок общества “Согакай”. Член “Согакай”.

 

Тосио Мацуо  «Взмах крыльев» картина	144х96	 1971 г.
Тосио Мацуо «Взмах крыльев» картина 144х96 1971 г.

В 1971 году на выставке произведений музея “Яматанэ” (в настоящее время—Выставка японской национальной живописи) эта картина была удостоена премии как лучшее произведение. Она выполнена в духе традиций, заложенных в ширмах-фресках эпох Момояма и Эдо, с применением новых приёмов западного кубизма.

 

Тосио Мацуо
Тосио Мацуо
Тосио Мацуо

Родился в 1926 году в префектуре Нагасаки. Учился у Нампу Катаяма. Лауреат поощрительной премии молодым работникам искусства. Лауреат премии “Тайкан” Японской академии художеств. В 1971 году был первым лауреатом премии музея “Яматанэ”. Член Японской академии художеств.

 

 

 

 

 

 

 

 

Кадзуо Омори «Праздничный пир в горах»  картина 127,9х160,3  1973 г.
Кадзуо Омори «Праздничный пир в горах» картина 127,9х160,3 1973 г.

На картине изображён осенний вечерний праздник урожая в деревне в северо-восточной части Японии. За это  произведение художник получил “Гран-при” музея “Яматанэ” в 1975 году. Искусно применяя сусальное золото, Омори выражает новое восприятие мира.

 

Кадзуо Омори
Кадзуо Омори
Кадзуо Омори

Родился в 1917 году в префектуре Аити. Учился в Высшем педагогическом училище в г. Хиросима. С 1962года — постоянный участник выставок “Син-сэй-саку”. С 1974 года участвует в выставках “Согакай”. Член “Согакай”. Лектор Высшего художественного училища префектуры Аити. В 1975 году получил Гран-при музея “Яматанэ”.

 

 

 

 

 

 

 

Санрио Сакаи  «Тихий день на прибрежьи» картина	71,7х89,3  1966 г.
Санрио Сакаи «Тихий день на прибрежьи» картина 71,7х89,3 1966 г.

При написании картин тушью большое значение имеют характер мазка и применение светотени. Сакаи любил рисовать тихие и поэтичные провинциальные уголки где-нибудь на берегу озера. Эти полотна он писал в неярких тонах, накладывая тушь лёгкими неторопливыми мазками.

 

Санрио Сакаи
Санрио Сакаи
Санрио Сакаи

1897-1968. Родился в префектуре Фукусима. Ученик Сэйфу Сакаути. Писал пейзажи. Вскрыл богатые возможности письма тушью.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Гиокудо Каваи   «Девушки-крестьянки» свиток 63х87 1945 г.
Гиокудо Каваи «Девушки-крестьянки» свиток 63х87 1945 г.

Эта картина, изображающая девушек на фоне сельского пейзажа, была удостоена Ордена культуры. Девушки, вытянувшись цепочкой, сажают рис и поют весёлую песню. Такие сцены можно часто наблюдать в Японии в мае.

 

Гиокудо Каваи
Гиокудо Каваи

Гиокудо Каваи   1873-1957.

Родился в префектуре Аити. Первоначально учился в Киото у Гиоку-сэн Мотидзуки и Байрэй Коно. После приезда в Токио становится учеником Гахо Хасимото. Создал собственный стиль живописи, синтезировав “Сидзё” и “Кано”. Всю жизнь посвятил пейзажной живописи. Был профессором Токийского училища изобразительных искусств, членом Японской академии художеств. Лауреат Ордена культуры.

 

 

 

 

 

 

Тайкан Иокояма  «Бог в душе» картина 70х88 1952 г.
Тайкан Иокояма «Бог в душе» картина 70х88 1952 г.

Тайкан Иокояма
Тайкан Иокояма
Тайкан Иокояма 1868-1958. — крупнейший мастер японской живописи, начавший свой творческий путь ещё в эпоху Мэйдзи и продолжавший его вплоть до наших дней. Много писал гору Фудзи как символ Японии. Унаследовал характерную для традиционной японской живописи тенденцию к психологизму, выражающуюся в стремлении писать энергичными мазами самую «душу» природы.

Родился в префектуре Ибараги. Окончил Токийское училище изобразительных искусств. Учился у Тэнсин Окакура и Гахо Хасимото. По окончании училища работает здесь же здесь же доцентом. После “бунта в училище” вместе с Канъяма и Сюнсо принимает участие в создании Японской академии художеств. После перестройки академии становится одним из её руководителей. В последние годы жизни пользуется славой наиболее крупного художника страны. В 1937 году был удостоен Ордена культуры. Член Японской академии художеств.

 

Xэйхатиро Фукуда  «Побеги бамбука»  картина 134x99 1947 г.
Xэйхатиро Фукуда «Побеги бамбука» картина 134x99 1947 г.

 

Xэйхатиро Фукуда
Xэйхатиро Фукуда
Xэйхатиро Фукуда 1892-1974. — один из наиболее выдающихся японских художников, был награждён Орденом культуры. Для его творчества характерны полотна, изображающие красивые цветы и птиц и отличающиеся совершенными цветовыми сочетаниями и декоративной манерой письма. Японские любители живописи глубоко благодарны Правительству СССР за передачу в прошлом году народу Японии многих картин Х. Фукуда.

Х. Фукуда родился в префектуре Оита. В 1918 году окончил Киотское художественное училище. Учился у Бакусэн Цутида. Принимал активное участие в выставках “Тэйтэн”, “Бунтэн” и “Ниттэн”. В 1930 году вместе с Хосюн Ямагути основал кружок «Рокутё-кай». Становится одним из наиболее влияте-льных художников в Киото. Советник выставок “Ниттэн”. Член Японской академии художеств. В 1961 году получил Орден культуры.

 

Эйгэцу Китадзава  «Нэнэ и Чия-чия» картина 180x89  1970 г.
Эйгэцу Китадзава «Нэнэ и Чия-чия» картина 180x89 1970 г.

Изображенная на полотне сцена относится к концу ХVI—началу ХVII века: Нэнэ и Чия-чия - служанки могущественного политического деятеля того времени Хидэиоси Тоиотоми.

Картина куплена Министерством просвещения Японии.

 

Эйгэцу Китадзава
Эйгэцу Китадзава
Эйгэцу Китадзава родилась в 1907 году в г. Киото. Ученица Бакусэн Цутида. Лауреат премии премьер-министра Японии, Японской академии художеств. Член Японской академии художеств. Одна из наиболее выдающихся японских художниц. Наибольших успехов достигла в области историко-жанровой живописи.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Сиоэн Уэмура  «Вечер» свиток 155х58  1935 г.
Сиоэн Уэмура «Вечер» свиток 155х58 1935 г.

С. Уэмура удостоена Ордена культры — наивысшей награды для женщины-художника. Родилась в Киото. Первое время писала в традиционном стиле “Укиёэ”, а затем создала свой стиль портретной живописи с изображением красавиц. На картине показана сцена из жизни женщин в эпоху Эдо. В преклонные годы С. Уэмура писала работающих женщин, похожих на её мать. Оставила много замечательных произведений такого плана.

 

Сиоэн Уэмура
Сиоэн Уэмура
Сиоэн Уэмура

1875-1949. Родилась в г. Киото. После окончания Киотского префектурального училища занималась под руководством Мацутоси Судзуки, Байрэй Коно и Сэйхо Такэути. Писала в основном портреты красавиц. Её произведения отличаются высоким стилем. Состояла членом Японской академии художеств. В 1948 году первой из японских художниц была удостоена Ордена культуры. 

 

 

 

 

 

 

 

Тадаси Исимото «Норэн» (шторка перед входом в ресторан или магазин с изображением торгового знака) картина 173,5х72 1970 г.
Тадаси Исимото «Норэн» (шторка перед входом в ресторан или магазин с изображением торгового знака) картина 173,5х72 1970 г.

Девушки-танцовщицы из Киото — “майко” очень красивы и напоминают кукол. Будучи профессором Киотоского училища изобразительных искусств, художник в течение последних нескольких лет написал ряд произведений о жизни “майко”. На этой картине изображена “майко”, выходящая из ресторана.

В настоящее время в Киото осталось лишь 15-16 “майко”, потому что желающих овладеть этим искусством становится всё меньше.

 

Тадаси Исимото
Тадаси Исимото
Тадаси Исимото

Родился в 1920 году в префектуре Симанэ. В 1944 году окончил Киотское художественное училище. Принимает участие в выставках «Син-сэйсаку». С 1974 года участник выставок «Согакай». Член «Согакай».

 

Кохэй Морита  «Пир у реки» ширма 168,2х360,4	1970 г. (левая часть)
Кохэй Морита «Пир у реки» ширма 168,2х360,4 1970 г. (левая часть)

Кохэй Морита  «Пир у реки» ширма 168,2х360,4	1970 г. (правая часть)
Кохэй Морита «Пир у реки» ширма 168,2х360,4 1970 г. (правая часть)

На картине изображён пир у реки 3 марта (начало подобных придворных развлечений восходит к эпохе Хэйан, примерно к 10 веку). Расположившись вдоль берега, люди пускали по течению извилистой реки поднос с бокалами вина; каждый участник праздника должен был успеть сочинить стихи до того момента, как поднос подплывёт к нему, и затем выпить бокал вина.

Каждый год из под кисти художника выходят роскошные картины, показывающие обычаи средневековья.

 

Кохэй Морита
Кохэй Морита
Кохэй Морита

Родился в 1916 году в г. Киото. Учился у Юкихико Ясуда. Лауреат многих премий, в том числе премии Премьер-министра Японии Японской академии художеств. Член Японской академии художеств. Принимал участие в реставрации фресок «Кондо» храма Хорюдзи.

 

 

 

 

 

 

 

 

Рюси Кавабата «Тёплое морское течение Куросио» ширма 168х168 1932 г. (левая часть)
Рюси Кавабата «Тёплое морское течение Куросио» ширма 168х168 1932 г. (левая часть)

Рюси Кавабата «Тёплое морское течение Куросио» ширма 168х168 1932 г. (правая часть)
Рюси Кавабата «Тёплое морское течение Куросио» ширма 168х168 1932 г. (правая часть)

Рюси Кавабата писал в основном не картины, которыми украшаются по традиции стенные ниши — “токонома”, а картины, которые экспонируются на стенах обширных выставочных залов. Япония со всех сторон окружена водой. В открытом море у её берегов можно часто видеть различных летающих рыб, что и послужило темой данной картины. Ощущение силы и свежести передано с помощью традиционного для японской живописи метода цветовой гармонии.

 

 Рюси Кавабата
Рюси Кавабата
Рюси Кавабата

1885-1966. Родился в префектуре Вакаяма. Первое время учился в области западного искусства, но после путешествия в Америку перешёл на японскую живопись. Участник выставок “Интэн”. После ухода из Интэн в 1929 году создаёт “Сэйрюся”. Увлекается в монументальной живописью, создавая одно за другим крупные произведения. В 1959 году получает Орден культуры. В 1962 году основал музей Рюси.

 

 

 

 

 

 

Сакаэ Мацумото «Утренний базар в Тоиоока»  картина 115х79 1973 г.
Сакаэ Мацумото «Утренний базар в Тоиоока» картина 115х79 1973 г.

На картине изображён утренний базар в Тоиоока. Женщины пришли из горного селения в город, чтобы продать репчатый лук, съедобные ростки бамбука и другую зелень.

 

Сакаэ Мацумото
Сакаэ Мацумото
Сакаэ Мацумото

Родился в 1927 году в префектуре Фукусима. После окончания Токийского училища изобразительных искусств становится учеником Хосюн Ямагути. Дважды лауреат специальных премий на выставках “Ниттэн”.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 Кодзи Мацумура  «Жена рыбака» картина 71,5х60 1973 г.
Кодзи Мацумура «Жена рыбака» картина 71,5х60 1973 г.

Кодзи Мацумура  «Цугару» картина 160,5х128,6   1975 г.
Кодзи Мацумура «Цугару» картина 160,5х128,6 1975 г.

 

Кодзи Мацумура
Кодзи Мацумура
Кодзи Мацумура родился в 1948 году в префектуре Нара. В 1974 году окончил аспирантуру университета искусств префектуры Аити. Является автором ряда произведений о жизни рыбаков в прибрежных посёлках на северо-востоке страны. С 1972 года несколько раз удостаивался дипломов на выставках «Ниттэн». Кандидатура этого молодого художника выдвинута на присуждение премии музея “Яматанэ”. Работает ассистентом кафедры национальной японской живописи в Училище изобразительных искусств в городе Нагоя.

 

 

 

 

 

 

Иосихиро Симода  «Синий ветер»  картина 98,5х98,5 1969 г.
Иосихиро Симода «Синий ветер» картина 98,5х98,5 1969 г.

Метод литографии с применением шёлкового экрана позволил интересно воспроизвести небо.В последнее время молодые художники часто пользуются сочетанием традиционной японской живописной техники с литографией западного типа.

 

Иосихиро Симода
Иосихиро Симода
Иосихиро Симода

Родился в 1940 году в префектуре Тояма. Окончил Токийский университет искусств. С 1964 года — постоянный участник выставок “Ниттэн”. Многократно удостаивался различных премий. В 1970 году получил “Гран-при” музея “Яматанэ”. Специальный член Японской академии художеств. Лектор факультета японской национальной живописи Токийского университета искусств.

 

Такеси Исида  «Холодная роща» картина  93х74,5 1973 г.
Такеси Исида «Холодная роща» картина 93х74,5 1973 г.

 

Т. Исида работал в издательстве в качестве художника-иллюстратора. После получения Гран-при на Второй выставке музея “Яматанэ” в 1973 году переключился на японскую национальную живопись и очень скоро стал популярным художником. Ввёл в традиционную японскую живопись западные методы письма. Поставил новые проблемы реализма.

Такеси Исида
Такеси Исида

Такеси Исида

Родился в 1922 году в г. Киото. В 1940 году окончил художественное училище прикладного искусства в Киото. Ученик Иосидзиро Ота по маслу. Впоследствии переключился на японскую живопись. В 1972 году получил Гран-при музея “Яматанэ”.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Мысли о советском искусстве увеличить изображение
Мысли о советском искусстве

Читая публицистику о советском искусстве, я время от времени сталкиваюсь с такой оценкой: "Художник хороший, но идеологическое наполнение...". Меня такое инфантильное и наивное отношение не перестаёт удивлять. Рождённая когда-то полуграмотными дилетантами-публицистами времён перестройки, эта архаика ещё живет в головах многих.

 

Во-первых, пора уже как-то понять, что 90% мирового искусства - это функциональное искусство, заказанное искусство. Представление о неком "чистом искусстве-искусстве" возникло относительно недавно и уже даже сегодня по сути выветрилось.

 

Во-вторых, идеологическое и формальное неразрывно связано. И нужно дать себе труд понять это "идеологическое". А оно в СССР было хорошим по преимуществу. Никаких предубеждений и предзнаний! Давайте смотреть, насматривать и рассматривать! Или воспевание труда, своей страны, её природы, её людей - это уже стало идеологией? Если кто-то так думает, может ему провериться у доктора? Или портреты доярок, механизаторов и сталеваров - это идеология? Нельзя их портретировать? Рожей не вышли?

 

В-третьих, я сейчас несколько крамольных для кое-кого мыслей выдам. Советское государство было идеальным потребителем искусства. Советское государство - идеальный сверхзритель, сверхчитатель. Советское государство - великий продюсер, породивший просто невероятного качества искусство, создавший условия для профессионального существования какого-то невероятного количества художников, построивший грандиозную систему художественного образования, осуществлявший мега-качественные политики музеефикации советского искусства, столь хорошие, что мы, похоже, опять украли у всего мира советское искусство, а ведь было бы неплохо, если бы оно имелось на рынке, участвовало в созидании символической и монетарной капитализации.

И ещё одна крамольная мысль. О советском искусстве вообще меньше всего нужно слушать самих художников. Их профессия - счёты с самими собой, погруженность в себя, да и личные обиды не позволят им быть объективными. Необходима качественная социология советского искусства, необходимо новое искусствоведение и множество всего. И хватит уже этого водевильного и дурацкого отношения к искусству. Скучно, тупо и неинтересно!

 

Евгений Фатеев

Пережитое и прочувствованное увеличить изображение
Пережитое и прочувствованное

Юношей в годы войны болгарский живописец и график Анастас Пацев был членом подпольного комсомольского комитета, поступил в партизанский отряд, в рядах которого сражался за свободу родины. После победы в сентябре 1944 года Анастас Пацев был принят в Художественную академию в Софии.

Его учителями были выдающиеся мастера — Илия Петров и Дечко Узунов.

Думается, особенно близким стало художнику суровое, остропсихологическое искусство И. Петрова.

 

Трагические воспоминания о годах борьбы с фашизмом бередят воображение Пацева и по сей день. Став зрелым художником, он не утратил тех качеств, что сформировала в нём тяжелая молодость,— чувства глубокой ответственности за каждый творческий шаг, особо проникновенного взгляда па окружающую жизнь, события, людей.

 

Возвращаясь к прошлому, Пацев создал единственную в своем роде серию — «Партизанские воспоминания», насчитывающую около трёхсот графических листов и полотен. Этот цикл экспонировался в Болгарии других странах, вызывая всюду острую, иногда полемическую реакцию зрителей.

 По своему строю — внутренней напряжённости, нервности образов, характеру обработки живописной поверхности холста — работы Пацева во многом близки экспрессионизму. Однако рамки этого направления явно узки и не выдерживают живого и яростного напряжения памяти художника.

Его «Партизанские воспоминания» проникнуты «моральной несломленностью», как их точно охарактеризовал известный болгарский поэт-партизан Веселин Андреев. Страницы драматических событий — сцены боёв, гибели друзей, расстрелов, горе матерей — оживают в произведениях Анастаса Пацева во всей их страшной достоверности, но всегда согреты человеческим теплом, пронизаны оптимистической верой в грядущую победу.

Образы, созданные художником, острохарактерны. Для Пацева нет «типового партизана», у его героев есть своя биография, они обретают живую жизнь в его картинах и графических листах.

Анастас Пацев «Партизан Борис» Масло. 1980 г.
Анастас Пацев «Партизан Борис» Масло. 1980 г.

Отличительная черта работ Пацева — стремление свободно развернуть фигуры в пространстве. Художник видит их объёмными, окружёнными потоками воздуха, света, то растворёнными в них, то возникающими как самостоятельно движущееся тело. Такая специфика видения позволила Пацеву создать большую серию композиций «Невесомость» (1978—1979). Этот аспект восприятия действительности продиктован новым для человечества открытием — невесомостью человека в космосе, физической утратой тяжести. Конфликт между органической связью человека с Землей и стремлением оторваться от неё заложен в противоположности двух начал — самом существе земного рода людского и беспредельности Космоса. Эта идея выражена во многих произведениях художника.

 

Философская концепция бытия человека глубоко волнует Пацева. Извечное нравственное противостояние Добра и Зла, жертвы и предательства чутко переживаются художником и всегда остаются главной нравственной проблемой его творчества. Образы людей в произведениях Пацева часто прямо обращены к зрителю — они вопрошают, будоражат, заставляют задуматься о прошлом и настоящем. Это — и юный боец с плотно сжатыми губами, заострёнными чертами молодого лица, страстным, напряжённо-вдохновенным взглядом («Партизан Борис»). Это — и художник, на мгновение оторвавшийся от работы и устремивший на нас испытующий взор («Художник»), И хотя эта работа отчасти автопортретна, Пацев подчёркивает здесь не индивидуальность конкретного человека, но стремится создать обобщённый образ творца как воплощение гражданской совести.

 

Но было бы неверным думать, что Пацев в своих работах обращается только к драматическим темам — об этом говорит композиция «Материнство», написанная в тёплых золотистых тонах, полная гармонии и музыкальности.

 

В картине «Воспоминание» художник особенно искренне и страстно ведёт сложный рассказ о себе, своей трудной судьбе, о большой и чистой любви. Облик его жены возникает как прекрасное видение молодости. Такой он видит её и сейчас, спустя много лет. Она осталась в воспоминаниях Пацева как светлый гений; себя он представляет отягощённым грузом пережитых дней, страданий, разочарований и раздумий. И пейзаж — взволнованный, вздыбленный — аккомпанирует общему строю композиции.

Анастас Пацев «Воспоминание» Масло. 1979 г.
Анастас Пацев «Воспоминание» Масло. 1979 г.

В картинах Пацева колорит играет иную роль, нежели в большинстве произведений болгарской живописи. Цветовая гамма его полотен строится на контрастах. Художник часто оставляет «участки» белого, незакрашенного холста, пишет резкими мазками, подчёркивает контуры, которые чётко формируют фигуру, пейзаж. Он избегает полутонов, валеров, сложных градаций цвета. Он всегда категоричен и ясен. Но как бы условна ни была трактовка фигуры человека или архитектуры, его картины всегда точно сконструированы, пространственно организованы.

 

Не все работы Пацева одинаково убеждают зрителя. Но его лучшие произведения, связанные с непосредственно пережитым, с образами и событиями, выстраданными и прочувствованными, обладают эмоциональной силой и страстностью.

 

И. Воейкова

журнал "Творчество" № 11 1981 год

 

Анастас Пацев «Хиросима» Масло. 1979 г.
Анастас Пацев «Хиросима» Масло. 1979 г.

Графике — «графические права» увеличить изображение
Графике — «графические права»

Большая многожанровая, или, как принято её называть, межсекционная выставка, объединяющая под одной крышей живопись, графику, скульптуру, декоративно-прикладное и театрально-декорационное искусство,— организм сложный. Его качества и работа почти целиком зависят от «здоровья» составных частей — экспозиций отдельных разделов.

Помимо общего замысла, диктуемого тематикой и целевыми установками, такая «выставка выставок» не может игнорировать существующие принципы экспонирования, разные для отдельных видов искусства.

 

Создателям экспозиции как бы вменяется в обязанность сохранить равновесие между двумя разнонаправленными процессами: с одной стороны, надо выявить специфические черты данного вида искусства, с другой — подчинить многообразие единству, что влечёт за собой неизбежную «рядоположенность», то есть сходство непохожего.

Для живописи, скульптуры, декоративного искусства и дизайна подобная рядоположенность возможна лишь на стилевом уровне, ввиду самых общих тенденций. Она не грозит нивелировкой благодаря самоочевидной разности «материала» этих искусств.

Основной ущерб здесь наносится графике. Размещаясь обычно за живописным, графический раздел выставки все чаще выглядит ослабленной копией своего «ведущего собрата». Причин тому несколько, и мы попробуем назвать их.

Вспомним любую экспозицию в Центральном выставочном зале (Манеж). Первое, хотя и не самое существенное, что бросается в глаза, — промежуточность графических выгородок. Отгороженное наподобие узких коридоров пространство становится проходным во всех значениях этого слова. Кроме того, эти «залы» обычно отделены друг от друга обширной площадью неграфических экспозиций. Память зрителя по существу не в силах удержать связь между разорванными в пространстве графическими «стенками».

В основе такого принципа (если это, действительно, осознанный принцип) лежит стремление связать насыщенный для восприятия живописный раздел с другими, равными по значению, через графику.

 

Исключением из подобной практики экспонирования за последние годы была, пожалуй, лишь Московская зональная выставка 1980 года, где ощущалась попытка сохранить за графикой независимый статус.

 

Итак, графика как средство связи?

 

В отношениях между произведениями внутри графического раздела есть несколько «камней преткновения».

Первый из них — смешанное сосуществование эстампа с уникальной графикой — темперой, акварелью, гуашью. Опыт наблюдения за созданием графических экспозиций в Манеже показывает, что в основу кладётся, как ни странно, декоративный «эффект», практически не применимый к материалу эстампа и рисунка.

В стремлении следовать тем же принципам организации, что и в живописном разделе, стенки тоновой графики «разрежаются» или «нагружаются» цветными пятнами. И чаще всего роль такого «перерыва постепенности» отводится произведениям, выполненным в уникальных техниках.

Произвольное, по чисто колористическим принципам, включение, например, гуашей в группу чёрно-белых литографий подчас влечёт за собой результат парадоксальный: красочный «удар» ослабляет восприятие эстампа, предполагающее внимание к пластике тона, а монохромное окружение выявляет в гуаши её слабости с точки зрения чисто живописных качеств.

И. Кузминскис «Вильнюс строится» 1977 г.  Цветная линогравюра
И. Кузминскис «Вильнюс строится» 1977 г. Цветная линогравюра

Однако важнее всего тот общий урон, который несёт от подобного механистического соединения жанровое ощущение графичности, той совокупности видовых качеств рисунка, станкового эстампа, книжной иллюстрации, которую нет необходимости здесь расшифровывать.

Наше наблюдение, конечно, не абсолютно: теоретически произведение, выполненное в уникальной технике, может вполне закономерно соседствовать с эстампом и рисунком. Но что происходит на практике?

 

Здесь, видимо, настало время обратиться к примерам, которые мы почерпнём из недавней экспозиции Всесоюзной выставки «Мы строим коммунизм».

 

Оговоримся сразу: упоминая те или иные произведения, мы будем противопоставлять их друг другу, в большей степени исходя лишь из их уместности в графическом разделе.

 

Оказывается, что из всей массы произведений уникальной графики только акварели В. Алфеевского «По Москве» и серия И. Обросова «Москва социалистическая» (гуашь, темпера) органично продолжали визуальный графический ряд.

 

В подавляющем большинстве остальных господствовал принцип живописности в пространственно-композиционных, колористических и фактурных характеристиках.

Результат — жанровая размытость графического раздела, где наряду с собственно графикой— цветной, чёрно-белой располагаются произведения «активно» живописные, имитирующие письмо маслом (А. Дудников «Моя Москва»), «нейтрально» живописные Бруни «БАМ»), решённые по принципу театрального эскиза (Р. Бем «Знамёна»)...

Преобладает же тяга к «картинности»: она и в пространственных решениях, и в стремлении к увеличению формата (А. Кадушкин «По ленинским местам»), и даже в имитации под живопись в тиражируемых техниках (гравюры на картоне Ю. Атланова «Будни романтиков»).

Ю. Атланов Из серии «Будни романтиков» 1979 г. Цветная гравюра на картоне
Ю. Атланов Из серии «Будни романтиков» 1979 г. Цветная гравюра на картоне

Добавьте сюда для полноты картины рисунок, иллюстрацию и эстамп, и получится тот «ноев ковчег», который именуется графическим разделом.

Хочу быть правильно понятой, речь идёт не о том, чтобы графика звучала однообразно, единоподобно, монохромно, однолико; это неминуемо обеднило бы её экспозицию. Тем не менее, существуют представления о границах разных видов искусства, некие законы сопоставимости, соблюдения которых вправе ждать зритель, и, наконец, фактор цельности восприятия. Последний предполагает некие глубинные логические связи между произведениями внутри экспозиции.

 

Возможно, интересен был бы эксперимент выделения уникальной графики в особый раздел между живописным и графическим. Такая промежуточность оправдана: ведь в большинстве случаев произведения, выполненные акварелью и гуашью, «ушли» от графики; от живописи их отличает только материал — бумага, картон.

 

Особо оговоренная, междужанровость подобного раздела лишь выявила бы специфику составляющих его произведений и не затрагивала бы особенностей окружения.

Предвижу, что это предложение вызовет немало возражений. Однако сейчас, когда художники и критики всё чаще жалуются на косность экспозиционной практики, требующей обновления, даже и отрицательный результат предлагаемого опыта был бы небесполезен.

 

Нельзя, безусловно, полагать, что разделение эстампа и уникальной графики стало бы универсальным залогом удачной экспозиции. Ведь подчас ещё более противоречивы и сложны отношения между собственно графическими произведениями внутри раздела.

Среди множества признаков, по которым один эстамп отличается от другого, вероятно, существует и целевой, узко-практический: для чего предназначено произведение, как и в каких условиях следует зрителю общаться с ним?

Большинство попадающих на выставки эстампов принадлежат к двум категориям: первые — явно приурочены к выставке по предполагаемому способу восприятия с большого расстояния; вторые — определяют какой-то этап работы художника и вырваны из целостного контекста его творческой «кухни».

Р. Эйхорн «Джамиля» 1979 г. Цветной офорт
Р. Эйхорн «Джамиля» 1979 г. Цветной офорт

Увы, положение вторых явно незавидно. Показывая зрителю один-два листа, по существу лишь фрагмент сложных и протяжённых во времени поисков, график может рассчитывать на успех лишь у той аудитории, которая знакома с общим руслом его творчества, на специалистов и любителей именно графического искусства.

 

Гораздо более ощутимые плоды даст установка на заведомую выставочность, создание подчёркнуто законченных произведений, обычно соединяемых в серию, броских либо своей декоративностью, либо укрупнённостью размеров, словом, чертами некой внешней монументальности.

 

Здесь нет нужды придумывать дефиницию выставочного эстампа, ибо представляется возможность отослать читателя к статье Б. Бернштейна («Творчество», 1981, № 4), острополемически ставящей вопрос о самом существовании на выставке этого вида графики.

Р. Эйхорн Из серии «Читая Чингиза Айтматова» 1979 г. Цветной офорт
Р. Эйхорн Из серии «Читая Чингиза Айтматова» 1979 г. Цветной офорт

Во многом присоединяясь к мнению Бернштейна, позволим себе длинную цитату: «Искусство эстампа по природе своей предназначено для общения другого (не выставочного.— А. Д.) типа — камерного, интимного, личностного... Эстамп уже поставлен перед выбором — либо остаться самим собой и, следовательно, быть осуждённым на восприятие в неадекватных условиях либо приспосабливаться. Во втором случае, как показывает опыт, тоже есть два пути. Один — сделать эстамп «плоскодонным», легко, быстро и окончательно исчерпаемым».

Думается, что рост «плоскодонных» эстампов если не ведёт к размыванию границ графической экспозиции, как неудачные альянсы с уникальной графикой, то во всяком случае требует каких-то новых критериев жанровых оценок.

«Плоскодонность», на мой взгляд, отнюдь не означает примитивности и элементарности, хотя это, конечно, и не благородная простота. Порой она оперирует именно внешней перенасыщенностью изобразительных средств, пространственным плюрализмом, даже символикой, правда, достаточно облегчённой.

Главная же характеристика этого явления — установка на разовое, мгновенное постижение зрителем пластически-смыслового потенциала произведения, что, с точки зрения классического эстампа, приучает зрителя к поверхностности восприятия.

Однако истины ради следует сказать и о значительных произведениях, находящихся на стыке эстампа и плаката, в которых определяющими качествами были все те же броскость, эффектность, расчёт на быстрое прочтение.

Произведениям подобного рода (например, ранним эстампам А. Плахова, О. Гречиной, В. Шмохина) нельзя было отказать в современности ощущения и претворения каких-то сторон действительности. Порой, правда, эта современность переходила уже в нечто нарочитое.

Очевидно, что графику «быстрого прочтения», как и графику, где используются приёмы монтажа, документа, следует анализировать с учётом её генетических связей: ведь она во многом питается фотоплакатом и кинематографом. Не удивительно, что зачастую в ней деформируется графический образ в его традиционном понимании. И нередко это происходит в ущерб ёмкости, глубинной содержательности.

 

Вспомним серию В. Шмохина «Женщины мира в борьбе за мир» — весьма характерный пример политической графики, где создан как бы «журнальный» жанр эстампа. Этому способствует концентрация расхожих знаков темы на плоскости листа, повторы и синонимы изобразительных символов, некая нарочитая «одномерность» художественного пространства. 

В. Шмохин «Международная солидарность» Из серии «Женщины мира в борьбе за мир» 1979 г. Цветная автолитография
В. Шмохин «Международная солидарность» Из серии «Женщины мира в борьбе за мир» 1979 г. Цветная автолитография

С одной стороны, Шмохин вполне адекватно реализует свой замысел, создав образ газетного, злободневного репортажа. Но издержки с чисто графической образно-пластической стороны весьма весомы — возникает ощущение «обложечности», формальной облегчённости, в целом не свойственной этому художнику. И в этом — одна из опасностей «плоскодонности».

 

Другой пример — шелкографии Н. Благоволина «Открытие памятников революции». В них в качестве основной эстетической ценности выступает стихия чистого документа с примесью почти неизбежного ныне «ретро».

Листы Благоволина, при всей их очевидной связи с монтажной фотографикой 1920-х годов, страдают от некоторой расплывчатости авторского отбора фактов, расположенных как клейма вокруг центральной композиции. Применённый художником принцип в кинематографе носит название полимонтажа, и, возможно, именно на стыке двух искусств, графики и кино — лежит объективная оценка серии художника. Исходя из традиций эстампа, определение их жанровой специфики — затруднительно.

 

Мы остановились именно на произведениях В. Шмохина и Н. Благоволина с выставки «Мы строим коммунизм», можно было бы назвать и другие имена. В сущности, творчество этих художников лишь демонстрирует некую общую тенденцию эстампа, возникшую в молодёжном, да и не только в молодёжном искусстве начала 1970-х годов и ныне ещё развиваемую рядом графиков среднего поколения. И нам кажется, что одна из причин рождения этой тенденции, и немаловажная, — выставочная практика: художник вынужден подчиняться диктуемым ему экспозиционным условиям и стремится к тому, чтобы его работы «не затерялись» среди множества других.

 

Не нужно консервировать поэтику классического эстампа, искусственно сужать его возможности. В эстампе более, чем в других видах графики, невозможно двигаться вперёд без эксперимента, как во внутренних областях (технике печати, например, так и в пограничных с другими видами искусства. Широко взаимодействуя с книжной иллюстрацией, плакатом, промграфикой, станковый эстамп в наши дни неизбежно подвергается влияниям и воздействует сам.

 

И всё же, возвращаясь к тому, с чего мы начали, повторим: межсекционная «выставка выставок» имеет свои «правила игры. Они предусматривают не только «встречу всего со всем» (по выражению Б. Бернштейна), но и последовательное открытие зрителю ценности всякого вида художественного творчества, взятого в отдельности.

Недостатки экспозиционной практики, как и приспособление к ним художников, вправе умалять испытанный временем высокий престиж искусства графики. Словом, графика требует своих, «графических прав», ей необходима автономность.

 

А. Дехтярь

журнал "Творчество" № 11 1981 год

 

Г. Кроллис «Венский дневник» Правая часть триптиха 1978-1980 гг. Офорт
Г. Кроллис «Венский дневник» Правая часть триптиха 1978-1980 гг. Офорт

П. Улас «Городская горка с первым снегом» 1979 г. Мягкий лак
П. Улас «Городская горка с первым снегом» 1979 г. Мягкий лак

Р. Эйхорн Из серии «Читая Чингиза Айтматова» 1979 г. Цветной офорт
Р. Эйхорн Из серии «Читая Чингиза Айтматова» 1979 г. Цветной офорт

Арт-реальность Николая Седнина. Экскурсия по дому-музею.

 

 

Арт-пространство современного музея давно вышло за рамки обыденности и скуки. Сегодня это значительно больше, нежели выставочная площадка или хранилище. Многомерность и мультифункциональность этого культурного объекта поражает воображение самого требовательного и искушённого посетителя. Выйдя за границы живописи, скульптуры и рисунка, музей включил в круг своих интересов архитектуру, фотографию, кинофильмы - всю зримую часть современной художественной культуры.

Разнообразие функциональных возможностей уравновешивается единой стилистической концепцией, где произведения искусства, архитектура музея, его интерьеры, дизайн помещений, характер и направление культурных программ являются единым универсальным творческим пространством. Здесь посетитель из наблюдателя становится активным участником.

Экспозиция музея – это некий язык, с помощью которого доносится идея, заложенная автором. Экспозиционные пространства дома-музея Н.Н. Седнина очень ёмко и выразительно отражают все периоды творчества мастера с 1984 года по настоящее время.

Погружение в художественный мир Н.Н. Седнина начинается буквально с порога, как только посетитель оказывается в просторной прихожей на первом этаже музея. Интерьер, выполненный в тёплых охристых оттенках стен и бронзе металлических элементов декора, гостеприимно приглашает познакомиться с ранними академическими работами автора и живописными портретами, выполненными в особой авторской манере конца 90-х и начала 2000-х годов.

Далее экспозиционное пространство сужается, и в перспективе коридора, будто двери в потусторонние миры, открываются крупноформатные фотокомпозиции цикла “Клетка“ начала 2000-х, завоевавшие победы на крупнейших мировых конкурсах искусств. Их фигуративные образы, символизм и метафоричность делают возможным прочувствовать смыслы, скрытые от рационального сознания. Полотна пропитаны свободой творческого выражения, а лаконичная современная подача этих экспонатов усиливает эмоциональное воздействие на зрителя.

Имидж и репутация музея давно сложились как место для встреч и неформального общения современной богемы и творческой публики.

В гостиной, где наряду с пищей духовной можно насладиться авторскими кулинарными произведениями искусства, открывается экспозиция графических работ 80-х “Мистические образы“, выполненных в особой технике с эффектом свечения, названной художником “транслюцентный стиль“. Сюрреалистичные сюжеты позволяют выйти за грани реального, грамотный визуальный ряд, как последовательное повествование, вовлекает посетителя в диалог с музейной экспозицией и делает авторский посыл частью духовного опыта зрителя.

Пространство музея современного искусства не ограничивается стандартными рамками презентации экспонатов. Это постоянный поиск актуальных форм подачи музейных предметов. И как раз ванная комната первого этажа дома-музея Н.Н. Седнина - яркое подтверждение тому, что креативной площадной музея может стать любое помещение. Именно здесь расположился цикл печатной графики 90-х «Шелкография», созданный автором для последующего воплощения в разных техниках и материалах.

Музей охватывает всю множественность способов освоения современной художественной реальности: это и концертная площадка, и клуб, и лекторий, и кинозал, и мастерская.

Благодаря качественной коллекции и идейному наполнению экспозиции, все разноплановые части единого арт-пространства связаны общим интеллектуальным и художественным вектором. Центральным местом проведения всех знаковых мероприятий музея стал зал первого этажа, собравший большую часть экспозиции и самые масштабные работы. В этом зале проходят церемонии награждения лареатов международного конкурса искусств «Artexawards» («Искусство. Совершенство. Признание.), президиумы Международной Академии современных искусств (МАСИ), презентации, выставки и концерты.

Стены зала украшает коллекция живописных портретов и портретная графика периода 90-х-00-х гг. Неповторимый авторский стиль рождает индивидуальный образ каждой изображённой персоны. На одной из стен размещен цикл авторской цветовой и пластической композиционной игры масляной пастелью на выкройках модного журнала "Burda"- “Импровизации на выкройках“ (1995).

Основную и самую масштабную часть экспозиции зала составляют программные произведения из цикла “Ди-Арт“. “Ди-Арт“ - постмодернистское направление в искусстве, основанное Николаем Седниным в 1994 году.

Пропитанные символичными образами, скрытыми знаками и зашифрованными художественными артефактами, эти работы основаны на позитивности восприятия художником окружающей действительности. В цикл также вошли крупноформатные панно 2017-2019 годов “Ди-Арт 3D“, к просмотру которых посетителям музея предлагается дополнительно надеть двухцветные анаглифные 3d-очки для появления стереоэффекта.

Глубина и объёмность представленных произведений преподносится с особой подачей: рама каждого из них отдельный вид искусства. Выполненные в особой технике, рамы, будто комментарии художника, усиливают впечатление своим нестандартным цветом, стилем, фактурой, с одной стороны отгораживая мир художника от реальности, с другой – демонстрируя целостность существования его идеи в пространстве как части этого мира.

Путь на второй этаж музея пролегает через цикл “Эмоциональные конструкции“ 91-95-х годов, обращённый к традициям русского конструктивизма. В пространстве лестничных проёмов царит гармония форм и линий монументальных образов.

В переходе, будто хранители музея, посетителей встречают два графических автопортрета художника 1991 года в технике классической пастели по тонированному картону, и две графичные музы из исследовательского цикла изменения эстетики форм в искусстве “Таблица трансформаций“.

Передача смысла через картину – это творческий акт, диалог художника с окружающим миром. Каждый творец выбирает свои фразы, слова, буквы – те самые элементы, с помощью которых он напишет своё повествование.

Буква в этом повествовании, как своего рода минимальная частица, выступает неделимым графическим символом будущего художественного послания. В начале 90-х, изучая историю и символику древних славян, Николай Седнин создал уникальный авторский алфавит, в графической основе которого находится один из древнейших вариантов трезубца князей Рюриковичей. Позже каждая буквица алфавита была превращена автором в самостоятельную композицию с символами мужского и женского начал. Этот уникальный алфавитный цикл с авторским девизом “Жизнь людей остается в буквах“ расположился на втором этаже дома-музея и через каждый знак письменности повествует о слиянии двух энергий и вечной жизни.

Выйдя на лестничный проём, посетитель вновь погружается в величие конструктивистских форм композиций «Романтики» и «Любовники» середины 90-х и монументальность скульптографических коллажей “Белая королева“ и “Железный человек“ из цикла “Эмоциональные конструкции“.

Верхний этаж дома занимает рабочий кабинет художника с потрясающей коллекцией книг, каталогов, живописных и графических подарков от известных и выдающихся гостей музея. В «святая святых» можно познакомиться с несколькими ранними академическими работами автора и особенными художественными циклами визуальных изображений. 

 

Скрытый от глаз широкой публики графический модуль “Архикона“ 2014 года строит свою вселенную на представлениях о сакральной геометрии, олицетворяющей космос. В него вошли архитектурные проекты, скульптографические коллажи, графические и шрифтовые композиции, собранные в течение 20 лет. Тут же, созданный в 2020 году, как визуализация музыкальных произведений цикл “Джаз-жикле”, представляет художественные импровизации по авторскому принципу непараллельности форм, за счёт которого достигается неповторимое звучание каждой композиции.

 

Экспозиция музея насчитывает более 1000 авторских произведений и регулярно пополняется.

Ежедневно музей знакомит своих гостей с искусством как высшей формой самовыражения личности. Дом-музей Н.Н. Седнина как высоко значимый для современной культуры и искусства проект не смог бы реализоваться без участия выдающихся профессионалов и крупных общественных организаций. Понимая ценности духовной культуры и важность трансляции её для широкой публики, идейные вдохновители - Александр Гремитских, известнейший коллекционер живописи в современной России, и Татьяна Панич, Президент международного конкурса “ Искусство. Совершенство. Признание” курируют работу музея и совершенствуют его возможности.

Дом-музей Н.Н. Седнина входит в Ассоциацию частных музеев России при поддержке Министерства культуры РФ. Охранные функции музея осуществляет ООО «Паритет».

Самый верный путь передачи истинное духовного знания – это живое вовлечение посетителя в связь с экспозицией, приобщение к процессу творчества и получение нового опыта. Каждому посетителю предстоит соприкоснуться с предметами искусства, ощутить сопричастность к процессу создания шедевров и унести с собой целую палитру эмоций. Высшие творческие достижения привносят смысл в жизнь каждого человека, и музей – это культурный храм, открытый для широкой публики, где на пике эстетического удовольствия каждый пришедший может почувствовать свою причастность к великому, стать частью истинного, красивого, светлого.

 

Ольга Веретина

Член-корреспондент Международной академии современных искусств, PR-директор международного конкурса “ИСКУССТВО. СОВЕРШЕНСТВО. ПРИЗНАНИЕ“, Руководитель по связям с общественностью Музея Седнина Николая Николаевича.

Советский художник Андрей Иванович Плотнов увеличить изображение
Советский художник Андрей Иванович Плотнов

Поздравляем юбиляров

А. И. ПЛОТНОВУ—75 ЛЕТ

 

Дорогой, многоуважаемый Андрей Иванович!

Секция живописи, Комиссия художников - участников Великой Отечественной войны, Военно-шефская комиссия МОСХ от всей души поздравляют Вас с 75-летием.

 

Как мастер сюжетных композиций, посвящённых исторической и современной теме, Вы создали галерею образов современников: космонавтов, деятелей науки, культуры, спорта.

 

Неутомимый путешественник, Вы много ездите по стране (Сибирь, Урал, Камчатка), постоянно работаете на своей родине в Задонщине, часто бываете за рубежом. Результат поездок — серии пейзажей, в которых Ваш острый глаз художника всегда фиксирует особенное и неповторимое.

 

Вы, старейший член МОСХа, совмещаете напряжённую творческую работу с общественной деятельностью, являясь депутатом районного Совета нескольких созывов, председателем и членом шефских комиссий, организатором многих народных картинных галерей, созданных на общественных началах в России.

Здоровья Вам, счастья, новых творческих свершений!

 

Газета «Московский художник» №27 от 2 августа 1991 г.

 

Картины художника Андрея Плотнова:

 

 

А.И. Плотнов  «Молодая актриса» (В.Миньковская), 1950 год
А.И. Плотнов «Молодая актриса» (В.Миньковская), 1950 год

 

 

Окна ТАСС. 1944-1945
Окна ТАСС. 1944-1945

 

 

 А.И. Плотнов  «На родной земле» 1976 год
А.И. Плотнов «На родной земле» 1976 год

 

 

А.И. Плотнов  «На родине. Юрий Гагарин.» 1982 год
А.И. Плотнов «На родине. Юрий Гагарин.» 1982 год

 

 

А.И. Плотнов  «Целина строится» 1964 год
А.И. Плотнов «Целина строится» 1964 год

 

 

А.И. Плотнов  «Десант на Курилы»
А.И. Плотнов «Десант на Курилы»

 

 

А.И. Плотнов «Самолет»   Х.М. 50х78 см
А.И. Плотнов «Самолет» Х.М. 50х78 см

 

 

А.И. Плотнов «На стройку» 1951 г. Холст, масло
А.И. Плотнов «На стройку» 1951 г. Холст, масло

 

 

А.И. Плотнов «Узбечка танцует»  картон, масло 70х50 см 1957 год
А.И. Плотнов «Узбечка танцует» картон, масло 70х50 см 1957 год

 

 

А.И. Плотнов «Чемпионка мира Е. Петушкова»  Холст, масло.  1971 год
А.И. Плотнов «Чемпионка мира Е. Петушкова» Холст, масло. 1971 год

 

 

А.И. Плотнов «Зимний взят» Холст, масло.  1967 год
А.И. Плотнов «Зимний взят» Холст, масло. 1967 год

 

 

А.И. Плотнов «Птичница» Холст, масло
А.И. Плотнов «Птичница» Холст, масло

 

 

А.И. Плотнов   Этюд.  Картон, масло.  Данковский краеведческий музей
А.И. Плотнов Этюд. Картон, масло. Данковский краеведческий музей

 

 

А.И. Плотнов   «Венеция»   1956 год
А.И. Плотнов «Венеция» 1956 год

 

 

А.И. Плотнов   «За землю русскую»  Холст, масло
А.И. Плотнов «За землю русскую» Холст, масло

 

 

А.И. Плотнов   «Зимний дворец»   1978 год
А.И. Плотнов «Зимний дворец» 1978 год

 

 

 

Отзывы читателей на статью "Художник Николай Синезубов" увеличить изображение
Отзывы читателей на статью "Художник Николай Синезубов"

На аватаре: Николай Синезубов "Автопортрет" 1947 г. Холст, масло. 71х43 см. Государственная Третьяковская галерея

 

 

 

Алекс Парацельс:

 

Статья 1981 г. о русском художнике Николае Владимировиче Синезубове интересная... Странно, но я ничего не слыхал о Синезубове и работ его раньше не видел... Первое что подумалось при взгляде на его работу 1919 года "Девушка у зеркала" — "созвучно манере Амедео Модильяни"... ... ... Однако, сравнив работы этих двух художников, почти ровесников, понял — Модильяни, всё же, просто убожество (несмотря на оглушительную оценку его "Обнажённой" — 170 млн. USD, 2018 г., аукцион Сотбис, Нью Йорк) по сравнению с нашим художником Николаем Владимировичем Синезубовым. Синезубов — потрясающий "экспрессивный" колорист, рядом с которым поставить мало кого можно, на мой взгляд. Впрочем, я не искусствовед, а просто зритель, так что вполне могу и ошибаться... Просто не припоминаю ровным счётом ни одного прецедента столь мощной, экспрессивной и вполне гармоничной колористики, выполненной в технике "реалистического мазка". Вот его, Синезубова работы, вполне можно было бы продавать на ведущих аукционах мира по достойной цене... А Модильяни... — ну не вижу я в нём таланта даже. Ну — самобытен Модильяни изрядно... Ну и всё, не более того. НЕИНТЕРЕСНАЯ, убогая живопись у Модильяни — глаз не радует, не прельщает, не восхищает, не завораживает, не притягивает, оставляет РАВНОДУШНЫМ.... ... ... ... .... ..... А Синезубов Николай — это УРОВЕНЬ...!!! И рядом-то с ним — ни-ко-го. И понятно, почему ни-ко-го. Да просто "в осадок" же уйдёт любое полотно Модильяни, если рядышком с Синезубовской "Девушкой у зеркала, 1919 г., 66х44 см. (ГРМ, Питер)" его поставить.

 

Galina Razdolskaya:

 

Не думаю, что свое впечатление от работ одного художника стоит так дилетантски выстраивать на поругании творчества другого художника, у меня работы Синезубова тоже ассоциирутся с некоторыми французами, но только не с Модильяни, он никого не напоминает, он один такой.

 

 

Вера Кичигина:

 

Трудно судить о живописи по иллюстрации, когда не имеешь возможности, как любят говорить профессионалы, "понюхать холст", ...хорошо ещё, если удалось увидеть картины художника раньше и получить представление о его живописи! Но, так или иначе, а колористические подробности и некоторые технические приёмы можно увидеть. Модильяни создал свой стиль, свои живописные образы, единственные в своем роде, ни с кем не сравнимые. Николай Синезубов имеет, и будет иметь «своих зрителей, своих благодарных поклонников»...., которые оценят и его «реалистический мазок», и экспрессию «завораживающих цветовых сочетаний»... выдающегося колориста!!! Талант не отнимешь, он от Бога!!!

 

Алекс Парацельс

 

Да, Синезубов — БЕССПОРНЫЙ талант..!!! ... Увы, не дано мне будет никогда НАСЛАЖДАТЬСЯ живописью замечательного художника Амедео Модильяни... Ну не способен я НАСЛАЖДАТЬСЯ пусть даже уникально-беспрецедентной, но живописной СКУКОТОЙ и БЕСТАЛАНТЩИНОЙ... Не дано мне. И — слава Богу!

 

Вера Кичигина:

 

Синезубов - живописец большого внутреннего напряжения..., об этом говорит его автопортрет, выполненный в лаконичной живописной манере.

Художник Николай Синезубов увеличить изображение
Художник Николай Синезубов

 

 

В Третьяковской галерее, Русском музее, Музее изобразительных искусств им. Пушкина, а также в музеях Ташкента, Кирова, Краснодара, Пскова и других городов хранятся произведения Николая Владимировича Синезубова (1891 — 1948). Имя его мало что говорит современному зрителю. Между тем в конце 1910-х и в 1920-е годы он был видным и активным участником художественной жизни. Работы художника экспонировались на многих выставках, их отмечали в своих статьях А. Сидоров, Б. Терновец, А. Фёдоров-Давыдов, В. Блох...

 

Синезубов родился в Москве, занимался в Училище живописи, ваяния и зодчества и одновременно — на юридическом факультете университета. В 1917 году начался его самостоятельный творческий путь, причём в первые же годы определяются и его характерные, специфические черты. И более того, именно этот период оказался самым плодотворным в биографии художника. Он много работает в живописи и рисунке, пробует силы в линогравюре и офорте, а произведения его экспонируются па выставках МТХ (1917—1924), «Мир искусства» (1921, 1922), на IV и XIX выставках ИЗО Наркомпроса (1918, 1920). Синезубов не участвовал в борьбе художественных группировок, но сразу и чётко определил свою позицию. Используя опыт французского искусства конца XIX — начала XX века, он отвергал крайности авангарда, особенно уклон к производственному, «механическому». как сказано в статье «Судьба художника» («Маковец», 1922). В то же время Синезубов не отказывался от контактов с «левыми», принял участие в работе Института художественной культуры (ИНХУК).

 

Некоторые критики в ту пору указывали на связь его искусства с наследием Сезанна. Так, Д. Мельников в статье «Сезанн и сезаннизм» («Творчество», 1921, № 4—6) рассматривал его среди наиболее талантливых русских сезаннистов. Но хотя влияние знаменитого мастера чувствуется в некоторых натюрмортах и пейзажах Синезубова, связь эту не следует преувеличивать. Видимо, традиция Сезанна была нужна Синезубову лишь для совершенствования живописной культуры, потому что в главных работах — бытовых жанрах и портретах — иными были весь образный строй, эмоциональное звучание и идейно-смысловые задачи.

Н. Синезубов «Девушка у зеркала» 1919 г. Холст, масло. 66x44 см. Государственный Русский музей
Н. Синезубов «Девушка у зеркала» 1919 г. Холст, масло. 66x44 см. Государственный Русский музей

Одна из характерных работ того времени картина «Девушка у зеркала» (1919). Казалось бы, традиционный камерный мотив, по он лишен «тишины», идилличности. Всё пронизано тревогой и напряжением. Свойственная Синезубову острота рисунка, диссонансы и столкновения линий сочетаются с контрастностью светотеневого решения, резкостью цветовых отношений. При этом насыщенный, глубокий цвет стен то сгущается и темнеет, доходя до иссиня-чёрного, то приобретает звучность, вспыхивая тревожным холодным светом. Цвет используется не столько для моделировки формы, но прежде всего как средство эмоциональной выразительности. А характер воплощённого переживания, его внутренняя напряженность, равно как и поэтическая утончённость и хрупкость, присущие образу, - определяют существенные грани творчества живописца. В некоторых работах он чуть усиливает внешнее движение («У зеркала» 1920), а в других, напротив, даёт статичную фигуру («Женщина в красном» 1919). Но и в том и в другом полотне столкновения линий и форм делают равновесие неустойчивым, придают образу что-то нервное, беспокойное.

Н. Синезубов «Женщина в красном» 1919 г. Холст, масло Собрание Т.В. Рубинштейн
Н. Синезубов «Женщина в красном» 1919 г. Холст, масло Собрание Т.В. Рубинштейн

В те годы критики сетовали, что у одних художников есть живопись, но нет картины; у других — есть картина, но нет живописи. Синезубов был в числе мастеров, сумевших соединить высокие живописные качества с умением продуманно построить, организовать холст в соответствии со своими содержательными задачами. Поэтому даже исполненные прямо с натуры портреты («Женщина в красном») лишены этюдности, в работах другого рода («Девушка у зеркала») изобразительные средства подчинены созданию картины, притом определенного рода. Это вещи подчеркнуто станковые, что воплотилось и в тщательности живописной проработки пластической формы, и в небольшом размере. Чаще всего он изображает непритязательные сцены, выявляя эмоциональную атмосферу человеческого существования, которая отнюдь не кажется спокойной и тихой, да и могло ли это быть в ту полную драматизма эпоху? К прямому изображению событий революционной поры художник обращался редко. Он исполнил для журнала «Творчество» ряд линогравюр, посвящённых революционным боям, наиболее драматичная из которых – «Баррикада».

 

Но взволнованность и тревога тех бурных лет более всего проявилась в его бытовых сценах.

В это время ощутимо стало стремление художника к светлой гармонии, к преодолению диссонансов бытия, обретению опоры в устойчивых «вечных» ценностях. Он обращается к теме материнства. В картине «Мать» (1919) плавные контуры, мягкая цветовая гамма, матовая фактура, топкость и деликатность живописного строя служит созданию образа, полного благородства и поэзии. Бытовое начало в картине не исчезло, но отошло на второй план, уступив место возвышенности образа.

Н. Синезубов «Мать» 1919 г. Холст, масло. 64x46 см. Государственный Русский музей
Н. Синезубов «Мать» 1919 г. Холст, масло. 64x46 см. Государственный Русский музей

Однако и эта работа отнюдь не безмятежна. В облике женщины чувствуется чуть уловимый оттенок печали. В других произведениях грустные ноты звучат отчетливее. Картины «Доение коз» (1919), «Ужин» (1918), офорт «Очередь» (1919), воссоздающие с мягкой и проникновенной интонацией скудный быт голодных лет, полны сочувствия к людям. К подобным работам относится и акварель «Сцена на улице» (1918), в отличие от «Очереди» она решена без непосредственных примет времени. В ней ещё заметнее мотив неустроенности, незащищённости, но в человеке здесь — не только что-то забитое и жалкое, одновременно угадываются робкая надежда, ощущение чистоты и хрупкости человеческих чувств.

 

Вероятно, именно такие вещи дали основание А. Фёдорову-Давыдову говорить о «своеобразном преломлении традиций раннего Пикассо». Думается, что это очень верное замечание, если иметь в виду не просто сходство отдельных фигур, а глубокую внутреннюю связь с существенными гранями творчества великого художника. Связь, которая отнюдь не означала подражание. Большинство работ Синезубова кажутся более конкретными, бытовыми по сравнению с вещами Пикассо. В бытовых сцепах художник открыл и печальную поэзию и глубокую человечность, которые ощущаются в бродягах и странствующих комедиантах знаменитого мастера.

 

Неприютность мира проявляется, но уже иначе, в группе работ, связанных с темой города. В акварели «Улица» (1918) город выглядит особенно холодным и жутким. У Синезубова часто встречаются мотивы ночного города - - в офортах «Под фонарём» (1919), «Ночь» (1920), в линогравюре «Ночь» (1919—1920). Как порождение ночного города возникает тема «дна» — ресторанчики, уличные девицы, пьяное веселье. Всё это изображается без тени насмешки или цинизма. В самом разгуле проступает нечто болезненное и жалкое (офорт «Разгул», 1919). В картине «Кабачок» (1920) по контрасту с темой увеселения ещё сильнее чувствуется изломанность человеческих судеб. В другом «Кабачке» (1919) — вульгарность облика действующих лиц переплетается с горечью и одиночеством. Разумеется, восприятие города как чего-то зловеще-пугающего, враждебного, а подчас и фантасмагорического не было новацией. По-разному и очень широко прозвучала эта тема ещё в дореволюционном искусстве у художников различных направлений — от мирискусников (М. Добужинский) до авангардистов, В обращении к мотивам «дна», полусвета можно ощутить косвенное влияние Лотрека. Но если у Синезубова чувствуется иногда почти лотрековская острота, то беспощадность взгляда и едкая ирония Лотрека чужды Синезубову. Он гораздо мягче относится к своим героям и не столько «обнажает язвы», сколько сострадает и вновь — на этот раз с иной стороны, чем в «Очереди» или «Сцене на улице», — подходит к теме человеческой неустроенности, незащищённости.

Н. Синезубов «В питейном заведении» 1918 г. Холст, масло. 64х55 см. Елецкий городской краеведческий музей, Липецкая обл.
Н. Синезубов «В питейном заведении» 1918 г. Холст, масло. 64х55 см. Елецкий городской краеведческий музей, Липецкая обл.

Став членом общества «Маковец», Синезубов принимает участие в двух последних выставках объединения. С художниками, входившими в него, он был знаком раньше, участвовал в 1921 году в организованном ими выпуске нескольких альбомов литографий, а в журнале «Маковец» была напечатана его статья «Судьба художника» (1922), но участия в первой выставке общества художник не принял, вероятно, в связи с тем, что был в это время в Германии (1922— 1923 гг.). Вступление в общество не было случайным. В «Маковце» заметную роль играли мастера камерно-лирического плана, чье искусство духовно было близко Синезубову, Импонировали ему и высокая культура этих художников, и их ориентация на старых мастеров», так как в его собственном творчестве после знакомства с европейскими музеями наметилась тенденция к использованию не столько опыта искусства XX века, сколько более старых традиций европейской живописи. Именно в них хотел он найти опору своему стремлению к гармонии к обретению стабильных ценностей. Напряжённость и острота эмоций, свойственные более ранним работам, уступают место новой живописной манере, основанной на чистом, мягком, лишённом звучности и насыщенности колорите и преимущественно тональных принципах моделировки формы.

 

Одно из характерных произведений нового периода— картина «Купальщица» (1927). Тонкость колористических отношений, мягкость трактовки формы сочетаются здесь с тщательной (вполне в духе хороших «музейных» образцов) разработкой живописной поверхности. Живопись плотная, но не пастозная, создающая впечатление почти «эмалевой» поверхности, увеличивает ощущение «драгоценности» этой маленькой вещи. Уроки старых мастеров явно не прошли для Синезубова даром.

Н. Синезубов «Купальщицы» 1927 г. Государственная Третьяковская галерея
Н. Синезубов «Купальщицы» 1927 г. Государственная Третьяковская галерея

В то же время нарастающее стремление обрести высокую и светлую гармонию не могло погасить присущую художнику напряжённость восприятия и остроты переживания жизни: это чувствуется, например, в «Автопортрете» (1927). Он лишён резких диссонансов, но под внешней сдержанностью спрятано внутреннее напряжение, которое проступает во взгляде, в жесте, в рисунке складок одежды. Новые искания не привели к утрате эмоциональной силы и творческого темперамента, как это показалось отдельным критикам той поры, но темперамент этот стал более скрытым, драматизм— во всем пластическом строе полотна.

 

Синезубов — представитель той камерно-лирической линии нашего искусства, которая сыграла важную роль, утверждая в переломную эпоху, обращённую прежде всего к решению глобальных проблем, внимание к личности, к тонким человеческим переживаниям.

Очевидно и другое - творчество живописца не столько открывало путь новым экспериментам, сколько выражало некоторые грани мироощущения, восходящие к предреволюционной эпохе. В этом смысле Синезубов — один из тех, кто нёс эстафету глубоко нравственного, психологически наполненного искусства.

 

Б. Берман

 

журнал "Творчество" № 11 1981 год

 

На аватаре: Николай Синезубов "Автопортрет" 1947 г. Холст, масло. 71х43 см. Государственная Третьяковская галерея

 

 

Н. Синезубов «Дом» 1910-е гг. Холст, масло. 52,5х70 см. Собрание галереи «На Ленивке», Москва.
Н. Синезубов «Дом» 1910-е гг. Холст, масло. 52,5х70 см. Собрание галереи «На Ленивке», Москва.

 

Н. Синезубов «Семья за столом. Чаепитие.» 1918-1919 гг. Нижегородский художественный музей
Н. Синезубов «Семья за столом. Чаепитие.» 1918-1919 гг. Нижегородский художественный музей

 

 

Н. Синезубов «Доение коз» 1919 г. Псковский государственный объединённый историко-архитектурный и художественный музей-заповедник
Н. Синезубов «Доение коз» 1919 г. Псковский государственный объединённый историко-архитектурный и художественный музей-заповедник

 

 

Н. Синезубов Последний прижизненный портрет Александра Блока. 1921 г. Бумага, тушь, акварель. Государственный литературный музей, Москва.
Н. Синезубов Последний прижизненный портрет Александра Блока. 1921 г. Бумага, тушь, акварель. Государственный литературный музей, Москва.

 

 

Н. Синезубов «Улица» 1919 г. Холст, масло. 97х74 см Ивановский художественный музей, г. Иваново
Н. Синезубов «Улица» 1919 г. Холст, масло. 97х74 см Ивановский художественный музей, г. Иваново

 

 

Н. Синезубов «В трактире» 1919 г. Одесский художественный музей, Украина
Н. Синезубов «В трактире» 1919 г. Одесский художественный музей, Украина

 

 

Н. Синезубов «Двое за столом» 1920 г. Холст, масло
Н. Синезубов «Двое за столом» 1920 г. Холст, масло

 

 

Н. Синезубов «Фантазия» 1919 г. Рисунок. 24,3 х 18,6 см
Н. Синезубов «Фантазия» 1919 г. Рисунок. 24,3 х 18,6 см

 

 

Н. Синезубов «Певица» 1918 г. Холст, масло. 93x66 см. Государственный музей изобразительных искусств Республики Татарстан, Казань
Н. Синезубов «Певица» 1918 г. Холст, масло. 93x66 см. Государственный музей изобразительных искусств Республики Татарстан, Казань

 

 

Н. Синезубов «У умывальника» 1918 г. Холст, масло. 57x40 см. Государственный музей изобразительных искусств Республики Татарстан, Казань
Н. Синезубов «У умывальника» 1918 г. Холст, масло. 57x40 см. Государственный музей изобразительных искусств Республики Татарстан, Казань

 

 

Н. Синезубов «Обнажённая в интерьере» Доска, масло. 35х27 см
Н. Синезубов «Обнажённая в интерьере» Доска, масло. 35х27 см

 

Н. Синезубов «Баррикада» 1918-1919 гг. Нижегородский художественный музей
Н. Синезубов «Баррикада» 1918-1919 гг. Нижегородский художественный музей

 

 

 

 

Н. Синезубов «Снег в городе» 1920 г. Холст, масло. 44 x 61,5 см
Н. Синезубов «Снег в городе» 1920 г. Холст, масло. 44 x 61,5 см

 

 

Н. Синезубов «Синий день (Красный дом)» 1920 г. Холст, масло. 53x46 см Ярославский художественный музей
Н. Синезубов «Синий день (Красный дом)» 1920 г. Холст, масло. 53x46 см Ярославский художественный музей

 

 

Н. Синезубов «В парикмахерской» 1920 г. Холст, масло. 82x62 см Нижнетагильский художественный музей
Н. Синезубов «В парикмахерской» 1920 г. Холст, масло. 82x62 см Нижнетагильский художественный музей

 

 

Н. Синезубов «Улица. Весна.» 1920 г. Картон, масло. 61х50,5 см. Государственный Русский музей
Н. Синезубов «Улица. Весна.» 1920 г. Картон, масло. 61х50,5 см. Государственный Русский музей

 

 

Н. Синезубов «В саду (Сад белых гортензий)» 1920-е гг. Картон, темпера, 35,5х43,5 см
Н. Синезубов «В саду (Сад белых гортензий)» 1920-е гг. Картон, темпера, 35,5х43,5 см

 

 

Н. Синезубов «Пейзаж с купальщицами» 1920-е гг. 35,5 х 44 см
Н. Синезубов «Пейзаж с купальщицами» 1920-е гг. 35,5 х 44 см

 

 

 

Н. Синезубов «Cолнечный день» 1927 г. Бумага, акварель
Н. Синезубов «Cолнечный день» 1927 г. Бумага, акварель

 

 

 

Н. Синезубов «Портрет африканской девушки с золотой сережкой» 1931 г. Картон, масло. 40х33 см
Н. Синезубов «Портрет африканской девушки с золотой сережкой» 1931 г. Картон, масло. 40х33 см

 

 

Н. Синезубов «Вид на Вильфранш-сюр-Мер» Франция, 1933 г. Холст, масло. 32,5х38 см
Н. Синезубов «Вид на Вильфранш-сюр-Мер» Франция, 1933 г. Холст, масло. 32,5х38 см

 

 

 

Н. Синезубов «Портрет дамы» 1934 г. Холст, масло. 46 х 32,5 см
Н. Синезубов «Портрет дамы» 1934 г. Холст, масло. 46 х 32,5 см

 

 

Н. Синезубов «Тёмная улица» 1933 г. Холст, масло. 50 х 31,5 см
Н. Синезубов «Тёмная улица» 1933 г. Холст, масло. 50 х 31,5 см

 

 

Н. Синезубов «Парижское кафе» (Place de marché En Corse) 1934 г. Картон, масло. 34,5x29 см
Н. Синезубов «Парижское кафе» (Place de marché En Corse) 1934 г. Картон, масло. 34,5x29 см

 

 

Н. Синезубов «Париж. Площадь Денфер-Рошеро» 1934 г. Холст, масло. 33х41 см
Н. Синезубов «Париж. Площадь Денфер-Рошеро» 1934 г. Холст, масло. 33х41 см

 

 

Н. Синезубов «Portrait de M. Simanpart» (Портрет г-на Симанпа) 1935 г. Холст, масло. 50x35 см
Н. Синезубов «Portrait de M. Simanpart» (Портрет г-на Симанпа) 1935 г. Холст, масло. 50x35 см

 

 

Н. Синезубов «Woman from the back» (Женщина со спины) 1939 г.
Н. Синезубов «Woman from the back» (Женщина со спины) 1939 г.

 

 

Н. Синезубов «Читающая женщина в метро» 1943 г. Холст, масло. 33,5х24 см
Н. Синезубов «Читающая женщина в метро» 1943 г. Холст, масло. 33,5х24 см

Мир распахнутый и бесконечный увеличить изображение
Мир распахнутый и бесконечный

О Валентине Ивановиче Курдове, художнике известнейшем, старейшем, написано удивительно и незаслуженно мало. Скорее всего потому, что этот мастер, как будто на редкость доступный и понятный каждому зрителю — от самого простодушного, с удовольствием разглядывающего его картинки в детских книгах, до профессионала, наслаждающегося изысканностью его графики, — мастер этот нам всё-таки не до конца понятен. Такой узнаваемый, такой индивидуальный и специфический, он рядом со своими товарищами —Ю. Васнецовым, Е. Чарушиным или А. Пахомовым — может показаться каким-то неуловимым, даже разбросанным в симпатиях и интересах.

Конечно, практика художника складывается по-разному, тем более практика книжного иллюстратора, и не всегда приходится делать то, что хочется. Но вряд ли что-нибудь из сделанного Курдовым назовёшь очень уж посторонним его таланту — во всём сохраняются особый курдовский поворот, специфический взгляд на вещи.

Нужное слово отыскалось совсем недавно. Б. Сурис в каталоге выставки художника (1980) упомянул об эпичности серии «По дорогам войны». Конечно же, военные события подтолкнули художника, но ничего принципиально нового в нём они не открыли, потому что Курдов эпичен по самой природе своего таланта, своего видения мира, и эта эпичность объясняет в нём едва ли не всё, или, по крайней мере, самое главное.

 

В.И. Курдов Из серии «По дорогам войны»
В.И. Курдов Из серии «По дорогам войны»

Эпический пространственно-временной размах обнаруживается в работах В.И. Курдова с самой непосредственной очевидностью.

Редки у Курдова камерные, узкозамкнутые изображения, чужд он фрагментарности, и, напротив, часты в его листах обширные пространства, будто увиденные с птичьего полета. Так и стремится он к панорамности, распахивает перед нами мир во всех трёх его измерениях: от поверхности земли до облаков, от травинок и цветов, качающихся перед глазами, до плоскости горизонта, а влево и вправо — сколько охватит взгляд.

Излюбленнейший мотив обширного пространства часто дополняет он другим — мотивом сильного движения, которое пронизывает пространство, подчёркивает его протяжённость — будь то скачущие всадники, пролетающие птицы или хотя бы порыв ветра, склоняющий деревья, прижимающий траву, кусты.

Из многочисленных поездок по стране и за рубеж (а Курдов любит путешествовать, это у него в крови) он привозит листы, в которых присутствует всё тот же распахнутый и бесконечный мир. Его впечатления от целинных земель — степной простор и пересекающие его машины и люди. Прекрасная серия военных литографий не случайно названа «По дорогам войны»: её основная тема — бесконечное движение людских потоков, лишь иногда, на короткое мгновение, останавливающихся, чтобы тотчас же двинуться дальше. Апофеозом стремительного движения, поглощающего тысячевёрстные расстояния, стала его чудная ранняя книжка «Конная Будённого», где события Гражданской войны увидены даже не с птичьего полета, а чуть ли не в планетарном масштабе. 

 

Валентин Курдов редко всматривается в своих героев — не назовёшь это невнимательностью или поверхностью, это восприятие по особым законам, чуждым привычным представлениям о психологизме. Ведь эпичность и предполагает такую отстранённость художника от происходящего, некую «верхнюю» точку зрения, с которой он смотрит как бы из иного мира. С этой точки зрения мир оказывается неразнимаемо целостным в своём бытии, человек существует в нём не сам по себе и не как центр мироздания, но только как составная часть всего сущего. И зверь — тоже часть мира, и птица — тоже. Недаром герои Курдова чаще всего - мелкие, почти стаффажные фигурки, готовые раствориться в пейзаже, и так редки, почти исключительны у него крупные планы, выделяющие персонаж из его мира, и так неохотно он оставляет своего героя один на один со зрителем на чистом белом поле листа, не бросив на этот лист хотя бы несколько веточек или травинок, обозначающих жизненную среду.

Его иллюстрации к «Конной Будённого» по своей лубочно-плакатной обобщенности — сродни «Окнам РОСТА» его наставника и старшего друга В. Лебедева, но какая многозначительная разница в их пространственной природе, как нуждается Курдов в изображении реалий земной поверхности — пусть совершенно условно и разномасштабно воспроизведённых, пусть даже бегло обозначенных на бумаге экспрессивным подобием чертежа железнодорожных путей («Взятие Ростова»).

 

Вот почему так робки попытки причислить его к анималистам для него это стало бы несправедливым ограничением. Подлинный анималист Е. Чарушин: для того в звере сосредоточился весь мир. У Курдова же нет и не может быть пронзительно-интимного (чарушинского) восприятия зверя: вплотную, глаза к глазам, душа к душе. Его предмет иной — мир, природа в целом, а уже в этом мире — зверь. И его зверь неизменно растворяется в целом своего окружения и увиден — зорко, цепко, точно, но опять-таки всегда больше «зверем вообще». Даже обаятельный герой его, ставших уже классическими, иллюстраций к Киплингу — это больше Мангуст, чем Рикки-Тикки-Тави, а ведь тут художник достиг, пожалуй, максимального, возможного для себя крупнопланового сосредоточения на своих героях.

Иллюстрация к повести Киплинга «Рикки Тики Тави»
Иллюстрация к повести Киплинга «Рикки Тики Тави»

 

Едва ли не всё, что иллюстрировал Курдов, было эпосом или приобретало под его рукой черты эпоса.

Удивляться ли его великолепной удаче с «Лесной газетой»? Да В. Бианки словно специально написал её именно для Курдова! Ведь это подлинный лесной эпос: единая обширная картина жизни леса, объективная, беспристрастная, стереоскопически чёткая, увиденная глазом внимательного, вездесущего и всевидящего наблюдателя, способного то воспарять к облакам, то спускаться к землеройке.

 Эпичен и самый этот наблюдатель, внеличностный коллективный рассказчик — то учёный натуралист, то охотник, то крестьянин, то пионер-юнкор. Эпичен весь этот рассказ, уложенный в природный годовой цикл, в то единственное движение времени, которое (кроме ещё суточного) признавал классический древний эпос.

Эпос — и «Жизнь Имтеургина Старшего». Книга Т. Одулока (очень интересная и сильная, хотя сейчас и несправедливо забытая) давала простор для разных трактовок: её фактическая сторона могла бы вдохновить на картины устрашающе-натуралистические. Но в спокойной отстранённости её тона есть дыхание подлинного эпоса. Это рассказ о жизни, которая как бы идёт сама собою, в извечном единоборстве с природой, по извечному распорядку. Текст вдохновил художника на картины вполне эпической ясности: люди и олени в большом (бесконечно большом) белом мире тундры, увиденные как бы сверху, но глазом орла, различающего тонкие детали (достаточно вглядеться в любую иллюстрацию, хотя бы в «Собачью упряжку», где каждая из одиннадцати собак — одиннадцати крохотных пятнышек литографским карандашом — иная во всем).

Эпосом — полушутливым — стал у него и «Айвенго»: маленькие - лиц не разглядеть, да и не нужно, не хочется — человечки, пирующие или сражающиеся среди дубрав и лужаек под романтической луной, где ощущаешь всё тот же спокойный, немного любующийся происходящим, немного ироничный взгляд.

Не случайно жизнь столкнула художника с «Калевалой», с «настоящим», классическим эпосом. Не случайно через два десятилетия после первого опыта иллюстрирования, когда, увы, художник испытал воздействие не лучших тенденций в истории советской книжной иллюстрации, он снова возвратился к ней. Сращенность героев и их жизни с природой и её жизнью в едином фантастическом целом — в реальности, умноженной и обостренной силой народной фантазии, побудила его на решительное обновление художественных средств, способных передать поэтику, и прежде всего — на смещение масштабов и пространственных планов.

Можно пожалеть о том, что Валентин Курдов не повстречался с другими классическими эпосами, в которых его сильное и своеобразное дарование могло бы раскрыть себя чрезвычайно интересно, но встреча с «Калевалой» всё-таки состоялась совсем недавно, и в ней Курдов — один из ветеранов советского искусства — одержал новую и многозначительную победу.

 

Э. Кузнецов

 

журнал "Творчество" № 11 1981 г.

 

На аватаре: Валентин Иванович Ку́рдов (1905 — 1989) — советский художник, плакатист, иллюстратор детской книги, мемуарист.

 

В.И. Курдов Плакат
В.И. Курдов Плакат

 

 

Иллюстрация к повести Киплинга «Рикки Тики Тави»
Иллюстрация к повести Киплинга «Рикки Тики Тави»

 

 

Иллюстрация к «Лесной газете» В. Бианки
Иллюстрация к «Лесной газете» В. Бианки

 

 

Иллюстрация к «Лесной газете» В. Бианки
Иллюстрация к «Лесной газете» В. Бианки

 

 

Иллюстрация к книге В. Скотта «Айвенго»
Иллюстрация к книге В. Скотта «Айвенго»

 

 

Иллюстрация к сказке Р. Киплинга «Откуда взялись броненосцы»
Иллюстрация к сказке Р. Киплинга «Откуда взялись броненосцы»

 

 

В. Курдов «Второй отъезд Лемминкяйнена Из иллюстраций к «Калевале» 1971- 1979. Карандаш, акварель
В. Курдов «Второй отъезд Лемминкяйнена Из иллюстраций к «Калевале» 1971- 1979. Карандаш, акварель

 

 

В. Курдов «Похищение Кюллики» Из иллюстраций к «Калевале» 1971 - 1979. Карандаш, акварель
В. Курдов «Похищение Кюллики» Из иллюстраций к «Калевале» 1971 - 1979. Карандаш, акварель

Искусство искреннее и доброе увеличить изображение
Искусство искреннее и доброе

 

Уча Малакиевич Джапаридзе работает в разных жанрах. Широко известны его портреты передовиков промышленности и сельского хозяйства, государственных и общественных деятелей, писателей, артистов, художников, исторические портреты представителей грузинской культуры, пейзажи, натюрморты, жанровые полотна, посвящённые жизни грузинских крестьян, в основном жителей Верхней Рачи — родины художника. Опытный мастер способствовал формированию нескольких поколений грузинских художников, отдавая много энергии педагогической и организационной работе в Тбилиской Академии художеств.

У.М. У.М. Джапаридзе «Рача» 1979 г. Музей искусств Грузии Тбилиси
У.М. У.М. Джапаридзе «Рача» 1979 г. Музей искусств Грузии Тбилиси

В творческом развитии Джапаридзе можно видеть декоративные, в некоторой степени импрессионистические образы (1930-е годы) и более монументальные, обобщённые полотна конца 1930-х — начала 1960-х годов — «Друзья юности», «Думы матери», «Интересная беседа», «Напутствие», ставшие значительными достижениями грузинского искусства.

 

В жанровых картинах Джапаридзе нет занимательного рассказа, нет и увлекательного сюжета. При этом их всегда отличают удивительная искренность, жизненная конкретность, глубина типических обобщений, точность характеристики эмоционального состояния персонажей. Как правило, их немного — два, реже три. Действие чаще всего выносится па природу. Художник показывает людей наедине с величественным и спокойным пейзажем — на фоне гор, селений, древних башен. Фигуры расположены в центре, горизонт опущен, что придаёт изображению особую значительность. Красочная гамма, построенная на мягком сочетании различных оттенков неярких зеленоватых, красных, жёлтых, голубовато-серых, с годами становится более лаконичной и насыщенной.

Ритм неторопливых, скупых, национально характерных в своей естественной торжественности движений усиливает ощущение внутренней сосредоточенности, величавости. При индивидуальной выразительности сцен — в каждой присутствуют свои эмоциональный подтекст, своё настроение - их объединяет атмосфера доброжелательности, взаимопонимания. Это не означает, что жанровые картины Джапаридзе всегда безоблачны, бесконфликтны. Но основное в них — внутренняя цельность, уравновешенность. Художник подчёркивает разные качества национального характера — целомудренную сдержанность в проявлении чувств, сознание собственного достоинства, благородство. В лучших жанровых полотнах Джапаридзе - философские размышления о жизни, её вечной красоте.

 

В портретах, где используется самая разнообразная техника (масло, гуашь, карандаш, пастель, уголь, автолитография), Джапаридзе стремится возможно полнее раскрыть своеобразие характеров, их самобытность, используя для этого плотность и фактурное богатство живописного мазка, возможности то лёгкой тушевки карандаша или угля, то графическую чёткость линейного рисунка, то бархатистую мягкость пастели.

Написанное почти этюдно, полно прекрасного романтического одушевления задумчивое лицо художника Г. Джапаридзе (1939). В глубокие, трудные раздумья погружён писатель Д. С. Кадиашвили (1924). Его облик передан лёгкими карандашными линиями, смягчёнными бликами растушевки. Живописцу удалось выявить главное в характере этого замечательного деятеля грузинской культуры — предельную скромность и тонкую интеллектуальность. Истинно благородно, очень значительно-страстное, волевое лицо драматической актрисы Верико Анджапаридзе (1956). Сильные черты её лица выявлены точно, чётко.

Свободная поза, подвижность живописной фактуры, лёгкого мазка подчёркивают внутреннюю активность погружённого в свои мысли академика К. Кекелидзе (1961). Замкнут, сосредоточен актёр У. Чхеидзе (1945); мягкая гармония золотисто-охристых, красновато-коричневых, серо-голубых топов, завершённость пластического объёма головы создают особую лирическую интонацию этого портрета. В «Матери» (1939) линии стремительно «сбегаются» к центру — скорбному женскому лицу. Трогательная женственность, таинственность переданы в облике молодой женщины — портретах Маргариты (1941, 1943). Все эти, и другие столь отличные друг от друга произведения роднит стремление мастера выявить в портретируемых творческое начало, богатство духовной жизни, тонкость переживаний.

 

Сегодняшний год для него юбилейный — Уча Малакиевич родился в 1906 году. Он встретил этот год, как всегда, полный жизненной активности, творческой энергии. Работы последнего времени показали, что в его искусстве «сгущаются» те драматические ноты, которые как бы под сурдинку звучали в отдельных жанровых полотнах, портретах. В  прежде гармоничные, спокойные пейзажи художника входит обострённая динамика — мотив ветра, предгрозового неба («Колокольня Накорцминда», «Рача», «По дороге в Кахетию»).  А одни из последних жанров - «Погода меняется» остро передаёт ощущение переходного состояния не только природы, по и настроения людей.

Предгрозовое напряжение - одно из важных эмоциональных состояний и самого крупного произведения последних лет - картины «Одиночество» (1980). Произведение это, исполненное драматизма — своеобразный реквием по скончавшейся жене художника.

Обычно два вола, запряжённые в одно ярмо, вместе тянут плуг. Но вот один из этой пары навсегда покинул упряжку. Его товарищ—в отчаянии, тоске, боли — криком скорби оглашает окрестности, сообщая горам, рекам, селениям о своей утрате. С большой силой правды, страстно переданы страдания одинокого существа. В то же время вознесённая над окружающим ландшафтом фигура животного столь значительна и монументальна, что образ его на фоне панорамы пейзажа приобретает символическое звучание.

Уча Джапаридзе «Одиночество» 1980 г.
Уча Джапаридзе «Одиночество» 1980 г.

Новые - драматические черты появились и в портретах Джапаридзе. Те качества, которые всегда привлекали его в людях — творческое начало, интеллигентность, интеллектуальность, чувство собственного достоинства,— получают более заострённое, нервно- напряжённое, внутренне конфликтное воплощение. Благородство, высокая духовность, увлечённость отличают портрет В. В.В. Беридзе. Глубочайшая сосредоточенность мысли — в лице академика Ш. Я. Амиранашвили (1976)...

 

Вот уже много десятилетий рассказывает художник о жизни правдиво, искренне, увлечённо. На его мольберте – начатые работы, всё новые и новые замыслы просятся на холст. Оставаясь всё таким же добрым, мягким, его искусство становится всё богаче, сложнее, напряжённее.

 

Н. Воронина

Журнал «Творчество» № 11 за 1981 г.

 

На аватаре: У. Джапаридзе «Автопортрет» карандаш, 1969 г.

 

Грузинский живописец и график, народный художник СССР Уча Малакиевич Джапаридзе
Грузинский живописец и график, народный художник СССР Уча Малакиевич Джапаридзе

 

 

Уча Джапаридзе. «Натюрморт с кувшином». 1982 г.
Уча Джапаридзе. «Натюрморт с кувшином». 1982 г.

Художник и поэт Владимир Абрамович Ковенацкий увеличить изображение
Художник и поэт Владимир Абрамович Ковенацкий

Художник и поэт Владимир Абрамович Ковенацкий

Умер Владимир Ковенацкий, художник редкого, необычайного таланта. Умер в 48 лет.

Он вспоминается ещё совсем юным — смуглый мальчик в очках, рисующий лиловых и малиновых коней. Он развивался быстро. Мы были свидетелями его подъёма -- уже в школьные и студенче-ские годы оформлял книги. Огромный темперамент захлёстывал его. Многочисленные графические серии поражают фантазией и причудливым юмором. Манера его резко и определенно графична: черное и белое, яркие контрасты, отсутствие полутонов. Он мастерски изображал любое движение человека или животного, знал костюм любой эпохи.

Он писал стихи и музыку к ним. Мы заслушивались его песнями... Казалось, такое начало приведёт к настоящему взлёту. Но над его жизнью словно тяготел рок. Последние годы художник был тяжело болен.

Необычайно трогательны его последние работы, в основном натюрморты. Словно прощаясь с миром, он не хотел жертвовать ни одной его деталью, ни одним оттенком.

Что же наиболее ценного в творчестве Ковенацкого — ранний романтический период или поздний — мучительно - реалистический? На это должна ответить выставка...

Его нет, а в памяти встает задумчивый юноша в очках, рисующий коня, лилового» как куст сирени, как закатное небо... А рисунок был… чёрно-белым.

 

Группа товарищей.

 

Газета «Московский художник» № 28 от 11 июля 1986 года

 

В. А. Ковенацкий
В. А. Ковенацкий

 

 

Реализм Бениамина Басова увеличить изображение
Реализм Бениамина Басова

Проблема реальности в искусстве является одной из основных проблем нашей художественной жизни. Многие художники 70-х — начала 80-х годов делают основой своего творчества жизненное правдоподобие, ищут решение художественных задач в максимальном приближении к натуре. В этой тенденции, достаточно сложной и противоречивой, главным декларируемым принципом выдвигается обращение к традициям, причём не только к традициям большого реалистического искусства, но и к традициям «салона» (интерес к которому вспыхнул в последние годы во всем мире) — хотя и рядившегося в реальные одежды, но по сути глубоко враждебного реализму.

Противоборство искусства жизненной правды — и искусства, скрывающего под внешним правдоподобием внутреннюю фальшь; - искусства образно значительного — и целиком исчерпывающегося сходством с натурой; искусства реальности чувств — и искусства реальности морщин и пуговиц — это противоборство, проходящее через всю историю художественной культуры XIX-XX веков, в наши дни особенно обострилось. Оно требует очень ясных принципиальных позиций и от художников, и от искусствоведов; делает разговор о реализме насущно необходимым.

Борьба в искусстве решается не теоретическими спорами, но практикой самого искусства. Творчество Бениамина Басова, представшее перед нами на недавно прошедшей выставке, — веский аргумент в пользу искусства настоящей жизненной правды, яркая демонстрация тех неиссякаемых сил, что таятся в подлинной реалистической традиции.

Вглядываясь в работы Басова, проникая в мир его образов, в художественный строй его графики и живописи, можно понять, что такое настоящая реальность в искусстве и как разительно отличается она от пассивного буквализма, весьма активно, впрочем, утверждающего себя на выставках.

Кое-кто и по сей день склонен упрощать смысл реализма, сводя его лишь к «похожести» и отказывая реальному искусству в праве на глубину, сложность, «подтекст». Между тем, первое отличие реализма от натурализма заключается в том, что если натурализм весь исчерпывается поверхностным слоем жизнеподобия, то у подлинного реализма под этим слоем таится глубина, подчас, ничуть не менее труднодоступная нежели сложность самого усложнённого искусства. Басова вовсе не так легко понять. Этот, казалось бы простой художник, совсем не прост. Подобрать «ключ» к его вещам, быть может, потруднее, нежели распутать какой-нибудь художественный «ребус».

Иллюстрация к повести Ф.М. Достоевского «Белые ночи»
Иллюстрация к повести Ф.М. Достоевского «Белые ночи»

С первого взгляда его творчество кажется предельно далёким от какой-либо затемнённости. Всё в нём читается ясно и свободно, будь то иллюстрации к «Бедным людям» и «Белым ночам» Достоевского, такие достоверные в изображении Петербурга с его дворцами и доходными домами, грязными лестницами и пустынным величием набережных; будь то сцены современной жизни в серии «Москва и Подмосковье» — точные и узнаваемые в своем «портретном» сходстве с действительностью. Кто не видел стариков, вяло сидящих на скамейках бульваров — точно таких, как «Пенсионер» Басова? Кто из людей, переживших войну, не помнит сцен, подобных тем, какие составляют сюжеты иллюстраций к «Судьбе человека» Шолохова, «Дому у дороги» Твардовского? Прощание, уход, бесконечные дороги, по которым бредут сорванные войной люди, рельсы и перроны полустанков…

Кто не встречал в жизни таких простых неприметных людей, как басовские Макар Девушкин и Варенька из «Бедных людей», доктор из «Палаты № 6»? Басов словно нарочно уходит от всего исключительного, экстраординарного. Он словно бы даже не выбирает— так обычны, скромны мотивы его живописных и графических пейзажей, так естественны сюжеты иллюстраций:  строго следующие за текстом сцены встреч Настеньки и Мечтателя в «Белых ночах»; многократно изображавшиеся и другими иллюстраторами «Бедных людей» похороны Покровского, сцена с шарманщиком. Не удивлюсь, если кто-то из посетителей выставки Басова воскликнет: «Да что ж такого в его творчестве? Я все это и сам знаю!»

Впрочем, вряд ли воскликнет. Уже при втором взгляде на работы Басова невольно ощущаешь: что-то тут не то; не та «узнаваемость», не та милая сердцу обывателя «похожесть», которая позволяла зрителю самодовольно ощущать себя вполне равным художнику. Прежде всего «не тот» художественный язык. В нём нет и следа мелочного перечисления, свойственного буквализму. Рисунок предельно точен, но это не точность ретушора, замусолившего картинку до полного сходства с фотографией, а точность мастера,  у которого каждая линия, каждое пятно попадают в цель, подчиняясь меткости глаза художника, силе его руки.

Сюжеты как будто случайны, а композиции продуманы, построены как архитектурное произведение, подчинены строгому ритму. Эта художественная построенность не только поднимает частный эпизод до картины большого образного обобщения, но и выявляет живую достоверность события, его подвижность, изменчивость. Фотографизм мёртв: пассивная фиксация натуры соотносится с реальностью не больше, чем восковая фигура с живым человеком. Жизнь может передать только искусство, способное отбирать и обобщать, переводить жизненные впечатления в художественное. 

Фронтиспис к повести Ф.М. Достоевского «Бедные люди»
Фронтиспис к повести Ф.М. Достоевского «Бедные люди»

Басов наделён этой художественной способностью в полной мере. Ничего случайного нет у него: тон, цвет, характер рисунка — всё раскрывает образный смысл глубоко, «изнутри», не прибегая к литературной описательности (без которой не живет натурализм), не нуждаясь ни в какой аффектации. Его работы, в особенности последних лет, не содержат не только аффектации, но избегают вообще всякой экспрессии, всякого внешнего обострения. Даже война предстаёт у него без всяких внешних аксессуаров трагедии вроде руин, сцен отчаяния или героического подъёма. Ничего нет труднее простоты в искусстве! Передать войну с помощью чёрных остовов домов, исступленных жестов и т. п. легче, нежели показать её только в настроении: в движении торопливо уходящих на восток солдат, потерянных среди просторов насторожившейся, затихшей как перед бурей русской природы; в жёстком ритме рельсов, перечертивших всё пространство ил-люстрации к «Судьбе человека» — и всю жизнь людей, — жены и детей солдата, чьи лица словно отодвигаются, отходят за край листа, как отодвигаются они в окне отъезжающего поезда.

Можно показать философскую сложность Достоевского с помощью усложнения искусства: смещений, метафор, символов. Но у Достоевского сложность извлечена из реальной будничной прозы, «пошлости», как называл писатель эту конкретную, до деталей достоверную подлинность изображённой им жизни. У Басова в его иллюстрациях трагедия создаётся не необыденными контрастами, а обыденной простотой, страшной своим бездушием, холодом по линейке расчерченных дворцов, серостью обезличенной и обесцененной человеческой личности.

Ощущение каждого, самого скромного «маленького» человека как личности, — и чувство беззащитности его перед лицом судьбы, одиночества в толпе людей — эта тема всей русской литературы, начиная с Пушкина и Гоголя, проходит через все иллюстрации Басова: от рисунка к «Смерти Ивана Ильича» Толстого, к темам литературы о войне и далее — к работе над произведениями Достоевского, затем Чехова, достигнув в «Палате № 6» быть может самого обнажённого звучания.

Иллюстрация к рассказу А.П. Чехова «Палата №6»
Иллюстрация к рассказу А.П. Чехова «Палата №6»

Несовместимость мира сумасшедшего дома с человеческим достоинством, с тем неповторимым «я», что заключено в каждом, передана с особенной силой, и как всегда у Басова, с предельной простотой. Не сразу поймёшь, почему так тоскливо, холодно становится на душе, при взгляде на обмякшую, опустившуюся фигуру доктора, почему так несомненна обречённость этого человека? Серая, грязная, словно смазанная фактура рисунка в сочетании с холодной чёткостью прямоугольников окон, коек, стен, повторяющих ритм тюремной решётки, создают очень точное эмоциональное настроение «окаянного» мира чеховского рассказа. И в этот убогий, но казарменно-самоуверенный мир вторгнут живой человек, удивительно знакомый каждому из нас — контраст, на котором строит Басов всю серию, добиваясь очень напряжённого звучания, раскрывая не сюжет повести, но глубокие пласты и «подтексты» образности Чехова.

Сложные философские идеи великой русской литературы Басов передает художественными средствами, используя всю силу своего свободного зрелого мастерства.

Из техники чёрной акварели, напряжённого столкновения чёрного и белого вырастает образ иллюстрации к «Смерти Ивана Ильича»: обрисованный плотной заливкой фона белый силуэт измождённого лица, жалкой вытянувшейся шеи, смятой подушки — и чёрный провал, куда устремлены глаза умирающего — зрительное воплощение толстовской мысли о никчемности человеческой суеты перед «чёрной дырой» смерти.

Басов художник глубоко русский. Россия зримо предстала на его выставке: её история не лубочный «стиль Рюсс», но трагическая правда русской жизни, увиденная сквозь творчество Толстого и Чехова. Предстала современность, столь излюбленная художниками «средняя полоса». Басову чужд снобизм, с которым иные пейзажисты, живописуя идиллию природы, отбрасывают всё, что в неё вторгается — всю ту  «технизацию», что внёс в жизнь не только городов, но и сёл XX век. Ритмы современной жизни создали свой пейзаж, отнюдь не идиллический — с железнодорожными складами, блочными домами окраин, сутолокой заводских строений...

У Басова жизнь предстаёт какая она есть: сложная, ничем не приукрашенная, часто буднично-прозаическая Он не спешит брезгливо отворачиваться от «засилия технизации»; не склонен он и её эстетизировать. Он берёт современность в её реальной правде,   заставляя думать и о неизбежности перемен, и о том, как подчас они трудны для человека... Россия Басова — это Россия тех, кто живет в таких вот стандартных домах, толпится на этих полустанках, день за днём пробегает по улицам, подчиняясь стандартам и ритмам современной жизни. Эту, часто совсем не романтическую действительность, этих очень обыкновенных людей художник показывает просто и серьёзно, иногда с грустью, всегда — с острой любовью и жалостью.

Художники 80-х годов ищут реальности. Что ж, очень хорошо. Только пусть уж это будет, действительно, реальность: не музейные подделки, не слащавое «ретро», не натурализм, прикрывающий правдоподобием волосков в бороде полное отсутствие образного смысла. Пусть это будет настоящий реализм — суровая и откровенная правда, искусство высокой художественной силы, какой всегда владели лучшие наши художники. Какой владеет Бениамин Басов.

 

М. ЧЕГОДАЕВА

 

Газета «Московский художник» № 23 от 4 июня 1982 г.

 

На аватаре: Б.М. Басов

Мастер акварели и офорта увеличить изображение
Мастер акварели и офорта

С именем Евгения Сергеевича Тейса (1900-1981) неразрывно связано представление об офортной Студии имени И. И. Нивинского. Он всегда радушно встречал посетителей и с неизменным воодушевлением показывал последние работы своих учеников. Студия жила напряжённой творческой жизнью — те, кто посещал её, всегда рисовали натуру, писали на пленере, совершали поездки по древнерусским городам, устраивали отчётные выставки и их обсуждения. И всегда и везде присутствовало требовательное и доброжелательное наблюдение Е. Тейса. Он и студия слились в одно, и разделить их казалось невозможным, так же как невозможно было представить себе Е. Тейса вне увлечённости и поглощённости искусством. 

Вся его жизнь прошла в атмосфере искусства. В пять лет он начал рисовать под руководством отца, в 11 лет посещал воскресные классы рисунка и акварели (тогда же начал заниматься фортепиано и скрипкой), с 1913 года он посещал Боголюбовское рисовальное училище (г. Саратов), а в 1916 г. — художественную школу О. И. Шлефлинга (г. Тифлис). По её окончании он становится декоратором в Тифлисском оперном театре. В 1921— 1929 годах Е. С. Тейс — студент Вхутемаса на графическом факультете (на живописный попасть не удалось). Он занимался у В. А. Фаворского, И. И. Нивинского, Н. Н. Купреянова, П. Я. Павлинова, Н. И. Пискарева, а с 1923 г. у П. В. Митурича, который оказал определяющее воздействие на формирование его творчества.

Тейс так сформулировал свои взгляды: «Путь познания искусства у меня протекал длительно, поэтапно, с отклонениями, поисками и неувязками теории с практикой. У меня не было готовой ясности в основных вопросах. Я искал, срывался и не ухватывал самого главного. Понимал, что, не освоив один этап, нельзя перейти к другому, хотя бы теория и тянула дальше. Момент единовременного видения — ведущий стержень, от которого нельзя уходить и допускать компромиссы.

Я чувствовал, что момент цельновидения органически нужен для гармонии. Задача заключалась в том, как настроить зрение и волю, чтобы донести до материала образ, увиденный по-новому, как выразить его сильно, страстно, динамично.

Видя в целом, необходимо делать частями, связывая предыдущее с последующим. Один из этапов, на который я отдал много времени, была цветовая взаимозависимая связь: модуляция переходов, стыки и контрасты, пространственное цветовое движение, живописные элементы, из которых связывается, синтезируется, форма, организующая образ.

Независимо от живописного красочного изображения или одноцветного рисуночного (белая поверхность бумаги — тоже цвет, и любой штрих на ней есть организация), в пространственном решении композиции ни предмет, ни центр, а возникшие созвучия, дают художнику возможность дирижировать всем оркестром. Только в познании организации сочетательности открылась для меня тайна сотворения живого, органичного, стало ясно проникновенное, т. е. то, отчего светятся звуки скрипки Я. Хейфица, голоса Н. Обуховой и звучит каждый мазок в общей гармонии живописи В. Хлебниковой. И для меня не стало другой возможности выражения своего творческого дыхания».

Однако художник отдал свою жизнь не живописи, а офорту. Со вхутеиновских времён, с момента знакомства с И.И. Нивинским, Тейс становится страстным пропагандистом офорта. Сложность технологии часто отпугивает художников от офорта. Е.С. Тейс, прирожденный экспериментатор, сумел найти несколько совершенно новых способов для работы с металлической доской, что упростило технологию и сохранило диапазон творческих возможностей. Ученики Евгения Сергеевича широко применяют его находки, и на всех современных выставках можно видеть множество работ, сделанных способом «прямого перевода», «позитивной акватинты», «белого лака». Особенным успехом в последнее время у художников-офортистов пользуется автолитографский способ гравюры на цинке, который даёт возможность обойтись без труднодоступных литографских камней.

Систематически занимаясь педагогической деятельностью в Московском архитектурном училище и Студии имени И. И. Нивинского, Тейс всё время находился среди молодёжи. Его богатый опыт и творческий метод, основанный на принципах цельновидения, вовлекал художников в самые недра профессионального мастерства. Сам же Евгений Сергеевич воспринимал от молодёжи вечный «заряд» юности, неисчерпаемый интерес к новому. В свои восемьдесят лет художник, умудрённый опытом, продолжал творческие поиски, находя новые решения.

Под руководством Е.С. Тейса были созданы мастерские на творческой даче Союза художников РСФСР в Челюскинской, и он стал там одним из первых руководителей. За тридцать лет существовав Челюскинской через её мастерские прошло несколько поколений художников. Именно здесь были заложены основы того подъёма графического искусства, свидетелями которого мы были.

Персональная выставка произведений Е.С. Тейса в 1981 году раскрыла весь творческий путь художника. Здесь было выставлено более 130 акварелей, офортов и живописных полотен, которые произвели сильное впечатление на посетителей своей внутренней насыщенностью чувств и ощущений. В вечере памяти Е.С. Тейса приняли участие его ученики и последователи. В выступлениях И. Голицына, М. Митурича, М. Трусовой, С. Витухновской, В. Визиной звучала глубокая  благодарность учителю за грандиозный творческий «заряд», который художники получили от него на всю жизнь и искреннее восхищение работами Е.С. Тейса, который в жизни был всегда заботливым отцом, а здесь «открылся» большим мастером акварели, живописи и офорта.

 

К. Безменова

 

Газета «Московский художник» от 4 июня 1982 г.

 

Е.С. Тейс «Автопортрет» литография на цинке
Е.С. Тейс «Автопортрет» литография на цинке

 

На аватаре: Е.С. Тейс «Автопортрет» Холст, масло

ХУДОЖНИК-ПЕДАГОГ увеличить изображение
ХУДОЖНИК-ПЕДАГОГ

Исполнилось 85 лет со дня рождения Николая Павловича Христенко, живописца, члена МОСХа со дня его основания.

В 30-х годах Христенко много ездил по стране, писал, рисовал на стройках, в колхозах. Был участником больших всесоюзных тематических выставок «XX лет РККА», «Индустрия социализма», где экспонировались его картины: «Серго Орджоникидзе среди партизан Кавказа», «Осоавиахимовцы в Дагестане», «Учительница-кумычка», «Ударник Сталинградского тракторного завода», «Свадьба в Дагестане» (экспонировалась тогда на выставке в Германии), «К. Е. Ворошилов и С. М. Буденный на охоте». Художник создал галерею живописных портретов маслом, написанных широко, сочно и точно передающих индивидуальность, психологию портретируемых. Это люди разных возрастов и профессий: маршал К. Е. Ворошилов, академик-металлург Павлов, лётчик — Герой Советского Союза, челюскинец Леваневский, художники Сварог и Василий Мешков, историк Щекотов, военврач С. Новосартов, доктор технических наук, профессор П. Безсонов.

Первая выставка, где Христенко представил свои работы, была в Казани в 1922 году, а затем в Москве в 1925 году он экспонировал свои произведения на выставке «Революция, жизнь и труд».

В период с 1921 по 1931 гг. под руководством М. Грекова проводилась работа по сбору материала, делались эскизы к созданию панорамы «Штурм Перекопа». Центральное тридцатиметровое сферическое полотно этой панорамы «Штурм Турецкого вала», состоящей из нескольких панно, было написано в соавторстве с Г. Савицким, В. Ефановым, оно экспонировалось перед войной в  Музее изобразительных искусств им. Пушкина, а в первый год войны панорама была уничтожена немецко-фашистскими войсками в г. Симферополе.

Н. Христенко — участник обороны Москвы. В 1941 году во главе бригады художников, куда входил П. Мальков и другие, Н. Христенко выезжал на фронт под Истру, делал зарисовки, по которым вскоре написал картины - «Комиссар ведёт в бой», «Фашисты уходят», «Атака партизан». Эти картины художника находятся в собрании Государственного музея Революции СССР, экспонировались вместе с его плакатами того времени на выставке «40 лет Победы под Москвой».

Христенко старейший педагог, профессор, в течение 35 лет учивший рисунку и живописи несколько поколений студентов в московских Вузах. В педагогическом институте он был заведующим кафедрой живописи, в институте им. Сурикова и МВХПУ он и сейчас преподает рисунок. Николай Павлович хороший методист, доброжелательный, демократичный, но строгий по отношению к студентам, последовательно проводящий систему Д. Кардовского, с которым он был в дружбе.

 

В. ЛОГИНОВ профессор МВХПУ.

 

Газета «Московский художник» от 4 июня 1982 г.

Заметка о художнике Владимире Гремитских в газете «Вечерняя Москва»  увеличить изображение
Заметка о художнике Владимире Гремитских в газете «Вечерняя Москва»

Сорокалетие Великой Победы... Славной дате в жизни нашего народа посвящают свои новые произведения живописи, скульптуры, графики советские художники. Многие из них прошли фронтовыми дорогами.

Военный 1941 год стал годом зрелости и для выпускника Художественного института имени В. И. Сурикова Владимира Гремитских. Дипломник этого высшего учебного заведения по мастерской С. В. Герасимова, он вместе со своими товарищами пошёл добровольцем на фронт, сражался в ополчении, рядовым воевал под Москвой.

Вернувшись в родной институт, защитил диплом с отличием, представив картину «Ополченцы», в которую вложил многое из пережитого.

С тех пор военная тема стала постоянной в его творчестве. В. Гремитских пишет портреты советских военачальников, композиционные картины.

 

НА СНИМКЕ:     В. ГРЕМИТСКИХ в своей мастерской.

Фото Р. ФЕДОРОВ

 

«Вечерняя Москва» 12 сентября 1984 года

 

В.Г. Гремитских «Портрет маршала С.Ф. Ахромеева»  1985 год. Холст, масло. 97х73
В.Г. Гремитских «Портрет маршала С.Ф. Ахромеева» 1985 год. Холст, масло. 97х73

Раздел "За рубежом" в журнале "Творчество" за ноябрь 1981 года увеличить изображение
Раздел "За рубежом" в журнале "Творчество" за ноябрь 1981 года

Журнал «Творчество» издавался Союзом художников СССР и выходил раз в месяц с 1957 по 1992 год. Печатался он в издательстве «Советский художник» тиражом в 22000 экземпляров и был посвящён вопросам критики и теории изобразительного искусства.

Главным редактором журнала в течение двадцати лет – с 1965 по 1985 год был известнейший в советское время искусствовед, журналист, художник и писатель Юрий Иванович Нехорошев, перу которого принадлежит более 400 статей и множество книг о русских и советских художниках. За одну из таких статей о творчестве небезызвестного художника А. Шилова Ю.И. Нехорошев в конце концов и был уволен с должности главного редактора журнала «Творчество» по инициативе Отдела культуры ЦК КПСС, которых и до этого постоянно критиковал Ю.И. Нехорошева за «отклонения от линии социалистического реализма».

 

В редакционную коллегию журнала помимо Ю.И. Нехорошева входили такие известные деятели советского изобразительного искусства как художники Дмитрий Жилинский, Иззат Клычев, Пётр Оссовский, Таир Салахов, скульптор Владимир Цигаль и др.

 

Раздел «За рубежом» помещался на последней странице журнала и состоял из единственной рубрики «Немного о разном». Интересно посмотреть, что же печаталось в этой рубрике в ноябрьском номере журнала «Творчество» в 1981 году, т.е. ровно за год до смерти Л.И. Брежнева.

Итак:

 

ГДР

 

Дух солидарности

«Оружие в руках рабочих — Испания 1936—1939» — так называлась выставка в гравюрном кабинете Музея вооруженных сил в Дрездене, посвящённая теме борьбы интернациональных бригад против фашизма в Испании. В экспозиции — произведения художников ГДР: Л. Грундиг «Пушки на Мадрид», литография «Пасеремос» Франка Руддигкайте, серия литографий «Салют, камарадос!» Гюнтера Нейберта, работы X. Сакуловски, цикл рисунков «Испания 1936» П. М. Шмидта. Выставка проникнута духом ненависти к фашизму, идеей международной солидарности.

Работы Тео Бальдена

На выставке работ известного скульптора Тео Бальдена в Старом музее в Берлине показаны произведения пластики, рисунки, печатная графика, созданные за последние двадцать лет. Как пишет рецензент газеты «Нейес Дейчланд», одна из движущих сил творчества художника — мобилизация по¬этического сознания людей.

Тео Бальдену сейчас 77 лет. Он работа¬ет с неослабевающей энергией. Произведения мастера пронизаны внутренним напряжением — например, «Метаморфозы» (1980), «Парафразы рабов Микеланджело» (1981). В последней работе выражена идея борьбы человека против угнетения, актуальная сегодня, как и во времена Микеланджело.

 

Румыния

 

Работы К. Баба в Дрездене

В Альбертине в Дрездене состоялась большая выставка работ ведущего румынского живописца Корнелиу Баба. Было показано свыше двухсот картин маслом, акварелей, гуашей. рисунков. Творчество Баба хорошо знают и любят в ГДР. Недавно в немецком из¬дательстве вышла в свет монография, посвящённая его творчеству.

Полотна Корнелиу Баба отличаются одухотворённостью образов, значительностью трактовки простых жизненных явлений. В портретах художник проникает в самую глубину души человека, стремясь к постижению его внутреннего мира. На выставке представлен цикл автопортретов — от раннего. написанного в 1942 году — до самого недавнего (1981 год), изображающего художника в его ателье.

 

США

 

В Музее современного искусства города Сен-Луи открылась выставка последних работ Роя Лихтенштейна — одного из представителей  американского поп-арта. Лихтенштейн использует стиль, выработанный американскими комиксами: он стилизует изображение под типографскую печать, заполняя плоскости отдельными точками. Тема выставленных картин — пародии на различные известные произведения западной живописи XX века, точнее на их репродукции. В упрощённой псевдотипографской манере он исполняет картины «Красные рыбы» и «Красная мастерская» Матисса, «копирует» Грисса, Кзрра. изображает «Лежащую обнажённую»-карикатуру на сюрреалистический кич. В отличие от большинства поп-артистов, Лихтенштейн остался в стороне от влияния сюрреализма и едко высмеивает его. Для того чтобы понять вещи Лихтенштейна, надо быть эрудитом, хорошо представлять себе те произведения, которые он пародирует.

Модернистское искусство, завоёвывающее себе колоссальные аудитории благодаря средствам массовой коммуникации – фотографиям, репродукциям, открыткам, плакатам, - создаёт мир тиражируемой продукции, окружающей западного обывателя  со всех сторон. Механическим образом сделанные копии отделяются от оригиналов и начинают вести собственную жизнь, обладая уже иными, нежели оригиналы, качествами — упрощенностью, доступностью, фрагментарностью. Это новое тиражируемое искусство — характерная принадлежность массовой культуры — встречает ныне критику и неприятие со стороны некоторых художников.

 

ФРГ

 

Выставка в Дуйсбурге была посвящена теме «Клоун в искусстве», привлекающей художников разных стран на протяжении столетий. Экспонировались произведения немецких мастеров от Дюрера до Дикса, от Шпицвега до Бекмана; французских — от Ватто до Пикассо. В образах цирка- чей, акробатов, клоунов, шутов художники порою раскрывают свои мысли о судьбе искусства в обществе. Особенно популярной стала эта тема в нашем веке. На выставке показаны работы бельгийских и немецких экспрессионистов; многие из них полны зловещих предчувствий, ощущения таинственности, например, картина К. Хо фера «Арлекин, манекен и скелет». В работах Пикассо, таких как «Семья комедиантов», жизнь циркачей дана в лирическом, поэтическом плане. Французский примитивист К. Бомбуа в своих работах обращается к фольклору.

«Бросающие вызов»

Так называлась широко рекламируемая прессой огромная авангардистская выставка в Кёльне. Собрано восемьсот работ из разных стран, различных видов и жанров, которые на протяжении последних четырех десятилетий шокировали публику. Так, К. Андре из Соединенных Штатов Америки в 1969 году сделал площадку, одиннадцати метров в длину и ширину, выложенную в шахматном порядке квадратиками из шести различных металлов. Посетители могли ходить по «экспонату». Итальянец Лючио Фонтана в 1960 году показал картину, плоскость холста которой разре¬зана ножом. Француз Ив Клейн «стрелял» в изображение обнажённой женщины краской из специального шприца. Образец ташизма — полотно Поллока 1949 года — «Плетение», где главную роль играют свободно растекшиеся пятна краски. «Классикой» поп-арта стало воспроизведение консервной банки «Суп Кэмпбелл», которое впервые показал в 1964 году американец Энди Уорхол. Француз Арман передал ощущение разрушения мира, выставив в 1960 году своего рода коллаж, материалом которого служило содержимое мусорного бака. Все эти, показанные в Кёльне «творения», напоминают об узловых моментах развития авангардизма, являются зримым свидетельством пути в «никуда», которым идёт современное буржуазное искусство.

В стиле комикса

В Кёльне показаны картины известного бельгийского сюрреалиста Рене Магритта, чьи ретроспективные выставки состоялись недавно в нескольких больших городах Европы. Представлены главным образом работы Магритта первых послевоенных лет. Многие из них сделаны в нарочито пародийной манере. В творчестве Магритта этого периода отчётливо звучит полемика с французским искусством начала века, особенно с фовизмом. Он называет свой стиль – стилем «коров», намекая на то, что фовистов сравнивали со зверями. Магритт создаёт перепевы распространённых сюжетов (обнажённая купальщица, примитивно нарисованный «Психолог» с розой в руках). В последние годы характерной чертой западного искусства становится самопародирование: интерес привлекают работы,  в которых не заявляются новые «измы», а критически пересматривается достигнутое.  

 

 

МАСИ — Академия Нового Времени увеличить изображение
МАСИ — Академия Нового Времени

Искусство — это важнейшая и серьёзнейшая область жизни, высокая миссия человеческой культуры. В сознании людей оно занимает такое же почётное место, как наука. Говоря коротко, оно приравнивается к высшим духовным интересам человечества.

Т. Манн

Искусство есть одно из средств единения людей.

Л. Толстой

 

Опираясь на традиции и следуя тенденциям времени, Международная Академия современных искусств уже 10 лет ведет свою просветительскую деятельность. За это время под крылом Академии выросли крупнейшие международные проекты в области архитектуры и строительства, искусства и экспертной оценки произведений, конкурсных программ, музейной практики и работы с богатой экспозицией предметов современного искусства.

 

Обладая всеми необходимыми средствами, подобно академиям Раннего Возрождения, МАСИ в первую очередь прививает стремление к художественному образованию и любовь к искусству, занимается интеллектуальным и эстетическим развитием общества, совершенствует теории и практики художественного мастерства.

 

В 2011 году МАСИ и Союз архитекторов России выступили учредителями международной премии в области архитектуры “ЭЛИТАРХ”, объединяющей выдающихся российских и зарубежных деятелей архитектурно-строительного комплекса. Под руководством Академии в 2013 году впервые в России издано уникальное справочное издание Энциклопедия «Элита архитектуры и строительства XVIII-XXI столетий», не имеющее аналогов в мире.

 

В 2015 году МАСИ при поддержке Профессионального Союза художников России и Московской организации Союза писателей России стала организатором международного конкурса “ИСКУССТВО. СОВЕРШЕНСТВО. ПРИЗНАНИЕ“ (Art.Excellence.Awards). Соединив в широком списке своих номинаций множество течений в искусстве, литературе, музыке, конкурс дает шанс полноценно раскрыться любому таланту.

 

В 2018 году Академия открыла негосударственное учреждение культуры Московской области «Дом-музей Седнина Николая Николаевича». Общая экспозиция музея насчитывает более 1000 авторских произведений живописи, фотоискусства, графики и скульптуры и регулярно пополняется. Музей вошёл в каталог Ассоциации частных музеев России и был представлен на первой в России выставке при поддержке правительства РФ “Частные музеи России. Самородки России“. Музей встречает всех желающих посетителей экскурсиями и становится местом проведения мастер-классов живописи от известных художников, выставок, музыкальных и поэтических выступлений.

 

Почти так же как в «век Разума и Просвещения» появилась на свет Французская академия в Париже, проект Международной Академии современных искусств родился в 2010 году в Москве и сразу получил одобрение Министерства культуры РФ и Департамента культуры города Москвы. Был разработан устав, который регламентирует состав, порядок выборов членов и все аспекты деятельности Академии, и сформирован Президиум, отвечающий за соблюдение Академией уставных целей и организацию её деятельности. С появлением Попечительского совета, отвечающего за претворение в жизнь перспективных программ и совершенствование материально-технической базы проектов, в полной мере реализовалась одна из главных идей создания Академии – стать авторитетом для общества и профессиональной среды.

Как и Академия «бессмертных» во Франции, МАСИ родилась из сообщества выдающихся деятелей своего времени, объединенных общими взглядами и стремлениями к процветанию искусства в государстве и мире.

Однако, чтобы Академия не превратилась в круг избранных лиц и им приятных персон, важнейшим принципом стала выборность состава организации. Это деятели культуры и искусства, обладающие огромным авторитетом в своей области. Их труды обогатили современную эпоху, на них равняются, их принимают за эталон. Кроме того для Академии была выстроена особая структура с прозрачной схемой работы, которая специально создавалась для роста и развития её членов. Впервые порядок присуждения наград, званий и дипломов Академии проводится на открытой конкурсной основе, где нет места бюрократии и личным связям. Для поддержки молодых талантов и формирования будущих творческих кадров наряду с классическими званиями академиков, членов-корреспондентов и почётных членов предусмотрено звание ассоциированных членов: тех, кто в силу своего юного возраста или формирующихся художественных навыков смог стать только дипломантом конкурса. Это открывает широкие возможности для самореализации, творческого самовыражения и самосовершенствования.

Исторически важным в развитии искусства стал процесс объединения различных его направлений и обмен культурным опытом. Так, в XVI веке Флорентийская Академия изящных искусств объединила под своими сводами живопись, скульптуру и музыку, а в XVIII веке ей подчинились все художественные школы Флоренции. Позже её примеру последовала Французская Академия изящных искусств.

В эпоху глобализации Академия уже не несёт привычной педагогической функции, которая с успехом реализуется в образовательных учреждениях. Важнейшей идеей становится объединение различных течений в современном искусстве, обобщение мирового художественного наследия и формирование крепких общественных и межгосударственных культурных связей.

На сегодняшний день МАСИ объединяет практически все направления современного изобразительного искусства, различные области литературы и музыки. Особым объектом внимания Академии становится теория фундаментальных и прикладных художественных наук, а большая часть ресурсов МАСИ направлена на поддержку и развитие российских и международных проектов в области визуального искусства, архитектуры, литературы и музыки. За годы своего существования МАСИ стала крупной общественной организацией, идейно сплотившей деятелей культуры и искусства из России и 25-ти государств, и на данный момент имеет 8 представительств по всему миру.

 

Деятельность МАСИ – это воплощение выдающихся организаторских способностей членов Академии и их невероятного желания служить на благо искусства. С 2010 года премия “ЭЛИТАРХ” удостоила званиями более 100 лучших архитекторов России и Европы. За 8 сезонов конкурса искусств лауреаты завоевали свыше трёхсот наград в различных конкурсных номинациях.

За 10 лет плодотворной работы Академия стала участником и организатором порядка 50-ти крупных мероприятий всероссийского и международного масштаба, цель которых - поддержка и объединение всех существующих направлений в искусстве.

В условиях современности роль Академии фундаментальна. Это формирование эстетических воззрений эпохи, критериев и норм художественного самовыражения, развитие чистого искусства и просветительская деятельность. Быть принятым в Академию – означает получить признание равных. Это великая честь и великая возможность писать историю мирового искусства.  

 

Ольга Веретина

 

На аватаре: VIII-ая церемония награждения лауреатов конкурса «Искусство. Совершенство. Признание»

Дача "Саламбо" в Гурзуфе – место для души и творчества Константина Коровина увеличить изображение
Дача "Саламбо" в Гурзуфе – место для души и творчества Константина Коровина

 

           Участок земли для дачи в Гурзуфе Константин Коровин купил благодаря своему другу юности Антону Павловичу Чехову. Дача была необходима художнику помимо всего прочего ещё и в качестве мастерской. Для её содержания неподалёку он построил доходный дом. Все комнаты, с полным пансионом, Коровин сдавал по 65 рублей каждая. Назвал он свою новую дачу красиво - «Саламбо», с ударением на последний слог. Название «Саламбо» произошло от романа Густава Флобера о страстях Карфагена и от названия знаменитого балета в Большом театре, к которому Коровин написал декорации. Впоследствии мастерская преобразилась и превратилась в виллу с четырнадцатью комнатами, обставленной мебелью из тёмно-красного дерева и стенами из благородной тёмной древесины.

           Из Петербурга Коровин привёз большую коллекцию различных кувшинов и ваз, ведь художнику было очень важно достичь тонкого сочетания букета цветов для натюрморта со структурой сосуда. Каждый из написанных им многочисленных букетов роз Коровин составлял лично, уделяя внимание каждому бутону и каждому лепестку.

           На балконе своей гурзуфской мастерской Коровин создал такие знаменитые работы, как например «Балкон в Крыму», «Вечер. Интерьер.»

Площадка с молодыми кипарисами и цветниками из кустистых роз вокруг дома выходила на море и бухту Чехова. Солнце там палило нещадно, и при жизни К. Коровина эту площадку в шутку именовали «Сковородкой».

           Частыми гостями первого русского импрессиониста были такие художники, как Илья Репин и Василий Суриков, писатели Алексей Пешков, известный всем под псевдонимом Максим Горький, Александр Куприн, Дмитрий Мамин-Сибиряк и, конечно же, знаменитый на весь мир оперный певец Фёдор Шаляпин. Дружба с которым у Коровина продлилась сорок с лишним лет. Именно портрет Ф.И. Шаляпина в 1911 году Коровин написал на своей гурзуфской даче. Возможно, как старые приятели они решили, что Шаляпин будет изображён в чёрных носках, что совершенно не сочеталось с белым костюмом Фёдора Ивановича и смотрелось в то время, как некий моветон.

           Отрезок времени пребывания К. Коровина в Гурзуфе на «Саламбо» был относительно недолгим с 1910-1917 год, но именно в её стенах и в её атмосфере, Константин Алексеевич Коровин написал такие знаменитые вещи, как «Розы», «Натюрморт. Розы", «Розы и яблоки», «Базар цветов в Гурзуфе", «Рыбачья бухта», «Гурзуф вечером» и многие другие свои шедевры. Именно среди крымской южной природы у Коровина появился особый интерес к натюрморту, жанр которого он ранее недооценивал.

           Уже в советское время дача была базой отдыха и в послевоенные годы стала домом творчества Художественного фонда СССР. С 1947 года там круглый год работали творческие группы советских художников, так что коровинская дача в Гурзуфе до сих пор используется по своему первоначальному предназначению – для отдыха и художественного творчества.

 

Рената Ваганова

 

На аватаре:  Константин Коровин "Балкон в Крыму" 1910 год

Неизвестная жизнь Митрофана Грекова увеличить изображение
Неизвестная жизнь Митрофана Грекова

Какая правда известна нам об основателе  советской батальной школы живописи Митрофане Борисовиче Грекове? Его годы жизни 1882 – 1934. В Одессе и Ростове  его именем названы художественные училища. Он - создатель первой советской диорамы «Взятие Ростова». Его знаменитая картина «Тачанка»  – символ Гражданской войны. Наверное, только это и достоверно.

 

 Детство и юность

 

 К сожалению, в Википедии  и в многочисленных монографиях, посвящённых Митрофану Борисовичу, ошибки переходят одна в другую. Мало кто брался ознакомиться с воспоминаниями художника, чтобы узнать правду. Точны только место и дата рождения: 1882 год, станица Шарпаевка, в которой жил отец будущего художника, дворянин, казачий офицер Борис Иванович Греков. Он был сыном генерала, образованным человеком. Ещё при императоре Николае I под командованием  атамана графа М.И. Платова предки Б.И. Грекова сражались за Россию, затем занимались коннозаводством. В этот период они обустроили шлях, который существует до наших дней и так и называется - Грековский шлях. После ухода в отставку Борис Иванович сдавал внаём землю. Он был женат на казачке Адамовой, которая, родив двух

Семья Грековых
Семья Грековых

детей, умерла. После её смерти в дом вошла, ища защиты от мужа, Ирина Алексеевна Мартыщенко из иногородних, украинка из не казачьего рода, которая была на 15 лет моложе генерала. За ней явился муж, за которого молодую девушку выдали замуж насильно, и потребовал от барина вернуть жену. Но она осталась в доме хозяина и стала нянькой для его осиротевших детей. Позже они полюбили друг друга, и у них родилось четверо детей. Семья Бориса Ивановича была против их брака. Кроме того, за связь с крестьянкой Грекова лишили дворянства. А детям не позволили взять фамилию отца. Так появился Митрофан Мартыщенко. Отчество будущему художнику дали Павлович, по имени крёстного. Родня потребовала, чтобы Б.И. Греков поехал свататься к достойной невесте. Пока он ездил, его гражданскую жену выселили вместе с детьми из дома, и она сняла себе жильё на окраине станицы. Только после смерти её законного мужа в 1911 году паре удалось обвенчаться, а детям получить фамилию Греков и отчество по их фактическому отцу. На тот момент Митрофану Борисовичу Грекову было уже 29 лет.

 

 Город у моря

 

 В 17 лет тогда ещё Митрофан Мартыщенко поехал в Одессу поступать в художественное училище. Рисовал он постоянно и не мог жить иначе, хотя родные не были рады этому увлечению. Как ни странно, его приняли. Дело в том, что для поступление в училище непременно требовалось знание французского языка, которого молодой человек из казачьей станицы, естественно, не знал. Татьяна, племянница художника, в книге «Певец подвига», изданной в 1973 году, в этой связи описывает следующий случай: к Митрофану подошёл юный щёголь и с сочувствием сказал: «Значит, надо домой? Очень жаль. А я – Бурлюк. Вы читали мои стихи? Меня берут во 2-й класс». Но неожиданным образом работы Мартыщенко заинтересовали старшего преподавателя, знаменитого Кириака Константиновича Костанди,

Кириак Константинович Костанди
Кириак Константинович Костанди

вероятно вспомнившего свою голодную юность и поддержку Айвазовского. Так молодого человека приняли во второй класс Одесского художественного училища имени Великого князя Владимира Александровича, которое в дальнейшем назовут его именем. В автобиографии Греков впоследствии расскажет, что ему дали стипендию, постепенно стал улучшаться рисунок, но живопись тела  не хотела даваться. Выручали анималистика и пейзажи. В 1903 году Митрофан Мартыщенко получил рекомендацию от училища в Академию художеств, что означало поступление туда без сдачи экзаменов. В период учёбы в Одесском художественном училище близкими друзьями М. Грекова были Д. Бурлюк,  Исаак Бродский, Лейба Орлад, Дмитрий Лосевский. Все они, за исключением Давида Бурлюка, вместе учились и в Академии художеств.

Одесское художественное училище
Одесское художественное училище

В первые годы обучения в Академии молодой художник увлёкся идеологией «Мира искусства», а к концу курса его уже больше всего привлекали И. Репин и М. Врубель. Поэтому по окончании обязательных классов он в Академии поступил в мастерскую профессора-руководителя Ильи Ефимовича Репина. Что именно рисовал тогда Греков, неизвестно. Из работ этого периода остались только портрет коня художника по кличке Русак и 2 учебных рисунка, которые находятся  в фондах музея-квартиры И. Бродского в Петербурге.

 

 В северной столице

 

 У И.Е. Репина молодой художник получил за полтора года учёбы хорошее образование. За «Охоту на лисицу» на академическом конкурсе эскизов он получил Первую премию плюс весьма существенное по тем временам денежную премию  – 100 рублей. Хорошее подспорье начинающему художнику. В 1906 году картина М. Грекова «Охотники» получила Третью премию, и, как одну из лучших студенческих работ, её взяли в музей Академии.

После полутора лет обучения, поскольку И.Е. Репин перестал преподавать в Академии, Греков решил перейти к Францу Рубо, чтобы научиться писать огромные полотна, показывать движение и действие. Митрофан Греков, напомним, тогда ещё Мартыщенко, получает академическую стипендию и с 1907 года, ещё будучи студентом, начинает участвовать в выставках. Он получает две премии им. Куинджи, участвует в международной художественной выставкев Мюнхене картиной «На Выборгской стороне», а ещё одну его картину покупает в это же время Лондонский городской музей.

В 1906 году, в годы обучения в Академии,  Митрофан Борисович знакомится с Антониной Леонидовной Малеевой.

Будущая жена художника родилась в 1887 году в Рузе (Московская губерния) в семье военного инженера. Её мать была музыкантом и педагогом. Кроме Антонины, в семье было ещё пять детей. Антонина Леонидовна владела различными музыкальными инструментами и свободно говорила на французском и немецком языках. В 1904 году её семья переехала В Петербург. Там Антонина закончила женское училище, получив золотую медаль. Она поступила вольнослушательницей в мастерскую Репина в Академии художеств, а затем вместе с Митрофаном перешла к  Рубо. Через четыре года их дружеские интересы переросли в глубокие чувства. Весной 1911 года состоялась помолвка, а свадьбу сыграли осенью того же года. Итак, всё складывается благополучно, но Митрофана Борисовича призывают в армию.

Антонина и Митрофан Грековы
Антонина и Митрофан Грековы

 

 На армейской службе

 

 В Атаманском полку, который был расквартирован в Петербурге, Грекову дают время заниматься живописью, и он заканчивает ранее заказанную ему работу «Атака лейб-гвардии Кирасирского Его Величества полка в 1813 году.». Картину отправили на Весеннюю выставку Академии художеств, где она получила хорошие отзывы. После неё художник, прямо во время службы в Атаманском полку, расквартированном в Петербурге, принимает ещё пять заказов на картины батального жанра. За год он их заканчивает.

М.Б. Греков «Атака лейб-гвардии Кирасирского Его Величества полка в 1813 году» Холст, масло. 148х256 см 1911 год
М.Б. Греков «Атака лейб-гвардии Кирасирского Его Величества полка в 1813 году» Холст, масло. 148х256 см 1911 год

В 1914 году его призывают в действующую армию и прикомандировывают к штабу походного атамана при ставке генерала А.А. Брусилова. О своих размышлениях о бессмысленности разрушений и мировой бойни Греков впоследствии  напишет в автобиографии. С женой они переписываются ежедневно. Во время Брусиловского прорыва М.Греков находится прямо в гуще сражения. Прямо из двуколки он делает зарисовки для будущих батальных картин.

 

 Новочеркасск

 

  В Новочеркасск, рассказывает Вера Лиховидова, научный сотрудник Дома-музея Грекова,  художник попал после того, как был демобилизован после контузии в 1917 году. Перед этим он лежал почти год в госпитале под Могилёвом. Жена забрала его из госпиталя и привезла на Дон, в хутор Ивановку, где она ещё с 1913 года жила в фамильном имении Грековых, которое по завещанию отца перешло к старшему брату художника Николаю. Здесь осенью до Грековых дошли вести об Октябрьской революции. Митрофан Борисович очень хотел вернуться назад, в Петербург, но там их дом на Большой Монетной был полностью разграблен ещё во время Февральской революции. В 1918 году художник и его семья переехали в Новочеркасск, где младший брат Александр купил дом. Сюда же приехала и мать братьев – Ирина Алексеевна.

Е.Т. Грекова «Портрет матери художника»
Е.Т. Грекова «Портрет матери художника»

М. Б. Греков устроился учителем рисования и чистописания в польской мужской гимназии, эвакуировавшейся туда во время войны из Варшавы, а его жена работала в частной гимназии Фирсовой. Там она преподавала рисование. Супруги жили на квартире рабочего Василия Карамзина, человека с пышными усами. Много позже именно с него Греков писал портрет Будённого. И хотя сам Греков считает кусочек жизни в Новочеркасске потерянным временем, но он принимает деятельное участие в общественной жизни города. Антонина Леонидовна взяла на себя работу мужа в гимназии, и у него появилось много свободного времени. Художник снова пишет картины, по вечерам делает иллюстрации к «Географии Всевеликого Войска Донского» Богачёва, которая  была издана в 1919 году. Он также предлагает создать «Исторический музей 1918 года». История, по мнению художника, могла бы быть преподана в виде картин или диорамы. Нужно собрать документальный материал, считает Греков, чтобы не было кривотолков в последующем времени. Тогда произведения в будущем будут достоверными, потому что уже сейчас можно услышать исторически неверные рассказы о недавних событиях на Дону.

Африкан Петрович Богаевский, последний атаман Всевеликого Войска Донского
Африкан Петрович Богаевский, последний атаман Всевеликого Войска Донского

Когда в 1920 году Добровольческая армия ушла из Новочеркасска, Грекову предложили уехать из России. У его заказчика, атамана Африкана Богаевского, уже стояли ящики с картинами, за которые он обещал заплатить художнику за границей. Но живописец отказался покидать Отечество. Так он и остался на Родине,  а все его работы были увезены. Он не вспоминал о них в своей автобиографии, потому что среди его многочисленных холстов был и портрет генерала Каледина.

М.Б. Греков Портрет генерала А.М. Каледина, первого выборного атамана Войска Донского
М.Б. Греков Портрет генерала А.М. Каледина, первого выборного атамана Войска Донского

Этот портрет нашли в 1954 году в фондах музея Донского казачества в Праге представители советских войск. Сейчас он выставлен в бывшем Атаманском дворце. Старожилы также вспоминают о большой картине «Смерть Корнилова», экспонировавшейся во время Гражданской войны в Новочеркасске. Но где она теперь, никто не знает.

В советское время нигде не говорилось, что стало с братьями М.Б. Грекова. Александр,  самый младший, служил в Добровольческой армии, а затем, кода она была разбита, через Турцию уехал в Канаду. Другой брат, Николай, по неподтверждённым свидетельствам был расстрелян красными прямо на ступеньках своего дома.

 

 Победа Советской власти

 

 Тем не менее, для Митрофана Борисовича жизнь продолжалась. Но как? Жена завела козочек, которых доила, затем организовала «общество козоводов», в стаде которого было более 200 животных. Она их пасла, а Михаил Борисович ей помогал, и они, между делом, вместе писали этюды на пленэре. Ещё неугомонная супруга прикармливала галок и отстреливала их, чтобы варить суп.

М.Б. Греков «Портрет Антонины Грековой»
М.Б. Греков «Портрет Антонины Грековой»

В 1920 году М.Б. Греков добровольно пошёл служить в Красную Армию. Его  приписали к кавалерийским Пензенским курсам, где он получил должность руководителя художественного кружка. В том же году он свёл знакомство с С.М. Будённым и К.Е. Ворошиловым и подал им записку о своём желании писать картины о Гражданской войне. Кто-то из командиров на совещании предложил отклонить  эту идею, высказавшись в том духе, что когда тут, мол, картинки рисовать, если армия, как он выразился, "без штанов ходит". Но Ворошилов идею поддержал, заявив, что стране нужны и армия, и искусство. Он лично пообещал живописцу привести из столицы краски.

Адъютант Будённого в Гражданскую войну Пётр Павлович Зеленский в 1960-м году вспоминал, что во второй половине 1922 года он, по приказанию тогдашнего командующего Северо-Кавказским военным округом К.Е. Ворошилова ездил в Новочеркасск с целью разыскать художника Грекова и привлечь его к работе над военными темами. Всё вышеописанное произошло, потому что руководители Первой конной после оставления Крыма Врангелем в Севастополе осмотрели панораму Рубо, которая произвела на них неизгладимое впечатление.

Адъютант С.М. Будённого Зеленский Петр Павлович(1891-1977)
Адъютант С.М. Будённого Зеленский Петр Павлович(1891-1977)

Зеленский  прибыл на тихую окраину Новочеркасска на автомобиле, напугав до полусмерти как художника, так и его соседей. Адъютант передал живописцу решение политуправления округа о том, что его привлекают к работе в качестве художника-баталиста. Греков растерянно ответил, что людей он писал мало, а в работе над севастопольской панорамой, которая потрясла Ворошилова, он только помогал Рубо. Поскольку К.Е. Ворошилов лично покровительствовал Грекову, никто не стал допытываться, чем тот занимался целых два года в Новочеркасске при белогвардейцах. Разнообразные батальные эскизы у художника были наработаны ещё во время Гражданской войны, а эскизам совершенно невозможно понять, на какой стороне был тогда художник. Например, картина «После набега» стала называться «Краснопартизанский отряд в 1918 году». Работа закипела. Для новых заказчиков были написаны «Конь Ворошилова Маузер». Фотографии помогли написать портреты Владимира Ильича Ленина. Появились и стройки социализма «Сельмашстрой» и «Совхоз Гигант». На деньги, полученные от заказов в 1924 году, семья живописца купила дом из шести комнат в Новочеркасске на Песчаной улице, откуда открывался изумительный вид на степь. Сейчас в нём находится музей Грекова, а улица носит имя художника. В новом доме нашлось место и для музыкальной гостиной, и для мастерской. Антонина Леонидовна в своих воспоминаниях пишет, что муж во время работы всегда просил её сесть за инструмент, так как музыка навевала ему композицию новой картины. Зимними вьюжными вечерами Митрофан Борисович, укутавшись, подолгу сидел на веранде или отправлялся на прогулку «послушать как метель поёт».

Наступил 1925 год. Появились первые наброски, затем эскизы, а затем и знаменитая «Тачанка»  –  символ гражданской войны. Она была написана с натуры на кавалерийских курсах. Там два-три раза в неделю в любую погоду его ожидали донские скакуны, запряжённые в тачанку, и натурщики.

 

 Диорама «Взятие Ростова»

 

 В 1929 году была начата работа над первой советской диорамой «Взятие Ростова». В Центральном доме Красной Армии В Москве натянули громадный холст 8х4 м, и на него сделали перевод рисунка Грекова «Взятие Ростова первой конной – битва на железнодорожной станции». Молодые художники увлечённо прописывали холст, а Греков составлял краски, передавал их снизу наверх, наблюдал за точностью выполнения его замысла. Шпалы, рельсы, стенки старых теплушек Грекову дали на Белорусском вокзале. Из старых стенок сколотили самые настоящие теплушки, на соломе перед центром композиции положили рельсы, а в теплушку набросали настоящие скатки, котелки, винтовки. Всё это было сделано так, что заказчики не могли установить, где именно настоящие рельсы, а где нарисованные. Два месяца (сентябрь и октябрь) все дружно работали над диорамой. Рабочий день начинался в 9 часов утра, а заканчивался в 11 ночи.

Фрагмент диорамы «Взятие Ростова»
Фрагмент диорамы «Взятие Ростова»

 В ноябре готовую работу представили на высокий суд Госкомиссии во главе с С.М. Будённым. Диорама получила оценку «отлично». Публика приняла её с восторгом, как в Москве, так и в Ростове, а её автора наградили именными золотыми часами.

 К сожалению, первая советская диорама «Взятие Ростова» была полностью уничтожена во время Великой Отечественной войны. От неё ничего не сохранилось, даже её качественных фотографий нет, как это ни странно.

 

 Другие проекты диорам

 

 В 1931 году М.Б. Греков вместе с семьёй переехал в Москву. Находясь в Новочеркасске, создавать диорамы было весьма проблематично, а у художника были планы сделать ещё две диорамы -  «Под Варшавой» и «Егорлыкский бой». К тому же на тот момент по его инициативе Бюро панорамных бригад обратилось в правительство с инициативой  к 15-тилетию Октября  сделать целых восемь новых диорам. В правительстве эта инициатива была поддержана, однако по причинам, имевшим творческий и личный характер, она так и не смогла реализоваться. К тому же Митрофан Борисович заболел.

Художник знал, что в ноябре 1934 года должна открыться выставка, которая будет посвящена пятнадцатилетию Первой Конной армии. Начиная с 1933 года, живописец пишет всё новые и новые полотна. Он провёл огромную работу и написал 13 новых больших картин. Когда выставка открылась в 1934 году, 12 ноября, то оказалось, что больше её половины составляли работы Митрофана Борисовича – 39 работ. На её открытии Греков сказал, что 14 лет он отдал этой теме, и теперь его планы – создать новые панорамы, поскольку это – величественное искусство. В ответном слове К.Е. Ворошилов заявил, что не знает никого, кто бы больше любил и понимал коня, чем Семён Будённый, и писал его лучше, чем Митрофан Греков. После этого пресса наперебой начала всячески хвалить и возносить художника.

 Воодушевившись признанием и успехом выставки, Греков поехал в Севастополь, чтобы ещё раз посмотреть на панораму Ф.А. Рубо «Оборона Севастополя». Осмотрев панораму, и внезапно почувствовав себя плохо,  он  обратился в медпункт.  Там ему оказали первую помощь, прописали лекарства и покой. На улице Митрофан Борисович присел на скамейку и умер, как считают, от приступа стенокардии. Бывшие у него на руке наградные часы показывали 2 часа пополудни. Шёл 1934 год. Художнику было всего лишь 52 года.

 

Татьяна Пиксанова

 

На аватаре: 

М.Б. Греков «Тачанка» Холст, масло. 83 × 114 см 1925 год

Государственная Третьяковская галерея

 

Чеховский пляж в Гурзуфе увеличить изображение
Чеховский пляж в Гурзуфе

Даже если вы возьмете подробную карту Крыма, найти этот пляж будет весьма затруднительно. Название бухты и самого пляжа возникло потому, что там одно время жил известный на весь мир русский писатель А. П. Чехов. В далёком 1900 году за внушительную по тем временам сумму в 3000 рублей Антон Павлович купил участок у моря у местного татарина. Кромка моря проходила посередине между скалой Пушкина и руинами крепости раннего средневековья. Но несмотря на дороговизну, писатель, впечатлённый необычайной красотой и уединённостью, купил эту бухту без всякого торга. Такая сговорчивость Антона Павловича объяснялась тем, что в Гурзуфе Чехов скрывался от глаз бесчисленных надоедливых посетителей, которые без конца наведывались к нему в Ялте.

Именно здесь, в Гурзуфе, среди морских красот были созданы такие известные произведения, как "Три сестры" и "Вишневый сад". Здесь Антон Павлович черпал особенное вдохновение, и, будучи в особом настроении, он приказал привезти в это место на скале возле дома чернозём, и собственноручно посадил множество растений, часть из которых сохранились до наших дней.

 

Бухта Чехова в Гурзуфе невелика и, как шутил сам писатель, в ней аккурат поместилась бы его лодка. Живописные скалистые берега, прозрачное каменистое дно и резкий уклон дна, со значительной глубиной моря, - здесь всегда лазурно-голубая чистейшая вода. Нигде в бухте совершенно нет тени, и весь чеховский пляж, включая узкую галечную полоску у воды, постоянно освещён яркими солнечными лучами.

После смерти писателя этот участок был унаследован супругой писателя, О. Л. Книппер-Чеховой, а потом сам домик с участком достался дому творчества художников имени Константина Коровина. Сам К. Коровин отклонил в своё время предложение Чехова поселиться на его Гурзуфской даче на основании скалы у моря, так как художник попросту не мог уснуть вблизи звуков морского прибоя, и от постоянного шума волн у него возникало учащённое сердцебиение.

 

По этой причине, Константин Коровин построил свою дачу с мастерской поодаль от берега, но из её окна был виден заветный дом на скале над морем, где жил и работал Антон Павлович Чехов.

Коровин вспоминал: «Этот домик я часто воспроизводил в своих картинах. Розы… и на фоне моря интимно выделялся домик Антона Павловича. Он давал настроение далёкого края, и море шумело около бедного домика, где жила душа великого писателя, плохо понятого своим временем».

 

Чеховская бухта ещё с советских времён была знаменита среди почитателей творчества писателя, художников, работников музеев и богемы. Московский художник Владимир Георгиевич Гремитских, почитатель творчества как К. Коровина, так и А.П. Чехова, естественно, не был исключением. Сама природа позволила ему в своё время запечатлеть на своём холсте все краски моря и скал, играющие в ярком полуденном свете крымского солнца.

С 1987 года по сей день бухта принадлежит небольшому дому-музею, филиалу "Белой дачи" в Ялте.

 

Рената Ваганова

 

На аватаре: В.Г. Гремитских «Чеховский пляж»  картон, масло; 49,5х80; 1980-е годы

Комментарий к статье «Чем отличаются картина, этюд, эскиз и набросок? Что лучше, холст или картон?»

Александр Владимирович, внимательно прочитал вашу статью «Чем отличаются картина, этюд, эскиз и набросок? Что лучше, холст или картон?». https://ruskartina.ru/article_19.html

Работа замечательная, написанная сочным русским языком, который облегчает понимание. Благодаря ей, я начал отличать холст от картона и этюд от эскиза. Но ещё я узнал о "Явлении Христа Народу" Иванова, где он изобразил даже Гоголя и себя. Также я узнал о вашем отце, советском художнике Владимире Георгиевиче Гремитских, посмотрел его картины. Особенно понравились "Валентиновка" и "Таня". Это из того, что я нашёл. Кроме того, мы, оказывается, с Вами где-то коллеги. Я тоже заканчивал ин’яз когда-то.

 

Спасибо,

Александр Делавер

В  Академии Сергея Андрияки  с 12 декабря начала работать  эпохальная выставка Аркадия Александровича Пластова увеличить изображение
В Академии Сергея Андрияки с 12 декабря начала работать эпохальная выставка Аркадия Александровича Пластова

Народный, всеми любимый художник родился в семье крестьян  в селе Прислониха Симбирской губернии. Огромный талант, не меньший, чем у Репина, передался художнику по наследству, от предков, среди  которых были  архитекторы и иконописцы. Закончив Строгановское училище в 1914 году, а затем - Московское училище живописи, ваяния и зодчества в 1917 году, художник вернулся в родные места, где и провёл всю жизнь. Он написал грандиозную серию картин, в которых воспел деревенскую жизнь. Крестьянская Россия  смотрит на нас с его полотен «Купание коней», «Колхозный праздник»… В картине «Сенокос», где, кажется, слышится равномерный  звук кос «вжик, вжик», и доносится аромат свежескошенной травы, показан повседневный дружный труд людей, истосковавшихся по мирной работе. Невозможно не любоваться «Ужином  трактористов» и особенно «Весной», которую народ назвал «Северной Венерой». Женская обнажённая натура в этом произведении носит чрезвычайно скромный, целомудренный и неброский характер. На выставке можно увидеть редкие, почти не выставлявшиеся с 20-х годов XX столетия акварели, гуаши,  рисунки сангиной  на тему православия и многие иллюстрации к нашим классикам - Пушкину, Некрасову, Толстому.

 

Чем характеризуются картины Аркадия Пластова

 

Картины художника радуют зрителя оптимистическим, мажорным настроем, лирикой, иногда горечью потерь, например, картина «Фашист пролетел». Ужасно видеть мирную лужайку и  погибшего  мальчика-пастушка. Не только тематика задаёт тон его произведениям, но и колорит, который несёт непреходящую любовь к Родине.  Впечатление от всех картин Аркадия Пластова создаёт сопереживание с тем миром, который отображён на них. Чувствуешь, что художник любит жизнь и хочет рассказать об этом зрителям. Даже самое обыкновенное событие под его кистью расцветает и  льёт мощным потоком счастье, сила которого поражает сердце и душу сразу и навсегда.

 

Соцреализм и классика

 

Несмотря на своё потрясающее мастерство, Аркадий Александрович Пластов постоянно учился у старых мастеров, таких как Ф. Хальс, Веронезе, Тинторетто. Его у них интересовали композиции, техника живописи. Кроме того, художник любил как импрессионистов, так и постимпрессионистов.  Об это говорят его письма, семейный архив.  Всё это опубликовано совершенно недавно. А ведь его работы оценивали как  советские, основополагающие для соцреализма. Не так-то прост Аркадий Пластов, хотя он и ясен для восприятия русского человека, он не всегда понятен зарубежному посетителю музеев.  Художник А. Пластов по своей сути эпохален. Его произведения живы, нисколько не устарели. Они мощно воздействуют на смотрящего на них человека силой своей простоты, искренностью, прелестью природы, красотой детей и взрослых героев картин. А.А. Пластова невозможно назвать только деревенским художником. Да, он высоко ценил крестьянскую жизнь за её естественность. В городских людях он видел больше искусственности и потому их не писал. Его внимание привлекали  будни. В них он видел полноту жизни, её богатство. Но он прославил всё окружающее  его бытие, и потому на его картины можно смотреть бесконечно, поражаясь, сколько интересного заметил мастер и перенёс на свои полотна.

 

Классик советского искусства

 

Аркадий Пластов как художник, фигура очень значимая. Как уже говорилось, он вырос в семье иконописцев, поэтому многие работы он писал лично для себя. Думаем, что он понимал, что настанет время, когда они будут востребованы. И вот оно пришло. В начале 2000-х годов их стали выставлять. Теперь А. Пластов, человек верующий, заиграл перед нами другими гранями своего мощного таланта. Мы также можем познакомиться не только с его живописью, но и с графикой, скульптурой, плакатами, книжными иллюстрациями. Его  работы находятся в Русском музее, ГТГ, во многих других музеях страны и в музеях Содружества Независимых Государств. Каждый, кто их видит вживую, сразу чувствует, что это классика XX века. Наиболее крупные и значимые холсты художника выставка получила от ГТГ. Именно они показывают увлечение Аркадия Пластова  живописью Голландии. Например, его натюрморты.  Для многих они будут открытием. Это очень важно не только ценителям его живописи, но и студентам, потому что с этой стороны мало кто знает этого великого Мастера.

 

Основа экспозиции

 

Основные материалы поступили из личной коллекции внука художника Николая Пластова, также занимающего живописью. Он уделяет большое внимание пропаганде достояния семейной коллекции великого художника. Он лично рассказал, как был написан его летний портрет, который датировали 30-ми годами. А в действительности он написан в 60-х годах. Ребенок позировал по одному часу 5 раз. Шёл конец жаркого лета. Из открытого окна долетал аромат антоновских яблок. Николай также описал, как он сидел на руках у няни, которая давала ему кружку с молоком, а дедушка писал портрет. Он наблюдал, как тщательно переписывал дедушка картины. Ему никак не удавалось предать цвет коровы. В конце концов, он вышел из себя, вынес холст из мастерской и на пленэре написал так, как ему хотелось. А в целом в экспозиции можно увидеть более четырёхсот работ художника. Они поступили из девяти музеев. Это Смоленск, Ульяновск, Волгоград, Казань, Калуга, Ростов, Москва. Многие из них были только в запасниках ГТГ. Теперь они доступным многим. На выставке присутствует последний 4-й вариант известнейшей картины «Фашист пролетел». Хотя эта картина имеет мировую известность, но художник вновь и вновь возвращался к этому произведению, которое стало обобщённым реалистическим с пронзительной силой символом. Это –  страшный лик войны. Чёрные крылья истребителя пронеслись над мирной осенней опушкой. Фашисты оставили после себя смерть ни в чём неповинного мальчугана. Пастушонок упал лицом вниз. А вокруг тишина. Внезапно зашелестели листьями берёзки, склонились сосенки, горько завывает пёсик, оплакивая мальчика. Вся природа одухотворена и осуществляет «очищение» трагедии: личное сливается с судьбой России и растворяется в ней. В то же время Аркадий Пластов пишет портреты солдат. Но приметы времени не часто встречаются на полотнах художника. Подробности он практически никогда не указывает, а только обобщает созданные образы.

Мы очень рекомендуем не пропустить эту уникальную выставку, которая продлится до 1 марта 2020 года, и познакомиться со всеми сторонами таланта великого Мастера.

 

Татьяна Пиксанова

О статье «Чем отличаются картина, этюд, эскиз и набросок? Что лучше, холст или картон?» увеличить изображение
О статье «Чем отличаются картина, этюд, эскиз и набросок? Что лучше, холст или картон?»

Уважаемый Александр Владимирович, здравствуйте, примите мои уверения в искреннем к Вам уважении. Благодарю Вас за возможность ознакомиться на этом сайте с Вашей статьёй, посвящённой особенностям и тонкостям труда художника «Чем отличаются картина, этюд, эскиз и набросок? Что лучше, холст или картон?». https://ruskartina.ru/article_19.html

Прочитал с большим интересом. Благодарю Вас за открытия, которые мне удалось совершить для самого себя. Когда-то, читая книгу Марии Владимировны Нащокиной "Московский модерн", с удивлением узнал, что родиной, местом рождения московского модерна является подмосковная усадьба "Абрамцево" (владельцы Аксаковы, Мамонтовы). А я никак до этого открытия не мог объяснить сам себе: почему московский модерн более всего мною любим (питерский модерн другой, более "северный", здесь подразумевается, прежде всего, архитектура, но не только). Оказывается это тот самый стиль, среди которого прошли мои детство и отрочество, причем весной, летом, осенью и зимой. Мой дядя Лёша, художник Алексей Иванович Орлов жил и работал в Абрамцево, мастерская у него была в Загорске (ныне Сергиев Посад), а я, благодаря моим родителям часто гостил у своего дяди. Буду тактичным и завершу свои воспоминания. Благодарю, что Вы меня выслушали.

 

Искренне Ваш, Александр Васильевич Орлов

Рождение звезды в России: Орден «Звезда Виртуоза» (Stella Virtuoso) - высшая международная награда в области искусств увеличить изображение
Рождение звезды в России: Орден «Звезда Виртуоза» (Stella Virtuoso) - высшая международная награда в области искусств

 

 

 

 

 

 

На протяжении всей истории государство и общество не могло оставлять без внимания своих выдающихся деятелей и талантливых личностей. Даже в периоды войн, смены власти и общественных устоев награждение героев знаком отличия было необходимой мерой для дальнейшего развития страны и поощрения верных и достойнейших членов общества. В современном мире в большинстве стран и государств высшей формой поощрения исключительных заслуг является орден. Орден всегда был призван прославлять достижения награжденного, наделяя его привилегиями и определенным положением в обществе.

Так, опираясь на сложившиеся традиции и понимая, что великой стране нужна великая награда в области искусств, в 2018 году несколько крупных общественных организаций представили проект ордена, названного «Звездой Виртуоза». По замыслу учредителей, Орден «Звезда Виртуоза» - это высшая форма общественного признания заслуг, связанных с развитием культуры, литературы и искусства, укреплением российской государственности, меценатством, социально-экономическим развитием страны, научно-исследовательской деятельностью, выдающимися достижениями в профессиональной сфере, укреплением мира, дружбы и сотрудничества между народами. Основателями награды выступили крупнейший в Европе конкурсный проект, объединяющий 23 страны мира, «Art. Excellence. Awards» («Искусство. Совершенство. Признание.»),  Профессиональный Союз художников России, Московская организация Союза писателей России, Российская академия художественной критики и Международная премия в области архитектуры и строительства “Элитарх“.  

Орден «Звезда Виртуоза»
Орден «Звезда Виртуоза»

Дизайн ордена разработан в лучших традициях ювелирного и медальерного искусства с соблюдением особой геральдической символики. Награда изготовлена из драгоценных металлов с применением техники горячей эмали. Это позолоченная крестообразная звезда с элементами мальтийского креста на подложке из фантазийно выполненных языков пламени. В центре на белом эмалевом кольце с надписью Stella Virtuoso (лат. «Звезда Виртуоза») находится золотой силуэт птицы Феникса, распростершей крылья в полете (олицетворение вечной жизни, обновления, свободы творчества, вдохновения, мира, содружества и единства). Полёт птицы устремлен к восьмиконечной золотой звезде (символу сотворения мира, высшего предназначения, высшей цели, просветления и мудрости), которая венчает шейную красную муаровую ленту. На реверсе ордена клеймо ювелирной компании-изготовителя «Далюс».

Подлинность ордена и право ношения его владельцем подтверждается дипломом с 8-ю степенями защиты и голограммой с уникальным идентификационным номером.

Первая церемония награждения кавалеров Ордена «Звезда Виртуоза» состоялась 22 октября 2019 года при поддержке Департамента культуры Москвы, в конференц-зале Библиотеки им. Тургенева в рамках VIII церемонии награждения лауреатов международного конкурса искусств “Art. Excellence. Awards“ и прошла с соблюдением всех канонов и традиций вручения наград высшего уровня. Знаковое для российской и международной культуры, литературы и искусств мероприятие посетили руководители крупных общественных объединений и известные российские деятели. Награда была официально представлена лауреатам и гостям мероприятия директором московской ювелирной компании “Далюс“ Людмилой Дьяковой – генеральным партнером международного конкурса “Art. Excellence. Awards“. Первыми награжденными этой высокой наградой стали представители изобразительного искусства, архитектуры и литературы России: художник Вадим Столяров (Ижевск), художник Константин Заводюк (Магадан), писатель Татьяна Петрова-Латышева (Москва), архитектор Сергей Денисов (Москва).

Первые кавалеры ордена «Звезда Виртуоза»
Первые кавалеры ордена «Звезда Виртуоза»

Награды самым достойным вручил Председатель Жюри международного конкурса “Art. Excellence. Awards“, Почётный деятель искусств России, Генеральный директор Профессионального союза художников России, Академик Российской академии художественной критики Николай Седнин. Приветственное слово Кавалерам Ордена “Звезда Виртуоза“ прислал Президент российской Академии художеств, Народный художник России Зураб Церетели. Внимание награждённым оказала президент Фонда поддержки социальных, образовательных, культурных программ и галереи “Ардена“ Татьяна Панич.

Орден «Звезда Виртуоза» продолжает важную традицию и выполняет великую миссию. По образу и подобию старинных российских орденов он создаёт сообщество людей, объединённых одной высокой целью - развитием искусства в стране и мире.

 

Ольга Веретина

Из книги Николая Седнина «РИСУНКИ ИЗ СОБЫТИЙ» Рассказы о жизни в искусстве увеличить изображение
Из книги Николая Седнина «РИСУНКИ ИЗ СОБЫТИЙ» Рассказы о жизни в искусстве

Предпочитаю оценивать жизнь и творчество мужчин-художников исходя из того, какие женщины

находятся рядом с ними. Мне всегда не комфортно и подозрительно, если рядом с талантливым

мужчиной нет Великой женщины, которая либо сама по себе является личностью, либо

растворила свой талант в деятельности мужчины! Всё искусство художника было и должно быть

посвящено Женщине как красивейшему и уникальному созданию на Земле.

 

Из всех “Великих стариков” мира более всего меня восхищают двое: Пьер Карден и Владимир

Этуш. Портрет Пьера Кардена был сделан во время его приезда в Москву, а с Владимиром

Абрамовичем мы познакомились и подружились немного позднее. В этих людях энергии столько,

что любой молодой человек мог бы позавидовать!

 

Людей творческих в мире поддерживает только искусство и оно для таких людей важнее любых

конфессий. Искусство слова, искусство музыки, искусство линии и цвета - это и есть истинная

Религия. Каждый день и что бы ни случилось в нашей жизни, мы начинаем утро и завершаем свой

день искусством и посвящаем ему всё наше основное время, помня о том, что нет иного счастья!

 

Путь исследователя в искусстве – это, к сожалению, не та дорога, которую выбирают многие художники и делают это совершенно напрасно! К примеру, если мы рисуем обнажённое тело человека, на котором не видно определённых групп мышц, а у нас нет знаний анатомии, мы никогда не отобразим его достаточно гармонично, поскольку будем оперировать только собственным взглядом на тело. За внешними формами всего, что отображается художником, всегда скрыты тайны доступные для изучения, и чем более у художника знаний форм изнутри, тем более он совершенен в отображении видимого мира.

 

Чего я хочу? Хочу поднять уровень искусства в России на планку достойную! Потому, часто общаюсь с разными художниками и, поэтому, курирую международный конкурс искусств в стране. Всегда рад общению с теми, кто придёт в искусство страны вслед за мной и теми, кто уже посвятил или собирается посвятить искусству всю свою жизнь!

 

У художника не должно быть выходных дней и каждый день необходимо работать, поскольку наша жизнь слишком коротка, чтобы отдыхать от того, что мы выбрали для себя как основу нашей жизни - Искусство!

 

Мне всегда казалось, что художника в мире поддерживает не физическое здоровье или борьба с его отсутствием, а только те творческие планы, которые он обозначил к исполнению! А далее не сам художник, а нечто свыше оценивает эти планы и даёт или не даёт время на их реализацию…

 

Я хочу создавать совершенные творения, а они требуют максимальной концентрации внимания.

 

О главной награде художника: Может показаться странным, но я думаю о смерти постоянно, и чем более о ней размышляю, тем чаще прихожу к выводу о том, что уход из этого мира в мир неведомый для художника, посвятившего всего себя искусству - это некая высшая награда, которую необходимо заслужить постоянной работой над собой. Потому считаю, что чем больше работаю, тем на более длительный срок забываю обо всем, что не связано с творчеством, а смерть забывает меня наградить.

 

Творец нынешнего века должен говорить в искусстве на языке Первообразов, а зритель не должен бояться научиться понимать этот язык. Не существует разницы между эстетическим восприятием математической формулы и картиной художника, но чтобы понять научные символы мы должны освоить язык науки, а чтобы осмыслить символику красоты зрителю необходимо изучить язык искусства, а не оставаться на уровне поверхностного восприятия реальности.

 

Занимайтесь спортом и тренируйте тело! Я часто говорю с молодыми художниками о важности знаний анатомии в искусстве, но иногда проще показать на себе, чем открывать учебники.

 

Дорогие мои, вот и закончилось лето! Каждый из нас, людей искусства и творчества, по-разному лето этого года провёл, и я уверен, что не без пользы для творчества. Со своей стороны отмечу, что каждый день этого моего лета был посвящен искусству, и каждое утро в 7-00 я начинал у мольберта, искренне считая, что это и есть настоящий летний отдых художника!

 

О вечной жизни в искусстве:

Художники, посвятившие свою жизнь творчеству, очевидно, замечали, как быстро меняются вкусы и тенденции у публики и с негодованием для себя и окружающих констатировали тот факт, что их многолетние творческие эксперименты, ещё недавно побивавшие все рейтинги популярности, оказывались вдруг и спустя время невостребованными. Всему виной не только быстротечно меняющийся мир, но и нежелание многих художников увидеть эти перемены извне и, что ещё хуже – отсутствие стремления увидеть перемены внутри себя и боязнь потерять ту привычную творческую узнаваемость, которая составляет авторское кредо. История искусств дает основания для беспочвенности подобной боязни. Выход за рамки годами создаваемого стиля и талант почувствовать перемены дан тем художникам, чьи творческие концепции достаточно сильны для того, чтобы выдержать любые трансформации. С конца XIX и особенно в XX веке на примере многих выдающихся мастеров Европы и России мы наблюдаем радикальные изменения стилевых концепций, которые позволили таким выдающимся мастерам как Петров-Водкин, Казимир Малевич, Василий Кандинский, Поль Гоген, Пабло Пикассо и многим другим удерживать внимание к своему творчеству и стать выразителями своей эпохи. Боязнь творческих перемен это излечимая болезнь и результатом исцеления для художника станет неограниченное временем существование творческой личности.

 

Я всегда и всем повторяю, что занятия литературой тренируют память, речь, и заставляют мозг активно работать. А художнику занятия литературой помогают в формировании образного мышления и построении вербальных форм, что сказывается в работе над живописными и графическими композициями.

 

Памятка бессмертных

 

Жизненный путь художника должен стать посвящением искусству как наиболее выразительной возможности самопознания. Вся жизнь от появления в этом мире и до перехода из него в иные измерения это возможность найти ту внутреннюю гармонию, постоянство которой позволит свободно перемещаться во времени и пространстве.

Искусство это поиск ключей от необходимой двери для перемещения в нужную тебе реальность. Иногда это будет поиск готового ключа, но иной раз найдутся только очертания и по этому эскизу тебе будет необходимо сделать свой уникальный ключ. Будет большой ошибкой растрачивать своё время на иллюзорное понятие счастья, связанное с накоплением материального во временное пользование и просто для того, чтобы соответствовать неким общепонятным нормам расходования времени.

Владение чем-либо в материальном мире это иллюзия, культивирующая самообман и связанный с ним размен человеческого потенциала на суету. Всё, что есть у человека действительно своего, это лишь иллюзорный шанс того, что ему удастся вовремя найти и открыть свою дверь, чтобы захлопнув её за собой оставить за порогом и без сожаления себя несовершенного.

Картины, созданные художником, который нашёл ключи и открыл двери, это в первую очередь не материальное нечто, которое гуляет по свету, переходя из века в век, а шанс получить более или менее подробную инструкцию по переходу в иные измерения для тех, кто не тратит себя понапрасну, путешествуя во времени.

 

Нужно ли быть богатым или бедным каждый художник решает для себя сам. Если ценой богатства станет культивирование душевной пустоты, а ценой бедности неспособность творческого самовыражения то эти помехи необходимо устранить на пути к совершенству.

 

Хлеб для глаз человечества

 

Одним из моих портретных заказчиков в 90-е годы был известный врач-хирург. Оказавшись впервые в моей мастерской, он воскликнул: “Ох, сколько у тебя тут красивых обнажённых девушек нарисовано! Признайся, тебя, наверное, возбуждает такое творчество и с каждой из этих девушек у тебя контакты поближе, чем просто сеансы рисования?” На что я озадачил хирурга встречным вопросом: “Представьте, что на Вашем операционном столе лежит роскошная обнаженная девушка и Вы, войдя в палату и глядя на неё, начинаете готовиться её оперировать. Вы будете в этот момент возбуждаться глядя на её тело?”

– Конечно, нет! Ведь мне надо сосредоточиться на моей работе.

- Так ведь и я сосредоточен на работе, и разница только в том, что у вас скальпель, а у меня карандаш.

 

Памятка о PR

 

Телевидение это отдельный мир, живущий по своим законам. Главный приоритет любой телепрограммы - рейтинг! Ради него журналисты выдумывают истории, и чем они более скандальны, тем успешней телепрограмма и тем дольше она продержится в эфире. Последствия таких скандалов для тех, кто готов полностью довериться сотрудникам телеканалов и подписать эпатажный сценарий могут быть крайне непредсказуемы. В стремлении к популярности нет ничего предосудительного, но необходимо не забывать внимательно изучать документы предлагаемые телеканалами на подпись и хорошо подумать, прежде чем Ваше изображение появится растиражированным на многомиллионную аудиторию.

 

Продажа произведений искусства - вопрос серьёзный и зависящий от многих составляющих. К примеру, в 2010 году я выиграл две золотые медали на конкурсе искусств в Париже, и появились заказчики из Франции. По их инициативе мои композиции спустя годы размещены на французском портале по искусству "Artmajeur" и оттуда мне периодически приходят интересные предложения.

Желаю вам, талантливым авторам, удачных продаж и стремления никогда не забывать о важности участия в международных конкурсных проектах.

 

Нетленное

 

Искусство не должно документально иллюстрировать события, происходящие вокруг нас и, уж подавно, не должно выражать идеологии политических или общественных организаций. Реальность, окружающая творца, это лишь повод для продолжения многовековых традиций постижения гармонии и созидания новых миров. Искусство не уводит от реальности, а показывает, какой она может стать, если подняться над суетой сиюминутных страстей. И если такое искусство становится для многих проводником в собственные миры самореализации, то оно достигает своей цели и проходит сквозь века, передаваясь драгоценным наследием от уже постигших к ещё только постигающим.

Когда вы слышите фразу о том, что искусство умерло, то знайте всегда, что так говорят лишь те, в ком умерли надежды найти в мире собственный путь, те, кто ленивы и по разным причинам не желают далее идти по дороге самопознания. Так говорящие уйдут, а их место от века к веку будут занимать другие похоронные процессии, а поколения творцов тем временем будут продолжать открывать новые миры, и это будет длиться бесконечно.

 

Седнин Николай Николаевич

Художник, фотохудожник, писатель, искусствовед, общественный деятель.

Родился 25 декабря 1968 года в городе Измаил (Украина). В 1974 году увлекся рисованием, и в 1979 году стал участником первой большой выставки. В 1984 году оставил школу города Измаила, где спустя годы открыта музейная экспозиция, посвящённая творчеству художника, и уехал в Ленинград учиться искусству.

С 1987 по 1991 год обучался в Одесском художественном институте (ВУКЗ им. М.Б.Грекова.)

Спустя несколько лет был избран в Правление Художественного Фонда Одессы.

С 1989 по 1992 год проводил литературный эксперимент, который завершился созданием поэтического сборника «Рисунки из слов» (Издательство «Версия», Одесса, 1996 год).

В 1998 году Николай Седнин переезжает в Россию и работает в Москве по настоящее время.

В 2013 году имя художника включено в международный интернет-проект Единого художественного рейтинга “Величайшие художники мира ХVIII-ХХI столетий“.

Шедевр – что это? увеличить изображение
Шедевр – что это?

Известный историк искусства  София Багдасарова на своей странице в интернете  доступно объяснила, что следует понимать под словом «шедевр». Им разбрасываться, как это часто делают художники, журналисты и некомпетентные люди,  нельзя. Так что же это такое – шедевр?

Далеко не к каждой картине,  роману, эссе, музыкальной композиции и т.п. можно применить это слово. Шедевр – это не синоним выражению «картина художника» или же другого обозначения произведения искусства, а оценка, в которой изначально заложено превосходное качество этого произведения. Только прославившуюся на весь мир песню можно назвать хитом или шлягером – музыкальное произведение, которое надолго запомнилось. Песне В. Высоцкого «Я не люблю…» можно дать такую характеристику. А вот «Красное, зелёное» или «Нинка-наводчица» в эту категорию не попадают. Слово «бестселлер» для книги, которая только что вышла из печати, просто не применимо. Если о книге говорят, и требуются повторные тиражи, то тогда это действительно прекрасно продающееся произведение. В любом другом случае – это только маркетинговый ход. Слово «блокбастер» первоначально означало фильм, который собрал значительные деньги. Теперь кинематографисты вкладывают в это слово несколько иное значение. В частности, новый фильм, в производство которого вложены огромные деньги. Сборы должны значительно их перекрыть. Но это далеко не всегда случается. Бывают и провалы.

 

·        Шедевр – это практически всегда сразу узнаваемое всеми  произведение

 

Этим словом не стоит обозначать картину, которая много лет находится в частной коллекции, где её видит только узкий круг людей. Шедевром не может стать картина, которую только что просто показали по телевидению. Исключения бывают, если знаковая картина того или иного художника была продана на крупном аукционе, например Christie's, в личную коллекцию, а  затем  владелец отправил её на выставку. При этом провенанс, т.е. происхождение и историю этой картины знают искусствоведы, и она знакома публике. Интересную находку сделали недавно на блошином рынке во Франции: это была гравюра Дюрера (1520 г.). Она пропала из музея в Штугарте в период Второй мировой войны. Увидев печать музея на обороте, коллекционер вернул гравюру в музей. Даже в запасниках музеев делают фантастические открытия.  То, что считалось копией, профессионалы после исследований могут посчитать подлинником. Такое произошло с шедевром Йорданса «Мегар и Леандр». Можно привести ещё много примеров на эту тему.

Но чаще всего шедевр всегда на виду у зрителя и находится десятилетиями, а то и столетиями в известных музеях. Многие знают такие картины художников по репродукциям. Начинающие, а то и уже зрелые художники, учась у всемирно признанного мастера, копируют его работы, а историки искусства пишут монографии и статьи.  То есть шедевр – это картина, известная широчайшему кругу лиц, хотя бы потому, что он широко растиражирован на коробках с конфетами или конфетных фантиках («Утро в сосновом лесу»), на пластиковом пакете («Джоконда») или в школьном учебнике. Но если картина, которуе зритель видит первый  раз в жизни, его задерживает, не отпускает от себя, то это, несомненно, шедевр, поскольку шедевр обладает именно такими свойствами. Практически большинство всех великих произведений живописи и графики находятся в музеях и предназначены для просмотра большим количеством посетителей.

 

·        Сколько шедевров может написать великий художник?

 

Знаменитых, прогремевших на всю страну, а, тем более, на весь мир, шедевров у какого-либо художника найдётся не более десятка. Остальные его картины могут быть очень хороши, но не более. Мастер портрета Валентин Серов написал сотни портретов. Но первое, что сразу всплывает в памяти – это солнечная «Девочка с персиками», едкая характеристика на «Портрете Орловой», показанная с издёвкой примадонна «Ида Рубинштейн», а также тонкий, нежный «Мика Морозов». Нет смысла перечислять все его шедевры. Их помнят многие. А есть известные художники, написавшие немало картин, такие как Саврасов или Пукирев, шедеврами которых стали только «Грачи прилетели» и «Неравный брак». Исаак Левитан написал огромное количество пейзажей. Они не все равнозначны. Но те из них, что вспоминаются сразу при упоминании имени Левитана – несомненно шедевры. В мировом искусстве примерно лишь один процент произведений живописи можно считать абсолютным совершенством. Тот, кто думает, что весь Ренессанс, всё барокко или всё академическое искусство – это высшее достижение в живописи, а современное – нет, увы, ошибаются. Они просто не знакомы с остальными 99% произведениями искусства.

 

·        Красивая картина не обязательно триумф и совершенство

 

Если кому-то частному лицу очень сильно нравится картина, будь то журналисту, любителю, или даже искусствоведу, то это не поднимает картину художника на уровень шедевра. Мнение Павла Третьякова очень ценилось. Он отбирал лучшее, что было создано в его время, но не все картины в его галерее можно считать идеалом. Картина- шедевр – это комплекс обстоятельств, успех у множества людей и ценителей живописи, и совершенно не факт, что она лично Вам нравится. Сколько копий сломано, сколько анекдотов сложено по поводу «Чёрного квадрата» К. Малевича. Однако ему нашлось место в Русском музее. Эту картину Малевича широкая публика всё же признала. К этому художнику пришла слава.

 

·        Насколько долго к картине художника приходит признание

 

Картина, которая теперь приписывается великому флорентийцу, «Спаситель мира», и которая в 2017 году установила беспрецедентный рекорд на аукционе Кристи ($400 млн.), всё же не имеет истории на выставках и в статьях. Поэтому произведение, о котором по-прежнему спорят – это ещё не шедевр. Для многих это просто новинка, на которую интересно взглянуть. И только что написанная картина, даже весьма раскрученного автора, не может называться шедевром. Её нынешний владелец вкладывает деньги с расчётом на будущее. Песня становится хитом часто уже через неделю, когда её рейтинг высоко взлетел. С произведением живописи всё гораздо сложнее. Только когда пройдёт лет 50, мы можем с определённой долей уверенности утверждать – это шедевр. На выставке нашего современника, какого-нибудь Петрова,  будет неправильно  расценить его наиболее выдающуюся его работу как шедевр. Точнее, можно сказать, что для Петрова это его шедевр, т.е. одна из лучших его картин. А для самого художника-современника, его семьи или знакомых, лучше сказать, что его картина превосходна и является непревзойденным верхом совершенства.

 

Татьяна Пиксанова

 

 

На аватаре: И.Е. Репин  «Торжественное заседание Государственного совета 7 мая 1901 года, в день столетнего юбилея со дня его учреждения» 1903 год, 400×877 см

В магазине подержанных вещей в Нью-Йорке был куплен рисунок Эгона Шиле увеличить изображение
В магазине подержанных вещей в Нью-Йорке был куплен рисунок Эгона Шиле

Запросы ведущему специалисту-эксперту Джейн Каллир по творчеству этого австрийского художника и графика поступают нередко. Но в данном случае это была действительно редкостная находка.

«Только 10% известных нам работ художника-экспрессиониста Эгона Шиле являются настоящими его произведениями», – рассказывает Каллир. Остальное – это подделки или копии. Джейн, составитель каталога работ художника, вот уже больше 30 лет занимается проверкой подлинности произведений Эгона Шиле,  возглавляя в Нью-Йорке Галерею Сент-Этьен (Galerie St Etienne).

Очень трудно передать её изумление, когда выяснилось, что никому доселе не известный рисунок Шиле случайно обнаружили в магазине секонд-хенд «Habitat for Humanity», где торгуют бывшей в употреблении одеждой в районе Квинс огромного Нью-Йорка. На сегодняшний день этот рисунок ждёт своего покупателя в галерее Д. Каллир. Его стоимость оценивается в пределах от $100 000 до $ 200 000. Шиле сделал этот набросок в 1918 году. Это произошло во время вспышки «испанки», когда он умер в 28 лет. Вслед за ним скончалась от той же болезни и его беременная жена.

 

В июне 2018 года по электронной почте Джейн Каллир пришло письмо от неизвестного человека с плохими фотографиями рисунка лежащей обнажённой женской модели, лицо которой было обращено вверх. В письме говорилось, что возможно рисунок принадлежит Эгону Шиле. Специалист попросила выслать более качественные фотографии, но автор письма исчез почти на целый год, однако затем прислал более отчётливую фотографию. Джейн заинтересовалась и пригласила владельца рисунка приехать к ней. Она хотела увидеть оригинал своими глазами.

На счастье, это был подлинник. Каллир узнала на рисунке девушку-модель, которая работала с художником в 1918 году. Известно, что зачастую она позировала художнику вместе со своей матерью. Проведя исследования, Джейн добавила этот рисунок в серию карандашных рисунков, где изображена эта же натурщица, и которые художник сделал одновременно во время одного сеанса, готовя литографию «Девушка». В коллекции Метрополитен музея имеется «Торс обнажённой» (на аватаре), для которого позировала, вероятно, та же самая модель.

Эгон Шиле «Лежащая обнажённая» бумага, карандаш; 19.7×41.6 см; 1918 год
Эгон Шиле «Лежащая обнажённая» бумага, карандаш; 19.7×41.6 см; 1918 год

В данном случае весьма сложна для рисунка поза натурщицы, поскольку ракурс очень необычен. Чрезвычайно трудно безошибочно нарисовать в этой позе грудную клетку и лицо с аккуратным небольшим носиком, который смотрит вверх. Очень редкие художники справлялись без ошибок с такой непростой задачей. На то, что рисунок является оригиналом, указывает и чёрный карандаш, и вид бумаги (кремовая).

 

Остальные рисунки этой девушки, сделанные Э.Шиле, находятся в коллекциях  в Вене и в США. Мужчина, который  пришёл с удивительной находкой в Галерею Сент-Этьен, и пожелал остаться неизвестным, объяснил, что отыскал этот рисунок между другими товарами в магазине  Habitat for Humanity. В нём продают бывшие в употреблении одежду, бытовую технику, мебель и даже строительные материалы.

 

Этот человек, по словам Джейн Каллир, работая неполный день,  имеет время посещать букинистов и  исследовать художественные развалы. Он обладает внимательностью и художественным чутьём, ничего о себе не рассказывает и не встречается с корреспондентами.

Также остаётся неизвестным за какую цену он купил рисунок. Скорее всего, не за очень высокую. Сейчас рисунок, о котором идёт речь, находится на выставке произведений Шиле,   А. Кубина и К. Кольвиц. Эта экспозиция будет работать до 11.10.2019 года. В неё входят также литография  «Девушка» Шиле (работа 1918 года), сделанная по рисунку с той же модели, и рисунок карандашом, для которого позировала её мать.

Что же касается анонимного владельца рисунка о котором идёт речь, то он собирается передать часть денег упомянутой сети «секонд-хенд». Эта организация, помимо торговли, производит ремонты и строит дома для всех, у кого нет денег для покупки и аренды жилья. Директор галереи Карин Хэйкокс была очень удивлена произошедшим и обрадована, что такая ценная вещь нашла достойное место, а ведь могла быть выброшена на свалку и потеряться навсегда.

 

Татьяна Пиксанова

 

 

О современной культуре увеличить изображение
О современной культуре

Замечаю вместе с увлечением левыми идеями социальной справедливости некий экстравагантный флёр эдакой красной ностальгии касается всех произведений искусства: литературы, живописи, архитектуры.

А претензия на "досточтимых рук творенья" придворного кремлёвского живописца, архитектора,скульптора и т.д. я слышу всё чаще и в риэлторском цеху. "Этот речной вокзальчик в черноморском Суходрищево творил лично придворный архитектор дач товарища Сталина".

Осознаю, что владеть чем-то, до чего прикасались заслуженные люди, многим нынешним любителям чем-то эдаким владеть жизненно необходимо. "Быть или иметь", так эта дилемма звучала у психотерапевта Эриха Фромма. Если не можешь кем-то быть, остаётся только иметь.

В этом деле здорово помогли творцы чего-то осязаемого и пригодного для ощущения на ощупь. Стихов, песен, фильмов из той поры побаиваются любители этого флёра с закосом на совдепишен культурхен.

Мы живём в эпоху пингвинов и бабочек. Когда услышал песню «Зимняя вишня» в исполнении Анжелики Варум на дворе был 1996 год. Думалось, что пройдёт этот угар. Пройдёт быстро вместе с жутким алкашом в Кремле.

Подзадержалось это странное и жуткое время. В нём не хватает настоящих культуры и искусства. Новых живописных полотен такого уровня, нового Серебряного века поэзии, сталинского уровня мультипликации, музыки порядка Шостаковича, педагогики Выготского или Макаренко можно ожидать лишь при появлении у людей Надежды на новый справедливый Мир.

А пока ожидаем и включаемся в процесс перемен. И радуемся такому времени, хоть немного солнца над вечными льдинами.

А искусству присуще оживать и оживлять. Естественно, когда это настоящее искусство в стиле фильма "Волшебный голос Джальсомино".:https://m.youtube.com/watch?v=MMNQgIzqEWU

 

Андрей Родкин

Аукцион Sotheby’s купил крупнейший владелец СМИ за 3,7 млрд. долларов увеличить изображение
Аукцион Sotheby’s купил крупнейший владелец СМИ за 3,7 млрд. долларов

Патрик Драи, французско-израильский медиа магнат, заключил контракт о покупке всемирно известного аукциона Sotheby’s в Лондоне. Эта известная во всём мире  компания, которой исполнилось 275 лет, продала свои акции господину Драи почти за 4 млрд. долларов. Новый хозяин аукциона считает сделку очень выгодной, так как это серьёзное вложение денег на долгий срок.

На сегодняшний день Патрик Драи не только основал, но и контролирует французскую телекомпанию Altice и, кроме того, владеет компаниями в США, Португалии и Израиле. Счастливый обладатель Sotheby’s сделал заявление, что ему оказана большая честь от владельцев аукционного дома, которые приняли его инициативу, благодаря которой каждый совладелец получит компенсацию, составляющую 57 долларов за акцию. Это больше чем на 61 процент превышает акций Sotheby’s при закрытии торгов на Нью-Йоркской фондовой бирже 14. 06. 2019 года. Сообщается, что новый глава Sotheby’s не имеет планов менять долгосрочное развитие компании. К тому же после сделки цена на акции поднялась на 57 процентов.

Господин Драи, который весьма молод (55 лет), чтобы приобрести Sotheby’s, истратил практически ½ часть личного состояния.  Журнал Forbes оценивает его в $7,7 млрд. Это – 8-е место среди самых состоятельных миллиардеров Франции. Если продавцы акций согласятся с предложением Патрика Драи, то Sotheby’s станет личной компанией, как и другой известнейший аукцион Christie’s, которым последние двадцать лет обладает ещё один миллиардер из Франции, Франсуа Пино.

Как заявил Патрик Драи, его приобретение – одна из самых успешных торговых марок в мире. Он был давним поклонником и клиентом Sotheby’s, который теперь будет собственностью всей семьи миллиардера. Окончательное подписание договора намечено на последний квартал 2019 года, когда оно будет одобрено всеми акционерами.

 

Фото на аватаре Lucas Jackson (Reuters)

«Портрет папы Иннокентия X» Веласкеса, этюды Ф. Бэкона и моё на то мнение увеличить изображение
«Портрет папы Иннокентия X» Веласкеса, этюды Ф. Бэкона и моё на то мнение

Интересный случай позднейшего содержательного синтеза, обогатившего художественную традицию, относится к 1953 году. Он связан, с одной стороны, с произведением Веласкеса «Портрет папы Иннокентия X» (1650), а с другой – с одним из восьми портретных этюдов Бэкона (этюд №7, 1953).

Картина Веласкеса представляет собой реалистический портрет мужчины, занимающего высший церковный пост. Иннокентий X был весьма интересным человеком. Он санкционировал судебные процессы против дворян — расхитителей государственных средств, украсил Рим великолепными архитектурными сооружениями и т. д. Он был, вероятно — и портрет убедительно свидетельствует об том,— не только очень проницательным и умным, но и мудрым, и справедливым. И это был папа.

Почему мы подчеркиваем это? Прежде всего потому, что портрет, принадлежащий кисти Веласкеса, является но просто портретом Иннокентия X как частного человека (Его собственное имя Джамбаттиста Памфили), но и художественным поиском выхода из определенной исторической  ситуации, поиском решения определенных проблем эпохи.

На портрете перед нами — проницательный, мудрый и справедливый человек, облечённый верховной церковной властью. Да, таким его мог видеть Веласкес.

Бэконовская версия образа приводит к тому, что перед духовным взором зрителя теперь прямо-таки с беспощадной наглядностью предстают последствия включённости индивидуума в систему, которая умных, проницательных, интеллигентных людей превращает в этаких Торквемадо.

Френсис Бэкон «этюд №7»
Френсис Бэкон «этюд №7»

Мир не изменится от того, что на место недалёкого придет мудрый, на место тупого — проницательный, на место глупого — умный, на место несправедливого — справедливый. Мир можно изменить только путём уничтожения эксплуататорского общественного строя, путём уничтожения системы, при которой положительные человеческие качества превращаются в карикатуру на самих себя. Мир можно изменить только путём установления нового строя, при котором проницательность не будет служить орудием тайной полиции, ум — орудием «изобретателей» и «стратегов», разрабатывающих различные формы и способы угнетения, а чувство справедливости не будет спекулятивно использоваться для защиты всего того, что вообще не должно иметь места с точки зрения развития гуманистической сущности человеческого общества. Мир можно изменить только путем установления такого общественного строя, при котором жестокость полностью уступит место мудрости и глубокому взвешиванию будет подвергаться всё то, что необходимо будет предпринять при разрешении важнейших коллизий человеческого бытия.

Савва Шабоук "Искусство - система - отражение"

стр. 151-155

Издательство "Прогресс", Москва, 1976 год. Перевод с чешского

 

P.S. Перед нами пример типичнейшего искусствоведческого мудрствования. Посудите сами, ну какой «философской мудростью» может обладать, какую «глубокую идею» может дать науке, искусству, да и вообще любой сфере человеческой деятельности, алкоголик, наркоман, карточный игрок и пассивный гомосексуалист, не получивший не только художественного, но и вообще никакого систематического образования? А именно таким и был английский художник Френсис Бэкон (1909-1992), в отличие от его прославленного предка, знаменитого английского философа, носившего то же имя - Френсис Бэкон (1561-1626).

Савва Шабоук сознательно не упоминает о других «этюдах» Ф. Бэкона на тему знаменитого портрета кисти Веласкеса просто потому, что они не ложатся в его высокоумную, высосанную из пальца, схему «содержательного синтеза, обогащающего художественную традицию». О каком, собственно, «обогащении художественной традиции» можно говорить, если какой-то забулдыга попросту, как сейчас принято у молодёжи говорить, стебается над произведением действительно великого художника, которому он и профессионально, и как личность, даже в подмётки не годится?

Если бы сам Бэкон захотел вложить в свои «этюды» какую- либо идею, то вряд ли это были бы этюды под номерами, наверное, он бы их как-нибудь назвал в соответствии с заложенными в них мыслями. Между прочим, Ф. Бэкон, хоть и прожил несколько месяцев в Риме, сам «Портрет папы Иннокентия X» сходить посмотреть так и не удосужился. Это тоже о чём-то говорит.

 

Может быть я и не прав, но посудите сами. Вот ещё несколько «этюдов» Ф. Бэкона на тему портрета Веласкеса. Эти карикатуры на папу римского вполне могли бы быть опубликованы в советском журнале «Крокодил», если б были снабжены комментариями типа «прогрессивный английский художник бичует пороки Римского Папы» (кстати, сам Ф. Бэкон был атеистом).

Френсис Бэкон «Этюд к портрету папы Иннокентия X»
Френсис Бэкон «Этюд к портрету папы Иннокентия X»

 

Френсис Бэкон «Этюд к портрету папы Иннокентия X»
Френсис Бэкон «Этюд к портрету папы Иннокентия X»

 

Френсис Бэкон «Этюд к портрету папы Иннокентия X»
Френсис Бэкон «Этюд к портрету папы Иннокентия X»

Меня совершенно не впечатляет, что работы Френсиса Бэкона стоят десятки миллионов долларов – деньги это деньги, инвестировать можно во что угодно, лишь бы потом прибыль приносило, а мастерство – это мастерство, без него нет искусства, а есть мазня и выкабенивание, кривляние, эпатаж, модерн арт, квази унд фантазиум (вспомните Остапа Бендера), чёрт те что, и что угодно, только не искусство.

Как тут не вспомнить чеканную формулу: великий художник – это такой художник, за которого платят великие деньги.

 

Александр Гремитских

 

Вот один из «шедевров» Ф. Бэкона, купленный за 86,2 миллиона долларов в 2008 году небезызвестным Романом Абрамовичем:

Несколько слов о художественном познании увеличить изображение
Несколько слов о художественном познании

Франсиско Гойя «Расстрел повстанцев в ночь на 3 мая 1808 года»
Франсиско Гойя «Расстрел повстанцев в ночь на 3 мая 1808 года»

Основные тенденции человеческого бытия подчиняются закону взаимного воздействия объектов. В определённые периоды они являются внутренними, скрытыми тенденциями и лишь со временем выступают на арену внешних процессов. Поэтому постижение этих тенденций — это постижение перспектив будущих изменений. Центром системы человеческого бытия является человек. Существуют два вида преобразования процессов, характеризующих собой функционирование общей системы бытия, во внутренние процессы жизни самого человека как элемента этой системы: материальный (обмен веществ) и духовный, то есть преобразование внешних воздействий в психические процессы.

Художественное познание как познание потенциала возможных изменений тесно связано с конкретными процессами функционирования всей системы бытия в исторических рамках той эпохи, в условиях которой создаётся произведение. Художник, как непосредственный участник жизненных процессов, может постигать их существенные тенденции именно в той мере, в какой эти процессы становятся содержанием его внутренней, духовной жизни и в какой они оказывают влияние на его общие позиции и творческую активность. При этом внутренним достоянием сознания художника, процессов, протекающих в нём, естественно, становятся также позиции и кокретная деятельность других людей – индивидуумов, общественных групп, классов и целых народов.

Глазами художника, таким образом, система человеческого бытия как бы всматривается в самоё себя, в своё собственное будущее. Это мы уже отмечали в связи с анализом художественного произведения как своего рода орудия. Однако основные тенденции, которые имеют место в системе бытия в каждый данный момент, находятся в постоянном изменении. Поэтому художественное произведение не может предвосхитить будущее системы во всём его объёме, во всех подробностях и с абсолютной точностью.

Пабло Пикассо «Резня в Корее» 1951 год
Пабло Пикассо «Резня в Корее» 1951 год

Даже такой гениальный художник, каким был Гойя, не мог предугадать эволюцию войн и те крайние формы их бесчеловечности, которые выявились уже в эпоху Пикассо. То проникновение в действительность и познание её, которое реализовано в картине Гойи, также убеждает нас в бесчеловечности войн и наличии тенденций к их ожесточению; но мысль об опасности самоуничтожения человеческого рода, естественно, не могла прийти ему в голову: такая тенденция не намечалась ещё в реальной жизни в его время. Сам Гойя еще не знал и никак не мог знать этой тенденции. Однако произведение Гойи, рассматриваемое не само по себе, а как компонент идейно-содержательного синтеза, осуществленного на более высоком этапе развития Пикассо, ориентирует наши мысли, чувства и волю также и относительно этой тенденции, мобилизуя нас, все наши душевные силы в их гармоническом единстве на борьбу против неё. Таким образом, благодаря произведению Гойи как компоненту содержательного синтеза определённая тенденция объективных процессов в системе человеческого бытия становится достоянием нашего сознания при одновременном уяснении совсем иных, противоборствующих тенденций. Результатом является наша антивоенная активность, которая в свою очередь вновь воздействует на систему бытия. И существует реальная возможность, внушающая большие надежды на то, что нам удастся прекратить действие этой тенденции в жизни человечества.

Гойя, таким образом, дал нам максимально адекватное отражение реальной жизни, но при этом он достиг только той глубины познания, которая была возможна в его время. Однако максимально адекватное отражение и постижение процессов бытия доступны не каждому художнику. Иной художник может занимать и такую позицию в системе человеческого бытия, которая является менее благотворной или же отнюдь не благотворной для осуществления такого познания. Мы имеем в виду случаи, когда художник изолирован от главного потока, от главного направления жизненных процессов.

Чаще всего так бывает, когда художник не нашёл пути к общественным силам, борющимся за утверждение и развитие тех тенденций общего движения жизни, которые ведут к улучшению материальных и духовных условий существования всего человеческого рода. Но именно эти прогрессивные тенденции имеют все основания (как это было всегда) рано или поздно восторжествовать. Художник, который в силу тех или иных причин не слился полностью, всем своим человеческим существом с эти ми тенденциями, не отождествил себя с ними, не может дать адекватного познания объективной действительности, Таким образом, художник испытывает в обратной последовательности действие тех же законов, проявления которых мы наблюдали по отношению к воспринимающему.

Художественное произведение требует от автора, что бы он «напитал» сферу его значений и содержания своим собственным личным опытом. И художник действительно исходит из своего личного, собственного опыта. Творя произведение, организуя вводные элементы, с которыми так или иначе ассоциируются различные элементы этого опыта, он создаёт условия для взаимодействия этих элементов и достигает постепенно таким образом не только познания существующих в жизни отношений, но и открывает пути их изменения. Однако для того, чтобы устремления художника были оптимальным выражением исторических перспектив развития человечества, сокровенный жизненный опыт художника должен быть теснейшим образом связан с борьбой за утверждение и усиление тех тенденций, которые имеют все основания в конце концов (пусть даже в далёком будущем) победить. В случае же отсутствия внутренней связи художника с прогрессивными тенденциями развития общества личный опыт художника ведёт к искажению действительности, парализуя само художественное познание.

 

Савва Шабоук "Искусство - система - отражение"

стр. 146-149

Издательство "Прогресс", Москва, 1976 год

Перевод с чешского

 

На аватаре: Франсиско Гойя. Автопортрет. Около 1790–1795 годов. Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando

 

Об этюде и картине увеличить изображение
Об этюде и картине

 КАРТИНА ЧАСТО УСТУПАЕТ ЭТЮДУ И ПОТОМУ ВАН-ГОГ ПИСАЛ СРАЗУ ЭТЮД-КАРТИНУ жанры эти почти ничем не отличаются - просто часто картина хуже этюда или эскиза - это как всё равно, что когда человек говорят прямо что думает или после долгих репетиций... картон лучше холста поскольку не подвержен опасностям обвисать и натягиваться от смены погоды от влажности к сухости что вызывает трещины - картон просто утолщается или утоньшается от смены погоды.

 

Юрий Коссаговский

О некоторых проблемах в художественном творчестве увеличить изображение
О некоторых проблемах в художественном творчестве

Существуют художники, которые не сознают или не хотят сознавать ответственность за результаты своего творчества, готовы полагаться в своих творческих поисках на волю случая.

Макс Эрнест, например, был убеждён, что создаёт свои коллажи по принципу случайного сочетания далёких объектов в необычном (или неподходящем) контексте (то есть в художественном произведении).

Художника, который провозглашает такую теорию своей программой, который говорит, что не он, а случай является творцом его художественных произведений, естественно, уже не упрекнуть в том, что единственная цель его творчества – утверждать себя самого в качестве художника. Но, отрекаясь от собственной творческой активности, такой художник, по существу, превращает себя в слепое орудие случая. В этом и состоит ошибочность данной теории.

Случай, конечно, может вмешаться, и часто вмешивается в процесс художественного творчества. Интересный пример такого рода приводит в своём дневнике Э. Делакруа. Работая над «Марино Фальеро», он тщетно  искал в своей памяти краски, которые завершили бы процесс создания картины. И вот по дороге в Лувр он неожиданно увидел нужный оттенок. Это был оттенок жёлтого цвета в тени под кузовом жёлтой кареты. Здесь художник стремился постичь сущность определённых общественных явлений, определённых сторон действительности, и случай лишь пришёл к нему на помощь.

Художник всё время находится под впечатлением разного рода сочетаний предметов и предметных форм, но какие из них будут использованы в его произведении, решает он сам. Это совершенно очевидно, и мы убеждены, что даже упомянутый Макс Эрнст не смог бы ничего возразить против этого. Художник же, полагающийся лишь на случай, ставит, собственно говоря, нормальный творческий процесс с ног на голову. Если говорить о сути подобной программы, то такой художник отдаёт на волю случая даже сам выбор предмета изображения. Таким образом, самой действительности с её случайными и необычными сочетаниями предметов и явлений предоставляется возможность «высказываться», как ей заблагорассудится, а роль художника сводится к пассивной фиксации её «высказываний».

С аналогичным подходом мы встречаемся и у сюрреалистов. Их так называемое «автоматическое письмо» представляет собой якобы лишь пассивную запись «диктата подсознания». Художник, естественно, может фиксировать все, что ему угодно. Но решающее значение имеет не то, что он фиксирует само по себе, а что именно им отобрано и что отброшено (как непригодное для художественного объяснения объекта действительности, который привлек внимание художника).

Вообще история теоретического искусствознания даёт много примеров понимания искусства как пассивного перенимания и записи. Разве художника не представляли в роли передатчика голоса божества, в качестве орудия реализации божественной воли, разве его творчество не трактовали как форму самораскрытия и самосознания абсолютной идеи, считая её первоосновой всего сущего и т. д.?

Художник, исповедующий программу формализма, не желает быть пассивным, но зато впадает в другую крайность. Он исходит из того, что сам является абсолютным творцом, так как якобы создаёт новые, абсолютно автономные объекты, ни с чем в мире не связанные. Если же перед памп художннк-субъективист эгоцентристского типа, то последний добавит, что он своим творчеством одновременно открывает выразительные возможности материала (в живописи, например,— красок, в поэзии — слов, в скульптуре — особые выразительные возможности дерева, глины, гранита, мрамора и т. п.), но ни в коем случае не согласится считать своей целью раскрытие существенных, характерных черт действительности, которая существует независимо от искусства. Такая цель, по его понятиям, лишила бы его того, что он называет творческой свободой.

Такой художник как Ван Гог тоже преднамеренно создавал в своих картинах интервал между сходством и различием и тем самым открыто заявлял о присутствии своего авторского «я». Благодаря этому он одновременно направлял наше внимание и на изображенную действительность и на себя самого, показывая нам процесс своего собственного движения к этой действительности. Ван Гог, несомненно, писал свои картины не ради того, чтобы продемонстрировать своё искусное умение владеть красками, изобразительными формами, линиями, свою способность создавать необычные их соотношения; не ради того, чтобы, по-особенному организуя разные материалы и сочетая их необычным образом, открыть их новые выразительные возможности, ещё не осознанные другими. Всё это, конечно, содержится  также и в результатах его творчества, но именно также, «помимо всего прочего». Ибо Ван Гог преследовал куда более важную цель: осмыслить художественно проблему своего собственного бытия в мире.

А проблема эта всегда выражает двустороннее отношение.  Одним его полюсом выступает реальный внешний мир, другим - реальность человеческого субъекта. Это двустороннее отношение, это активное взаимодействие двух полюсов является процессом, в котором обе стороны всё время взаимопроникают и вызывают изменения друг в друге. Человек ощущает потребность неустанно осознавать эти взаимные воздействия, изменять своё целостное отношение к миру и это изменившееся отношение вновь проецировать в сферу бытия, преобразуя его. При этом человек нуждается не только в том, чтобы вскрывать существенные черты явлений действительности, лежащей вне его, но и в том, чтобы постигать себя самого, осознавать свои возможности. Это, конечно, достигается не только средствами искусства. Но никаким иным путем, кроме как через художественное творчество, люди не могут постичь конкретный процесс человеческого бытия во всём богатстве его проявлений и сущностных черт, процесс конкретного взаимопроникновения человека и реального мира.

Поэтому в картинах Ван Гога (как и в любом другом неформалистическом произведении искусства) мы обнаруживаем диалектическое взаимодействие указанных двух полюсов, с одной стороны, действительность, осваиваемую творческой личностью, а с другой — духовный мир творческой личности, испытывающей воздействие действительности. Интервалы между этими сферами, устанавливаемые художественным произведением, являются главным средством раскрытия существенных черт той действительности, которая составляет предмет искусства, — действительности человеческого бытия.

 

Савва Шабоук "Искусство - система - отражение"

стр. 29-34

Издательство "Прогресс", Москва, 1976 год

Перевод с чешского

Грандиозный проект серии выставок картин И.Е. Репина увеличить изображение
Грандиозный проект серии выставок картин И.Е. Репина

Государственный Русский музей отправляет в Москву в Третьяковскую галерею более 70-ти произведений И.Е. Репина. Этой выставкой отмечают 175-летний юбилей  со дня рождения гениального художника. Она будет открыта в музее уже совсем скоро: в 2019 году, 16 марта. Работники музеев осуществляют исключительные меры для сохранности и защищенности картин великого художника. Полотна перевозят в столицу как груз особого назначения с повышенной охраной.

 

Масштабное мероприятие

 

Экспозиция «Илья Репин» представит зрителям более трёхсот полотен, эскизов, рисунков. Такой поистине грандиозной выставки, которая  должна представить современное осмысление творчества живописца, ещё не было. Русский музей отправляет и хорошо знакомые и любимые работы вошедшего в историю художника: «Садко», «Какой простор!», и менее известные. Кроме них будут показаны работы великого мастера ещё из двадцати шести музеев Российской Федерации, зарубежья и некоторых частных собраний. Эта экспозиция в Третьяковской галерее будет закрыта 18 августа текущего года. После этого ГТГ подготовит к отправке в Русский музей те картины, которые в нём никогда не экспонировались, за одним исключением: «Иван Грозный и его сын». К запланированной на октябрь юбилейной выставке  И.Е. Репина в городе на Неве тщательно готовятся.

 

Значимое произведение

 

Огромное полотно, одно из важнейших вех в истории русского искусства и по масштабам, и по значению, которое смогут внимательно рассмотреть гости столицы и её жители – это «Торжественное заседание Государственного совета». Оно было написано к столетнему юбилею этого учреждения. С большой осторожностью совсем недавно это громадное произведение, размеры которого 4 метра в высоту и  почти 9 метров в длину, демонтировали со стены. Одновременно над этим работали девять сотрудников. Это было невероятно сложно, но они уложились в один день. Реставраторы привели картину с надлежащее состояние. Само полотно было накручено на вал с большим диаметром. Художники-реставраторы уверены, что в пути дефектов у картины не произойдёт. Конечно, при этом экстраординарном событии присутствовали представители массмедиа. За восемьдесят лет пребывания в Русском музее  это эпохальное полотно лишь второй покидает родные стены. Первый раз  этот шедевр возили в Кремль в 2002 году.

 

Краткое описание картины

 

Илья Ефимович, получив официальный правительственный заказ от Николая II, находился на юбилейном заседании. Он также неоднократно бывал на подобного рода мероприятиях, и его требование, чтобы члены Совета позировали художнику, было выполнено. А их было около 80-ти лиц. Сроки живописцу дали сжатые, и, чтобы в них уложиться, Илье Ефимовичу помогали Б.М.  Кустодиев и И.С. Куликов. В результате это  полотно имеет огромную историческую и художественную  ценность.

 

Усиление мер безопасности

 

Как именно будет осуществляться безопасное путешествие шедевра, конечно, не раскрывается. Но, помня о хищении картины А. Куинджи в январе этого года, халатности никто не допустит. В. Гусев, директор ГРМ, считает, что этот инцидент может научить строже относиться к своим обязанностям. Недавно министр культуры В. Мединский в связи с дерзким похищением картины Куинджи объявил директору ГТГ выговор, а к части сотрудников будут применены наказания за нарушение трудовой дисциплины. Как считают эксперты, говоря простым и доступным языком, кража была произведена в результате небрежности и невнимательности к служебным обязанностям. И вот теперь во многих музеях (Эрмитаж, ГРМ, ГМИИ им. Пушкина и других) до конца марта будет произведена проверка должной охраны произведений искусств.

 

Проблемы Русского музея

 

В то время, когда все осуждают директора Трегулову, которая не смогла обеспечить сохранности произведения А. Куинджи, у Русского музея появилась трудноразрешимая задача. Одновременно в залах корпуса Бенуа и в анфиладах Михайловского дворца обнаружились протечки крыши. Осыпалась штукатурка и нанесла ущерб иконе «Чудеса Богородицы Тихвинской» (XII век), а также на портрете Александра II (работа живописца Рейхерта) пострадал слой лака. Это счастье, что в затруднительное положение не попали фондовые и реставрационные помещения. Крышу будут ремонтировать как только позволит погода.

 

Юбилейная выставка – это только начало

 

Чтобы ни случилось в наших музеях,  праздник по поводу 175-летия со дня рождения И.Е. Репина в наших музеях будет обязательно проведён. Более того, он станет началом подобных мероприятий в городах России, а также во Франции и Финляндии. Современный зритель, особенно зарубежный, узнает работы нашего гениального художника, на которого равнялись живописцы Российской империи  с середины XIX  и до начала XX столетия.

 

Татьяна Пиксанова

 

На аватаре: Илья Ефимович Репин  «Торжественное заседание Государственного совета 7 мая 1901 года, в день столетнего юбилея со дня его учреждения» 1903 год, 400×877 см

Илья Ефимович Репин

Как я полюбил живопись увеличить изображение
Как я полюбил живопись

Картины Гремитских - это... Красиво... Душевно...!

... Любовался ими... Вспоминал детство...

... Мне было тогда уже целых 7... Ясный морозный день у речки на окраине города... Сосновый лес за рекой... Солнышко садится. Мы с приятелями — с горок на санках... Радости, веселья у нас... — полные штаны!!!

Не сразу заметил я тогда мужчину, стоявшего неподалёку у ящичка с тремя ногами...

На откинутой крышке ящичка — что-то было такое, вокруг чего быстро кружилась его рука...

Мне стало любопытно... Подошёл. Обошёл. Подошёл вплотную к ящичку...

Там — разноцветные маслянистые пятна на фанерке. А под фанеркой смятые грязные тюбики на дне ящичка...

Мужчина быстро тыкал в смешавшиеся на фанерке краски большой длинной кистью... И сразу же начинал затем вращать этой кистью по небольшой картонке, что была на откинутой крышке ящичка.

Жёлтое солнце, голубое небо, искрящийся на солнце снег с голубыми тенями — всё это было здесь, вокруг меня. А на картонке...

... На картонке той — мрачно кружились темно-серые серебристые переливы... И что-то совсем уж тёмное волнистой полосой проходило по картонке слева на право. Мне почудилось, что это "тёмное совсем" — похоже будто на лес...

Позже мне объяснили, что мужчина этот — художник, что писал он этюд...

Объяснили, что писал он "тёмно-серыми кругами своими" берег наш холмистый, речку, лес за речкой, небо...

Писал то, и так, что и как ОН видел.

И стоял я тогда, помню, у этой, кружащейся на картонке серой мазне света, долго... пока не замёрз. Отойти не мог — был "мазнёй" околдован.

Прошли годы. И понял я, наконец, КАК ЖЕ МНЕ ТОГДА ПОВЕЗЛО!!

Я впервые в жизни увидел тогда настоящую, ЖИВУЮ живопись... Потому и околдован был ею, наверное.

Околдован был мрачной этой тёмно-серо-грязной "мазнёй" на картонке.

 

Александр Парацельс

Как постановление Правительства пошло во вред художникам увеличить изображение
Как постановление Правительства пошло во вред художникам

Очередной документ, созданный в 2018 году, требует от продавцов ИЗО отчислять  5% от суммы перепродаж в организацию УПРАВИС. Эти деньги должны попасть к художнику или его наследникам. Почему это плохо? Профессионалы арт-рынка соглашаются, что платить такие отчисления надо, но не через посредника, каковым является УПРАВИС, потому что не ясно, как распоряжается деньгами этот новый бюрократический орган.

 

Из истории вопроса

 

Сначала скажем, что далеко не все дилеры, аукционисты и галеристы согласны с постановлением Правительства № 285. Круглый стол, который был устроен для согласования мнения участников рынка искусства и УПРАВИСа, составил проект резолюции, где промелькнула фраза, что все, кто в нём участвовал, согласны платить этот, по сути новый 5% налог. А между тем это далеко не так. Никакой продавец не пожелает просто так отдать деньги за проданный им товар. Это так называемое «согласие» –  скорее дипломатический шаг, чтобы дальше продолжить переговоры.

В XIX веке, когда впервые встал вопрос о праве наследования, это была разумное решение, потому что художники умирали рано, не дождавшись признания и продав за гроши свои картины. А потом наследники смотрели, по каким баснословным ценам уходят на рынке произведения их мужей и отцов, а они по-прежнему прозябают в нищете. В  то время это был благородный шаг.

 

Что же происходит сегодня?

 

Такую ситуацию в наши дни представить крайне сложно. Поэтому встаёт вопрос о справедливости. Профессору ВУЗа не платят при переходе его выпускника на должность с более высокой зарплатой, архитектор и строитель также лишены права получать долю с перепродажи построенных ими домов и квартир. Нет оплаты врачу, если его пациент был вылечен и получил высокооплачиваемую должность. Художники находятся на особом положении. А меры полуторавековой давности не защищают ни его, ни наследников. Особенно страдают при этом наиболее бедные и самые нуждающиеся. Все, кроме государства, желают, чтобы продажи картин шли хорошо, чтобы цены на них росли, и на аукционах  накапливалась статистика.

 

О чём говорят расчёты?

 

Допустим, аукцион продал картину за 30 тысяч рублей. Его доля от продажи – 20%, что в денежном выражении составит 6 тысяч рублей. Отчисления автору – 5%, т.е. 1500 рублей.

Аукциону останется  6000 – 1500= 4500 руб. Не слишком много для того, чтобы принять на работу нового сотрудника, который будет поддерживать контакты с  УПРАВИСом. Ведь новичок должен зарабатывать не менее чем 30 тысяч рублей (это только на еду, даже на бензин не хватит), что с налогами на зарплату составит 45 тысяч. А чтобы заработать на дополнительного работника, надо продавать 22 – 23 картины в месяц по вышеозначенной цене. Кроме того, надо заработать на  оплату всем другим сотрудникам. То есть продавать ежемесячно надо не менее 50-ти таких рисунков и картин. Это нереально. Существует ещё более низкий ценовой диапазон от 10 до 20 тысяч. Он вообще станет нерентабельным. Аукционы, чтобы выжить, перестанут вести торговлю хорошими недорогими картинами. Вот тут-то художникам придётся тяжело. Реально трудно. Если не подавать сведения в УПРАВИС, то по каждой проданной картине аукцион заплатит штраф – 10 000. Поэтому, чтобы выжить, дилеры будут принимать только картины от 150 000 рублей  и выше, потому что отчисления бюрократам одинаковы, а заработок разный. И что делать тем, кто пишет картины хорошо, но недорого?

 

Чёрный рынок

 

Почти всё, что стоит ниже 150 тысяч рублей уйдёт в подполье. Но и там особенно не развернёшься, потому что сложился круг продавцов и покупателей, и новичку пробиться туда будет сложно. Всем требуются новые покупатели, которых можно найти только по интернету или на публичных продажах. А если и это закроется, то продавцы, хорошие живописцы, графики и покупатели просто не найдут друг друга. Вот чем обернётся нововведение.

 

Какие возникают вопросы

 

Эти выкладки просты и наглядны. Но всем, кто ещё поверил в них, предлагается самостоятельно подумать вот о чём:

Будут ли платить отчисления, если вы не оформили своё право наследования? Много или не много у нас имеется таких лиц?

Знаете ли вы таких современных художников, которых не ценили при жизни, а теперь их картины продаются по высоким ценам и в больших количествах, как это было в XIX столетии?

Каким станет уровень жизни наших современных художников и законных наследников советских художников, если аукционы перестанут принимать на торги произведения дешевле 150 тысяч рублей?

Произведения хорошо продавались, пока они стоили в пределах 60 тысяч рублей или чуть больше. Будут ли аукционы продолжать сотрудничество с таким художником, если он резко не перейдёт к ценам более 150 тысяч рублей? А если он не попадёт в высокий ценовой сегмент, то как его защитит государство?

Галерея продала недорогую картину  и заработала 4 тысячи рублей. Затем  она получила извещение о прокурорской проверке и требование о выплате в 1 тысячу рублей, плюс штраф в 10 тысяч рублей. Продолжится ли совместная работа галереи с художником?

Коллекционер 20 лет назад купил картину у художника за 300 тысяч. Сейчас ему срочно нужны деньги, и он продаёт её вдвое дешевле. К тому же он должен заплатить 5%  автору. Это справедливо?

Куда уйдут деньги, если наследники не предъявили своих прав? Они просто не знают о перепродаже. Будут ли их искать, если предусмотрено, что в таком случае указанная 5% сумма через три года направляется на развитие УПРАВИС?

 

Незамысловатые раздумья

 

Новое постановление приведёт только к одному. Бедные художники будут нищать. Признанные мэтры, цены на работы которых доходят до миллиона рублей и выше –  богатеть. С ними все с удовольствием будут сотрудничать, получая большую выгоду. Именно они и их наследники станут получать установленные законом 5%.

 

Чем завершится государственная инициатива

 

Талантливому молодому художнику будет невозможно пробиться в нашей стране. Их картины не станут брать аукционы, у них не будет официальных продаж, по которым определяется стоимость живописи и графики. Коллекционеры также не будут приобретать картины малоизвестных художников, так как их сложно будет перепродать в случае необходимости. 5% от стоимости им и их наследникам никто выплачивать не будет, потому что сделки будут тайными.

Если бы чиновники думали о пользе и справедливости на арт-рынке, то действовать следовало бы  иначе:

Ввести минимум на цену, с которой следует оформлять отчисления.

Взимать деньги с прибыли, а не с убытков. Если в течение нескольких лет стоимость возросла при перепродаже, налог следует получить. А если она упала, то и 5% выплат не должно быть.

Важен также вопрос открытости. Следует публиковать фамилии художников и их наследников, у которых оформлены договоры по защите прав. Тогда будет ясно, к кому попали деньги. Но так делать не стали. Почему? Каждый найдёт свой ответ. Фактически о художниках государство не стало думать и не позаботилось вообще.

 

Татьяна Пиксанова

Дискуссия на Facebook по поводу статьи А. Гремитских «Чем отличаются картина, этюд, эскиз и набросок? Что лучше, холст или картон?» увеличить изображение
Дискуссия на Facebook по поводу статьи А. Гремитских «Чем отличаются картина, этюд, эскиз и набросок? Что лучше, холст или картон?»

Olga Nikonova: Думаю, есть разница между терминами «картина» и «жанровая композиция». Жанровая композиция - может быть картиной, а может быть эскизом, а пейзаж может быть этюдом, эскизом и законченной картиной, если я правильно понимаю ниже статью Александра Гремитских «Чем отличаются картина, этюд, эскиз и набросок? Что лучше, холст или картон?»

 

Любовь О.: Картина может быть не жанровой, но сюжетной обязательно.

 

Olga Nikonova:  Но если перечислить сюжеты, то они обязательно предполагают жанровость. Сюжет обязательно связан с чем-то с историей или бытом или фэнтэзи, а вот пейзаж - тоже жанр, но он не обязательно предполагает сюжет. Работы Шишкина, без медведей - картины или что?

 

Любовь О.: Сюжеты невозможно "перечислить", они неисчислимы. А тем не так уж и много, например: мать и дитя, художник и модель, война и мир, спортивная тема и т.д. В каждой теме подразумевается миллион сюжетов, сколько художников-картинщиков, столько и сюжетов, хотя тема может быть одна. Вы путаете жанры: картина, портрет, натюрморт, пейзаж - жанры станковой живописи. У Шишкина, конечно, пейзаж.

 

Olga Nikonova: Я не путаю. В жанры живописи не входит понятие картина- так как оно не отображает содержания художественного произведения.

 

Любовь О.: Ольга, не смешите меня, картина включает в себя ВСЕ жанры живописи, включая интерьер и анималистику, и поэтому называется королевой живописи!)

 

Olga Nikonova: Да, и не обязательно сюжет. Как быть с абстракцией . Можно ли сочетать слова Абстрактная картина?

 

Любовь О.: Абстрактная живопись. Сюжет обязателен для станковой картины.

Olga Nikonova: Есть понятие станковая живопись, сделанная на станке. А там уж картина в вашем понимании из жизни того или иного человеческого существа или даже животного или пейзаж Айвазовского или Куинджи - если есть замысел и идея ( не случайная), тщательное воплощение, композиция - вот и картина.

 

Любовь О.: У вас лично есть определение слову "Картина" ?

 

Olga Nikonova: Думаю сюжет всегда можно отнести к тому или иному жанру, всё перечислять не обязательно. Как может картина, имеющая сюжет быть не жанровой?

 

Любовь О.: Конечно, есть. Понятие картина прилагается к произведениям сюжетного характера, основу которых составляет изображение человеческих действий, общественных событий. Т.е. событие, действие - непременное условие картины. Кстати, термин "тематическая картина" прилагается только к революционным сюжетам. Мне кажется, вам легче приехать ко мне на лекции по теории композиции станковой картины, чем мне здесь излагать вам их содержание.

 

Olga Nikonova: Просто это немного разные понятия жанры живописи(портрет, пейзаж, марина, сюжетная живопись) и жанровые картины( с сюжетом) Бытовой жанр, исторический, фэнтези... Но понятие картина включает их всех. Но ведь "сюжетная живопись" - может быть и эскизом и этюдом, картина - это когда всё задумано, скомпоновано, продумано, закончено. "тематическая картина" прилагается только к революционным сюжетам) - странное утверждение. ))

 

Любовь О.:  Почитайте "Справочник терминоов изобразительного искусства". ФСЁ. мне скучно, благодарю за беседу.

 

Olga Nikonova: Я вам хотела посоветовать, я тут ни одного слова не написала, чтобы с ним не свериться.

Любовь О.:  Пожалуй, это уже квалифицируется как хамство.

 

Olga Nikonova: Ну почему, вы ведь советуете мне почитать, или приехать послушать Вас на лекции, почему же аналогичный совет -  хамство? Думаю, просто Вы не правы.

 

Любовь О.:  Продолжайте "думать".

 

Olga Nikonova: Пейзаж - это тоже сюжет. Сюжет не обязательно быть действенным, может быть и бездейственным но чувственным. (Слово композиция- заменила на слово живопись в верхнем слове.)

 

Olga Nikonova: Александр Владимирович, добрый вечер! Я прочитала вашу статью по терминам "эскиз , этюд , картина"  И хотела бы узнать ваше мнение по поводу своей работы, приведённой ниже. К какой категории вы бы отнесли мою работу "Прогулка" (Эта работа стоит на аватаре. А.Г.). Думаю вопрос принципиальный, а не для самооценки.  Вашей статьёй я поделилась на своей страничке. Но, не не в ряду эскиз, этюд, картина, а  в ряду картина? или пейзаж с фигурами? Можно ли назвать картиной?

 

Александр Гремитских: Однозначно жанровая картина, которая так называется - "Прогулка". Пейзаж здесь служит только фоном. Вы просто путаете термины "картина" и "композиция". Вот если бы осенний пейзаж был здесь основным, а где-то вдали виднелись фигурки двух велосипедистов, то это был бы однозначно пейзаж со стаффажем, который, согласитесь, назвать "Прогулка" было бы сложно.

 

Olga Nikonova: Можно ли называть картинами произведения Шишкина, Саврасова, Левитана, Абстрактную живопись?

 

Александр Гремитских: Можно, и об этом ясно сказано в моей статье на примере картины Шишкина "Рожь". Что касается абстрактной живописи, то какие там могут быть натурные этюды? И какая это вообще живопись, если "художнику" там вообще ничего уметь не надо? Это чистой воды шарлатанство. В абстрактной живописи просто ничего кроме картин не бывает, и быть не может. Если это вообще можно назвать искусством.

 

Olga Nikonova: Просто мне тут уважемый человек пишет, что: Т.е. событие, действие - непременное условие картины. Кстати, "тематическая картина" прилагается только к революционным сюжетам) Я согласна с Вашей статьёй- она мне понятна совершенно и логична.

 

Александр Гремитских: Про тематическую картину у меня в статье тоже достаточно подробно сказано.

 

Olga Nikonova: Ну вот педагог, преподающий живопись , своим студентам излагает, что  у Шишкина не картины- это пейзажи, там нет действия и события( непременного условия, как она пишет) картины. Я благодарна Вам за статью, Просто мне нужно было третье мнение в споре. И, конечно, осознание, что я ничего не путаю.

 

Александр Гремитских: Педагог этот, мою статью явно не читала, и судя по её презрительным ответам типа "ФСЁ. мне скучно." и огульному обвинению Вас в хамстве, чужих мнений не признаёт, и знать не хочет. Весьма жаль, что такие люди воспитывают нашу молодёжь.

 

Olga Nikonova: Вот, я ведь не первый раз с ней спорю, я и не приглашала её к спору,  а получила бан в результате.

 

Александр Гремитских: Как говорится, "Ну что с дурака взять кроме анализа?" )))

 

Olga Nikonova: Я тоже "въедливая"  (видимо это не всем приятно), Ну да ладно. Спасибо.

Подарок мужчине на юбилей - картины на тему охоты и рыбалки. увеличить изображение
Подарок мужчине на юбилей - картины на тему охоты и рыбалки.

На протяжении многих столетий охота и рыбная ловля оставалась неотъемлемой частью жизни человека. И если первобытным людям подобный вид деятельности давал пищу на каждый день, то со времён королей и царей эти занятия превратились в яркое и захватывающее развлечение для самых смелых и отважных. Поэтому неудивительно, что и сегодня эта тема находит своё отражение в живописи. Современные художники тоже часто пишут картины, изображая охоту и рыбную ловлю, любимые сотнями тысяч людей на нашей планете.

 

Тематические картины, посвящённые охоте и рыбалке, могут быть абсолютно разными. Многие авторы прежде всего, пытаются передать естественную красоту природы, изображая непроходимые леса, в которых обитают дикие животные, или лазурную гладь озёр и рек, в которых плещется в изобилии рыба.

 

Другие же художники уделяют повышенное внимание самому процессу, изображая маслом и акварелью охотничьи сцены, пойманную рыбу и дичь, а также собак и соколов, которые являются верными помощниками и друзьями каждого охотника. Как правило, их живопись отличается выразительностью, динамичным сюжетом и реалистичностью изображения.

 

Но каким бы ни был сюжет на холсте, охота и рыбалка – это отличные картины для интерьера, как дома, так и служебного помещения. Разноплановые по сюжету и технике исполнения, картины художников этой тематики превосходно впишутся в интерьер офиса, бильярдной, кафе, ресторана, кабинета или прихожей, станут ярким украшением дачи или загородного дома.

 

Живопись, посвящённая сценам охоты и рыбалки, будет неповторимой изюминкой интерьера, подчеркнёт статус и пристрастие хозяев. Только представьте себе, какое удовольствие Вам принесут работы «Сокольничий», «Натюрморт с дичью» или «На зорьке»! Смотря на них, Вы всегда будете вспоминать о своём любимом хобби, ярких моментах, рекордном улове и просто незабываемом отдыхе на природе.

 

Охота и рыбалка – хобби настоящих мужчин. Поэтому так называемые охотничьи картины могут стать неповторимым и незабываемым подарком для мужчин. Такую картину в подарок можно преподнести любому мужчине, кем бы он для Вас ни был – другом, партнёром или начальником.

 

Хороша картина со сценами охоты будет и в качестве подарка мужчине на юбилей, особенно если юбиляр сам охотник или заядлый рыбак.

 

Интернет-магазин живописи известного московского художника советского периода Владимира Георгиевича Гремитских – это место, где Вы можете купить картины для офиса или дома, в том числе с темами охоты и рыбалки. Выбор представленных на сайте картин довольно большой. При этом, купив картину на этом сайте, Вы всегда будете уверены, что она уникальна и принадлежит кисти именно Владимира Гремитских. Ведь продажа живописи в этом интернет-магазине производится непосредственно сыном художника, который, пожалуй что единственный человек, способный безошибочно, лучше любого профессионального эксперта, атрибутировать работы своего отца, особенно, если учесть что они достались ему по наследству, что многие картины в своё время писались на его глазах, и что он сам занимается размещением живописи и графики на этом сайте.

 

 

 

Рената Ваганова

Декабрь 2018 года. Последние торги на аукционах Запада. увеличить изображение
Декабрь 2018 года. Последние торги на аукционах Запада.

Пик продаж на всех аукционах подошёл к концу. Уже  идут предварительные  итоги. И всё же остались любопытные произведения, которые могут заинтересовать посредников-профессионалов и коллекционеров. Аукционы продолжают работу, а произведения живописцев XVIII– XIX веков, а также творчество одарённых детей с первоначальной стоимостью в две тысячи евро привлекает внимание многих.

«Кристи»

Для ценителей стилей рококо, барокко и романтизма наступил праздник – продажи через интернет без выезда на биржу. А также здесь будут представлены произведения художников и гравёров фламандской и нидерландской школ. Ещё в доме «Кристи» можно приобрести великолепные «Работы старых мастеров. Гравюры и рисунки на бумаге». Конечно, цены завышены, но они ниже  пяти тысяч фунтов.

Особенно выделяется акварель «Городской пейзаж…», написанная художником Я. Бейером. Он многократно переезжал из города в город Бельгии, Нидерландов, Германии и везде работал, изображая здания и улицы различных мест. Его акварель, которую представляет «Кристи», напоминает его другой рисунок, находящийся в архиве столицы Нидерландов. Но число людей на нём меньше, и размер также более мелкий. Пока лот выставлен по ставке восемьсот английских фунтов. Но дилеры предполагают, что его стоимость на торгах увеличится на 400 фунтов.

Такую же стоимость запрашивают за «Речной пейзаж с руинами башни в Зеландии», автором которого является ярчайший представитель романтизма Баренд Корнелис Куккук. Он был обласкан жизнью и современниками. Его высоко ценили, награждали. Наконец, он построил в столице восхитительный дом в стиле романтизма, который стал не только украшением и достопримечательностью Амстердама, но и по желанию мастера Академией художеств.

Эстимейт наброска тушью (Иохан Хенрик Вейсенбрух, 1824 – 1903) весьма скромен, ниже тысячи долларов. Кстати сказать, именно он оценил талант Ван Гога по достоинству. За его работу предложена всего одна ставка: четыреста фунтов.

Но все торги на «Кристи» уже закончились шестого декабря.

«Коллер»

Этот всемирный аукционный дом сделал своим центром Швейцарию и провёл торги в Цюрихе седьмого декабря. На продажу были выставлены многочисленные работы представителей стиля «импрессионизм» и «модерн». Каждое произведение признанных мэтров (П. Клее, Р. Дюфи, Э. Нольде, Г. Климт) было в десять, а то и в сто раз выше двух тысяч фунтов. Однако встретились и очень скромные работы. Это абстракция «Без названия» (1935 год) Макса Акермана из Германии и «Семья» (1963) художника из Аргентины Антонио Сегуи. Эстимейт этих произведений был значительно ниже двух тысяч фунтов.

«Лемперц»

Этот немецкий аукционный дом пятого декабря представил более двухсот работ малоизвестных современных живописцев. Надо быть по настоящему большим профессионалом в этой области, чтобы не ошибиться в выборе. Но и лоты по работам составляли около двух тысяч евро.

Из огромного количества предложения можно обратить внимание на:

коллаж «От мечты до мечты». Автор Г.Ю. Шульц. Эстимейт этой объёмной работы составил примерно тысячу евро;

«Предстоящий отъезд». Стиль сюрреализм. Художник С. Хайнер.

«Без названия» – абстрактный пейзаж. Живописец О. Ланц.

«Кеттерер Кунст»

Владельцы аукционного дома из Мюнхена не определились с представленной ими тематикой. Это смесь произведений от середины XIX до первого десятилетия XXI столетия. Особенно привлекает внимание светлый, полный радости «Зимний пейзаж», написанный в 1939 г. Карлом Райсером. Второе, что запоминается, – это марина «Парусник», созданная в 1979 г. Р. Боттоном. При взгляде на эту работу вспоминаются произведения М. Чюрлёниса.

«Доротеум»

В столице Австрии на распродажу было выставлено 309 лотов. Это работы, написанные позапрошлом веке. Выберем для рассмотрения три:

«Мотив Лаго-Маджоре» (1859) – яркая позитивная марина, которую написал итальянский художник К. Бриоши, отразив в ней свет, тепло и радость своей родины. Его предки были театральными художниками, а сам живописец входил  в состав соучредителей мануфактуры в Вене;

«Сани в зимнем пейзаже» (1920) – прекрасная работа Вадима Фалилеева (1878 – 1950). Это произведение заставляет вспомнить строки «Голубые хребты. Голубая река. Голубые снега на Шантарах». Это чудесное произведение имеет первоначальную ставку в одну тысячу четыреста евро;

и, наконец, последнее – предположительно  поздравительная открытка (1883) с портретом восточной девочки, которая держит в руках букет цветов. Художник К. Вильд.

Благотворительная распродажа

Аукцион «Доротеум» выставил работы талантливых детей и подростков, которые учатся в Вене. Вопреки, а, может быть, благодаря своему возрасту их произведения открывают взрослым мир с большой оригинальностью и своеобразностью.

В завершение следует сказать, что регулярное посещение аукционов весьма поднимает знания коллекционера и дилера и способствует более глубокому знакомству с техниками продаж-покупок. Это уменьшит количество ошибок во время купли-продажи.

Зима. На ВДНХ открывается музейный сезон. увеличить изображение
Зима. На ВДНХ открывается музейный сезон.

В среду 5 декабря 2018 года на ВДНХ состоится значительное событие: будет открыт музейный сезон. Официальный сайт мэра Москвы сообщает, что посетители могут осмотреть 4 новые экспозиции. Он продолжит эксклюзивную программу «Резидент»: обмен музеев своими произведениями.

 

Первая выставка – «Главные герои»

 

Сама экспозиция будет находиться в помещении «Рабочий и колхозница». Она предлагает своим гостям лучшее из коллекции художественного музея Самары: работы В. Серова, И. Репина, И. Айвазовского. Кроме того, зритель сможет полюбоваться на искусство от изысканного лёгкого рококо начала XIII до советского искусства начала 70-х годов. Самарский музей щедро делится более чем 130-ю произведениями изобразительного искусства, которые были написаны в разных стилях и жанрах. Зритель увидит графику и живопись, великолепные светские портреты детей и взрослых, а также авангард и картины социалистического реализма. 

 

Вторая экспозиция

 

Она посвящена творчеству выдающегося писателя. Её название: «Явление героя. В поисках Михаила Булгакова». Документы из более чем десяти архивов и музеев Москвы и Северной Столицы сложатся в рассказ о непростом жизненном пути автора, а также об истории возникновения его произведений. Посетитель увидит раритеты: фотографии и письма, рукописи, личные вещи.

 

Третья выставка

 

Посетителям предложат посмотреть коллекцию «Гламур восьмидесятых. Из фонда Александра Васильева» в павильоне «Гидрометеорология». Много лет коллекционер собирал шокирующие, броские наряды,  украшения и аксессуары. Более 50-ти экспонатов, которые созданы всемирно известными дизайнерами из домов мод «Ив Сен Лоран», «Шанель», «Живанши», «Кристиан Диор» и «Бальман», можно детально и внимательно рассмотреть на этой экспозиции. Кроме того, в дополнение будут  показаны журналы и фотографии того времени.

 

 Заключительная программа

 

По замыслу разработчиков завершением станет выставка «Легко». Ёе автор, Анастасия Вепрева (победитель 3-го сезона в категории «Искусство»), в своих произведениях приглашает гостей к размышлению над непрочностью бытия и памятью об истории. Выставка состоит из 3-х частей:

 

·        земля;

 

·        небо;

 

·        облака.

 

Она призывает проследить за образами и их метафорами, которые сложились в обществе и искусстве и создаются СМИ  как воспроизведение действительности. Автора волнует вопрос, как они после этого «работают в социальной среде» и влияют на массовое сознание.

О статье Александра Гремитских «Чем отличаются картина, этюд, эскиз и набросок? Что лучше, холст или картон?» увеличить изображение
О статье Александра Гремитских «Чем отличаются картина, этюд, эскиз и набросок? Что лучше, холст или картон?»

Совершенно правильные суждения Александра Гремитских насчёт картона и холста как материала для масляной живописи. https://ruskartina.ru/article_19.html Подпишусь под каждым словом. Меня просто бесят тупые выпендрёжники, которые не хотят покупать понравившиеся картины художников только из-за того, что они написаны на оргалите или на художественном картоне. Приходится объяснять очевидное, что холст - это обвисания из-за перепадов температуры, кракелюры и просто трещины, осыпания краски кусками, случайные дыры, рвань и дыры и прорези. То ли дело оргалит - по сути монолит, который прекрасно сохраняет изображение на века, если его только не хранить на морозе и не бросать в воду (но это нельзя проделывать ни с холстом, ни с любым другим материалом). Мой отец более половины своих лучших картин маслом выполнил на оргалите, и ему, и мне потом не приходилось на этих работах заклеивать случайные дыры и реставрировать облупившуюся краску.

 

Леонид Острецов

 

Оптимальный вариант на случай реставрации — холст на картоне (или оргалите, фанере). Опять же, без подрамника обойтись в этом случае можно...

 

Алекс Парацельс 

Фредерик Грант Бантинг - учёный, военный врач, художник увеличить изображение
Фредерик Грант Бантинг - учёный, военный врач, художник

Диабет – грозное заболевание. Оно звучит, как приговор. Для поддержания здоровья существует лишь одно лекарство – инсулин. Если по каким-то причинам больной не может им воспользоваться, то это ведёт к верной смерти. Инсулин открыл молодой тридцатидвухлетний учёный из Канады Фредерик Грант Бантинг.

 

Чем увлекался учёный в свободное время

 

Фредерик Грант рисовал. Нам неизвестно, с какого времени он взялся за карандаши и краски, но канадцы считают его талантливым художником. Он  был дружен с профессиональными художниками, и они наверняка помогали Бантингу советами. Путешествуя по своей родине, он писал пейзажи. Самая известная картина художника Бантинга называется «Лаборатория». На ней изображена именно та лаборатория где был открыт инсулин. Колбы, реторты, склянки, большие флаконы на полках. Всё, что требовалось учёному для работы, запечатлено на его картине. На раме есть надпись: «2 часа ночи». Автор преподнёс картину в подарок своей ассистентке Сэди Грант. Затем эта работа попала к лаборанту Жану Орру. Его родственники продали её в 1943 году уже после гибели автора. И вот теперь она была выставлена на аукцион Heffel Fine Art. Это исторически бесценное произведение сразу привлекло внимание широкой публики. На торгах одновременно поднялось сразу 20 табличек. Борьба за этот лот была долгой. Победа досталась неизвестному, который принял участие в торгах по телефону. Лот был продан за 237 тыс. $ США. Это рекордная сумма для произведений Бантинга.  Глава аукционного дома Дэвид Хеффел передаёт свою премию от покупателя (примерно 46 тыс. $ США) в Торонто, Центру исследования диабета.

 «Лаборатория» Фредерик Грант Бантинг 1925 год, 25.1×34.6 см
«Лаборатория» Фредерик Грант Бантинг 1925 год, 25.1×34.6 см

 

Картины художника Фредерика Бантинга

 

Прежде самой дорогой картиной художника считался пейзаж «Медовая гавань», написанный в 1933 году. На аукционе за него предложили 69 тыс. $ США. Это мирное произведение, где в гавани даже вода спокойна. Она не бьётся о берега, а тихо и ласково соприкасается с землёй. Берега поросли  редким еловым лесом. Картина на холсте производит умиротворяющее впечатление.

 

«Залив в Джорджии»  –  это осенний пейзаж маслом в охристых тонах. Осень открыла художнику всю свою красоту. На переднем плене высокий уступ, который состоит из огромных валунов. А ниже к воде спускаются покрытые золотом деревья. Среди них оказалась и молодая ель. Своей неувядающей зеленью она показывает зрителю, что даже и тогда, когда всё покроется снегом, а вода – толстым слоем льда, то жизнь всё равно будет продолжаться. Надо только дождаться весны.

 

 Также художник любил писать городские и деревенские пейзажи, как зимние, так и летние. Он написал зимний пейзаж деревушки Байе с расположенной в ней церковью апостола Павла. Очень хорош зимний пейзаж Квебека, где всё вокруг небольших деревянных домиков занесено сугробами. А на горизонте, на фоне лазурного неба, высится церковь в честь св. Ирины. Также красив написанный с большой любовью маленький городок в северном Онтарио, где дома взбираются все выше и выше на холм. Замечателен и зимний пейзаж с церковью св. Иоанна, которую окружают домики, занесённые снегом. Врач и учёный Фредерик Бантинг пылко любил свою родину и отразил свои чувства на картинах. Живопись для него была способом восстановить свои силы после напряженных научных изысканий.

 

Татьяна Пиксанова

О важности документов на произведения увеличить изображение
О важности документов на произведения


Часто покупатели не спрашивают у художников о документах на авторские произведения просто, потому что НЕ ЗНАЮТ о такой части соглашения с автором. Но попробуйте к каждой своей картине или к другим авторским работам любых жанров и техник приложить документ, и вы увидите бурную положительную реакцию заказчиков! 
Сертификат, подтверждающий авторские права и выданный официальными лицами профессиональных организаций - это важнейшая часть соглашения сторон в сделках о купле-продаже произведений искусства. 
Если заказчик выбирает работу для себя и у художника в мастерской то он может поверить в то, что покупает авторскую работу. Но если далее заказчик захочет эту работу продать, то одной подписи на картине окажется мало и без документа это будет сделать гораздо сложнее. Фактически, вы экономите деньги и время своего заказчика! 


Николай Седнин. Книга "Рисунки из событий". 2018 г. 

«Мейд ин Чайна» увеличить изображение
«Мейд ин Чайна»

Эти словосочетание хорошо известно всему миру. Раньше оно произносилось с большой иронией, так как качество китайских товаров оставляло желать лучшего. Но прагматичный китайский ум постоянно совершенствует абсолютно всё, что делает человек из Поднебесной, стремясь достичь вершин совершенства. Китайцы, не стесняясь, копируют всё и делают это раз за разом лучше и лучше. А затем ещё лучше. Это положение также относится и к масляной живописи, которая уходит из их мастерских «На ура».

 

На юге Китая в Дафене

 

Копии высокого качества картин маслом известных художников – не изобретение сегодняшнего дня. В середине прошлого столетия масляной  живописи жителей Поднебесной стал обучать замечательный советский художник Константин Мефодьевич Максимов. Три года, с 1954 по 1957  год, он преподавал в Китае, и также проводил мастер-классы в Пекине. С его именем связывается становление и дальнейшее развитие живописи маслом в этой стране. До сих пор он очень любим и хорошо известен китайским живописцам и любителям изобразительного искусства. Они высоко ценят его работы и приобретают его картины маслом за немалые деньги.

Однако в конце XX века создание картин маслом в Китае приобрело уже промышленные масштабы. Сообразительный предприниматель Хуан Цзян привлёк два десятка молодых профессиональных художников и поселил их в тихом местечке Дафен. Свои копии высокого класса они писали с картин старых европейских мастеров и гениев Ренессанса. Особой популярностью у покупателей пользовались Леонардо да Винчи и Ван Гог. Для живописцев это была одновременно и практика, и постоянный верный заработок. Очень быстро число таких мастерских копиистов в Китае стало увеличиваться.

 

Поселение художников

 

В Дафен съезжается большое количество туристов, которых привлекает творческая атмосфера, большой выбор копий картин известных художников и доступные цены. Так, картина маслом, идеально скопированная с полотна какого-либо широко известного в Европе художника, может стоить всего 20 долларов. Портреты, пейзажи, натюрморты, жанровые сценки развешаны на стенах мастерских китайских художников, а зачастую и прямо на улице. Художники ставят свои мольберты на землю, и любой человек может полюбоваться возрождением шедевра. К тому же добраться до деревни живописцев легко. Надо проехать на метро до станций Dafen или Mimianwan. За 20 лет существования этого местечка количество художников выросло в 250 раз! Оно теперь составляет пять тысяч человек. А начиналось всё это всего лишь с двадцати копиистов. И они пишут и пишут с потрясающей скоростью, причём копий одних только шедевров мировой живописи по пять миллионов в течение года! И продают их не менее успешно. Шестьдесят процентов картин маслом в мире выходит из Дафена. Китайская школа живописи только потрясает качеством и ценой. На Западе галеристы часто выдают полотна, пришедшие из Поднебесной, за итальянскую, британскую и французскую живопись. Они теперь оптом поступают и к российским бизнесменам от живописи. Так что и у нас можно теперь купить Рафаэля или Рубенса, которых написали китайцы.

 

Строгие правила

 

Абсолютно все мастерские художников-копиистов в Китае строго соблюдают два правила:

 

·        нельзя нарушать законы об авторских правах;

·        предлагать покупателю свои копии как оригиналы.

 Поэтому художники ни в коем случае не копируют работы, которым не исполнилось 70-ти лет со дня смерти живописца. Только Сальвадор Дали и Энди Уорхол исключены из этого закона.

 

Эксклюзивность, многообразие и качество

 

Всё разнообразие живописных полотен, созданных во все века, предлагает своим покупателям Дафен по вполне демократическим ценам от восьми до шестидесяти долларов и выше в зависимости от мастерства художника. Живописцы зарабатывают очень неплохо. Примерно 800 долларов ежемесячно, а их подмастерья, конечно, ниже. Внимательный зритель этой своеобразной галереи может встретить всё, что угодно. Здесь найдутся картины мастеров Ренессанса, импрессионистов, русский авангард, традиционная китайская живопись, поп-арт. Поскольку в Дафене трудятся лица, окончившие художественные академии, то плохих и слабых работ тут нет. Например, Чжао  Ксяойонг, настолько «набил» руку, работая над автопортретами Ван Гога, что пишет их с невероятной скоростью. Всего за полчаса. Любую из своих картин Чжао  охотно продаёт от 30 до 230$. Всего же успешный делец уже реализовал свыше 70 тыс. копий.

 

Китайский Монмартр

 

Неповторимость и необычность Дафена замечена всеми деятелями искусства. В этой художественной деревне построен музей, в котором выставлены оригинальные работы китайских мастеров. Художники Дафена активно откликаются на участие в выставках. В 2006 году на Триеннале в Гуанчжоу живописцы работали над копией одного пейзажа. Тогда же фотограф Ю Хайбо принял участие в конкурсе World Press Photo и выиграл его, показав миру жизнь и живопись Дафена. Теперь турист, побывавший на китайском Монмартре, понимает, что и никому не известные художники живут в атмосфере искусства. Если в Париже были выставлены единицы картин, то в Поднебесной их можно видеть десятки тысяч. Но это уже показатель востребованности нашим временем.

 

Выставка «В присутствии художника» в Шанхае

 

Что же такое уникальность в наши дни, задался вопросом Маурицио Каттелан.  Совместно с брендом Cucci с 10.10 по 16.12.2018 года открывается новый проект под названием «В присутствии художника». Он должен осветить вопросы авторского права, подлинности, копирования и оригинальности в искусстве. Художник Каттелан – по своей природе провокатор, очень наполненный смыслами и изощренный. Он тяготеет к иронии над смертью. Сам же он считает, что он не более жесток, чем жизнь вокруг него. Выставку в Шанхае Каттелан счёл необходимой, поскольку в ней должны  быть затронуты священные принципы искусства:

 

·        как может копия провести в жизнь полное воспроизведение подлинника;

·        возможно ли сохранить оригиналы в копиях;

·        можно ли из пустоты создать нечто, уподобляясь Творцу.

Пока выставка проходит, дебаты до нас не долетают. Но можно думать, что живописцы Дафена с их работами будут ещё долго востребованы.

 

Татьяна Пиксанова

Светлой памяти прекрасного мастера живописи, русского, советского художника Анатолия Левитина увеличить изображение
Светлой памяти прекрасного мастера живописи, русского, советского художника Анатолия Левитина

В ночь на 11 октября скончался Народный художник РСФСР Член-корреспондент Академии художеств СССР Анатолий Павлович Левитин.(16 июля 1922- 11 октября 2018).

Замечательный живописец прожил долгую, 96 лет, жизнь, продолжая творить и после 90 лет, воспитывая при этом художественную молодежь в Красноярске. Начиная с 1987года, он жил на два дома: полгода в Петербурге, полгода в Красноярске. Но обратимся к началу его биографии.

 

Детство и юность

 

В середине московского лета 1922 в семье музыканта Павла Исаевича Левитина 16 июля родился сын Толя. Ребёнка быстро усадили за фортепиано. Однако отец, скрипач, заметил иные художественные наклонности сына. Ребёнок рисовал цветными карандашами на мраморных подоконниках квартиры. Его увлечением в то время была техника - теплоходы, паровозы, дирижабли. Когда отец показал рисунки Галине Викторовне Лабунской, то она решила проверить, что ещё может нарисовать маленький мальчик и получила рисунок «Купание на Клязьме». На нём в солнечный день дети весело купались в речке. Педагог-искусствовед Г.В. Лабунская организовала первую в стране международную выставку детских рисунков. В неё она включила и работы Анатолия. К этому времени он был достаточно известным юным художником. Его работы уже печатали различные сборники и они демонстрировались на художественных выставках. Так о Толе Левитине узнали в Ленинграде. Талантливого мальчика в 1935 году пригласили на учёбу в художественную школу при Всероссийской Академии Художеств. Родители отважились, и отпустили сына начинать самостоятельную жизнь.

 

Ленинград и война

 

Мальчика тепло приняли в семье, далёкой от искусства, но от этого не менее интересной. Её главой был Иван Николаевич Вознесенский, член АН СССР, который занимался проектированием турбин. С его сыном Андреем Толя подружился сразу и пронёс эту дружбу через всю жизнь не менее 75-ти лет. Тем временем с 1936 года начались занятия в художественной школе. Он её окончил в 1941 году и в свой день рождения пришёл в военкомат. Всех добровольцев поставили в шеренгу и предложили рассчитаться: первый-второй. Анатолий оказался «первым». Этих направили в зенитное, а «вторых» – в ветеринарное училища. Анатолий Левитин одновременно рисовал снаряды в разрезе и хорошо познакомился с их устройством, а также учился штыковому бою. Первый реальный бой проходил под Ленинградом на высотах Красной поляны. Затем всех отправили в Томск, а уже 1942 году Анатолия Левитина направляют на Кавказ.  В составе дивизии ПВО  юноша охранял небесные просторы кавказского фронта. Проявивший в боях воинскую доблесть, молодой боец  награждается орденом «Красная Звезда». Ему также вручают медали: «За оборону Кавказа», а позже «За победу над Германией».

 

 Как стать художником?

 

 И вот наступил один из самых счастливых дней его жизни, как считал сам художник, – День Победы. Анатолий Левитин был профессиональным военным и демобилизации не подлежал. Начальство предложило ему руководить джаз-студией, поскольку молодой боец уже занимался с хором военнослужащих. Тут Анатолий набрался храбрости и прямо сказал полковнику: «Я технику и музыку не люблю. Я до войны стремился стать художником». Тогда командир предложил ему творческую командировку по Кавказу, чтобы он писал этюды и мог вернуться к любимому делу.  Поездка по живописному Закавказью дала свои плоды. Представив свои работы в Академии им. Репина, Анатолий Левитин был принят сразу на 2-ой курс.

 

 В институте

 

Его руководителями были Б. Фогель, Л. Островая, Л. Овсянников, А. Зайцев, А. Деблер. Много будущих даровитых ленинградских художников училось с ним и на курсе, и годом раньше. Позже ими гордились как мастерами советской живописи.

 

 Семья

 

 Анатолий женился на своей однокурснице Майе Кузьминичне Копытцевой, когда они вместе в 1951 году окончили мастерскую Бориса Иогансона. Майя Кузьминична Копытцева была талантливым живописцем и занималась почти у тех же преподавателей, что и её муж. Они зарегистрировали свой брак, пришли домой и, сказав о нём родителям Толи, сообщили, что в 22 часа уезжают на практику. Родители заволновались. Сказали, что такое событие надо отметить.  Отец купил для этого случая шампанское и красную икру, так как больше ничего в магазинах не нашлось. Супруги прожили вместе 58 лет. По словам Анатолия Павловича, его жена была удивительный человек, с которым было невозможно заскучать, и он написал о ней книгу. У них родились два сына: Андрей (1947) и Дмитрий (1950), которые впоследствии пошли по стопам родителей. У него есть и внуки, уже взрослые люди, и пять правнуков. Он никого не стремился баловать дорогими подарками, а всегда хотел, чтобы дети радовались приходу его самого.

 

 Творчество

 

Чтобы охарактеризовать творческую деятельность Анатолия Павловича Левитина, надо поэтапно следить за развитием нашей Родины, начиная с 1930-х годов, когда у живописца стали складываться реалистический стиль и стремление глубоко взглянуть на происходящее. И хотя он работал в жанрах натюрморта, пейзажа, тематической картины, но сам он в бόльшей степени считал себя портретистом. В своих лучших произведениях он «немногословен». Композиция у него чётко выверена, и детали точно отобраны. Картины художника понятны простому зрителю. А портреты отображают людей всех возрастов и профессий. Им написано около восьмисот картин, которые находятся в 35-ти музеях нашей страны и за рубежом. На самую знаменитую картину «Тёплый день» (1957) можно полюбоваться в Русском музее. А в целом его произведения позитивно отражают жизнь нашей Родины на протяжении почти шести или даже семи десятилетий.

 

На аватаре: ленинградский художник Анатолий Павлович Левитин у своей картины "Тёплый день".

КАК точно выставить цену за картину художника увеличить изображение
КАК точно выставить цену за картину художника

 

 

Бытует мнение о том, что исполнителей много, а работы мало. Идут периодические обсуждения о том, сколько стоит та или иная дизайнерская (архитектурная) работа. А художники могут "голос сорвать и перессориться", обсуждая сумму уплаченную за чью-то картину маслом или акварелью. Или сетовать на низкие цены за их работы.

 

Поэтому я решил написать заметку с ответами о цене труда. Думаю, что прочитав его, Вы сможете более точно представлять и рассчитывать "свою собственную стоимость". И хотя это не облегчит Вам жизни и ситуация с деньгами сама по себе не улучшится, но Вы будете более чётко видеть дорогу.

 

Начнём помаленьку:

 

1. Для начала упомянем несколько типичных ЗАБЛУЖДЕНИЙ о цене (стоимости) работы.

 

- Нет такого понятия, как "средняя цена за данный вид услуги, сложившаяся на рынке". Доказательство: задам простой вопрос. Можете ли Вы сказать сколько стоит буханка хлеба? Нет. Всё зависит от того - КАКОЙ ТИП, а также - РАЗМЕР, и от того - КТО И ГДЕ продает.

 

Вывод: не пытайтесь узнавать средние цены, ибо это бессмысленно и пустая трата времени.

Не пытайтесь узнавать цены конкурентов, ибо это даже опасно и вредно!

Но: тратьте все силы и рассчитывайте СВОЮ цену, как это объяснено ниже.

 

- Второе заблуждение: Цена есть результат Вашего "успеха", Вашего умения "вести" переговоры, Вашей хитрости. Это не так! На самом деле цена это есть объективная величина, которая зависит от двух факторов: а) что получает Заказчик; б) каковы Ваши собственные Затраты. Обе величины надо уметь оценить или рассчитать правильно.

 

- Третье заблуждение: Цены "сложились" слишком низкие. Нет! На самом деле цены такие, какие они и должны быть. Те компании, что ставят очень маленькие цены - обанкротятся. А те, кто берёт больше, чем "заслуживает", чем стоит его услуга, больше, чем ценность того, что "получает" Заказчик ("осознаваемая ценность"), со временем потеряют всех клиентов. Вывод снова тот же: надо правильно оценить обе величины.

 

- Четвёртое заблуждение: невозможно найти клиента с хорошим заказом, который заплатит столько, сколько Вы стоите.

Ответ: если Вы действительно так считаете, то это очень опасно. Потому что то, в чем Вы убеждены, если это убеждение в неудаче, Вы сможете осуществить. Человек, уверенный в неудаче, всегда "докажет", что неудача была неизбежна. Лучше не начинайте и уйдите из этого бизнеса (дела). А если не уходите, то думайте о том, какие ещё меры Вы лично можете предпринять, сколько времени, денег и сил и на что потратить, чтобы найти таких клиентов. "На что", кстати, означает, что Вам надо правильно оценить и выбрать тот вид работ из перечня Ваших умений, который Вы сможете успешно "продать" на рынке в данный момент. Не все виды Ваших умений продаваемы в равной мере!

 

- Пятое заблуждение: Чтобы больше зарабатывать, надо больше работать. На самом деле, это не так. Зависимость усилий (прежде всего, времени работы) и результата труда, в виде денег, не линейная. Она имеет "пик". При очень малой затрате времени Вы действительно мало заработаете. При росте времени - заработаете больше. А при дальнейшем увеличении времени - будете зарабатывать меньше. Это не простой парадокс. Когда-нибудь я расскажу о нём подробно. А пока просто укажу, что рост затрат времени и количества изделий приводит к снижению качества, к снижению стоимости единицы продукции. Стоит потратить меньше времени на "собственно работу", но увеличить время на качество работы; надо увеличивать время на предпродажную подготовку товара и после продажное сопровождение сделки.

 

- Шестое заблуждение: В России слишком много дизайнеров (архитекторов, художников и кого бы то ни было). Это не так!

На самом деле: в России катастрофическая нехватка всех видов услуг. Проблема в том, что товаров очень мало. Большинство изготовителей изделий (проектов, картин маслом, и прочее всякое разное) даже не представляют себе как превратить своё изделие (проект, картину маслом, и прочее) в ТОВАР. Они наивно полагают, что это произойдёт само по себе.

Вывод: Вам надо узнать как это сделать. Надо узнать, что такое товар и какой товар Вы можете сделать из своего изделия, из своей картины маслом, из своего будущего проекта. Продаётся лишь товар. И лучше всего продаётся УСЛУГА.

 

- Седьмое заблуждение: Прилетит волшебник (галерист, продавец, посредник или кто-то), кто правильно назовёт Вам цену. Или вдруг Заказчик назовёт Вам правильную цену. Нет!

Ответ: эту работу, а это именно работа, тяжкий труд, за Вас самого не сделает никто.

 

Иван Шершуков

 

На аватаре: дочь Ивана Шершукова, художник Дарья Багринцева. Это миниатюра размером ок. 30х30 см (12"х12"). Название "Art Deco Petit" (в переводе на русский: "Малышка в стиле Арт Деко"). Акрил на холсте. 2017 год

Искусство и Бизнес: клиенты, продажи увеличить изображение
Искусство и Бизнес: клиенты, продажи

ВОПРОСЫ И ОТВЕТЫ. МОИ СОВЕТЫ

 

Предлагаю большинству из вас это не читать. Почему? В процессе написания этих заметок я прочитал в одной из групп в Фейсбуке несколько комментариев и откликов. Ко мне в друзья пришли некоторые из вас, причём иногда вы упоминали о своих проблемах, с которыми сталкивались. Об этом и хочу написать. Возможно, поэтому это будет представлять интерес не для всех, а лишь для самых дотошных и "тщательных" читателей, которые увидят тут свои вопросы.

Также я сам чувствую, что ряд ваших проблемных ситуаций повторяется вновь и вновь. И исток этого не в незнании КАК НАДО, а в том, что вы не разобрались КАК ЭТОГО ДОСТИЧЬ. То есть, тут надо поделиться с вами неким другим знанием. Если хотите, можно назвать это "Советы по жизни". Другим, более точным названием будет "Расскажу Вам о Вас самих". Где-то так...

В предыдущих частях были общие идеи, пригодные для художников и дизайнеров/архитекторов. Были более специфические "кусочки" для художников. Сегодня будет больше специфики для дизайнеров, наверное...

-------

Вопрос: Иван, вы много написали. Много букофф. Но наши клиенты не готовы так тщательно прорабатывать с нами договора. Они вообще, не хотят подписывать их.

 

Ответ: Вашим клиентам нет нужды в этом. В большинстве случаев, именно вы работаете без авансовых платежей от клиентов. И значит, что все риски лежат на вас.

- Только вы сама заинтересована в написании текста договора с тремя слоями.

- Только вы можете составить "Поэтапный план работ".

- И наконец, вы же сама напишете предложение по поэтапной оплате с указанием в примечаниях, что часть денег по этапу останется у Вас в любом случае (невозвращаемый аванс).

 

В: Ой, но они не подпишут.

 

О: да, они могут не подписывать. Это не суть важно. Главное, чтобы эта схема им была рассказана и они её поняли. Подпись и печать нужны для суда. Но в суд вы не пойдёте. Вам же НУЖНО ИМЕТЬ письменное, по пунктам расписанное описание будущих действий.

 

В: Они всё равно не будут платить аванс. Как быть?

 

О: Они заинтересованы в Вас, в Вашей работе? Ах, вы говорите "да". Тогда давайте подумаем сколько времени вы согласны работать без оплаты и "подарить" им результат созданного? День? Неделю?

Пусть вы сами себе уже ответили на этот вопрос, тогда это предложите и им: "Я работаю бесплатно неделю. Затем вы посмотрите результаты и если они вам подходят, то оплатите эту неделю и договоримся о следующем этапе и оплате".

Что тут произошло и что Вам надо понять из этого моего объяснения? Говоря с клиентом так, Вы даёте клиенту послабление. Вы рискуете неделей работы. Но Ваш "общий план" не меняется. Общий план, как и ранее, остаётся неизменным: - договориться о поэтапной работе с поэтапной оплатой!

 

В: Клиент так не согласится! Как быть?

 

О: Это не Ваш клиент! Это означает, что интерес клиента к работе с Вами слишком мал, чтобы он пытался Вас удержать и договориться.

 

В: И как мне быть?

 

О: Уйти, попытавшись объяснить клиенту, почему Вы далее не можете продолжать работать бесплатно.

 

ЖИЗНЕННЫЕ СОВЕТЫ: В качестве вывода хочу сформулировать несколько жизненных советов. Вот первый из них об умении вести переговоры. Его мне рассказал мой английский босс.

 

СОВЕТ 1: НИЖНЯЯ ЧЕРТА.

 

"Если в процессе переговоров ты не знаешь где находится твоя "bottom line" - "Черта, ниже которой ты не опустишься" - то ты никогда не будешь успешен в переговорах.

"В процессе переговоров ВСЕГДА надо держать в уме свою готовность отказа." Если вы не готовы сказать "нет", то Вы не получите хороших условий. Вас будут прогибать и прогибать.

Как это выглядело на практике у того англичанина? Вот как: он вставал и говорил, что надо позвонить в офис, когда клиент просил его опуститься "ниже черты". При этом мы выходили из комнаты, ждали пять-десять минут и возвращались. Говорили нет! Причём, как вы понимаете, он не звонил ни в какой офис. Он знал свой нижний предел заранее.

 

В.: Зачем нужно было говорить о звонке в офис?

 

Ответ: СОВЕТ 2: СКАЖИ "НЕТ" - ЧУЖИМИ РУКАМИ.

 

"Если Вам нужно отказать кому-то и сказать "нет", то говорите это чужими устами, или как говорят у нас в стране "делайте чужими руками".

В чем тут тонкость?! Дело в том, что Вы ещё не уходите с переговоров. Наоборот, Вы хотите договориться с клиентом. А значит, Вам с ним ещё работать и работать. Поэтому не стоит брать на себя создание отрицательных эмоций у клиента; а сказать "нет" - это и есть отрицательная эмоция. Пусть лучше это "нет" исходит от кого-то постороннего, не от Вас. В случае нескольких совладельцев Вашей компании, отказ может исходить от другого партнера, или от директора, или вытекать из совета юриста, или из-за их каких-то обстоятельств. "Мол, они говорят, не получается. Давайте сделаем так...".

 

СОВЕТ 3: ИМЕЙ ЖЁСТКОСТЬ.

"Вам надо иметь жесткость. Жёсткость характера".

 

Я понимаю, что многие из вас имеют твёрдый характер. Но речь не о твёрдости, которая нужна для преодоления объективных природных препятствий или колебаний внутри Вас самого. Речь о жесткости, которая нужна для преодоления препятствий в общении с компаниями-клиентами, с другими людьми.

 

В.: В чем тут дело? Откуда мне взять необходимую "жёсткость"? Мне не ясно?

 

О.: Жёсткость ведения переговоров и выдвигания условий возникает из двух факторов:

- Вы убеждены, что Вы предоставите клиенту хорошее решение его задачи и избавление от проблем. Ваш дизайн проект - лучший!

- Вы тщательно подготовили хорошую схему поэтапных работ. Она учитывает и Ваши, и его интересы. Учтены расходы и затраты, удобство, сроки реальные. Ваш вариант договора - лучший!

Надо понимать, что ваша жёсткость - это благо и для клиента. Вы оберегаете обе стороны от траты времени и риска незавершения проекта. Лучше сказать неприятное в начале, чем потом оправдываться и терять репутацию.

"Хирурги отрезают и делают больно, но потом пациент живет здоровым." Не оставляйте на будущее слабых и опасных мест.

----

СОВЕТ 4: НЕ ОСТАВЛЯЙТЕ НА БУДУЩЕЕ.

 

Сегодня можно дёшево исправить то, что завтра придётся исправлять.

 

В.: Почему бы не дождаться проблемы, а потом отступать клиенту будет некуда и там передоговоримся?

 

О.: Ну, это дорого, во-первых. Исправлять всегда дороже, чем предусмотреть и избежать.

Во-вторых, этим Вы теряете репутацию. Помните я писал о том, что повторно работают с теми, и рекомендуют друзьям тех, с кем работалось легко?!

В-третьих, эта плохая "привычка надеяться на авось" когда-нибудь будет стоить вам слишком дорого. И тогда не будет пути назад. Маленький риск может перерасти в большую проблему, денежную и нервную. Как правило, у больших дизайн-проектов большие Заказчики. Они могут выглядеть как "пушистые и милые котики" при заказе работы, но мало не покажется, когда они будут недовольны. Не подставляйтесь!

 

СОВЕТ 5: О ДИСКЛЕЙМЕРЕ И ОБ ОГРАНИЧЕНИИ ОТВЕТСТВЕННОСТИ.

 

Не раз и не два я писал о рисках. Но напишу в виде этого совета. В договорах иностранцев всегда присутствует "дисклеймер" (отказ от ответственности) и есть пункт об ограничении общей (в смысле суммарной ) ответственности по договору. Что-то типа: "Суммарная ответственность исполнителя по какому либо этапу договора или целиком по всему договору не может превышать суммы денег полученных за соответствующий этап, и ни при каких обстоятельствах не может превышать суммы денег, полученных клиентом в виде платежей по договору".

Конечно, я пишу этот пункт по памяти и его надо бы отточить юридически. Но суть он отражает!

И ДАЛЕЕ ДОЛЖНО БЫТЬ НАПИСАНО (дисклеймер, то есть без претензии, отказ!):

"Исполнитель в явном виде заявляет и Заказчик соглашается, что Исполнитель не будет нести никакой ответственности за косвенные, предполагаемые и сопутствующие виды ущерба и убытков какого-либо рода, которые может понести Заказчик и/или иные третьи лица в связи или из-за данного Договора, кроме той ответственности, которая сформулирована в явном виде в пунктах NN... (Перечислить пункты конкретно, где есть такая ответственность). При этом предельная величина претензий и ответственности не может превышать суммы, указанной в Пункте N ... "Ограничение ответственностям".

 

В.: Заказчик может сказать, что Вы даёте расчёты по водоснабжению. Вдруг трубы прорвёт? И какая ответственность за точность расчетов?

 

О.: "Трубы может прорвать из-за скачка давления в сети. Хотите можем заложить трубы в другим запасом надежности, более прочные? Но и в этом случае мы не возьмёмся отвечать за иное имущество в офисах. Мы не страховая компания, и не зарабатываем по этому договору так много, чтобы это покрывало какие-либо риски. Можно нанять каких-то экспертов для проверки наших расчетов. Но риски - не наш профиль, а это дело страховщиков". Вот приблизительно как отвечает дизайнер Заказчику.

 

СОВЕТ 6.

ЗАНИМАЙТЕСЬ СВОИМ ДЕЛОМ.

 

В.: Что значит заниматься своим делом? Я и так занимаюсь своим делом, дизайнерством?

 

О.: Ваше дело - это собственно дизайнерская работа ПЛЮС условия предоставления этой работы.

Я уже упоминал, что результат Вашего труда, будь то картина маслом или дизайн-проект - это ещё не есть Товар. Вам надо сделать его товаром, для чего добавить "финансы и логистику". Финансы - это финансовые условия, на которых вы будете готовы выполнить работу в срок и не пострадать финансово. Логистика - это условия работы по доставке, образно говоря, проекта из точки 0 в точку "Финиш". Значит Вам жизненно важно понимать, что проработка условий - это тоже часть вашего проекта. Без них его реализация невозможна!

Сформулирую это ещё раз по другому:

КЛИЕНТ БУДЕТ предлагать Вам сделать проект на его условиях. Если эти условия Вам лично финансово и логистически не подходят, значит это не ваш проект. И говоря Вам, что надо заниматься своим делом, я подчеркиваю мысль, что некоторые проекты - Ваши, а некоторые проекты могут выглядеть по объёму по дизайнерской части также, но на других условиях - и тогда это не Ваши проекты, не Ваши клиенты.

Занимайтесь своим делом! А то - не Ваше!

 

СОВЕТ 7. О КОНТРОЛЕ И О ТОМ, ЧТО ВНЕ ВАШЕГО КОНТРОЛЯ.

(Совет, якобы, о форс-мажоре, но нет...)

 

В русском языке слово "контроль" означает не то, что оно означает в английском "control". Правильный перевод с английского слова control должен быть такой "управление"! А русское понятие "контроль" означает лишь "monitoring". То есть просто наблюдение. И теперь Вам будет понятен этот мой совет:

НЕ БЕРИТЕ ОТВЕТСТВЕННОСТЬ ЗА ТО, ЧТО НАХОДИТСЯ ВНЕ ВАШЕГО КОНТРОЛЯ, ЧЕМ НЕ МОЖЕТЕ УПРАВЛЯТЬ.

Как видите, речь о контроле в английском смысле этого слова. В договорах русские люди привыкли бездумно вставлять слова "форс-мажор", думая, что они себя защитили от непредвиденных обстоятельств. Но нет! Там ведь речь о природе-стихии и действиях правительства. А я пытаюсь Вас научить не брать ответственности (в явном виде отказываться от ответственности в Договоре) за всё, за все события, которыми вы не можете управлять, то есть которые не контролируете!

В примере выше о прорыве труб: Вы лично не контролируете какое будет давление в сети. Также дизайнер не контролирует как будут собраны трубы. Он не контролирует усилия и каждый поворот ключа слесаря. Он не контролирует входное качество металла или пластмассы, из которых делались трубы на заводе. Наконец, он не контролирует периодичность и порядок отпрессовки и проверки труб, порядок техобслуживания насосов в системе. Значит он не контролирует ничего!

Даже если у дизайнера-архитектора есть пункт об авторском надзоре за воплощением проекта, он всё равно ничем не управляет, не контролирует результат до момента "прорыва трубы" или иного сбоя в будущем. Именно поэтому Вы должны ЧЁТКО представлять ЧТО КОНТРОЛИРУЕТЕ И ЧТО НЕТ. И не берите за это ответственности.

 

СОВЕТ 8. В ЯВНОМ ВИДЕ.

Работайте письменно и формулируйте в явном виде.

 

Вспомним основную проблему девушек из кино: "я потратила на него лучшие годы - я ДУМАЛА, что он на мне женится". Не надо думать и отгадывать. Спросите, скажите и зафиксируйте в явном виде.

Меня этому научил американский юрист, который был и моим боссом. Он говорил, что юридический язык от литературного должен отличаться. Там должна быть ясность в написанном. Должно быть сформулировано в явном виде. Ничто не должно подразумеваться.

Например.

Литературный вариант: "Иван написал текст. Он опубликовал его в группе"

Или: "Охотник выстрелил в оленя. Тот упал"

Юридический вариант (он же и ваш язык переписки с клиентом):

"Иван Шершуков, упомянутый здесь и далее в Договоре как Исполнитель, написал текст. Исполнитель опубликовал этот написанный им текст, в группе "Арт Полдень. Art Midday" в Фейсбуке. "

Или: "Охотник выстрелил в оленя. Олень упал, ... так как споткнулся" (шутка, на самом деле олень упал от расстройства и не смог устоять на ногах).

Все суммы, все условия, все сроки и даты, все имена, все виды и объёмы работ должны быть сформулированы в явном виде. Ничто не должно подразумеваться в неявном виде по умолчанию.

 

Иван Шершуков

 

На аватаре: Дарья Багринцева "Медведь с характером" 2014 год

Сайт продажи живописи и графики "Яварда" увеличить изображение
Сайт продажи живописи и графики "Яварда"

"Яварда" – русскоязычная живописная интернет-галерея, предлагающая художникам и коллекционерам размещать свои художественные произведения на продажу. Общение и торговые соглашения авторов (продавцов) с покупателями происходит напрямую без посредников. С продаж, совершаемых через галерею "Яварда", проценты не взимаются.

 

Связь с покупателями осуществляется через e-mail (в сайте не виден, покупатель пишет продавцу через специальную почтовую форму) или по телефону (номер виден на страницах товаров продавца). Размещение номера телефона необязательно.

 

В "Яварде" крайне строгая система отбора: продавцы со слабыми работами или просто некачественными фотографиями произведений искусства, в галерею не пропускаются.

С галереей "Яварда" постоянно сотрудничают многие известные коллекционеры и собиратели живописи.

 

Всегда в продаже имеются редкие живописные картины советского и более раннего времени, которые имеют музейный уровень. Предлагается большое количество картин маслом и графических работ Народных художников СССР и Заслуженных художников СССР, которые имеют огромную историческую и художественную ценность.

 

У художественной галереи "Яварда" есть связь с европейскими коллекционерами и художественными галереями, которым регулярно демонстрируются новые поступления галереи "Яварда". Если иностранным партнёрам нравится какая-то работа, размещённая в "Яварде", галерея сама выкупает у продавца его работу и занимается её отправкой иностранным покупателям.

 

Также, от наших постоянных клиентов в России и Европе мы регулярно получаем заказы на конкретные художественные работы. Художники, заинтересованные в исполнении картин на заказ, могут получать уведомления об актуальных художественных заказах.

 

В галерее "Яварда" зарегистрированные участники могут размещать анонсы своих новых выставок, а также можно размещать информацию и фотографии с уже прошедших выставочных и других художественно-общественных мероприятий.

 

В помощь художникам, искусствоведам и просто интересующимся изобразительным искусством людям, на сайте галереи "Яварда" публикуются статьи о различных видах, стилях, жанрах и направлениях изобразительного искусства (современного и традиционного). Если возникает необходимость, художники, покупатели и коллекционеры с помощью информации, размещённой на сайте, могут правильно идентифицировать нужные произведения.

Также в "Яварде" размещаются авторские статьи с биографиями и образцами работ известных художников, скульпторов, фотографов, моделей и натурщиков, а также других деятелей искусства.

 

Интернет-галерея "Яварда" помогает продавать произведения искусства любого типа и разного времени создания.

 

Сайт галереи "Яварда" - https://yavarda.ru/.

Зеркало российского искусствознания увеличить изображение
Зеркало российского искусствознания

 

2001 год стал датой основания РАХК - Российской академии художественной критики.

На сегодняшний день эта организация в России стала одним из крупнейших профессиональных научных сообществ и в её составе около 70-ти членов-корреспондентов и академиков, работающих во многих областях искусствоведения из разных городов России, стран СНГ и Европейских держав. Деятельность РАХК направлена на изучение основных областей прикладных и фундаментальных наук, развитие международных связей с научным миром искусства и поддержкой кураторских арт-проектов в России.

Значимым проектом в работе академии стала постоянно обновляемая электронная научная библиотека “РусАрх”, объединившая около 500 авторов и вобравшая около 2000 научных статей по вопросам архитектуры древней Руси.

С 2001 года Академия, совместно с Профессиональным союзом художников России, издает ежегодный справочник, аналогов которому нет ни в России, ни в других странах мира - “Единый художественный Рейтинг “. Справочное издание объединило более 50000 представителей искусства и к 2018-му году вышло в 26-ти печатных изданиях при поддержке Министерства культуры РФ.

Ещё одной значимой вехой в работе РАХК стал проект посвящённый мастерам искусства ХVIII-ХХI веков - “Величайшие художники мира“, который всемерно поддержан зарубежными и отечественными специалистами в разных областях искусства. В 2016 году проект был номинирован на премию Президента РФ.

Академия ставит приоритетной целью деятельность по поддержке и развитию современной архитектуры и искусства. В 2011 году РАХК приняла непосредственное участие в организации и учреждении международного проекта “Элитарх “, ставшего за годы плодотворной работы одним из крупнейших на территории России.

В 2013 году научный совет РАХК принял участие в подготовке к изданию энциклопедии “Элита современной архитектуры“ и “ Рейтинга элиты архитектуры“.

В 2015 году РАХК, совместно с Профессиональным союзом художников России, учредила международный конкурс AEA (Art. Excellence. Awards.), для представителей всех основных направлений в искусстве.

2015 год. Награждение Премией ЭЛИТАРХ
2015 год. Награждение Премией ЭЛИТАРХ

 

К 2018 году состоялись 6 наградных мероприятий. Авторы из 17-ти стран мира прошли конкурсный отбор лучших произведений (Болгария, Россия, США, Украина, Германия, Индия, Швейцария, Польша, Молдавия, ДНР, Англия, ОАЭ, Франция, Афганистан, Кипр, Израиль, Иран). Награды AEA получили более 250 дипломантов и лауреатов.

 

Ольга Веретина

 

Сайт РАХК: http://artunion.ru/academy 
Сайт Премии ЭЛИТАРХ: http://elitarch.ru 
Сайт Международного конкурса искусств: http://artexawards.com

Об «оскорбительных» для художника предложениях цены за картину увеличить изображение
Об «оскорбительных» для художника предложениях цены за картину

Я не сторонник подобной постановки вопроса, поскольку, вставая на такую, заведомо проигрышную позицию, художник теряет очень многое, и вот почему:

 

Достоянием, если можно так выразиться, для любого художника являются ЛЮБЫЕ люди, обратившие внимание на картины художника, в том числе и те из них, которые делают «глупые предложения» по цене.

Художник должен владеть навыками продажи своих произведений с тем, чтобы обратить любую ситуацию себе на пользу.

 

Если люди не посещают выставки художника, последнему будет весьма затруднительно установить с ними контакт. Единственный способ в таком случае – это через тех людей, с которыми художник познакомился у себя на выставке. «Сарафанное радио» ещё никто не отменял, достаточно выяснить каковы интересы ваших новых знакомых, и заставить их обсуждать уже с их друзьями ваши работы, ваш художественный стиль, то, какой вы приятный в общении, или, наоборот, сумасшедший художник, дело техники, которая достигается путём тщательной самоподготовки художника к роли продавца своих работ.

 

А вот грубые реплики и ответы мало способствуют продвижению продаж картин художника, скорее наоборот.

Гораздо лучше повернуть разговор, начатый посетителем выставки с «глупого предложения по цене» на другую, более полезную тему, скажем, предложить посетителю буклет о художнике, принт или визитку, предложить другую, более дешёвую работу, рассказать что-нибудь интересное или смешное человеку, который вряд ли изначально в курсе ценовой политики художника.

 

Не разбрасывайтесь своими будущими контактами, лучше займитесь построением, поддержанием и развитием вашей сети деловых контактов. Каждый член вашей коммуникационной цепочки – звено в цепи, ведущей к покупателю, которого вы пока не знаете в лицо, и иным путём никогда не узнаете.

 

Небольшое замечание:  Если художник будет вслух презирать тех, кто предлагает ему малые деньги за картину, то что же он должен думать о тех, кто вообще пока ему ничего не предлагает, но может в данный момент находиться тут же?

 

Прошу простить, что я столь настойчиво пытаюсь воздействовать на менталитет художников, возможно, мне и не следует этого делать, но я искренне полагаю, что это позволит им гораздо успешнее продавать свои произведения.

 

P.S. На выставке для художника важен любой посетитель. Достаточно сложно «зацепить» каждого, но постараться это сделать следует. Художник, например, может что-нибудь бесплатно раздавать всем посетителям, нечто, что может быть им интересным, и что им будет нетрудно забрать с собой, скажем одну страничку с фотографией и соответствующим текстом, направленным на конкретные интересы тех или иных типов посетителей.

 

 

Иван Шершуков

Новая звезда на небосклоне искусства увеличить изображение
Новая звезда на небосклоне искусства



В сентябре 2018 года свершилось событие, которого давно ждали профессионалы в России, странах ближнего и дальнего зарубежья и победители конкурса, посвященного всем видам искусства - “Artex Awards“ (AEA). 
Учрежден международный Орден - “Звезда Виртуоза“, Stella Virtuoso (в переводе с латинского). Решение об учреждении принял международный совет жюри конкурса AEA и ученый совет Российской академии художественной критики при участии международной премии “ Элитарх“ (Элита архитектуры и строительства). «Победа любит старание», Amat Victoria Curam (в переводе с латинского) - девиз этой награды.

Николай Николаевич Седнин
Николай Николаевич Седнин


Автор награды – выдающийся российский художник Николай Седнин, и по замыслу автора Орден представляет собой пятиконечный золотой крест в центральном круге которого на огненно-красном эмалевом фоне находится рельефное изображение летящей вверх птицы Феникс – древнего символа вечного обновления и бессмертия. В промежутках между лучами креста, покрытыми по краям белой эмалью, с четырех сторон размещено золотое оперение Феникса. Орден предназначен для ношения на муаровой шелковой ленте красного цвета. 
По решению учредителей, Орден “Звезда Виртуоза“ назван высшей формой признания заслуг, связанных с выдающимися достижениями в различных профессиональных сферах, развитием культуры и искусства, укреплением российской государственности, меценатством, социально-экономическим развитием страны, научно-исследовательской деятельностью, укреплением сотрудничества между народами.

Знаковое мероприятие, посвященное презентации “Звезды Виртуоза“ состоится на церемонии награждения лауреатов и дипломантов VI сезона конкурса искусств AEA.

Время и место проведения мероприятия - 27 октября 2018 года, 15-00, Конференц-зал Международной ассоциации Союза дизайнеров по адресу: Москва, Большой Кисельный пер., д.5. 



Ольга Веретина

 

Информация о награде: 
http://artunion.ru/academy/index.htm 
http://artexawards.com/?page_id=1915 

 

Советы художнику увеличить изображение
Советы художнику

 

 

Из опыта общения с художниками мне удалось выяснить что большинству из представителей этой профессии не хватает знаний в области техники продажи живописи и графики, ценообразования на картины художников, в области выставочной деятельности, заключения сделок, составления текстов договоров, минимализации коммерческих рисков при продажах живописи и графики, выстраивания отношений с художественными галереями, торговли с покупателем и т.д.

Я неоднократно делился своими мыслями по этим вопросам в социальных сетях и даже завёл для этого специальную страницу на Facebook. Тем не менее многие художники продолжают полагать что они регулярно совершают коммерческие ошибки в области продажи живописи, естественно в сторону своей «недооцененности», «меня обманули» и т.д.

Простите, но я не понимаю этих истерических воплей. Либо вы хотите улучшить продажи ваших произведений, и тогда вам следует упорно искать как именно это сделать, либо вас всё устраивает, и в таком случае я не понимаю о чём речь.

Лично я охотно делюсь со всеми моим собственным опытом продаж живописи и изучаю опыт других в этой области, причём как удачный, так и неудачный.

 

Так что же делать?

 

- будьте сами для себя единственным критиком своего творчества. Это справедливо для любого художника!

 

- усвойте, что изобразительное искусство – это визуальный, а не вербальный контакт между художником и зрителем. Поэтому общайтесь со зрителем так, как считаете нужным, либо не вступайте в контакт вообще, если вам этого не хочется.

 

- не обращайте внимания на обидные замечания и комментарии посторонних, как бы прикрываясь невидимым волшебным щитом от их ядовитых стрел.

 

- настоящий профессионал никогда не должен оскорбляться ЛЮБЫМ предложением по цене.

 

  Почему? Потому, что это коммерческая часть работы художника – делать коммерческое предложение и получать ответное, каким бы оно ни было, принимать его или отвергать в зависимости от ситуации. Это в первую очередь касается «слишком низкой» предлагаемой цены за картину или просьбы покупателя о «слишком большой» скидке. Если это вас не устраивает, следует просто спокойно отказаться, не возмущаясь и не вдаваясь в эмоциональные объяснения и дискуссии. Таким образом вы сохраните лицо. Помните, что любое предложение купить картину художника, каким бы мизерным и недостойным вашего творчества оно вам ни казалось, в любом случае отражает желание купить живопись именно этого художника, то есть именно вашу живопись!

 

Иван Шершуков

О некоторых типах посетителей художественных выставок увеличить изображение
О некоторых типах посетителей художественных выставок

 

 

Олег Рыжков, художник:

 

Я бы разделил посетителей выставок и покупателей живописи и графики на несколько категорий: 1. Люди, которые просто хотят украсить собственный дом. Здесь работает исключительно нравится - не нравится.

2. Спонсоры - люди, которые поддерживают материально того или иного художника по любой причине (родственник, друг, жалко человека и т. д.). Эти тоже выбирают то, что нравится.

3. Инвесторы - здесь иная ситуация. Людей интересует заработок на картинах. Художники им не интересны.

4. Арт-диллеры - этим нужна перспектива самого художника и его раскрутка, как потенциального гения с дорогими картинами в будущем.

 

 

Иван Шершуков, коллекционер:

 

Есть и иные типы посетителей:

- журналисты, авторы статей. Им нужны темы для статей.

- Владельцы журналов. Им нужны публикации способные, привлечь рекламодателей.

- Работники музеев. Им нужна информация для их отчёта своему музейному начальнику.

- Руководители музея. Им нужны имена и темы для выставок в музее и для приобретений (имиджевые).

- Критики. Им нужна стилевая. Или жанровая. Или иная сравнительная информация.

- Работники частных картинных галерей. Им нужна информация для отчёта владельцу Галереи.

- Владельцы Галереи картин. Им нужна информация о возможности сотрудничества с художником. О его готовности к сотрудничеству.

- Арт агенты. Им нужна информация о возможности и желании работать через агента.

- Владельцы выставочных пространств. Им нужна информация об участии в выставках.

- Дизайнеры. Им нужна информация о том, насколько удобно будет работать им с художником, и также - можно ли будет получить свой «процент» с продажи работ.

 

Есть и иные типы посетителей. Например, просто любители живописи. Они никогда не покупают оригиналы, но как пчёлы переносят «пыльцу» и опыляют другие типы интересантов. Этим людям нужна интересная история, которую они могут пересказать друзьям (о художнике, или о выставке, или о стиле и так далее).

 

В целом, вся эта информация почти одинаковая, но подаётся под разным соусом. Тут две проблемы:

- люди читают только интересное им, то что им нужно.

- люди не читают длинные тексты, многостраничные брошюры без картинок.

Поэтому предварительная подготовка к выставкам, где можно встретить все типы посетителей, так важна. Трудно сделать «направленные» и короткие тексты с картинкой с одного раза. Но можно от выставки к выставке улучшать и нарабатывать такие «готовые формы». Они являются заготовками, куда только вписывается имя получателя. Одновременно это имя и контактные данные о типе посетителя художник оставляет у себя.

После выставки информация досылается. И затем раз в месяц, в квартал, или в год/полгода продавец картин присылает направленную информацию своему новому контакту.

 

Я называю такую сеть контактов: Art Sales Communication Net - Сеть общения для продаж картин. Её надо сначала создать, потом развивать и поддерживать.

Когда число контактов достигает 1500 человек, то можно начать потихоньку избавляться от «лишних» контактов, потому что никто не сможет контактировать и поддерживать более крупную сеть, разве что будет в компании много людей этим заниматься. Для одного-двух человек число контактов в 1500 человек - это мой эмпирический предел.

 

Иван Велес, художник и скульптор:

 

Вы забыли еще об одном типе посетителей выставок - художники, которые пришли 1) за опытом 2) для общего развития 3) посмотреть на коллег.. их там процентов 50 не меньше.

 

Иван Шершуков, коллекционер:

 

Верно. Но и для них можно иметь полезный материал. Многие художники кооперируются, например.

Вопрос об опыте и обучении я не затрагиваю: это дело профессионалов, решать как и где, у кого учиться. Мои размышления лишь о том, как получать максимальный результат от выставок. И вообще, как находить клиентов.

 

О двух типах покупателей живописи

Влияние Октябрьской революции 1917 года на мир искусства увеличить изображение
Влияние Октябрьской революции 1917 года на мир искусства

Октябрьскую социалистическую революцию 1917 года можно назвать эпохальным событием, повлиявшим не только на политическую ситуацию в мире, но и на культуру. Справедливо будет отметить, что мир искусства уже начал меняться за несколько лет до революции, как бы предчувствуя и предугадывая надвигающиеся события.

И это вполне объяснимо, ведь по настоящему творческие люди обладают своего рода интуицией и тонко чувствуют настрой масс. Подтверждением этому – произведения деятелей культуры предреволюционной России. Некоторые из них, такие как балет Стравинского «Священная весна» 1913 года, вызывали взрыв общественного мнения, возмущения критиков и споры, но в то же время никого не оставляли равнодушными, став первым толчком к изменениям культуры в мире.

 

 Перемены в литературе и театре

 

 Ещё в 1912 году футуристы начали борьбу со старорежимной литературой, к которой относились произведения Пушкина, Толстого, Достоевского и другим классиков. «Сбросить их с Парохода Современности» призывал манифест, подписанный Маяковским, Крученых и Бурлюком. Дух перемен охватил все области искусства.

Почувствовав вкус победы в литературе, предвестники новой идеологии принялись за революцию в театре, создав первую футуристическую оперу с символическим названием «Победа над солнцем». Она насквозь была пропитана идеей построения кардинально нового будущего, но для этого необходимо было полностью разрушить старое прошлое. Музыке Матюшина и словам Крученых, слившимся в этой опере, «взорвавшей мозг зрителей», удалось открыть для театра новое направление, в котором он и продолжал двигаться на протяжении следующих ближайших десятилетий.

 

Революционная геометрия Малевича

 

Художником-постановщиком «Победы над солнцем» был Казимир Малевич, «Чёрный квадрат» которого до сих пор вызывает бурные споры. Именно в период работы над знаковой оперой в сознании художника начали формироваться принципы абсолютно нового направления в изобразительном искусстве – супрематизма. Основой для своих картин Малевич выбрал геометрические формы. Особенное внимание он уделял кругу, кресту и, конечно же, квадратам, для которых у него было три разных цвета – белый, красный и чёрный.

Знаменитый «Чёрный квадрат» стал своего рода иконой, занявшей почетный «красный угол» на выставке футуризма в Петербурге. Он считается как своего рода продолжением «Победы над солнцем», так и одним из предвозвестников революции. А значение этой «революционной» картины в становлении и истории искусства 20-го века сложно переоценить. Одни называли её предзнаменованием новой эпохи раскрепощения сознания. Другие видели в «Чёрном квадрате» пресловутую чёрную дыру, в которой должна была бесследно исчезнуть культура прошлых лет.

 

 Революция и кинематограф

 

 В понимании вождей революции кино представлялось как орудие агитации и пропаганды, и должно было прославлять светлое будущее. Молодые кинематографисты с восторгом восприняли эту идею и с энтузиазмом принялись за создание новаторского киноискусства. При создании ряда эпохальных кинокартин, среди которых «Броненосец Потемкин» и «Человек с киноаппаратом», были использованы новые приёмы. Такие эксперименты имели грандиозный успех у зрителей и повлияли на историю не только советского, но и морового кинематографа.

Не остались в стороне от революционных событий композиторы, архитекторы и другие культурные деятели новой Страны Советов. Многие пропитались духом перемен и хотели внести свою долю в развитие нового искусства, другие брали пример с тех, кто стоял у истоков новой культуры. Третьи протестовали против нового строя и создавали творения запрещённые, но проникающие в массы окольными путями, а кому-то приходилось просто приспосабливаться к новой власти и творить ей в угоду. Но каждый из них в той или иной степени причастен к созданию нового искусства, повлиявшего на мировую культуру.

 

Татьяна Осипова

К вопросу о стоимости живописи увеличить изображение
К вопросу о стоимости живописи

В моём понятии цена картины художника, прчём любого, зависит в первую очередь от имени художника..... во вторую от качества произведения.... К примеру, картины А. Саврасова очень дороги на рынке... но есть так называемый «пьяный период» у художника.... эти картины ценятся существенно ниже.... это касается и картин известного и модного Юлия Клевера... « пьяный Клевер» стоит намного дешевле трезвого!)..... Что касается моего любимого Похитонова, так у него все картины были написаны в миниатюре, и дощечки ( он в основном писал на маленьких досках) умещались на ладони руки..... а такая большая цена на его живопись возникла в конце 1990-х годов, когда один московский олигарх стал скупать его работы и взвинтил цены на рынке.... кстати, это тоже довольно известный способ «раскрутить» цену на художника....... Наш классик И.И. Шишкин стоит миллионы долларов на рынке..... а ведь он ученик Дюссельдорфской школы, и его учитель, Александр Калам, картины которого не то что не хуже, а порой и лучше качеством, стоит в несколько раз дешевле на рынке..... да и художников уровня Шишкина очень много среди немецких, швейцарских, австрийских, шведских художников того времени...... В общем, думаю и уверен, что цены на рынке старой живописи формируются паралельно спросу и «моде» на художника...... как говорил известный коллекционер С.А. Шустер: « Художник стоит столько, сколько за него заплатили...».........

 

Михаил Тумилович

Триумф картин художников шестидесятых годов увеличить изображение
Триумф картин художников шестидесятых годов

На прошедшей летом в Базеле ярмарке Art Basel наметились трендовые направления на рынке искусства. Коллекционеры и владельцы галерей убедились, что пришло время шестидесятников. Именно их работы привлекли всеобщее внимание, а стоимость некоторых картин достигла 10-15 млн. долларов.

По словам международного директора департамента искусства Андреаса Румблера, люди увидели произведения искусства в картинах, созданных практически на их глазах 50 лет назад. И если ранее они не покупались или продавались за символическую цену, то сейчас эти признанные наконец-то работы стали стоить огромных денег. И подтверждение этому – продажи на ярмарке Art Basel, а также на других ярмарках и аукционах, где картины художников, творивших в 60-е - 70-е годы прошлого века пользовались большим успехом. 

Об этом же говорил и Франсуа Морелли, успевший только перед концом жизни увидеть популярность и ценность своих картин. Он с иронией заметил, что в 1963 году его неоновые картины были названы кричащими, вульгарными, поэтому на них не было спроса. Прошло 20 лет, и к неординарным работам возник интерес, они были признаны модными и стильными, стали дорогими и начали продаваться. А через 50 лет стоимость его работ и картин других художников, работавших в это же время, стремительно взлетела, как и спрос на них.

 

Картины, проверенные временем

 

Успех и востребованность работ шестидесятников доступно объяснила Елена Куприна-Ляхович, являющаяся консультантом в области создания частных коллекций. По ее словам, пришло время финансового расцвета поколения мастеров, творчество которых пришлось на 1960-70-е годы. Современные коллекционеры наконец-то оценили их манеру написания картин, когда минималистическими средствами рассказывались целые истории. Сейчас ценители изобразительного искусства и обычные зрители не столь требовательны к физическому качеству и не требуют технического совершенства в полотнах.

50-летний срок гарантирует коллекционерам инвестиционную ценность работ, стоимость которых будет только расти. Если  с момента, когда мастер заявил о себе публике, прошло 25 лет, и за это время он сумел закрепиться и удержаться на рынке, то это сигнал для коллекционеров, что на его работы следует обратить самое пристальное внимание. Период в 50 лет - это своего рода фильтр, оставляющий имена, которые много значат в искусстве, оставили в нем свой значимый след и стали историей. 100 лет – это уже фильтр, после которого остаются настоящие шедевры.   

Для художников, творивших в 1960-70-х, и оставшихся в поле зрения коллекционеров, как раз и наступил это период в 50 лет, доказавший их значимость в мире искусства и поднявший ценность на рынке полотен. Их картины, проверенные временем, получили заслуженный успех, пополнили лучшие частные коллекции и для многих стали желанным инвестиционным объектом.  

По словам Андреаса Румблера, цена на произведения художников определяется не только их качеством, но и временем, то есть датой создания. Мир искусства живет по своим правилам, и часто, чтобы понять художника, его манеру написания картины и передаваемые мысли, необходима временная дистанция. Можно сказать, что сейчас повезло шестидесятникам. Целых 50 лет потребовалось коллекционерам, чтобы понять ценность их картин и отдать им должное. Сейчас они занимают лидирующие позиции на мировых аукционах, но уже имеют конкурентов по стоимости. Практически в спину работам шестидесятников дышат творения признанных художников 1980-90-х, которые стали продаваться на том же ценовом уровне. И этой конкуренции есть объяснение. В 21-м веке рынок искусства значительно расширился и стремительно развивается, поэтому на нём появилось место для более молодого поколения художников, уже догоняющих своих предшественников.        

6-й сезон Международного конкурса искусств «Art. Excellence. Awards.» объявляется открытым! увеличить изображение
6-й сезон Международного конкурса искусств «Art. Excellence. Awards.» объявляется открытым!

 

 

Несколько лет назад в профессиональных кругах знатоков искусства родилась мысль создать конкурс, который не уступал бы мировым наградам ни по уровню, ни по значимости. Идея воплотилась в жизнь в 2015 году силами Профессионального союза художников России, Российской академии художественной критики и Министерства культуры РФ.

Понимая, что креативность современных авторов требует простора для творчества, организаторы проекта не стали ограничиваться одним направлением и сумели объединить более десятка разных номинаций. Это превратило «Art. Excellence. Awards.» в беспрецедентный масштабный конкурс, дающий путевку в жизнь молодым талантам и утверждающий уже признанных мастеров.

С 2015 по 2018 годы в Международном Фонде славянской письменности и культуры проведены 5 церемоний награждения лауреатов. В конкурсе приняли участие авторы из более чем 40-ка регионов России и 15-ти стран мира.

Никто не остается без внимания: все лауреаты и номинанты конкурса награждаются почетными дипломами, а по усмотрению жюри могут быть награждены дополнительными призами от партнеров конкурса.

За всю историю развития искусства вряд ли можно найти лучшего критерия объективной оценки уровня мастерства автора, чем конкурс. Признание таланта, подкрепленное престижной наградой и одобрением профессиональных искусствоведов, придает участнику уверенности в каждом новом творческом шаге и дает возможность смело заявить о себе миру.

 

К участию приглашаются все: от любителей, ищущих пути самовыражения, до авторов, нашедших себя в мире искусства.

Всю информацию и условия участия можно узнать на официальном сайте конкурса  www.artexawards.com


Официальные клубы конкурса:
Вк: https://vk.com/artexawards

Fb: https://www.facebook.com/groups/artexawards/


Ольга Веретина

 

 

Награды конкурса АЕА
Награды конкурса АЕА

 

 

 

Церемония награждения лауреатов 5 сезона конкурса АЕА в колонном зале Международного Фонда славянской культуры и письменности
Церемония награждения лауреатов 5 сезона конкурса АЕА в колонном зале Международного Фонда славянской культуры и письменности

 

 

 

 

 

Лауреаты, номинанты и гости 5-ой церемонии награждения конкурса АЕА.
Лауреаты, номинанты и гости 5-ой церемонии награждения конкурса АЕА.

 

 

 

 

Вступительная речь председателя жюри Николая Николаевича Седнина
Вступительная речь председателя жюри Николая Николаевича Седнина

 

 

 

 

 

 

 

 

 

О значении рамы для картины увеличить изображение
О значении рамы для картины

Многие века в искусстве рама для картины служила подобием достойной оправы для драгоценного камня и часто сама по себе была уникальным произведением дополняющим картину. Мастерство изготовителей рам во многом было сопоставимо по своей значимости мастерству художника. Наиболее сложные в изготовление рамы всегда стоили дорого, но цена эта всегда была оправдана, поскольку независимо от стиля и цветов интерьера такие рамы позволяли зрителю отвлечься от окружающего и сконцентрировать свое внимание только на картине художника. Одним из тех, кто придавал большое значение оформлению своих картин, был русский художник Василий Верещагин. В истории мирового и отечественного искусства известны случаи, когда выдающиеся художники изначально писали свои произведения “под раму“ или дописывали свои картины, вставляя их в рамы и учитывая особенности обрамления.

 

художник Николай Седнин

 

 

На фото: Николай Седнин в мастерской за работой над портретом Татьяны Панич 2001 год.

Об одной картине художника Владимира Гремитских. Розы, Масловка, трамвай…  увеличить изображение
Об одной картине художника Владимира Гремитских. Розы, Масловка, трамвай…

Любой человек, глядя на впечатлившую его картину художника, видит в ней свою историю…

Несомненно, так бывает в жизни. Не знаю, почему, но этот ночной натюрморт с розами притягивает своей некоей сокровенностью, я вижу в нём глубокую, чувственную историю… Вы наверняка подумаете, что это история о влюбленной женщине, но я вижу в ней историю мужчины. И этот натюрморт, я считаю, должен принадлежать мужчине, который достиг многого и хочет получать эстетическое удовольствие от живописи, мечтать и иногда быть наедине со своими мыслями.

Владимир Гремитских
Владимир Гремитских

Давайте для начала попробуем окунуться в атмосферу Москвы 1958 года. Не просто в ту эпоху, а в ночную Москву… Москву, жадно ожидающую чего-то нового. Ведь многое в этот период в стране происходит впервые – меньше года назад запущен первый в мире искусственный спутник Земли, молодежь только недавно отпраздновала свой праздник на Всемирном фестивале... Кстати мировое сообщество, как и мы, только, только начинает приходить в себя после тяжелейшей мировой войны, а на  Международной выставке в Брюсселе макеты наших спутников затмевают всё! Это очевидный прорыв!

Имя американского пианиста Вэна Клайберна, выступавшего перед всеми президентами США,  становится известным всему миру после его победы на международном конкурсе им. Чайковского в Москве. Впервые на Каннском фестивале «Золотая пальмовая ветвь» заслуженно достается фильму Михаила Калатозова «Летят журавли».

Большой театр наконец-то выезжает на мировые гастроли, а в Москве в свою очередь проходят выставка картин Дрезденской галереи.

Драматизма в жизни простого народа тоже хватает. Газеты молчат, о том, что молодежь поднимающую целину, бьют деревенские, но при этом наперегонки травят Бориса Пастернака, который в итоге отказался от Нобелевской премии за «Доктора Живаго» и был исключен из союза писателей.

Искусство и политика всегда были взаимосвязаны. Но искусство может существовать само по себе, а политика без искусства – нет. Искусство - идеальный инструмент для взаимодействия, обмена, управления умами, вдохновения, дерзания…

Но вернёмся к самому натюрморту. Первое, что притягивает – это его потрясающая глубина. Розы в ночном свете, выполнены в лучших традициях русской школы импрессионистической живописи совершенно потрясающе. Но, на мой взгляд,  заставляет окунуться в работу именно фон, ночная московская улица Верхняя Масловка, в которую погружаешься с головой,  и ощущаешь невероятный покой и удовольствие. Хочется вглядываться и вглядываться, и вот видны яркие окна московских домов, трамвай на остановке, сияющий огнями…  Представляешь себе чувства, эмоции живших тогда людей, словом, вырисовывается эта особая, уникальная общая атмосфера Москвы 1958 года. И чтобы её больше почувствовать, и были написаны эти строки.

 

Рената Ваганова

Путин выбирает соцреализм увеличить изображение
Путин выбирает соцреализм

После вручения подарка в сентябре 2016 года от Владимира Владимировича Путина  на день рождения Дмитрию Анатольевичу Медведеву во всех СМИ сразу же возникла масса обсуждений.

Президент преподнес премьеру картину «В цеху» в стиле соцреализма, выполненную советским художником Николаем Овчинниковым, что вызвало у юбиляра весьма заметную улыбку.

Нет никаких сомнений, что данная художественная работа – подарок со смыслом, а иначе быть не может. А какая у неё достойная цена – почти полмиллиона рублей! Но чем данная картина исключительна? Может быть тем, что её автор, в начале 2000-х, выполнил портрет самого Владимира Владимировича? Или тем, что она вызывает прямую ассоциацию  с постоянным рабочим процессом в правительстве?

Дмитрий Анатольевич живопись очень любит, как собственно и вся политическая элита. В своих интервью он не раз рассказывал о том, что часто посещает выставки и музеи. Незадолго, до дня рождения в частной галерее города Плёс, где находится дача премьера, Дмитрием Анатольевичем была приобретена работа художницы из Новгорода Елены Васильевой. Собой она представляет натюрморт с изображением самовара, а также, колосьев пшеницы, которые стоят в кувшинах.

Картина Н. Овчинникова «В цеху», подаренная президентом, также вызывает воспоминания о прошлой эпохе, но в ней нет ностальгической ноты, изображения природы или обычного быта русского народа. Работа выполнена в достаточно гармоничных и не кричащих тонах, где преобладают песочно-серый, горчично-желтый, зелёный цвета. На ней изображен рабочий процесс, - в цеху промышленного предприятия собралось руководство и обсуждает планы предстоящих работ. В правой части картины изображен трактор, внутри которого простой рабочий также выполняет свои задачи. Каждый занимается своим делом! Владимир Владимирович так и выразился:  «Это соответствует тому, чем Дмитрий Анатольевич сейчас занимается».

Картина «В цеху» выполнена в стиле соцреализма 60-70-х годов, времени правления Леонида Ильича Брежнева – так называемого периода «застоя», вслед за которым пошла волна социальных реформ.

Николай Овчинников «В цеху» картон, масло
Николай Овчинников «В цеху» картон, масло

 

Эксперты считают, что соцреализм – это своего рода инструмент для выражения «будущего в настоящем» и отражения актуальных идей наших политиков. Хотя мнение художников склоняется к тому, что наша элита сейчас направила весь свой интерес на актуальное искусство.

Соцреализм гласит: «Сознание народа должно быть оптимистичным!» Но существующий в настоящее время так называемый актуальный реализм несёт в себе неприятные глазу реалии нынешней действительности. И размножается со страшной скоростью.

Это пользующееся сейчас спросом с позволения сказать «искусство» - суть замена истины. Выполненные красками невнятные «картины», инсталляции из не-пойми-чего, начиная с унитазов, и заканчивая старыми тапочками, прибитыми на доску, в общем, «произведения искусства», выполненные любыми подручными предметами а-ля Энди Уорхол и иже с ними. Плевки, брызги, ассиметрия. А вот картины соцреализма создаёт кисть художника, для чего требуется определённое мастерство, и немалое!

Но что же схожего в  этих двух направлениях? Отображение сегодняшнего, современного художнику мира. Разница лишь в том, что соцреализм без искажений – он просто кричит: «Верь в светлое будущее и настоящее полно красоты и духовной чистоты.»

Так и премьеру был преподнесён подарок с намёком: нужно ориентироваться на то направление, которое предполагает смотреть в будущее с оптимизмом, с целью реализовать партийные идеи.

 

Рената Ваганова

Музей русского импрессионизма: создание, коллекция, выставки увеличить изображение
Музей русского импрессионизма: создание, коллекция, выставки

Франция – родина импрессионизма. Однако русские художники, которые не проходили мимо чего-либо нового в искусстве живописи, заинтересовались этим направлением еще в XIX столетии и продолжили работу как в течение XX, так и XXI века. Они нашли свои пути. Русский импрессионизм отличен от западного настолько, что в Европе, да и в Америке сомневаются, есть ли в России чистый импрессионизм. Музей был создан, чтобы показать широкой публике работы лучших живописцев, которые писали в этом стиле у нас в России.

 

Создание музея

 

Коллекционер Борис Иосифович Минц за 16 лет собрал в России и купил за рубежом замечательную подборку картин русских импрессионистов конца  XIX – начала XX веков. У него имелись работы В. Серова, Б. Кустодиева, В. Поленова, П. Кончаловского, К. Коровина, Ю. Пименова, А. Герасимова. Все картины требовали размещения. Поэтому на территории бывшей фабрики «Большевик», выпускавшей печенье, в самом центре Москвы, Борис Минц  построил из здания склада сырья для кондитерского производства современный собственный Музей русского импрессионизма. А саму фабрику, которая ему принадлежала, он перенёс в промышленную зону столицы, что очень логично. Новое здание создавало архитектурное бюро «Джон Мак-Аслан и партнёры». Его стоимость превышает 16 млн. долларов. Но это старинное здание было обновлено до неузнаваемости. Оно покрыто перфорированным серебристым металлом и внутри имеет пять этажей. Здание оборудовано так, что людям с ограниченными возможностями удобно его посещать. На трёх этажах размещена основная экспозиция. Другие отведены под культурно-деловой центр, где находятся кинотеатр, учебная студия, книжный магазин. На третьем этаже кроме того имеются летние террасы с выходом на крышу и комфортное кафе. Внутри здание светло-серое, что не отвлекает от созерцания основной экспозиции. В 2015 году Музей русского импрессионизма вошел в состав Международного совета музеев. Но он открылся для публики в мае 2016 года.

 

Первый этаж

 

При входе посетителей встречает огромная, с изогнутым экраном,  видеоинсталляция художника Жана-Кристофа Куэ из Америки. На ней можно увидеть процесс создания картин. Здесь же находится касса музея и гардероб. Тут же на первом этаже размещена основная экспозиция, посвященная творчеству выдающихся, гениальных русских живописцев Валентина Серова и Константина Коровина. Впечатление, которое производят их работы, а их более 80-ти, ни с чем не сравнимое. Неизгладимый отклик у зрителя вызывают картины К. Юона, А. Дейнеки, Б. Кустодиева, А. Герасимова, П. Кончаловского, Н. Дубовского, Н. Богданова-Бельского. Экспозиция в целом небольшая, но очень интересная. Каждый из посетителей музея найдёт для себя что-то особенно интересное и надолго запомнит. Тут же на первом этаже имеется мультимедийный зал и учебная студия.

 

Начало осмотра

 

Он начинается с третьего этажа, который весь посвящён творчеству Михаила Фёдоровича Шемякина (1875 – 1944). Это забытый выдающийся портретист, который работал в стиле импрессионизма, всегда помня о реализме. Темами его произведений были в молодости бытовые картины, отражающие семейный быт, уют родного дома, Новый год, прекрасные гиацинты. А уж его портретами обворожительных женщин и выдающихся музыкантов любовалась вся Москва. Тут находится выход на террасы, с которых, как на ладони, виден Белорусский вокзал, шумная Тверская улица и Ленинградское шоссе. Здесь можно посидеть в уютном маленьком кафе.

 

Второй этаж

 

Продолжение осмотра выставки картин Михаила Фёдоровича Шемякина происходит на втором этаже. Замечательные экскурсоводы вдохновенно рассказывают о жизни и творчестве внука фабриканта А. Абрикосова, владевшего кондитерским концерном, ныне фабрикой им. П. Бабаева.

 

Выставки

 

Первой была выставка в 2016 году картин Арнольда Лаховского. Более пятидесятити картин художника было представлено зрителям, и они были привезены на выставку из российских и зарубежных музеев.

 Порадовали посетителей музея также картины художника Валерия Кошлякова, у которой был куратор из Италии Д. Эккер.

 Для взрослых читаются лекции по истории искусства. Дети  в мастер-классах рисуют картины под руководством педагогов на основании увиденного и услышанного.

Уже совсем скоро – 15 мая 2018 года закончится выставка «Жёны». В неё вошли портреты любимых женщин русских художников: И. Репина, М. Врубеля, В. Серова, И. Грабаря. В целом можно увидеть более сорока пленительных образов.

 

Почему был создан этот музей

 

Создатель музея исходил из идеи просвещения в области культуры гостей столицы и москвичей, проводя обзорные экскурсии и знакомя публику с художниками и скульпторами. Для слабослышащих людей при помощи жестикуляции также проводят экскурсии, так как искусству следует быть всем доступным.   

Академическая дача им. И.Е. Репина – творчество и отдых увеличить изображение
Академическая дача им. И.Е. Репина – творчество и отдых

На полуострове, в очень красивом местечке Тверской области круглый год перед живописцами радушно открывает свои двери база Союза художников Российской Федерации. В обиходе её называют «Академичка», и она расположена одновременно на берегу реки Мсты и озера Мстино. Это совсем недалеко от города Вышний Волочёк, всего 15 км. Во второй половине XX столетия  во всех окрестностях (деревни Подол, Терпигорье, Кишарино , Валентиновка и др.) поселилось множество художников, поскольку эти красивейшие живописные места дают им вдохновение.

 

Древний водный путь

 

Некогда из Великого Новгорода к Волге по водам Мсты шёл оживлённый торговый путь из варяг в греки. Караваны купеческих судов отправлялись в Византию и Персию со своими национальными товарами, и в другие южные моря за пряностями, тканями и другими предметами роскоши. Эта водная дорога успешно работала и во времена Петра Великого, по приказанию которого на месте бывшего волока (отсюда и название Вышний Волочёк) была прорыта сеть каналов. Это место посетила и императрица Екатерина II и даже здесь останавливалась в большом доме на высоком берегу Мсты. Только строительство железных дорог привело эти места к запустению. Однако красота этих дивных мест, поросших соснами, дала им новую неожиданную жизнь.

 

История возникновения

 

Общественный деятель, предприниматель и меценат Василий Александрович Кокорев (1817 – 1889) имел на берегу реки Мсты Александровское имение. 

Василий Александрович Кокорев
Василий Александрович Кокорев
Он начал собирать коллекцию живописи и графических работ с середины 50-х годов XIX столетия. Уже через десять лет в его собрании были произведения русской и западноевропейской школ в немалом количестве. Бывший крестьянин, богатейший откупщик В.А. Кокорев  первым в России открыл в Москве публичную общедоступную картинную галерею. В ней было, по приблизительным оценкам, от четырёхсот  до шестисот картин и скульптур. Только работ Карла Брюллова в его собрании было не менее сорока, а ещё пейзажи А. Боголюбова (11), картины И. Айвазовского (примерно 20) и В. Тропинина (6).

В конце 1870-х годов Василия Александровича, когда он был в своей усадьбе, посетили молодые, тогда ещё неизвестные художники И. Репин и А. Кившенко. Многие полагают, что именно во время этой встречи возникла мысль открыть на другом берегу в пустом доме, который принадлежал Министерству путей сообщения, дачу для студентов Академии художеств, поскольку тут совершенно неповторима красота природы: воды озера и реки Мсты, солнце, тишина, высокий холм, с которого  открываются потрясающие виды, запущенный парк и необитаемый дом могли дать пищу для вдохновения многим поколениям художников.

 

Открытие «Академички»

 

Спустя некоторое время, а именно в 1884 году, 22 июля, сорок десятин земли с парком, домом и различными строениями отдали в аренду Академии художеств сначала на 15 лет, а затем в бессрочное пользование. В. А. Кокорев на свои средства в 1885 году  благоустроил центр, выстроив восьмигранный павильон с балконами. Его украсила разнообразная резьба. Он стал художественным сердцем  всего ансамбля. Внутри павильон был обшит деревянными досками, которые имели нежно-розовый оттенок, и  состоял из зала, кабинета руководителя Академии, кабинета его супруги и помещения для богослужения. В парке, который привели в порядок и сделали уютным (на средства В. Кокорева), были построены беседки, поставлены скамейки и разбиты клумбы. Дополнительно В. А. Кокорев приказал пустить небольшой паром через Мсту.  Вначале это место назвали Владимиро-Мариинским приютом в честь членов императорской фамилии.

Первоначально на дачу отправили всего десять студентов. Но уже через три года их было 35. Причём 10 из них содержалось на деньги, выделенные В. Кокоревым. «Академисты» приезжали на весенне-летний и осенний сезон. Ранней весной, поздней осенью и зимой на даче учащихся не было. На содержание каждого человека Академия отпускала 20 рублей. Кроме того, пять рублей студент получал лично и закупал себе бумагу, карандаши, холсты, кисти, краски. Всё было для них бесплатным. Вернувшись в Академию, ученики делали выставки своих работ. Если студент писал много и хорошо, а это проверялось преподавателями, то его на дачу  могли отправить ещё не один раз. Обычно выбирались не только способные, но и примерные молодые люди. Их поведение контролировалось. На этюды они шли после завтрака. Каждый искал наиболее живописное место. При этом уйти они могли весьма далеко, примерно километров за восемь-десять.

Спиртные напитки на дачу привозить было запрещено. В окрестных деревнях их тоже не продавали. В павильоне редко, но устраивали вечера или давали любительские спектакли, на которые приглашали наиболее аристократичных людей, проводивших здесь лето. Студенты одевались опрятно и скромно, а их деятельность была почётна. Гости собирались с удовольствием.

 

Как жили «академисты»

 

Василий Александрович Кокорев дополнительно к уже существовавшему на то время большому  дому и флигелю, где были удобные спальни и библиотека, построил ещё несколько помещений, а кроме того, чтобы студенты могли заниматься спортом, устроил «гигантские шаги», закупил лодки для катания по озеру, а также соорудил площадку для крокета. Кроме этого, здесь имелись  два зала для мастерских и фотолаборатория с самым современным по тому времени оборудованием.

Кто из знаменитых художников работал в Тверской губернии

Студентов по настоянию В. А. Кокорева регулярно по очереди навещали их профессора из Академии. Когда приезжал Архип Куинджи, то обожавшие его студенты вместе с Архипом Ивановичем садились в лодку и плыли на живописный остров. Целый день они работали на пленэре, а вечером у костра пели под гитару. Разные истории рассказывают об «Острове Куинджи».

И.Е. Репин тоже был здесь частым гостем. Он написал здесь этюд, который теперь находится в ГРМ. 

И.Е. Репин
И.Е. Репин
Чаще всего Илья Ефимович останавливался в комнатке на мезонине, где теперь находится небольшой музей И. Репина. Тут же стоит копия его этюда. Еще он любил жить в деревеньке Котчище. Живал он на Академической даче обычно не более суток, но его приезд создавал студентам праздничное настроение.

В 1904 году сюда прибыл один из наиболее способнейших «академистов» – Исаак Израилевич Бродский. Уроженец яркого юга, здесь он был пленён сероватыми неброскими тонами. Один из его самых поэтичных этюдов, «Сквозь ветки», был написан именно на Академичке.

В селе Берёзки жил и работал Н.К. Рерих. Обычно с ним приезжала семья. Он не только писал, но и занимался археологией. Позже в Берёзках любил работать Михаил Васильевич Нестеров.

До революции в этих местах работали В. Серов, И. Левитан, А. Васнецов, П. Митурич, А. Рылов, А. Рябушкин, Н. Богданов-Бельский. Достаточно имён?

После революции

 В 1918 году Академию художеств закрыли. Вместо неё образовывались различные художественные мастерские, которые потом распадались. В домиках художников разместился пионерский лагерь. Он просуществовал там до Великой Отечественной войны.

Послевоенные годы

В 1947 году в Москве открылась Академия художеств СССР. В первое  трудное десятилетие её становления председателем был А.М. Герасимов. Руководителем организации «Всекохудожник» с 1940 по 1949 год был жанрист и пейзажист Тимофей Ильич Катуркин (1887 – 1957). Именно он вместе с Д. Сусловым и Д. Гапоненко возглавлял  послевоенное  восстановление Академической дачи с 1948 года. Средств и денег у разрушенной войной страны было очень мало. Его заместитель Дмитрий Степанович Суслов (1907 – 1964) неоднократно с блокнотом в руках ездил на Мстинское озеро, чтобы конкретно уточнять, что сохранилось из построек, а что требует немедленного ремонта и восстановления. Бывший фронтовик, художник в содружестве с Т.И. Катуркиным сделал всё возможное, чтобы как можно быстрее открыть возрождаемую на новых началах Академическую дачу. По мнению её организаторов, она должна была функционировать круглый год. Только к концу 1970-х годов была завершена её реконструкция.  Члены Союза художников жили бесплатно, а их семьи за минимальные, чисто символические деньги получали здесь удобный кров. У живописцев были просторные светлые мастерские. Все признавали Академическую дачу как центр творческой художественной жизни. В «Академичку» обычно приезжали на два месяца. Но если над  предварительным этюдом работа продолжалась, то срок могли пролить вдвое, а то и втрое. Здесь работали такие признанные мастера, как Г. Нисский, Ф. Решетников, С. Герасимов, В. Токарев, В. Гремитских, В. Шумилов, братья Ткачёвы и не только они, но и многие другие менее известные, но отличные пейзажисты.

Присвоение  нового имени

 В честь 80-летия со дня открытия «Академической даче» в 1964 году  ей дали название «Дом творчества им И.Е. Репина». И только в 2004 году почтили память её основателя В.А. Кокорева мемориальной доской на стене павильона. А ведь именно он создал место, которое теперь называют «русским Барбизоном», где благодаря В. Токареву сохранилась школа русского реалистического искусства.

Сегодняшний день

«Академичка» открыта и ныне круглый год. Любой желающий может забронировать здесь комнату. В огромных высоких (3,5 м) мастерских удобно устанавливаются мольберты, столы и подставки для готовых работ. Имеется возможность арендовать целый домик с мастерской и работать даже в период дождей. Теперь, после очередной реконструкции 90-х годов, Дом творчества «Академическая дача художников» вновь активно приглашает живописцев в эти пленительные места. 

Творчество Владимира Георгиевича Гремитских увеличить изображение
Творчество Владимира Георгиевича Гремитских

Природа творчества загадочна. Почему все маленькие дети любят рисовать, лепить, петь, заниматься физкультурой? Куда потом у большинства взрослых людей всё исчезает? Почему отдельные люди со страстью отдаются живописи или поэзии, а другие или не обращают на это внимания, или их попытки раскрыть себя в творчестве оказываются провалом, даже если их профессионально учили? Созидание нового каждому почему-то не даётся. Как и не получается создать общественно важные ценности. Об этом идут многочисленные дискуссии. Мы же, однако, обратим внимание на человека, который с детства не расставался ни с листочком обёрточной бумаги (другой у него не было), ни с угольком, который заменял ему карандаш. Это Володя Гремитских, которого случай привел не в ФЗУ, а в художественное училище. Обратите внимание: не папа, не мама, а простое объявление на улице решило судьбу будущего большого советского художника.

 

Что привлекало внимание живописца?

 

Да практически всё. На сайте продажи картин Владимира Георгиевича Гремитских  мы видим всю тематику его произведений: жанровые сценки и анималистику,  море, корабли, пляжи, различные натюрморты с цветами, портреты женщин, мужчин, детей, деревенские и городские пейзажи во все времена года, иногда спорт, памятники архитектуры, церквушки и соборы. Живя с семьёй в Москве, Владимир Георгиевич в ней бывал мало. Большую часть своего время он проводил в поездках и поисках натуры. Иногда длительных, иногда что-то захватывало его моментально, и он писал этюды сразу, превращая их позже в большие картины. Память художника была феноменальной, как и фантазия, хотя он не отходил от реалистического изображения.

 

Техника живописи Владимира Георгиевича

 

Во все времена года В.Г. Гремитских пользовался масляными красками. Он кожей чувствовал колорит. Это ему было дано свыше, также как и умение передать самое сложное – соотношения цветов. Этому учат, но студент не понимает, что стоит за этими двумя словами. Краски на палитре художника одни, а в природе они совсем другие. Каким образом, не исказив природные тона, гармонично перенести их на картину маслом? Это очень сложная задача, с которой с блеском справлялся Владимир Георгиевич. В его произведениях мы видим только конечный результат. Он восхищает: игра солнечных лучей в различное время суток, полдневный зной, свежесть утра, сгустившиеся сумерки, морозные зимние или тёплые летние ночи, даль, которую застилает лёгкий туман, прозрачность воздуха, блеск воды…

Французский художник Клод Лоррен пользовался для достижения нужного эффекта чёрным обсидиановым зеркалом. В него он смотрел, когда писал пейзажи. И что же он видел? А то, как цвета сменились в зеркале и стали соответствовать его краскам. Так он достигал гармонического соотношения цветов. Если этот пример не понятен, то перейдём к музыке. В ней аналогичные закономерности. Музыкальная гамма построена на строгих математических законах. Каждая последующая нота отличается от предыдущей одним тоном или полутоном. Музыкант их слышит, а художник должен увидеть цветовые соотношения красок природы и передать их на своих картинах. Потому он и отходит от своей работы, смотрит на неё то с одной, то с другой стороны или ищет ошибки, глядя на картину через отражение в обычном зеркале.

 

Способы перенесения действительности на картины художника

 

Стили, в которых писал Владимир Георгиевич, были различны - реализм, импрессионизм, тонализм. Для каждой работы он выбирал наиболее подходящую его настроению и восприятию манеру. Портреты, чаще всего, передавая психологическое и физическое сходство модели, написаны в реалистическом стиле, сирень часто тщательно выписана до отдельного мелкого цветочка. Такое впечатление, что художник любовался в ней мельчайшими деталями, но листья прописаны широкими мазками. Розы – это почти всегда импрессионизм. Они пышны и нежны. На солнце просвечивают их лепестки, в тени цвет сгущается, и, чтобы рассмотреть головку розы, надо отойти от картины. Именно так она и будет находиться в интерьере чьей-то комнаты, источая свой тонкий сладкий аромат. Зелень этих королев цветов передана в свободной манере. 

У художника есть натюрморт с тремя золотистыми копчёными селёдками на белой салфетке и тёмном фоне. Это поразительное произведение по лаконизму, чёткости и цветопередаче. А как прекрасен серый конь, которого В.Г. Гремитских писал на Академической даче зимой. Несколько широких мазков, и пред нами умное, доброе, спокойное животное. Старый трудяга, это по всему видно.

 

Пейзажи

 

В традициях русской пейзажной живописи талантливо развилось творчество Владимира Гремитских. Художник предпочитал лирическое изображение натуры. Его не смущал ни мелкий накрапывающий дождик, ни болотистая почва под ногами, ни пронзительный ветер с реки, ни жгучий мороз зимой, ни сильная жара, ни мошкара летом. А ведь всё это всё мешало работать. Летом краски растекались, зимой их, наоборот, приходилось разогревать, подставляя под палитру керосиновую лампу. На морозе застывали руки и ноги, летом припекало до пота, до головокружения. Но живописец был так увлечён, что ничего не чувствовал.

Всплеск его пейзажной живописи в стиле импрессионизма начинается с 50-х годов XX столетия. Появляется бесчисленное моментальное отображение различных уголков нашей Родины. Прекрасны крымские пейзажи. В них можно найти и пляжи с отдыхающими, и ночной Гурзуф, и, конечно, огромное количество роз: алые – полыхают, белые, розовые и чайные поражают своей нежностью. А как хороши Горки Ленинские осенью! Всё в золоте! Пейзажи Оки удивляют весенним небом, ледоходом, деревенскими избушками, которые прилепились к крутым берегам. Владимир Георгиевич Гремитских внёс значительный вклад в развитие русской советской пейзажной живописи.

 

Море и корабли

 

Эта тема стоит немного в стороне от среднерусских пейзажей природы. Она увлекает зрителя уютными, небольшими, но совершенно девственными бухтами, открытым вдали простором, пароходами, сейнерами, игрой дельфинов. И море пишет художник то теплое Чёрное, то холодное Балтийское. Казалось бы, вода и есть вода, но, сколько оттенков палитры находит живописец, чтобы показать как различны эти моря!

 

Памятники архитектуры

 

В небольшом Торжке живописец был восхищён деревянными церквями и соборами, которые сохранились с XVII века. Деревянную церковь в Торжке, например,  Гремитских предпочитал писать при вечернем освещении. Она изображена у него на двух пейзажах в разных ракурсах. Сразу видно, с какой любовью относился наш народ к православным ценностям, хотя это было время торжествующего атеизма. Хотя атеизма как такового вообще-то нет. Людям Бога заменили языческими божками, идолами, навязали другие ценности. Но храмы (пейзаж «Торжок») придавали особый колорит и торжественность городу, как Кремль Ростову Великому. Ярко освещенная летним солнцем в Угличе «Церковь Дмитрия на крови» напоминает о трагедии, которая привела Россию к смуте и длительным кровавым войнам. Мощны стены Успенского пятиглавого собора в Кремле. На синем-синем небе золотятся маковки, с которых сняты кресты. «Купола на Руси кроют золотом, чтобы чаще Господь замечал». Горделиво высятся каменные, простые, без украшений, стены церкви Святого Георгия в Ярославле. Не каждый художник в то время решился бы написать картины с религиозной тематикой. Владимир Гремитских проявил гражданское мужество, запечатлевая в своих работах прекрасные образы церквей и монастырей.

 

Натюрморты с цветами

 

Для натюрмортов Владимира Гремитских никак не подходит перевод «мёртвая натура». Всё живо. Его букеты роз настолько органично сливаются с пейзажем, что в этом есть что-то магическое. Я очень люблю ночные этюды Владимира Георгиевича и считаю их абсолютно совершенными в каждой работе, поэтому мы остановимся на ночном натюрморте с розами, который называется  «Ночью на террасе», написанном в Гурзуфе. На фоне иссиня тёмной ночи терраса залита ослепительным тёплым светом. Чувствуется недавнее присутствие людей, которые пили чай и лёгкое крымское вино за столом, накрытым белой скатертью, и любовались открывавшимся им морским пейзажем и голубоватой вазой с тремя розами. Розы на картине художника дивно хороши, особенно большая розовая, полностью раскрытая. Два алых бутона  сияют на фоне зелёной листвы. Всё предельно естественно и просто, но производит на зрителя неизгладимое впечатление. Прекрасно передана атмосфера южной ночи!

Не менее притягателен и другой натюрморт с цветами - «Ночная сирень», написанный в стиле импрессионизма. До чего же хороши сгустившиеся над букетом иссиня-черные сумерки на картине художника! Свет падает слева, и в этом месте они приобретают бирюзовый оттенок. Пышен букет, составленный из мощных гроздьев персидской сирени: белых, розовых и тёмно-сиреневых. Он стоит в зеленоватой вазе, как видно, отлитой вручную. Массивный, с толстыми стенками, сосуд очень устойчив. Сирень и ваза – центр композиции. Сначала зритель замечает их, а уже потом обращает внимание на рефлексы на столе - сероватые, голубоватые, зеленоватые. Имеет смысл посмотреть на этот небольшой шедевр в интернет галерее картин Владимира Гремитских. У меня каждый раз возникает вопрос: «Как же хорош подлинник, если его репродукция производит столь сильное впечатление?».

Самое главное, что было сделано Владимиром Георгиевичем Гремитских, – он сумел отразить в своей живописи многообразные проявления жизни в её самых разных сферах. Всё, что было обласкано взглядом человека, переносилось на картины художника. От них к зрителю идёт мощный импульс любви к жизни. Это очень ценно для современного горожанина, который в спешке пробегает по всему взглядом и ни к чему не присматривается, а, следовательно, и не видит. Ему всё преподносится через призму телевизора. По ТВ он видит новости, смотрит фильмы, развлекательные программы, не успевая насладиться реальным миром. Картины художника Гремитских невольно заставляют человека остановиться и пристально взглянуть на те детали, которые и являются самой сущностью жизни: утру и вечеру, дню и ночи, букету полевых цветов, протяжному гудку теплохода, скалистым морским берегам, лесным полянам и многому, многому другому, что можно увидеть на сайте картин художника.

 

Татьяна Пиксанова

О художнике В.Г. Гремитских увеличить изображение
О художнике В.Г. Гремитских

14 декабря 1916 года в Новониколаевске (нынешний Новосибирск), появился на свет мальчик, который впоследствии стал талантливым художником. Имя Владимира Георгиевича Гремитских известно многим любителям живописи, и самое интересное то, что родился он незадолго до Февральской революции, а скончался за несколько дней до августовского путча – 2 августа 1991 года. Нетрудно догадаться, что живописцу пришлось жить и творить во время существования СССР, то есть, он полностью «захватил» весь советский период, что даёт право назвать Владимира Георгиевича человеком-эпохой.

 

Становление

 

Когда юноше исполнилось 16 лет, он пошёл учиться в Московское художественное училище «Памяти 1905 года», где изначально его наставником был небезызвестный художник, член АХРР И ОМХ, мастер акварели К.К. Зефиров. Чуть позже, учителем юного живописца стал М.К. Соколов. В течение шести лет, начиная с 1936 года, Гремитских обучался в МГХИ им. В.И. Сурикова, но Великая Отечественная война внесла коррективы в процесс обучения. Всем премудростям искусства живописи его обучали: В.В. Почиталов и П.Д.Покаржевский, входящие в преподавательский состав Московского Государственного Художественного института им В.И. Сурикова.

 

Личные достижения

 

В МГХИ Гремитских входил в число талантливых и способных студентов, и ему посчастливилось учиться на курсе у самого С.В.Герасимова, явшегося учеником великого русского живописца Константина Коровина. Чуть позже С.В.Герасимов получил звание народного художника СССР, стал действительным членом Академии Художеств СССР и защитил докторскую диссертацию. Мастерство и мировосприятие К.Коровина словно передалось по наследству С.В.Герасимову, а от него – В.Г. Гремитских, что особо заметно на его картинах: «Вечер. Жигули», «Розы. Гурзуф», «Розы и чай» и пр.

 

После защиты диплома и окончания института, Владимир Георгиевич всецело посвятил себя живописи. Лучше всего у него получались прекрасные цветы - сирень и розы, поэтому и неудивительно, что они заняли доминирующее положение в его творчестве. Постепенно был создан целый «цветочный» цикл, а его знаменитую картину «Сирень» часто сравнивают с ранним Кончаловским. Став в 1945 году членом Союза Художников РСФСР, Гремитских принимал активное участие во всех выставках, в том числе, и всесоюзного значения. Дипломы МГО ХФ РСФСР и МОСХ РСФСР являются наглядным свидетельством его мастерства.

 

Творчество

 

У В.Г. Гремитских есть много пейзажных работ, заставляющие буквально окунуться в картину. Например, цветущий сад с молодыми вишнёвыми деревьями («Цветущая вишня») настолько реалистичен, что смотрящему на эту картину человеку кажется, что он чувствует их запах. То же самое можно сказать о «Колокольчики цветут» – насыщенному и глубокомысленному произведению. Серия пейзажей Гурзуфа, а также цикл «Зима в Тарусе» - это образцовые произведения, которым присуще идеальное во всех отношениях сочетание цветовой гаммы. Работы создавались не одно десятилетие. Например, картина «Гурзуф» была написана в 1959 году, а «Домик А.П. Чехова в Гурзуфе» - в 1976.

 

Русская природа – это тема, которую не смог обойти своим вниманием талантливый живописец, и одной из лучших работ считается «Последний луч». Картина была написана в 1966 году на территории «Академической дачи» - дома творчества художников. Это сооружение было когда-то возведено специально для Екатерины II, а это значит, что она также любовалась пейзажами и провожала солнце на закате, уходившее за линию горизонта.

 

Названия других произведений на слуху и многих ценителей живописи, и особо известными картинами считаются: «Зимний этюд», «Весна», «Москва. Чистые пруды», «Дождливый день. Торжок», «Беседка в Горках Ленинских», «Весенний лес», «Золотая осень», «Свистуха» и пр. Портреты, написанные В.Г. Гремитских с натуры, по-настоящему поражают воображение, настолько они красивы и впечатляющи. Среди людей, запечатлённых художником на холсте, немало выдающихся деятелей культуры. Это: Чингиз Айтматов, Кайыргуль Сартбаева (народная артистка Киргизской ССР, исполнительница национальных танцев). Портреты Л.И Брежнева и Ю.В. Андропова кисти Гремитских также хорошо известны ценителям живописи.

 

Признание

 

Некоторые картины В.Г. Гремитских являются украшением частных коллекций, потому что в своё время ушли с молотка на известных аукционах, и сейчас они находятся, как на территории РФ, так и за рубежом. Обладателями бесценных произведений стали жители Канады, США, Южной Кореи и практически всех европейских стран. В США работы этого художника настолько пользуются спросом, что во время визита в Москву Альберта Гора (события происходили в 1994 году, когда он был вице-президентом), американская сторона попросила украсить стены его номера в отеле «Рэдиссон Славянская» работами русского художника. Всего для украшения интерьера было использовано 14 картин. Где хранятся произведения В. Г. Гремитских:

Государственная Третьяковская галерея.
Государственный музей обороны Москвы.
Художественные музеи Республики Башкортостан, Самары, Брянска, Находки, Магнитогорска, Ярославля, Орла, Белгорода, Астрахани.
Картинная галерея г. Сальска.
Республиканский выставочный зал (Йошкар-Ола).

 

Татьяна Осипова

 

 

Владимир Георгиевич Гремитских – советский художник увеличить изображение
Владимир Георгиевич Гремитских – советский художник

Владимир Георгиевич Гремитских (1919 – 1991) прожил напряженную творческую жизнь и оставил значительный след в русском советском искусстве. В его биографию вошли две войны, которые потрясли нашу страну: гражданская и Великая Отечественная. Но в бόльшей степени на его картинах отражена мирная жизнь народа, его созидательное строительство нового общества, а также лирические пейзажи и натюрморты.

 

Немного о детстве

 

Он родился в купеческой семье Георгия Семёновича и Антонины Петровны Киселёвой в небольшом сибирском городке Новониколаевске, который ныне называется Новосибирск, 14.12.1916 года. Когда сынишке было несколько месяцев, семья перебралась на среднюю Волгу, в Самару. Они не бедствовали, а жили, благодаря предпринимательской жилке отца будущего художника, весьма зажиточно. Но матушка Владимира оказалась женщиной влюбчивой и,  бросив мужа, с двумя детьми уехала к любовнику в Москву. Пока она училась на курсах машинисток, её возлюбленного арестовали и сослали. Оба её сына в детстве работали. Владимир стал чистильщиком ботинок и одновременно учился в школе. Он рисовал постоянно. Естественно, краски и карандаши ему не покупали, и он обходился кусочком угля и обёрточной бумагой.

 

Выбор профессии

 

 После окончания начальной школы Володя  решил стать токарем и пошёл поступать в фабрично-заводское училища. Но тут судьба резко его развернула: по дороге подросток увидел объявление о том,  что производится набор студентов в художественное училище памяти 1905 года. Идея поступать в ФЗУ сразу было забыта, зато с 1932 года по 1936 год он осваивал азы рисунка, композиции, живописи. С 1936 года юноша – уже студент института им. В. И. Сурикова. Его учителями были Игорь Грабарь, Сергей Герасимов. Именно по мастерской последнего он написал свою дипломную картину «Ополченцы». А потом пришла война. В августе 41-го Владимир отправился в дивизию народного ополчения. На фронт пошла и его первая любовь – одна из лучших студенток Суриковского института Людмила Дубовик, 23 февраля 1942-го года она погибла от пули немецкого снайпера. Владимир Георгиевич будет помнить её до самой смерти. А жизнь тем временем продолжалась. Художников-студентов отозвали с фронта, и они продолжили учебу. С 1943 года Владимир стал принимать участие в выставках, а на следующий год его приняли в Союз художников  СССР. Это было признание его таланта и мастерства.

 

Как рождается художник (лирическое отступление)

 

 Романтик Константин Паустовский считал, что когда человек счастлив, он стремится щедро одарить своим состоянием весь мир и стать провожатым к прекрасному.  Вот художник собрался написать лесной пейзаж. Он облазит весь лес, каждую низинку, не жалея себя, и вдруг неожиданно перед ним за крутым пригорком откроется между сосен никому не ведомое круглое, как чаша, озеро. Его окружает поросль молодых осин и старой, чёрной ольхи.  Вода в нём прозрачна и совершенно спокойна. Она отражает мглистый и синий день. Тут художник замирает в этом дремучем сказочном краю и просит только одного: чтобы над озером долго голубел этот тихий свет, чтобы время замедлило свой ход, и он успел  передать очарование этого дня и великой стоящей вокруг него тишины. Он стремится к совершенству. Он и счастлив, что хоть отчасти может передать свой восторг всем, кто увидит его картину, и сожалеет, что никому не дано в полной мере  отразить то, что он видит сейчас, и что творится в его душе.

 

Живопись Владимира Гремитских (пейзажи художника)

 

Прежде всего, Владимир Георгиевич, как нам кажется, воспринимал жизнь в цвете, во всех его оттенках и полутонах. Колорит видимого мира его завораживал. Это, как нам представляется, было исходной точкой. Затем вступала в свои права композиция и мастерство,  знания которых он получил у своих учителей. А они, в свою очередь, были учениками Константина Коровина. Так шла преемственность от великой русской к советской живописи. Советское искусство ничего не растеряло из наследия прежней, дореволюционной школы, из её традиций. Это замечательно видно в работах Владимира Георгиевича.  Мы восхищаемся  пейзажами средней полосы России, которые художник писал во все времена года. Прекрасна его осень: и золотая – в Горках, и поздняя – тонкими лиловыми веточками, опушившая берёзы. Осенние пейзажи художника  настояны на ароматах прелой листвы, грибов, сырости, которой тянет из оврагов. Пейзажи весны все различны. Каждый момент, начиная с самого раннего пробуждения природы, написал Владимир Георгиевич. Тут и апрель со вскрывшейся рекой и ледоходом, первые, струящиеся и позванивающие ручьи, весенний лес, покрытый нежными полураспустившимися почками, яркий зеленый май, весь в разнотравье. Великолепны пейзажи холодной, с морозцем, который ощутимо пощипывает, зимы. А в синих зимних ночах луна, поднимаясь над чащей леса, сверкает ртутью и плывёт свои вековечным путём. Лишь золотистые огоньки жилья манят путника скорее добраться до тёплого дома. Летом, в Гурзуфе, художник останавливался, поражённый красотой диких  сиреневых гранитных скал, местами поросших рыжим мхом и зелёным плющом, прозрачными бирюзовыми водами моря и белопенным прибоем. А розы! Это была просто страсть! Под палящим солнцем в мареве зноя, в дрожащем горячем воздухе и в тенистых укромных уголках написаны десятки картин с розами, этими пышными распустившимися душистыми царицами цветов. Их сладкий аромат смешивается с  терпким острым запахом моря и рождает в душе зрителя волнующие воспоминания.

 

Портреты

 

Невозможно не остановиться перед портретами работы Владимира Георгиевича. Его интересовали все люди, как известные, так и никому не ведомые. Портреты детей предстают пред нами задумчивыми, углублёнными в свой мир. Ими можно бесконечно долго любоваться, вспоминая себя в этом непростом подростковом возрасте. Художник не приукрашает детей, не делает из них ангелов. Это маленькие люди, которые пытаются найти свое место в таком непростом взрослом мире. Портреты женщин и девушек у живописца просты и естественны. Это не супермодели, они не претендуют на звание мисс Мира. Да и не знают они о королевах красоты. Их прелесть совсем в другом, в умении выстоять при любых жизненных испытаниях, быть верной подругой и хорошей хозяйкой и ласковой, но строгой матерью. Портреты мужчин также отличаются разнообразием. То перед нами появляется гитарист, перебирающий струны.  Он задумался и не знает ещё, какой романс исполнит. Это может домыслить только зритель в зависимости от своего настроения. А вот суровый военный врач. Скольких раненых он прооперировал под шквальным огнём в походном госпитале!  Скольких людей он вернул к жизни, но скольких не удалось спасти! У каждого врача есть своё маленькое кладбище. Некоторых своих пациентов врачи помнят всю жизнь.

 

Натюрморты

 

Владимир Георгиевич мог восхититься спелым разрезанным арбузом и тут же написать его так, что хочется взять ломтик и откусить и почувствовать  его ни с чем несравнимый вкус. Или залюбоваться тремя золотистыми копчёными рыбками, которые кто-то небрежно положил на стол на куске белой бумаги. А где-то под столом, возможно, притаился маленький воришка котик, который дожидается, когда все уйдут. Много можно себе домыслить, глядя на натюрморты Владимира Георгиевича Гремитских. Картинами с  цветами, прелестью душистых гроздей сирени, так быстро увядающих в вазе, но сохранивших навечно свою красоту, омытую утренней росой, можно любоваться часами.  Розы в вазах, ампельные розы, растущие прямо на каменной кладке, или кусты алых и белых роз на даче – это неповторимые шедевры Мастера.

Художник Владимир Георгиевич Гремитских прославлял жизнь как самое прекрасное и разумное, что существует под солнцем. Осмотритесь в его виртуальной галерее живописи, и Вы наверняка найдёте произведение, которое западёт в душу. С ним не захочется расставаться ни при каких условиях. Дома оно будет вызывать самые разнообразные чувства - лёгкую грусть, нежную улыбку, просто счастье.

 

Татьяна Пиксанова

Преемственность в русской живописи от передвижников до настоящего времени увеличить изображение
Преемственность в русской живописи от передвижников до настоящего времени

У некоторых деятелей культуры в последние годы наметилась тенденция концептуально обновить представление об истории передвижников. Это приветствуется теми «арт-деятелями», кто взращивает рыночно-потребительское сознание у своих покупателей.

 

 Опасные процессы

 

 Мы уже давно находимся в социальном и духовном кризисе. Но имеются опоры и традиции в отечественном искусстве, которые могут помочь выйти из тупика. Их стремятся извратить и затуманить. Речь идет о творчестве и судьбе наших хрестоматийных живописцев, которые воспринимаются поверхностно. Это такие личности, как А. Иванов, И. Крамской, В. Перов, Н. Ге, В. Суриков и другие блестящие русские художники, чьё искусство до сих пор актуально и жгуче поднимает больные вопросы наших дней. Деятели современной отечественной культуры, занимающие важные посты, воспитывающие молодёжь, пытаются подменить смысл и восприятие живописи середины XIX и начала XX веков. Они исходят из полезного для себя рыночно-потребительского западного мышления, которое идёт вразрез с традиционными русскими духовными ценностями.

 

 

Вспомним передвижников

 

 

Товарищество передвижников было создано в бурные 1860 -70-е годы, в период, когда только что было отменено крепостное право, и предполагало устраивать выставки не только в столицах, но и в провинциальных городах. Художники-организаторы Г. Мясоедов, В. Перов, И. Прянишников, Н. Ге, А. Саврасов, И. Крамской хотели, чтобы все желающие могли приобщиться к современному русскому изобразительному искусству, развить любовь к нему и облегчить живописцам сбыт созданных произведений. Эта организация была построена на демократических принципах самоуправления и предполагала выход к широкой публике и разделение доходов от продажи билетов и каталогов, часть из которых оставалась в фонде Товарищества и направлялась на его развитие и помощь нуждающимся художникам. Их первая выставка, которая прошла в Москве, Петербурге, Киеве и Харькове, полностью оправдала их расчеты, она вызвала небывалый интерес публики и принесла прибыль. Товарищество и его члены ассоциировались в России с реалистическим направлением в искусстве и подвижничеством. Они противостояли классическому, застывшему, академизму Императорской Академии Художеств.

 

 

Краткая характеристика организаторов

 

 

Все руководители и идейные вдохновители не были молодыми незрелыми юнцами. Эти художники были известны и любимы своими произведениями, которые отразили порыв общества к обновлению во времена отмены крепостного права и горечь разочарования, что реформы шли медленно, и началась «дикая капитализация» страны, которая принесла народу новые беды.

 

Московский живописец В. Перов был уже прославлен как создатель обличительных жанровых картин, таких как «Чаепитие в Мытищах, близ Москвы» и «Сын дьячка, произведенный в коллежские регистраторы». Его друг А. Саврасов разрабатывал принципы русского пейзажа, отличавшегося от сладостных итальянских и французских видов природы. Увлеченный идеями В. Белинского, Н. Ге написал скандальное полотно «Тайная вечеря» (1863), на котором Иисус имел сходство с Герценом. И. Крамской с юности был вдохновлен идеями Н. Чернышевского. Его волновал вопрос, какие идеалы сложились у человечества, кроме поисков личной выгоды. Эту проблему он ставит в своем программном и лучшем произведении «Христос в пустыне» (1872).

 

 

Дальнейшее развитие товарищества

 

 

Попытки разгадки приобщения человечества к тайнам бытия открывается нам в портретах Ф. Достоевского, Л. Толстого, П. Третьякова, А. Островского. Но нельзя представлять Товарищество как нечто монолитное. Слишком с разными представлениями в него вливались новые художники. Одни были далеки от политики, другие сочувствовали народникам, иные были настроены революционно. Они различались и по стилистике. Одни ориентировались на старых мастеров, другие – на современные влияния Запада. Общим было одно: осознание своего дела как ответственности перед народом, совестливости и принципиальности в своих действиях. Но в условиях реакции после убийства Александра II многие ушли в лиризм пейзажа, в фантазии, которые поддерживал «Мир искусства». Он отделял художников от проблем современной жизни. К 1890-м годам темы постепенно мельчали.

 

 Современная интерпретация деятельности П.М. Третьякова

 

 Базовым принципом, по которому закладывал свою коллекцию Павел Михайлович, была поэзия и правда, а не композиция, эффекты освещения или какие-то иные живописные технические приёмы. Его желание правды теперь сознательно замалчивается, зато усиленно подчёркивается его либеральный консерватизм и принадлежность к купечеству.

 

В 2005 году ГТГ организовала знаковую выставку «Пленники красоты». Она реабилитировала салонное искусство, которое Павел Третьяков принципиально не покупал: томные взгляды красавиц, их роскошные чувственные соблазнительные тела, райские пейзажи – всё широчайшим образом было представлено как идеал для состоятельных спонсоров и покупателей. Эта выставка была проведена как восстановление исторической справедливости и открытие того, что пряталось в советские времена в дальние залы. «Сахарный сироп» обрушивали на современную публику с ликованием и восторгом. Никто не стремился к воспитанию вкуса к истинному искусству. Так намечалась тенденция, разработанная руководством ГТГ. Она скрывала гуманистический и живой смысл, который мечтал показать миру Павел Михайлович Третьяков, покупая практически одни только шедевры отечественной живописи.  Последующие выставки продемонстрировали уход от актуальных проблем и реальности в абстрактные сферы. Искусствоведы умно рассуждали о закономерностях стилевых развитий и уводили публику всё дальше и дальше от социально-нравственного стержня, играя подменой смыслов и выбрасывая за скобки творческий подъём наших лучших художников XIX и XX столетий.

 

 

После революции

 

Руководители ВКП (б) высоко оценили деятельность передвижников. В. Поленову, А. Архипову и Н. Касаткину первым дали звание народных художников. К передвижникам обратились, как к своим учителям, создатели АХРРа, который  позже перерос в Академию художеств. К 1930-м годам руководство страны стало смотреть на передвижников как на единственный ориентир, необходимый художникам.  Их поставили к истокам соцреализма. Велась весьма активная борьба против формализма в живописи 1920-х годов, упразднялись все «левые» течения (конструктивисты, суперматисты). Было отброшено всё лучшее, что было написано «Миром искусства». Это привело к академизму и довольно жалкому изображению подобия жизни как сущности реализма. Так упрощались связи с наследием передвижников.  Их широко изучали искусствоведы примерно лет 50, ставя во главу угла позитивные начала - гуманизацию искусства и связи передвижников с революционными демократами. Тем не менее всё это не слишком повлияло на советских художников, которые работали в те годы без особого давления, выбирая стили живописи в достаточной степени самостоятельно. В это время картины создавали большие мастера, у которых следует учиться нынешнему поколению живописцев.

 

 Новое время – новые идеалы

 

 В 90-е годы (мы выпустили огромный отрезок времени), когда началась капитализация страны после развала СССР, взгляды резко обратились к салонному, буржуазному искусству, а передвижников стали намеренно оскорблять. Даже директор ГТГ в интервью газете Artnewspapes, которой владеет Ирина Баженова (дама с миллионным состоянием), в декабре 2015 года высказала мысль, что на передвижников следует смотреть прежде всего как на коммерческое предприятие. Так теперь стараются забыть идеалы, которыми руководствовалось Товарищество, и стереть их из памяти общества. 

 

 

Татьяна Пиксанова

Картины советского художника Владимира Георгиевича Гремитских увеличить изображение
Картины советского художника Владимира Георгиевича Гремитских

Далеко не каждый любитель или коллекционер живописи имеет возможность посещать картинные галереи в столице. Но выбрать себе картину для интерьера, которая украсит комнату в квартире или офис и будет при этом настоящим произведением искусства, вполне можно в интернете.

 

Раннее творчество Владимира Гремитских

 

В СССР после войны началась борьба с разрухой. Портреты и картины Гремитских того периода отражают жизнь простых людей («Новоселы», «Вечером»), масштабное строительство, которое велось на Куйбышевской ГЭС, пейзажи Волги и Гурзуфа. Лирична и не пафосна картина «У причала. Куйбышевская ГЭС» (1952 год), вынесенная на аватарку данной статьи. Стоит серый денёк. По воде бежит легкая рябь от ветерка. Три небольших судёнышка привезли необходимые строителям материалы и продукты. Пейзаж с бескрайними далями впереди оживляют люди, которые работают на этих суднах. Вдали справа виднеется буксируемый небольшим катером плавучий кран, который напоминает зрителю, что мы находимся на переднем крае строительства ГЭС. Этот реалистический индустриальный пейзаж переносит нас в другое время. Оно прошло. Его более не вернешь. Только кисть художника запечатлела этот момент – часть истории нашего государства, который мы можем узнать только из подшивок старых газет. А их найти практически невозможно. Художественные достоинства этого холста неоспоримы благодаря колориту, который использовал художник. Продолжая эту тему, живописец пишет мужской портрет «Рабочий на стройке Куйбышевской ГЭС». Он показывает нам немолодого загорелого труженика в рабочей робе. Таких людей мы и сейчас можем встретить, но он отличается от нас достоинством и уверенностью  в правоте своего дела, увлеченностью работой. Такая картина будет очень уместно смотреться в офисе строительной компании как напоминание об уважении к труду. «Строительство Куйбышевской ГЭС» показывает самое начало этой гигантской работы. А картина «Огни строительства …» показывают, что работа не прекращалась ни днём, ни ночью. Это произведение очень декоративно и станет украшением интерьера дома каждого любителя советской живописи. Завершим эту тему величественной панорамой «Огни Куйбышевгидростроя» – истинным шедевром живописца, которому место не только в частной коллекции, но и в музее.

 

Ночи на картинах Владимира Гремитских

 

Это особая тема, которая присутствует во многих работах художника. Они великолепны абсолютно все. «Ночь на Мсте», «Ночью на террасе»   совершенно различны по колориту, настроению и месту их написания. На реке Мсте ночь еще полностью на сгустилась, хорошо видны все очертания деревьев и берега реки. Картина очень поэтично показывает огромную золотую луну, которая зависла на небосклоне. На другой картине Владимира Гремитских терраса ночью ярко освещена, но морские тёмно-синие дали за ней совершенно непроглядные. Здесь совмещён натюрморт с розами и остатки ужина. Еще чувствуется присутствие людей, сидевших за этим столом, и только что ушедших. Также как и на картине «Розы. Ночь.», «Гурзуф ночью» поражает контрастами чёрно-синего неба и золотых освещённых окон мазанок, стоящих на кривоватой улочке. А земля и крыши домиков не сливаются по цвету с небом, хотя они тоже черны. Сразу видно, что этот ночной пейзаж написан великолепным колористом. Любителю романтики ночи эти работы непременно понравятся и вызовут желание купить картину художника из этой серии. Особенно хороши у Владимира Гремитских зимние ночи. «Лунный лес»  –  поэтическая зарисовка зимнего пейзажа, выполненная в серовато-голубоватых тонах. «Лунная ночь» написана в Жигулях, и поражает в ней то, как живописец  изобразил в этом ипрессионистическом пейзаже отражение луны с её рефлексами в глубокой зелёной воде. Последнее, на чём мы остановимся, – это «Ночные окна» – зимний, таинственный, сказочный пейзаж. Он непременно заинтересует любителя импрессионизма и романтики. В нём, при всей реалистичности,  скрыта загадочная мистика ночи, которую непостижимым образом мастер перенес на картину. Весь этот ночной пейзаж окутан какой-то тайной, наша повседневность забывается, если его хорошо рассмотреть. А некоторым достаточно только бросить взгляд, чтобы понять неизъяснимую прелесть этой картины. Место в доме ей всегда найдётся.

 

Инвестиции в произведения искусства

 

Мы осмотрели далеко не всю виртуальную галерею живописи Владимира Гремитских, созданную прямым наследником художника, его сыном Александром Гремитских. Именно у него из первых рук без галерейных наценок можно приобрести заинтересовавшую Вас картину художника - осенний, весенний, летний пейзаж, натюрморт с цветами, портрет, жанровую сценку. Это будет прекрасный подарок самому себе, друзьям или шефу, если сотрудники сделают это вскладчину. Такой приятный сюрприз ценен сам по себе, своими художественными достоинствами. Работы В.Г. Гремитских украшают коллекции российских и зарубежных ценителей советской живописи. При совершении покупки, несомненно, будет иметь значение и художественный стиль автора, а также знакомство с его творчеством. Однако нельзя забывать, что к картинам советских художников во всём мире сейчас проявляется небывалый интерес. Их стоимость растет год от года, а за десятилетие поднимается в разы. Мы сейчас, благодаря интернету, имеем возможность купить картину художника независимо от места нашего проживания и по приемлемым, адекватным ценам. В любой уголок страны она будет быстро доставлена с сертификатом, подтверждающим её подлинность. Удачно вложив свои средства, Вы получите превосходное произведение искусства, а не совершите весьма распространённую ошибку когда сначала картина понравилась, а затем вы начинаете видеть её несовершенства. С работами В.Г. Гремитских такого не произойдет. Они всё глубже и глубже будут проникать в вашу душу, вызывая эстетическое наслаждение.   

 

Татьяна Пиксанова

Живописная импровизационная музыка - тонализм увеличить изображение
Живописная импровизационная музыка - тонализм

Тенденция в живописи писать без определённых сюжетов с виртуозностью, пользуясь одним цветом и всеми его оттенками,  зародилась в США в 1880-х годах. В картинах художников, чаще всего пейзажах, превалировал один тон – серый, тёмно-синий, коричневый, черный. Осознанно или неосознанно они попали под влияние барбизонцев: Пьера Руссо, Жюля Дюпре, Нарсиса Диаза, Жана-Франсуа Милле и Шарля Добиньи, передавая своё настроение от увиденного, именно настроение, а не впечатления, откуда пошло название импрессионизм.

 

Эмоциональность, перенесённая на картину

 

За дымками и туманами, которые они очень любили, художники скрывали чёткие контуры предметов. Отражения, зыбкость и неверность состояния они переносили на холст выразительными мазками кисти. Но природу они смотрели не снаружи, а изнутри своей души. Они, сливаясь с ней, становились её частью. Сделав эскиз на натуре, художники-тоналисты возвращались к себе в мастерскую и по памяти дописывали увиденное. Таким образом, отсекались все лишние детали, которые воспроизвёл бы фотоаппарат. Зато на картине оставалось чувство, которое художник испытывал, созерцая прекрасный момент в природе. Его не беспокоили точность природных цветовых переходов, изменение освещения. У каждого было собственное воспоминание, которое становилось главным в картине.

 

Промежуточные состояния природы

 

Тоналисты не любили яркий свет и краски. Их стихия – это рассвет, предзакатные сумерки, марево тумана. Лишь один цвет в картине становится доминантой. Он создаёт настроение. С ним перекликаются ещё несколько схожих, расплывчатых, неярких, угасающих тонов. Их приглушённость и сумеречность производит гипнотическое действие. Нет определенной точки, из которой идёт свет. Он рассеивается, пробиваясь через плотное воздушное пространство. Если пишется портрет, то тоналист выбирает зачастую голые стены или делает задний план бесконечно далёким, показывая отстранённость человека от мира, созерцание, недеяние, одиночество. Тонализм равно отвергает академический стиль и яркий, полный впечатления, импрессионизм.

 

 Первый тоналист

 

Джеймс Уистлер (1834 – 1903), родившись в США, детство и отрочество провёл в Петербурге. Россию он считал своей родиной. Здесь он выучил французский и начал посещать Академию художеств. В Париж он попал в 21 год и учился в студии живописи  Шарля Глейера. Этот оригинальный преподаватель рекомендовал найти колорит картины, смешивая краски на палитре и тратя на это не один день. Этим советом художник пользовался всю жизнь. Позже, когда Джеймс Уистлер переехал в Лондон, в Челси не было более модного денди. Он ни в чём не уступал Оскару Уайльду, с которым был дружен. Он также блестяще умел парировать реплики в беседе, отвечая спорщику. В атмосфере скандала и судебных процессов Уистлер умудрялся писать. В студии он преображался и становился предельно серьёзен. Он любил портреты и заставлял своих натурщиков выдерживать до 70-ти сеансов. Свои произведения он называл «импровизациями», «сюитами» и «симфониями». Портреты он создавал на нейтральном фоне. Чтобы написать пейзаж, он вместе с учениками выезжал в лодке на Темзу. Его «коньком» были ночные пейзажи. В природе он искал гармонию и совершенство. Он жадно всматривался в неё, ища в ней живое существо. Его «ноктюрны», изысканные и утонченные, не были поняты публикой. Его высмеивал художественный критик Рёскин, им восхищались Бодлер и Курбе. Из Америки к нему приезжали ученики, которые положили начало американскому тонализму.

 

В Калифорнии

 

На восточном берегу Тихого океана нет резких перемен погоды. Стоит влажный туман, серая дымка. Круглый год видна выцветшая трава и серовато-зеленоватые оливы и эвкалипты. Под воздействием Уистлера, художника Джорджа Иннесса и климата Калифорнии в США сложился тонализм. Картины тоналистов признали американские любители живописи. Эти созерцательные произведения они охотно приобретали для своих коллекций. Среди мастеров тонализма можно выделить Чарльз Питерса, увлечённого ночными пейзажами, а также Готтардо Пьяццони, который пользовался только неброскими коричневыми, синими, серыми цветами. Бунтарь по натуре, Хавьер Мартинес успевал и кутить среди богемы, и писать пустынные пейзажи и умиротворяющие портреты.

 

Конец чистого тонализма

 

К 1920-м годам весь мир, и Америка в том числе, увлеклись абстракциями, сюрреализмом, фовизмом. Тонализм остался в истории не как направление живописи, а как, скорее, как личностное проявление в картинах художников.

 

Тонализм в картинах Владимира Гремитских

 

Советский живописец Владимир Георгиевич Гремитских, писавший свои работы в стиле реализма и импрессионизма, в некоторых своих работах также виртуозно применял музыкальную технику тонализма. Вот несколько из них:

 

«Туман»

 

В 1960-е годы художник написал в Гурзуфе пейзаж в приглушённых серовато-зеленоватых тонах в стиле тонализма. Крупные скалы очень декоративно смотрятся на фоне неба и моря. Их тона перетекают из одного в другое. Сюжет, как и положено, отсутствует. Мы можем только любоваться умиротворением, которое нисходит с этого пустынного величественного пейзажа. Эта картина художника, кстати, вынесена в аватар данной статьи.

 

«Гурзуф ночью»

 

Насыщенные синие и черные цвета заполняют всю картину. Золото огней в окнах играет, как музыка, смыкаясь с «сюитами» в золоте тонализма. Непринуждённость исполнения оставляет впечатление незаконченности этой вполне завершённой работы, у которой много нюансов и оттенков.

 

«Гурзуф. Ночь. На балконе.»

 

Вообще надо сказать, что изображать ночь Владимир Георгиевич, как и некогда Чарль Питерс, очень любил. Серые или чёрные стволы деревьев, покрытая тьмою листва, у него всегда эффектно смотрятся на фоне глубокого синего неба. Краски, не сливаясь, усиливают впечатление друг от друга, создавая свою романтическую «симфонию» с вариациями - здесь и небо, и деревья, и забытый стул на балконе, и освещенный уютный  старый домик. В нём ещё никто не спит, и хочется незримо навестить хозяев, которые беседуют о возвышенном искусстве или поглаживают пушистого кота, разговаривая с ним.

 

«Зимняя ночь. Деревня.»

 

Рассматривая этот зимний деревенский пейзаж художника, мы погружаемся в нежнейший минор, исполненный в голубом. На фоне синеватого неба выделяются избушка и сарайчик. Их крыши, занесенные снегом, стали сказочно, приглушенно-бирюзовыми. Вдаль влево уходит деревушка, которой почти не видно во тьме. А перед нами расстилается широкая снежная поляна, которую ночь окрасила своими сероватыми и голубыми красками. Эта небольшая сюита, как сказали бы тоналисты, посвящена жизни маленькой русской деревни, которая так прекрасна ночью! 

 

«Фонтан в гурзуфском военном санатории»

 

Этот ночной этюд Гремитских был написан в оливково-зеленоватых тонах, как это было принято у тоналистов. Только краски очень ярки и праздничны, несмотря на глубокую ночь. Это не случайность. Яркая сухая природа юга не позволяет скрыть туманом изображение. Это живописное многоголосие заставляет вспомнить ожившую музыку цвета: фонтан в виде женской скульптуры свекольно-фиолетовых оттенков смутно выплывает из тьмы, а рядом с ном празднично золотится небольшой огонёк и сверкают изумрудные струи воды. Тонализм у советского художника-реалиста стал не блёклым, американским, а ярким, яростно-русским.

 

 

 

Татьяна Пиксанова

 

Традиции реализма в русской и советской живописи увеличить изображение
Традиции реализма в русской и советской живописи

Под реализмом (от латинского realis – действительный, вещественный) принято понимать в живописи объективную и точную передачу действительности на картину художника. Это понятие впервые употребил французский критик и писатель Жюль Шанфлёри в середине XIX столетия. Этим понятием он провёл грань между академизмом и романтизмом.

 

Передвижничество

 

В Российской империи это направление активно подхватила группа художников, которая объединилась сначала в «Артель художников», состоявшую из 14 живописцев. Это были бунтари, которые заканчивали  Императорскую Академию художеств в 1863 году. Они отказались писать конкурсные работы на заданную тему и ушли из Академии. В 1870 году ими было  образовано «Товарищество передвижных выставок» и утверждён его Устав. Главным идеологом Товарищества был Иван Николаевич Крамской, находившийся под влиянием идей русских революционных демократов. Он высоко ставил общественную роль художника, национальную выразительность и моральную сущность искусства, основанную на принципах реализма.        

Основное, чего добивались русские реалисты, – передать жизнь в её непрерывном движении, изменчивости, правдоподобно подчеркивая портретное сходство своих моделей, их чувства и переживания. Их образы отражают жизнь в самой своей глубинной сути.

 

Выставки

 

Первая выставка передвижников открылась в 1871 году. На ней были показаны для публики Петербурга, Москвы, Киева и Харькова 82 картины. Фурор произвели «Грачи прилетели», скульптура А. Антокольского «Иван Грозный» и полотно Н. Ге «Пётр I допрашивает царевича Алексея Петровича в Петергофе». Эта выставка стала настоящим событием и откровением в культурной жизни страны.  Всего состоялось 47 выставок. П. М. Третьяков закупал для своей коллекции лучшие произведения непосредственно с этих выставок, помогая тем самым художникам материально и морально. Для их произведений были характерны трагический взгляд на реалии жизни, обострённый психологизм, например: «Крёстный ход в Курской губернии»,  «Не ждали», «Утро стрелецкой казни»,  «Боярыня Морозова», «Дождь. Дубовый лес», «Христос и грешница», «Над вечным покоем», «Христос в Пустыне», «У дверей школы», «Старики-родители» и многие другие.

 

Традиции реализма в начале XX века

 

Русских живописцев в 10-х годах ХХ-го столетия занимает в основном крестьянская тема, но при этом её звучание становится радостным, праздничным или лирическим. А. Архипов объединяет человека и природу в задумчивом и мечтательном состоянии. Лишь одна его картина, «Прачки» (1901 год), выходит из этого настроения. Художник написал её под социально-критическим углом, использовав серовато-серебристую гамму. Но большинство его произведений с деревенскими сценами и жанровыми портретами являют зрителю красочное и яркое зрелище. На картине «В гостях» свет, потоком льющийся из оконца, и алые  блузки и юбки крестьянок, собравшихся на посиделки, освещают всю небольшую избу. Картины живописца Ф. Малявина, также глубоко проникнутые сценами из крестьянской жизни, поражают разлитым по его полотнам буйством багрово-алого цвета. Этот вихревая гамма безудержно бушует на его произведениях и воплощает неистовый и неукротимый дух народа. К. Юон работает в совершенно противоположном направлении. У него господствуют деликатные соотношения чистых тонов, графичность линий. Он пишет лирические пейзажи природы, старинной архитектуры и жизни. Художники русской реалистической школы воспринимают народный быт как хранителя национального уклада жизни с одной стороны, а с другой – исторический сюжет рассматривается ими как иллюстрация традиционного обихода, векового существования. В этом ряду стоят картины А. Рябушкина, которые повествуют о древней Руси («Едут») и современности («Чаепитие»). С. Иванов увлечен сюжетами из средневековой жизни XVI–  XVII столетий, например, «Приезд иностранцев в Москву». Художники обращаются напрямую к ощущениям зрителей подчеркнутой выразительностью цвета и ритма. Они передают зрителю своё отношение к изображаемому.

 

Промежуточное звено

 

К 20-м годам прошлого века начал складываться и быстро появился в художественной жизни  новый стиль – авангардизм. Художники резко отказались от общепринятых приёмов реалистического изображения. Они подчёркнуто полемизировали и остро противопоставляли старому свои искания новых традиций. Далеко не каждому нравился «Чёрный квадрат» К. Малевича, работы В. Кандинского, который стал основоположником нового течения, где цвет и формы, играя главную роль, должны были вызывать ряды ассоциаций. В этом же духе были и такие направления как суперматизм, лучизм, футуризм, примитивизм, абстракционизм, кубофутуризм и конструктивизм. В этих направлениях активно и увлечённо работали Н. Гончарова, Н. Удальцова,  О. Розанова, М. Ларионов, А. Экстер, И. Клюн, а также многие другие. Такое явление, как авангард, характерно для слома эпох, что и происходило тогда в России. Его эстетика предполагала осознанный эксперимент, отрицание норм обывателя, создание новых форм и приемов и, наконец, эпатаж.

Художники русского авангарда вели свои поиски в древнерусском и крестьянском искусстве, в вывесках магазинов, лубках. Искусство авангарда подчёркнуто агрессивно, нигилистично, но в лучших своих произведениях объединяет созидательное и разрушительное начала.

 

Тридцатые годы

 

В начале 1930-х годов нарком Просвещения А. Луначарский ввёл понятие «новый социальный реализм». В газете «Известия»  прошли публикации его статей на тему «социалистического реализма». Его поддержал М. Горький, который высказался  примерно так: «соцреализм – это творчество, целью которого должно стать развитие человека ради победы над природой, ради счастья жить на земле и обрабатывать её и превращать землю в прекрасное жилище». Государству требовалось искусство, которое подтолкнёт человека к трудовым подвигам, изменению идей и мыслей людей, направляя их к более глубокому изучению ленинских учений. Основными принципами термина соцреализм, который впервые ввёл в обиход И. Гронский, стали народность, идейность, показ мирной жизни и героических поступков для всеобщего блага, конкретность, изображение того, как меняется быт людей, как он улучшается. При этом произведения искусства должны были создаваться для пользы общества.

Выражая природу советской творческой деятельности, этот метод был реалистическим, что связывало его с традициями мирового и русского искусства, а его социалистический характер, развивая лучшие мировые тенденции, обуславливал его новаторство. Произведения скульпторов Н. Андоева и А. Матвеева, В. Мухиной и И. Шадра, М. Аникушина и Л.Кербеля, Н. Томского и Е. Вучечича, живописцев Ю. Пименова и А. Пластова, Б. Иогансона и А. Дейнеки, Е. Моисеенко и Г. Коржева, С. Чуйкова и П. Корина давно стали классикой. Соцреализм – это счастливые произведения на темы труда геологов, которые ведут поиски в тайге, радостные рабочие на лесосплавах,  инженеры и студенты, физкультурники с гармоничными фигурами, которые наслаждаются безупречным владением своим телом.  Грандиозная работа Веры Мухиной  «Рабочий и колхозница», как и плакаты А. Дейнеки того времени – «Физкультурница»,  «Механизируем Донбасс» – подводят зрителя к культу физической культуры и труда, к его механизации. Оптимизм соцреализма до сих пор заразителен, поскольку он с трепетом относился к воспеванию труда. Однако он не поэтизировал домашний труд и семью, относясь к быту, как к мещанству, тянущему к рутине. В жертву работе на благо общества должно было приноситься всё личное.

 

День сегодняшний

 

В настоящее время в России и на мировом рынке высоко ценятся произведения соцреализма. Они выставляются на лучших аукционах и широко представлены в личных коллекциях. За рубежом, в частности, в Америке и Европе, куда переехала часть даровитых российских живописцев, все работают только на продажу, на потакание вкусам публики. Их реалистические произведения с успехом выставляются в галереях и салонах. Они часто пишут по заказам покупателей. К сожалению, практика «рисуй и продавай» стала приживаться и в нашей стране. Наши лучшие художники должны направлять творческую молодёжь на создание для страны музейных ценностей. Эта философия должна стать приоритетом в воспитании профессионалов. 

Гремитских Владимир Георгиевич – художник с большой буквы увеличить изображение
Гремитских Владимир Георгиевич – художник с большой буквы

Владимир Георгиевич Гремитских (1916 – 1991) за 74 года прожил напряжённую творческую жизнь. Он родился в захолустном уездном городе Ново-Николаевске в Сибири, который ныне превратился в огромный Новосибирск.

Затем семья переехала в Самару, а в 16 лет юноша, оставив родные края, отправился в Москву: «учиться на художника». Благодаря незаурядным способностям его приняли в Московское художественное училище  памяти 1905 года, где он провёл 4 года под руководством К.К. Зефирова, а позже – М. Соколова.

В 20 лет Владимир Гремитских поступил в Московский художественный институт им. В. Сурикова. Его учителями стали знаменитые мастера: П.Д. Покаржевкий, В. В. Почиталов, И. Э. Грабарь и С. В. Герасимов. В России, начиная с XVIII века, создалась  прекрасная национальная школа живописи. Талантливый молодой человек впитывал, как губка, всё, что давали ему учителя. Особенно его ценили И. Э. Грабарь и С. В. Герасимов. Они дали начинающему художнику не только техническое мастерство, но и осознание значения русской национальной культуры. В 1941 году студент пишет картину «Ополченцы» и уходит на фронт. Воевать он будет вплоть до приказа Сталина, который вышел в 1942 году, и по которому с фронта отозвали в том числе всех деятелей культуры и студентов ВУЗов. Работая уже как самостоятельный художник, Владимир Георгиевич никогда не забывал заветы своих учителей, создавая пейзажи, портреты, натюрморты, жанровые картины. Его интересовало буквально всё - чем жил, как дышал  народ страны, восстанавливая послевоенную разруху, как строилась Куйбышевская ГЭС на Волге, как просто и гордо носили свои ордена ветераны, без пафоса, но очень достойно, как работает бармен в Новгороде, как цветут розы в Гурзуфе и сирень – в Подмосковье, как из деревенского мальчика в Узбекистане вырастает интеллигентный кинематографист и литератор…

Уже начиная с 1943 года Владимир Гремитских становится непременным участником московских, республиканских и всесоюзных выставок. В 1944 году его принимают в Союз художников СССР.

При жизни художник был удостоен дипломов МОСХ РСФСР и МГО ХФ РСФСР.

Приём картин художников осуществлял худсовет. Не имея звания народного или заслуженного художника, В.Г. Гремитских получал за свои работы оплату по низшим расценкам. Но в перерывах между заказами, если ему удавалось их получать, он писал то, что просила его душа. Картины Гремитских поступали в художественные музеи страны и расходились по частным коллекциям у нас и за рубежом. В домах творчества всем художникам можно было поселиться с семьёй и получить мастерскую для работы. Единственное, что после этого надо было показать комиссии определённое количество работ и этюдов. Владимир Георгиевич выкладывался в полную силу, отдавая каждой картине часть своей души. Поэтому, когда мы сейчас смотрим на картины художника, то временами нас охватывает озноб восторга, радость или печаль – разные ощущения передают нам они.

Официальное признание его большого мастерства, как это часто бывает, пришло лишь через четверть века после смерти художника. В феврале 2016 года в выставочном зале Академии Сергея Андрияки проходила персональная выставка Владимира Георгиевича Гремитских, при жизни он так и не дождался своей очереди. 5 сентября 2017 года ему посмертно присвоили звание Почетный деятель искусств России. 14 сентября 2017 года он был также посмертно награждён Почётной медалью Профессионального союза художников России.  Ну что ж, как говорится, лучше поздно, чем никогда.

 

Татьяна Пиксанова

Русский импрессионизм. Зарождение, его развитие, преемственность в советской живописи увеличить изображение
Русский импрессионизм. Зарождение, его развитие, преемственность в советской живописи

В 2016 году в Москве открылся музей русского импрессионизма. Он находится в отреставрированном промышленном здании постройки 1884 года по адресу Ленинградский проспект, 15, строение 11. Метро Белорусская. Основную часть экспозиции занимают произведения замечательных русских художников В. Серова и К. Коровина, И. Грабаря и С. Жуковского, Б. Кустодиева и К. Юона, А. Герасимова и П. Кончаловского. Мысль о его создании появилась у коллекционера Б. Минца, который подобрал коллекцию с очень тонким вкусом.

 

Что такое русский импрессионизм

 

Русские художники конца XIX и начала XX столетия на удивление часто посещали Францию, не только Париж, но и отдельные мелкие местечки. Они, восхищаясь, впитывали в себя тогда ещё новый стиль живописи, при помощи которого передовые французские живописцы передавали зрителю свои яркие впечатления от жизни. Но русским художникам показалось это недостаточным. Они  стали загружать увиденное глубоким смыслом, почти отказавшись от сиюминутности этюда. Отсюда появлялось явное родство с реализмом при иной технической передаче впечатлений, стремление придать бóльшую предметность и материальность своим картинам. Русские художники добавили также отображение своего внутреннего состояния в данный момент времени. Примером может служить сравнение двух работ - Константина Коровина «В  лодке» (1888) и Клода Моне «Две девушки в лодке». Клод Моне наслаждается колоритом солнечного дна, не заботясь о прорисовке лиц девушек, которые могли бы рассказать об их характерах. Безмятежность  подчеркнута бело-голубым колоритом, который выбрал французский мастер.  Более глубока и лирична картина К. Коровина, который изобразил молодого человека, читающего вслух книгу, и девушку, лицо которой – это напряженное внимание. В лучших реалистических традициях изображены лодка, весла, фигуры молодых людей, выражения их лиц, игры теней на глубоко склонившихся ветвях деревьев,  на тёмной глади воды, и на одежде молодой пары – это уже органичная дань импрессионизму. Далее во всех своих работах Константин Коровин развивал этот стиль, открывая новые окна в мир. Невозможно не упомянуть  «Золотую осень» (1886) Ильи Семёновича Остроухова. Это признанный всеми «пейзаж настроения». Кленовая поляна пересечена узкой тропкой, на которой среди золота листвы выделяются две чёрно-белые сороки.

 

После революции

 

Русский импрессионизм не исчез из работ наших живописцев и во времена СССР, он просто нигде официально не упоминался, как будто его и не было. Критики о нем не вспоминали, что, может быть, и к лучшему, так как тогда торжествовал социалистический реализм: трудовой подъем народа, тщательно выписанные парадные портреты вождей. На это обращалось основное внимание. Однако если внимательно посмотреть на работу А.Н. Самохвалова 1937 года «Метростроевка со сверлом», то мы увидим не просто строителя метро, а опоэтизированный с помощью льющегося золотистого цвета «тип величавой славянки». Золотисто-рыжеватая гамма создает впечатление праздника труда, который прерван на минуту отдыха. Модель художника застыла, как античное изваяние, на фоне каменных глыб, из которых позже будут сложены стены станции. Она, при полной неподвижности, вся – стремление и полёт в будущее, которое ей кажется прекрасным, и которое она создаёт на радость людям. Критикам придраться просто не к чему - тема актуальна (советская женщина и труд), её образ реалистичен, а техника света и момент – это выбор живописца. Можно также вспомнить изумительный женский портрет Игоря Грабаря «Светлана». До сих пор неизвестно, кто послужил ему моделью. Строились предположения, что это кто угодно, даже дочь Сталина. Но её фотографий того времени не сохранилось. Очарование юной девушки, портрет которой написан в сине-серых тонах, свет, льющийся из её карих глаз, которые прямо смотрят на зрителя, алые губы правильной формы, чудесный овал лица, блики света на волосах и одежде заставляют отнести эту работу к шедеврам русского импрессионизма. В 1940 году Игорь Эммануилович написал зимний пейзаж «Берёзовая аллея». Это еще одно чудо русского импрессионизма.

 

Годы войны

 

Начало войны молодого художника Владимира Гремитских застало на фронте. На картоне маслом быстро, крупными мазками, с реалистично изображенной позой он пишет портрет «Спящего солдата». Он спит чутко. Бой может начаться в любую минуту. Этот  портрет, как и многие работы Владимира Георгиевича, несёт в себе элементы импрессионизма. Поражает  произведение живописца Е.Е. Моисенко «Победа». Оно написано в серых тонах, без тщательно выписанных деталей. Свет, льющий с

+

 улицы в подвал, где находятся два солдата, выхватывает из темноты сияющую радость на лице одного из них и горечь потерь того, кто спрятал от нас свое залитое слезами лицо. Его тело одновременно искажено судорогами счастья  и горя.

 

После войны

 

В 1946 году на съезде художников в Ленинграде обсуждался доклад Н. Пунина «Импрессионизм и проблемы картины». Докладчик подробно остановился на этом явлении в живописи, считая, что у художника есть простая задача - быть современным и искренним. Он был уверен, что импрессионисты, разрушив старый канон, двинули живопись вперёд. Советские художники, по его мнению, должны находиться на переднем плане и приступать к работе только тогда, когда созреет цепь ощущений. Рождение новой картины должно освобождать живописную силу  и создавать такую среду, чтобы мимо нового произведения нельзя было пройти. Этот доклад вызвал бурные прения, которые проходили целых восемь дней, звучала довольно резкая критика, но и согласие с его отдельными положениями. А художники тем временем, как ни в чём ни бывало, продолжали работать, следуя своим личным ощущениям.

 

Пятидесятые и шестидесятые годы

 

 Для начала отметим работы Юрия Ивановича Пименова, который начинал как экспрессионист, но позже стал писать в стиле импрессионизма прекрасные и лёгкие образы. Картина «Калининград. Дождь» (1968) выхватывает момент, когда мужчина и женщина сидят за столом в кафе у окна, за которым идёт дождь. Очертания городского пейзажа на заднем плане размыты. Голубовато-серебристая гамма подчёркивает элегическое настроение собеседников, которые никуда не торопятся. Они вдвоём, всё остальные не в счёт. Нужен ли им разговор? Возможно, да, а, может быть, и нет. Они прекрасно понимают друг друга. На столе – единственное яркое пятно: «бокал вина горит рубином». Атмосфера этой изумительной жанровой картины наполнена поэзией и современна всегда в самом прямом смысле этого слова.

У другого известного советского художника, Александра Михайловича Герасимова, мы отметим также одно полотно, написанное в 1954 году, – «Вести с целины». Радостна и светла эта большая картина, на которой в деревенской избе с бревенчатыми стенами и распахнутым в сад окном, за которым бушует весна, на скамье сидят двое. Старый бородатый дедушка в малиновой рубашке и молодая женщина в белой рубашке и синем цветастом сарафане, она держит на руках годовалого крепенького младенца. Оба персонажа держат в руках газету. Статья вызывает улыбки на лицах. Детали тщательно отобраны. Под ногой у молодой женщины скамеечка, чтобы малыш не падал с коленей, рядом столик с рукодельем, покрытый белой скатертью, и ручной швейной машинкой «Зингер». А картина пылает разноцветными тенями - голубоватыми, зеленоватыми, лиловыми, малиновыми, золотистыми, которые очень гармонично подчёркивают радостный момент жизни персонажей.

 

Поздние натюрморты, пейзажи, портреты Фёдора Павловича Решетникова почти все написаны не в стиле соцреализма, одним из столпов которого считается художник, они просто поражают триумфом импрессионизма,  присутствующего во многих работах: «Подмосковье» (1946), «Лес после дождя» (1946), «Интерьер. Утренний туалет» (1946), «Красный зонтик» (1946),  «Натюрморт с фруктами» (1947),»Портрет Лидии Бродской» (1948), «В парке имени Э. Циолковского»… Список работ живописца велик, и он не ограничивается теми картинами, которые мы назвали, и которые с любовью передают прекрасные мгновения, запечатлённые его кистью.

«Золото осени» – картина Владимира Гремитских  показывающая нам лучшее  время осени, когда лес  полон золота  и солнце слилось с листвой, а небо невероятно голубое, тоже выполнена в лучших традициях импрессионизма. Совсем другое лирическое настроение царит на картине Гремитских «Сирень цветёт». Огромный куст сирени накрыл маленькую дачку своим ароматом, свежим и сочным. Так хочется воскликнуть: «Пришла весна!» и нарвать себе букет.

 Натюрморт В. Гремитских «Розы. Солнце.», к которому так и хочется добавить слово «любовь»,   –  гимн предметной красоте мира, где есть прекрасные розовые, алые, пунцовые, белые и чайные розы, небрежно поставленные в простую стеклянную банку. Они уже распустились и открыли свои головки во всей красе. Это уже чистой воды импрессионизм, и работ в этом стиле у мастера великое множество. Все они вызывают восхищение.

Мы рекомендуем посетить музей русского импрессионизма, чтобы в полной мере насладиться этим явлением, которое своеобразно преломилось в России, прибыв к нам из Франции.

 

Татьяна Пиксанова

Ранний русский авангард – художественное объединение «Бубновый валет» увеличить изображение
Ранний русский авангард – художественное объединение «Бубновый валет»

Всё началось со скандала на выставке, которая открылась в Москве в декабре 1910 года и имела двусмысленное название «Бубновый валет». Её инициаторами были Михаил Ларионов и Давид Бурлюк.

 

Как понимать это название

 

Объяснений и толкований существует много. Но наиболее часто встречающийся вариант выводят из старинного французского карточного жаргона. В нем «валет» (в переводе с французского «лакей» или «слуга») всегда играл роль плута и мошенника. Если приблизить это название к действительности той поры, то можно думать, что художники решили посмеяться своими работами над публикой, привыкшей к классике и реализму. Эпатаж и протест против современного им эстетства был очень свойственен содружеству молодёжи. Кроме того, они старались яркими, грубыми балаганными цветами, которые считались несовместимыми с живописью, внести мотивами карт атмосферу игры,  вызвать изумление и удивление, которое у мещан переходило в брезгливость.

 

Как воспринимал простой обыватель эту живопись

 

 Это очень интересно описано в романе А. Толстого «Сёстры»: « Даша вернулась с литературного вечера. Дома она была одна, а со стен смотрели странные картины с геометрическими лицами. Краски были глухие, как головная боль. Эта чугунная поэзия, с горечью осознавала Даша, слишком высока для её тупого воображения.»

 

Начало

 

Нескольким молодым художникам, которые приехали из глухих уголков России в Москву, совершенно разонравилось то, чему учат в Училище живописи, ваяния и зодчества. Илья Машков вообще собирался бросить живопись. Роберт Фальк, Рождественский, Александр Куприн подружились с бунтарем Михаилом Ларионовым, испытав его мощное влияние. М. Ларионов был незаурядной личностью. Уже пять лет он участвовал в выставках. Его работы были написаны в стиле импрессионизма. Он бывал в Париже, работал с М. Врубелем и С. Дягилевым. Отказавшись от своего стиля, он склонялся к фовизму и кубизму. Его свежее понимание творчества понравилось русским новаторам: П. Кончаловскому, Н. Гончаровой, А. Лентулову, И. Машкову, А. Экстер, А. Куприну и Р. Фальку. По мнению А. Бенуа, Л. Ларионов излишне и неумеренно забежал вперёд, назвав круг его друзей авангардом. Он же их ещё метко назвал «русские сезаннисты». Вся их деятельность – это переход от примитивизма к стилю Сезанна.

 

Решение молодёжью своих задач в искусстве

 

Свободная самореализация – вот что поддерживало в то время каждого. Они писали, как одержимые, и у каждого имелось огромное количество работ. Например, Наталья Гончарова написала за тринадцать лет свыше семисот произведений. У них не было заказов и публичного успеха, было одно – желание выразить свое, личное отношение к миру. Оно было непонятно никому: ни обывателю, ни элите. На их первой выставке было много портретов, которые переосмысливали этот жанр. Художники гиперболизировали физическое, телесное. Характерной чертой была прозаическая приземлённость, отсутствие духовности. Их герой – человек средних лет, который крепко стоит на земле. Портреты женщин были более похожими на пародии, а не на возвышенную красоту. Так, В. Татлин окрашивает свою обнажённую «Лежащую натурщицу» в немыслимые оранжевые, зелёные и голубые тона. А Машков даже подкрашивал своих натурщиц в малиновые и зелёные цвета. Там, где французские мастера пользовались светом, здесь всё заменялось игрой красок. Влияние Гогена сказывалось на всех членах «Бубнового валета», у кого-то в цвете, у кого-то в плоскостной форме. Им они почти все увлекались в свой ранний, довалетный период. Всё раздражало зрителя: эти самоуверенные недоучки заменили серьёзное отношение к работе трюкачеством и саморекламой.

 

Натюрморты

 

Натюрморт – это мир связанных мыслью различных предметов. Однако члены «Бубнового валета» как будто забыли этот принцип, точнее, он их просто не интересовал. Единство вещей, их связи между собой и человеком,  их скрытая символика, быт – всё это не волновало живописцев. Для них становится важным показать плоть предметов, разнообразие фактуры и то, как «лепит» их краска. Отсюда и появляются у них калачи, караваи, буханки хлеба, сливы, бананы, яблоки. Только красочность, изобилие, как на вывеске лавки, их живо интересуют. В особой стороне стоит нарядный расписной поднос. Он – почти неизменная часть натюрморта или даже портрета. Это обрамление, фон для как будто случайно собранных вещей - вазочек, коробок для шляп, салфеток и кофейников, фруктов, ягод и овощей. Поднос организовывал композицию и провозглашал позицию её автора. В композициях с обнаженной натурой подносы служили тем же целям, что ткани или драпировки. Тем не менее, за подобной лубочностью скрывался обман, который не тяготел к натурализму. Их картины  многое позаимствовали от стиля Сезанна и Матисса.

 

Изменения

 

Примерно к 1914 – 1915 годам у членов «Бубнового валета» начинают появляться зримые преображения в каждом из традиционных жанров. Чаще стал появляться пейзаж, портреты лишаются гротеска. На смену им идут кубисты, которые не дают названия своим картинам, а только нумеруют свои композиции. Художественное общество постепенно начинает разобщаться. В 1916 году Машков и Кончаловский из него выходят, а в правление входит Казимир Малевич вместе со своими друзьями и единомышленниками. В 1917 году на выставке нет ни одного произведения основателей «Бубнового валета». Тогда уже ушли Фальк, Куприн и вообще всё ядро. К 1923 году  они вновь ненадолго собираются на скромной «Выставке картин».

Какой год можно считать окончанием деятельности «Бубнового валета»?  В основном все склоняются к 1917 году, когда к нему присоединилось товарищество «0,10». Важнее другой вопрос: «Что значит их живопись спустя сто лет сегодня для нас?». Молодой задор? Свежесть и полнота восприятия жизни? Как ни странно, «Бубновый валет» продолжает жить, первым открыв для России европейское искусство и таких художников, как Сезанн и Матисс.

 

Татьяна Пиксанова

Гремитских  Владимир Георгиевич, картины разных лет. увеличить изображение
Гремитских Владимир Георгиевич, картины разных лет.

Выдающийся советский художник Владимир Георгиевич Гремитских (1916 – 1991) работал в разных жанрах - пейзаж, натюрморт, портрет, тематическая картина, жанровая живопись, используя каждый раз те художественные приёмы, которые наиболее полно выражали его мысли и настроение. Это мог быть реализм или импрессионизм. В этой статье мы  уделим пристальное внимание портретам и жанровым картинам, которые создал живописец.

 

Время, повернутое вспять

 

Все эти произведения имеют музейное значение и позволяют удачно вложить средства, так как стоимость картин художника со временем только возрастает. Московский живописец Владимир Гремитских, техника которого безупречна, каждый раз глубоко раскрывал созданные им образы. Он работал неустанно и ежедневно,  ездил по всей стране, не жалея ни сил, ни времени, ни здоровья. То, что осталось запечатлённым в его работах, уже стало частицей истории нашей страны. Современный художник может её только по мере сил реконструировать, но тонко и правдиво передать дух эпохи мог только очевидец, каким был  Владимир Георгиевич Гремитских.

 

Мужские портреты

 

«Иван». В действительности это портрет московского художника Александра Фирсовича Суханова. Он являлся автором многочисленных произведений станковой живописи, которые выставлялись на отечественных и зарубежных выставках. Его работу, мозаику «А.В. Суворов» на станции метро «Комсомольская»  москвичи видят повседневно. Жители Севастополя хорошо знают панораму «Оборона Севастополя». Долгие годы своей жизни А.Ф. Суханов посвятил монументальному искусству, создавая панно «Дружба народов СССР» и «Союз науки и труда». Но теперь взглянём на его портрет. Вечер, закончен трудовой день, художникуу было некогда даже сбегать в магазин и купить себе еды. Похоже, что он вообще ничего не ел в течение дня. Устало облокотившись на стол,  он будет отламывать по маленькому кусочку от ломтика черного хлеба и медленно есть его, запивая, возможно, простым квасом, а, может, чем и покрепче. Видно, как он безмерно устал, и взгляд его открыт и печален. Он явно очень одинок сейчас. Но свои заботы этот настоящий мужчина не будет перекладывать на чужие плечи. На вопросы он будет отвечать односложно, не вдаваясь в подробности. Зритель, глядя на лицо типично русского человека, забывает все мелкие неприятности, которые могли сопровождать его собственный день. Это произведение искусства – настоящее украшение коллекции ценителя живописи советского периода.

 

«Дед Апанас». Перед нами типичное украинское лицо старого, умудренного жизнью и тяжелой физической работой мужчины. Для позирования он приоделся в чистую белую рубаху с вышивкой, над которой потрудились жена или дочки. В поле он, наверняка, одет иначе и работает с полной отдачей. Он умеет справиться с любыми сложностями, которые подкидывает ему жизнь, а починить крыльцо хаты, крышу или калитку –  для него совсем не проблема, особенно, если помогут сыновья. Жена, как все деревенские украинки, держит дом в чистоте и порядке. На столе всегда выпечка, лучок и помидоры с собственного огорода, сало. Щедрый стол с простой и вкусной деревенской едой у него всегда накрыт для друзей и гостей. И душа у него щедра, потому что он имеет умное сердце и добрый ум.  Ему не требуется много денег, за которые можно купить развлечения, но не радость,  постель, а не сон, еду, но не аппетит, лекарства, но не здоровье, жилище, но не домашний очаг. Хотите иметь такого друга? Такая возможность у Вас будет, если Вы приобретёте этот глубокий психологический портрет.

 

Ещё одна работа мастера показывает нам одинокого молодого, лет тридцати, мужчину: «Вася». Небрежно растрёпанные волнистые волосы, требующие стрижки, грустное задумчивое лицо – всё говорит, что человек, который мог бы быть Вашим соседом, если его переодеть в современную одежду, так и не нашел свою половинку, не сумел создать семью.  С ним можно посидеть и поговорить. Он раскроется не сразу, но потом его богатый внутренний мир поразит Вас, и Вам захочется стать его другом.

 

Портрет заслуженного деятеля искусств Казахской ССР Бексултана Жакиева, родившегося в семье колхозника, показывает, какие возможности личностного роста давала человеку советская власть при всех её недостатках. Перед нами интеллигентный человек, который сам себя сделал. Он – известный драматург, прозаик, переводчик, сценарист.  Портрет элегантного, хорошо воспитанного человека будет очень уместен как картина для офиса.

 

Этим далеко не исчерпываются интереснейшие портреты мужчин, которые можно найти в виртуальной галерее картин художника Владимира Гремитских.

 

Женские портреты

 

 К портретам женщин Владимира Георгиевича неприложимы пошловатые  слова: «Ах, какая миленькая, ах, какая красотуля!»  Это не вертихвостки и не роковые красотки в платье с разрезом до трусов и с бокалом мартини в руках, не глупые блондиночки из анекдотов, мечтающих подцепить поклонника, который преподнесет ей квартиру, машину, поездки в Париж, Лондон, Ниццу. Девушки и женщины Владимира Гремитских  просты и человечны. Они надежны и никогда не предадут. Художник восхищается юной улыбчивой «Наташей» с её естественной красотой и невинным кокетством. Другая, взрослая «Наташа», – врач районной поликлиники. Она вполне серьёзна и смотрит так, как привыкла смотреть на своих пациентов, которые садятся перед ней и рассказывают, что их беспокоит. Он привыкла лечить не болезнь, как требуется сейчас, а человека, и он раскрывал врачу всё, что его беспокоит и вызывает сомнения и тревоги.  Дома она расслабится, расскажет мужу, и дети это будут слышать, кто приходил к ней сегодня, с какими проблемами она сталкивалась. К ней всегда может забежать со слезами соседка и попросить о помощи, в которой ей никогда не откажут. Портрет «Тамара» создан на пленэре.  Уже прохладно. Прошло лето. На голове сероглазой женщины с большими глазами, розовыми щеками и алыми губами, не знающих ни румян, ни помады, навсегда задержалось задумчивое выражение. «Нарине» – это портрет красивой восточной девушки, чьё имя в переводе с армянского языка означает «жена», «женщина». Задумчивую черноволосую и черноокую красавицу художник встретил в Юрмале. Да, так было всё просто было в СССР – захотел и поехал куда угодно отдыхать, и никто косого взгляда на тебя не бросал. Народы были дружны. Красивая, строгая и благородная – так можно охарактеризовать эту молодую женщину. Во многих живописных образах воспел Владимир Георгиевич и русскую женщину, портреты художника учат отличать правду жизни от «красивой» лжи, исполненной в розовом цвете. Его женские портреты будут хороши  как картины для интерьера,  подойдут они и в качестве картины в подарок. Только приглядитесь к портретам кисти В.Г. Гремитских, и  Вы увидите, какая глубина и сила исходит от них.

 

Жанровые сценки

 

Этот вид искусства начал складываться ещё в Эпоху Ренессанса. Развиваясь, он стал отражать быт и жизнь народа, покрывая её флёром романтики, или открывая все детали полностью реалистически, или показывая их с сатирической стороны. Возможностей у художника было немало, ибо он создавал произведение, подобное литературному, в котором интересны все детали. Владимир Георгиевич Гремитских писал поразительные картины в этом стиле. Благодаря его работам мы теперь можем познакомиться с советской действительностью, которая удивляет эстетичностью. Его произведения уместны  в любой обстановке. Такая картина может послужить великолепным подарком на юбилей, например, либо в качестве картины для интерьера.

 

Произведение «Вечером» показывает увлечённого своими изысканиями интеллектуала-холостяка. Творческий хаос, окружающий его, может стать предметом шуток. Он не одинок. К нему прибился котик, которому, судя по всему, здесь очень уютно, как и молодому человеку в очках, который хорошо разбирается в своём беспорядке.

 

Картина «В ожидании парохода» показывает на первом плане женщину с нехитрыми пожитками, сидящую на старой волжской пристани. Она терпеливо ждёт, что-то читая. Рано или поздно пароходик прибудет, сначала выглянув из-за поворота реки, потом медленно пришвартуется, и она поднимется по трапу. Можно только догадываться, куда направляется героиня. В этом и состоит интрига. В этой небольшой жанровой работе тем ярко отражён дух времени конца 1940- годов, когда страна стала только понемногу приходить в себя после обескровившей её войны.

 

«В ресторане «Детинец». Произведение написано в Великом Новгороде, в ресторане «Детинец», который находится в Новгородском кремле. Как и всё, что делал Владимир Георгиевич, это работа с натуры, а не по фотографии, чем занимаются сейчас многие художники. Поэтому-то ему удалось передать сосредоточенность молодого официанта, который наливает медовуху из глиняного кувшина в глиняный же, стилизованный под страну, стакан.

 

 Полна мощной жизненной силой картина «На лодочной станции в Академичке». В тихом уютном зеленом уголке надолго и спокойно расположился рыболов. Его спутница отдыхает, любуясь окружающим пейзажем. От зелёного леса невозможно отвести глаза, с таким блеском и любовью он написан.  Но есть вероятность, что и спутница рыболова пристрастится к рыбной ловле, и ещё неизвестно, у кого будет получаться лучше. Захватывает дух от умения живописца пользоваться цветом и светом. Эта невероятно красивая жанровая сценка пока ещё ждёт своего покупателя.

 

В картине «Волжане» мы видим повседневную жизнь людей, которые приплыли на песчаный островок напротив Самары. Трое расположились у хлипкого шалашика. А четвёртый проверяет сети. Вдали видны необъятные просторы Волги. Другой берег, противоположный от виднеющейся вдали Самары, едва заметен с полоской леса на нём. Любой человек, выросший на Волге, тоскует по ней. Нет в центральной России более величественной и прекрасной реки, все остальные по сравнению с ней – ручейки. Человек, которого Волга не отпускает от себя, несомненно, заинтересуется этой картиной и захочет её приобрести.

 

В коллекции Александра Гремитских, сына художника, найдется ещё не одно жанровое произведение, которое можно посмотреть на этом сайте.

 

Татьяна Пиксанова 

Картины художников в смешанной технике

Картины в смешанной технике – творческий простор для художника, эстетическое удовольствие для зрителя

 

В изобразительном искусстве имеется множество технологий и жанров. Поэтому современные художники часто использует всевозможные сочетания самых разнообразных техник. Как правило, приёмы нанесения красок комбинируются в определённой последовательности.

Для создания картины зачастую смешиваются разные по фактуре и характеру материалы в различных соотношениях. Это может быть пастель, масляная краска, тушь, акварель, карандаши, гелевые ручки и многое другое, что захочет применить художник, чтобы выполнить поставленную задачу.

Такое смелое сочетание материалов и приёмов их использования позволяет художникам ставить эксперименты, увеличивать скорость написания работы, получать специфические эффекты, вырабатывать индивидуальную манеру написания картин.

 

Чем привлекательны картины в смешанной технике?

 

Сама по себе акварель «по-сырому» выглядит воздушной, лёгкой. В сочетании с другими красками работа приобретает колористическую выразительность. Если на высохшем акварельном слое прорисовать контуры чёрной тушью, то получится эффект светящегося витража. А нанесённая поверх акварели пастель сделает работу более объёмной, глубокой, живой.

Рисунок карандашами поверх акварельного слоя поможет создать эффект раскрашенной старой фотографии, ретуши, так называемой венки. Хорошей текстуры можно добиться с помощью штрихов масляной пастелью поверх акрила.

Для привнесения эффекта состаривания работы художники используют выемку краски с помощью губки, наждачной бумаги, бритвенного лезвия.

Чтобы получить живопись более нежную, чем гуашь или темпера, но плотнее акварели, нужно добавить акварельные краски в белую гуашь. Получатся нежные, матовые оттенки пастельных тонов.

Сочетание акварели «по-сырому» и гуаши помогает художнику лучше показать контраст плотности воды и прозрачности неба, например. Распыление воды или спирта на влажный акриловый слой краски создаст эффект стекания капель. Если картину держать горизонтально и сделать набрызг спиртом или посыпать солью, то получатся эффектные фактурные пятна.

Таких смешанных техник существует множество, всё не описать. И только кажется, что они просты. На самом деле от художника требуется чувство меры, техническое предвидение и представление об окончательном результате.

Смешанная техника сложна и многогранна, она делает живопись богаче. Но непродуманное её использование способно перегрузить произведение. Хороший результат зависит от вкуса, характера и таланта самого художника.

В наши дни многих покупателей интересует продажа живописи в смешанной технике. Они эффектны и привлекательны, способны гармонично вписаться в современный интерьер и оживить его.

Хотите купить картины для офиса, дома или дачи? Загляните в виртуальную галерею на нашем сайте. 

Картины темперой – эстетическое удовольствие на века

Темперные краски были известны ещё в Древнем Египте – ими расписывали деревянные саркофаги фараонов и стены гробниц. До XV века темпера занимала лидирующие позиции среди используемых в то время художественных материалов. Позже были придуманы масляные краски, которые давали возможность живописцам создавать новые эффекты.

Однако темпера не была забыта, потому что по некоторым позициям она превосходит другие художественные материалы. Мало того, её всегда продолжали активно использовать в иконописи и в настенной живописи.

 

В чём особенность картин, написанных темперой?

 

Темперные краски сочетают в себе свойства гуаши, масла, акрила и цветных карандашей. При сильном разбавлении ими можно писать в технике акварели. У темперы нет насыщенности масла, но глубины цвета можно добиться с помощью многократной лессировки.

В отличие от гуаши у темперных красок гораздо более широкий диапазон тональных возможностей. Темпера - сочная, яркая краска, отличается особой звучностью и декоративностью.

Для достижения нужных эффектов художники используют различные техники нанесения темперы. Например, наносят её почти без растворителя на влажную основу. Или, наоборот, пишут по сухой основе сильно разбавленными красками. Известна техника сухой краской по сухой основе.

Для усиления объёма мазки наносятся перекрёстно, следуя контурам изображаемых элементов. Темперные краски очень быстро сохнут, поэтому мазки должны быть особо точными и выверенными.

Современные темперные краски дают художнику полную свободу в исполнении. Ими можно работать в пастозной технике, а можно писать жидким материалом.

Хорошо разбавленным этот материал наносят в несколько слоёв. Особенность его такова, что каждый новый слой не смешивается с предыдущим, но даёт ему новое звучание, усиливает насыщение. Неоднократно чередуя прозрачные и полупрозрачные слои холодных и тёплых оттенков, художник добивается необходимого конечного результата - румянца на лице, особых тонов кожи и т.д.

Картины темперой отличаются особой лёгкостью и чистотой оттенков, приятной матовостью тона, нежной цветовой гаммой. Иногда работы лакируются, чтобы краски получили дополнительную глубину и прозрачность и были защищены от пыли.

В картинах, написанных темперными красками, цвет и тон обладают большой стойкостью и надолго сохраняют первоначальную свежесть, что не скажешь о масляной живописи или, тем более, об акварели.

Ценители искусства охотно покупают работы в этой технике, так как для их написания требуются исключительный талант и мастерство, большая практика в живописи, твёрдая рука, уверенное владение кистью и способность продумывать последовательность своих действий, предвидеть их последствия.

Интересует продажа живописи? Загляните сайт продажи картин и выберите произведение себе по душе.

 

 

Крымский пейзаж в творчестве московского художника Владимира Гремитских увеличить изображение
Крымский пейзаж в творчестве московского художника Владимира Гремитских

 Работы блестящего советского художника Владимира Георгиевича Гремитских (1916 –  1991) знают не только любители живописи нашей Родины, но за рубежом во всех странах Европы, Северной и Южной Америки и даже в некоторых странах Азии.

 

Несколько штрихов из биографии художника

 

В последний месяц последнего благополучного года Российской империи в сибирском городе Новониколаевске холодной зимой появляется на свет мальчик Володя, которому судьба уготовила необычную будущность – посвятить свою жизнь служению искусству.

С 16 до 20 лет Владимир Гремитских учится сначала в Московском художественном училище памяти 1905 года, а затем, с 1936 года, в только что созданном МХИ им В.И. Сурикова. Прекрасные учителя, достаточно назвать только Сергея  Герасимова, дали молодому человеку крепкую школу реализма. Но занятия живописю прерывает страшный 41-й год. Володя берёт в руки оружие и уходит в народное ополчение, но кладет в рюкзак блокнот и карандаш – они ему так же необходимы. Там на фронте он встретил Люсю, к которой потянулось его душа. Война страшна. Девушку убил немецкий снайпер. Свое большое чувство и боль Володя пронес через всю жизнь, открывая их только в личных дневниках. Приказ Сталина вернул Владимира  Гремитских с фронта, как и многих других студентов, деятелей искусства и науки.

 

Выставки

 

Молодой фронтовик возвращается к своей профессии, восхищаясь работами В. Серова и К. Коровина. Они дают ему творческий заряд на много лет. С 1943 года художник начинает принимать постоянное участие в выставках - московских, республиканских и всесоюзных. Талант и мастерство не прошли незамечеными. В 28 лет его приняли в Союз художников СССР.

 

Море и солнце

 

Кто из нас, живущих по всей огромной равнинной и холодной стране, не мечтает перенестись на берега тёплого моря? Посидеть на берегу, перебирая камушки пальцами, или бездумно пропуская через них песок, когда волны, ласкаясь, льнут к ногам, разбиваясь в пену. Тогда вспоминаются строки А. Пушкина, посвященные Марии Раевской, о том, что поэт завидовал волнам, которые могут коснуться её милых ножек.

Умиротворенная прекрасными далями душа настраивается на поэтический лад. Вспоминается и А. Чехов, который написал пронзительный короткий рассказ о безнадежной, вечной, трепетной любви. После таких воспоминаний как приятно разбежаться и нырнуть в чистые голубые воды, поплавать часок и вернуться  в действительность, где уже стоит ровный гул голосов, слышатся призывы спасателей не заплывать за буйки. Как сохранить все эти ясные и прекрасные моменты в памяти? Это просто. Достаточно купить картину с крымским пейзажем художника Владимира  Гремитских.

 

Вновь дома

 

Уже распаковывая чемоданы, мы вновь и вновь вспоминаем волшебные горы Гурзуфа, напоённые светом, белые мазанки, которые сияют под солнцем, тёмные южные ночи, которые внезапно опускаются, и как на тёмно-синем небе появляется золотая луна. Аромат лавандовых полей, которые мы чувствовали, забираясь в горы, вернут нам картины Гремитских. Вы будете продолжать вспоминать умиротворяющие уголки сада в усадьбе генерала Н.Н. Раевского, где бывал в гостях А. Пушкин, красоту цветущих кустарников на каменной опорной стене. Зайдя на сайт, где выставлены пейзажи Крыма, вы невольно вновь вернетесь к той невероятной атмосфере беззаботного счастья, к которому невозможно привыкнуть. Рассматривая пейзаж за пейзажем, Вы можете сделать себе подарок, приобретя картину, которая будет радовать Вас долгие годы.

 

Полезный сюрприз

 

У друзей, с которыми вы проводили отдых в Крыму и с которыми вас связывают общие воспоминания, намечается праздник или юбилей? И вы в растерянности: что подарить? Так что же еще больше может вас объединить, как не полотно с крымским пейзажем большого мастера, чьи работы имеются в Третьяковской галерее? К тому же следует вспомнить, что картины со временем постоянно повышаются в стоимости. Даря или приобретая для себя картину художника, вы надежно вкладываете деньги, которые год от года только приумножаются. Это немаловажно в наше нестабильное время. Украшая интерьер, подлинное произведение искусства никогда не оставит равнодушными ни Вас самих, ни ваших гостей.

 

Энергетика картины

 

Работая над пейзажами, художник вкладывал в них свою душу и чувства, искренность и разум. Его восхищение красотой природы Крыма невольно передаются зрителю. Это колдовство и очарование, которое вызывают работы живописца, словами нельзя выразить, как невозможно пересказывать музыку И. Баха или П. Чайковского. Пейзажи маслом следует видеть. В них влюбляешься с первого взгляда. Конечно, у каждого из нас свой Крым, но мастерство живописца позволяет взглянуть на него иначе и увидеть те детали, которые не пропустил зоркий глаз мастера, а мы могли и не заметить. В офисе будет также уместно полотно советского художника В.Г. Гремитских. Рядом с ним деловые переговоры пройдут в добросердечной обстановке взаимопонимания и дружеских отношений.

 

Коллекционирование

 

Люди имеют различные увлечения, которым с удовольствием предаются в часы досуга. Постепенно собирание живописи становится всё более модным. Приятно дома или  в кабинете на работе иметь работу известного на весь мир мастера, такого, как Владимир Георгиевич Гремитских. Это увлечение со временем становится источником неиссякаемого удовольствия, а не просто данью моде. В процессе коллекционирования Вы научитесь отличать подлинное от фальшивой «красоты», которая наводняет многие выставки и галереи, и станете настоящим ценителем и специалистом. Подделка  обычно навязчиво бьёт в глаза в отличие от высокого искусства, которое надо уметь найти, ибо оно достойно молчит. Этому учат картины советского художника В.Г. Гремитских. На этом сайте продажи живописи можно их приобрести прямо из первых рук, у сына и единственного прямого наследника живописца. Доставка быстро производится по всей стране. Выдается сертификат подлинности. 

Акварель русских художников - естественность и лёгкость восприятия мира увеличить изображение
Акварель русских художников - естественность и лёгкость восприятия мира

В разнообразии видов русского изобразительного искусства акварель всегда вызывала много споров. Многие до сих пор недоумевают, куда её отнести — к живописи или графике? В качестве материала художники в этой технике используют бумагу, что сближает её с графикой, однако применяемые приемы скорее относятся к живописи.

 

Особенности русской акварели

 

 Акварель можно смело назвать одним из самых поэтичных видов изобразительного искусства. С ней разве что могут сравниться лирические стили и нежные мелодии, заставляющие трепетать сердце, отсылая к временам юности, первой любви, счастливого и беззаботного детства...

Редкая и сложная по красоте акварельная живопись позволяет передать всю природную красоту во всем её многообразии.

 Почти все русские и советские художники-акварелисты писали в самых разных техниках. Одни использовали только сырую или мокрую бумагу, отдавая предпочтение всей силе цвета. Другие предпочитали работать в технике многослойной акварели. Однако все картины акварелью выполненные в любой технике, выглядят свежо и естественно. Ведь акварель не терпит «затёртостей», грязи и переделок. Весь образный строй работы получается более камерным и интимным по сравнению с масляной живописью.

Акварельные краски прозрачны и легки, зачастую роль фона выполняет сама бумага, их «текучесть» и подвижность открывали для русских художников-акварелистов огромные возможности гармоничной передачи воздуха, света и тончайших цветовых нюансов. К середине прошлого ХХ века круг художников, работавших в технике акварели, существенно расширился. Свидетельством тому  служат многочисленные Всесоюзные выставки, которые с регулярностью начали проводиться после шестидесятого года.

Советские художники, работавшие в данной технике, просто обожали реалистические пейзажи и натюрморты. Многие из них предпочитали работать на открытом воздухе - среди рек, городских аллей, парков и т.д. Их картины сохранили особое атмосферное ощущение того времени. Множество работ наших старших современников, которые и сегодня выставляются как у нас, так и за рубежом, - истинные шедевры изобразительного искусства.

Рисунки художников в технике пастели.

Почему так привлекательны картины в технике пастели?

 

Каждый материал, используемый в живописи или графике, хорош по-своему. Но пастель занимает особое место среди них. Она уникальна, подходит для создания самых разнообразных рисунков независимо от жанра.

 

Почему пастель так привлекательна?

 

Известно несколько видов пастели. Каждая из них отличается характером штрихов, особенностью нанесения, поэтому картины пастелью при употреблении разных видов этого художественного материала получаются абсолютно разные.

Для пастели акварельной характерна влажная структура. Она привлекает художника тем, что позволяет хорошо смешивать пигмент. Сухая мягкая пастель ломается, крошится, рисует бархатисто и мягко, часто используется для штрихов основного тона. Сухая твёрдая пастель чаще используется для контуров.

Восковая и масляная пастель оставляет прозрачные штрихи ярких насыщенных цветов. Чем тоньше слой пигмента, тем прозрачность больше. Наложенные один на другой слои в большом количестве делают работу играющей, завораживающей, глубокой.

С особой тщательностью художники выбирают основу для своих картин пастелью. На велюровой бумаге линии сглаженные, на песчаной – детали обострённые. Иногда художники используют акварельную бумагу, которую предварительно тонируют, так как простая белая мешает оценке насыщенности цвета.

Пастель наносят разными способами - пятнами, рисовкой, штрихами, мазками плашмя. Выполняют растушёвку соседних штрихов и пятен пальцами, кистью, тряпкой, но не смешивают полностью, чтобы красящий пигмент раскрыл весь свой потенциал.

 

За что ценят картины, написанные пастелью?

 

Для работы в этой технике требуется особое мастерство. Исправить ошибки можно только на начальных этапах создания картины. Поэтому для работы этим материалом требуется осторожность, смелость, интуитивное чутьё цвета, точность.

Пастель – невероятно нежный материал с мягкой структурой, который делает рисунок особенно воздушным, свежим, тонким, изящным и благородным. Она позволяет максимально точно передать материальность предметов, уточнить формы штрихами, линиями, мазками, сделать акценты на главном, размыть вторичное, отвлекая от него внимание зрителя.

Иногда пигмент наносится на основу неравномерно, частицами, которые отражают свет, поэтому красочный слой получается бархатистым, матовым, мягким и лучистым. Подобного эффекта невозможно добиться, используя другие известные материалы.

Стоит отметить, что этот вид пигмента не теряет своей свежести и яркости цвета с течением времени. Неудивительно, что работы в этой интересной технике многие желают купить картины для интерьера жилых комнат, офисов или личных кабинетов.

 

 

 

 

Неповторимые и прекрасные картины гуашью

Историкам известно, что ещё в Средние века гуашь активно использовалась художниками для создания картин, миниатюр. Однако свою наибольшую популярность этот вид красок получил в конце XIX – начале XX века.

На сегодняшний день многие незаслуженно принижают значимость гуаши в живописи. Считают, что с ней работают только школьники на уроках рисования, и поэтому она не стоит внимания. На самом деле профессиональные художники с помощью гуашевой краски создают великолепные красивые картины, поражающие воображение зрителя своей художественностью, глубиной сюжета, тонко подобранными цветами и оттенками.

 

Чем же так привлекательны картины гуашью?

 

Существует несколько техник нанесения гуаши, благодаря которым один и тот же материал по-разному ложится на основу, что позволяет добиться разных эффектов. Для создания объёмного изображения используется кисть из свиной щетины, в этом случае реалистичности шероховатой структуры позволяет добиться нанесение краски с помощью салфетки, поролоновой губки или валика.

Обильное разбавление краски водой обеспечивает краске акварельную полупрозрачность. Нанесение нескольких слоёв разных оттенков позволяет добиться более глубокого цвета. Туман и сумерки, выполненные в такой технике, просто поражают реалистичностью.

Пастозная техника (нанесение мазков густой неразбавленной гуашью) позволяет делать фактурные мазки, имитирующие масляную живопись. Здесь для работы используется акриловая гуашь, которая меньше подвержена растрескиванию при высыхании.

Иногда художники используют смешанную технику - делают подмалёвок акриловой краской, а поверху дорисовывают элементы композиции гуашью, чтобы цвета казались ярче и эффектней. Или наоборот – фон делают гуашевой краской, а детали прорисовывают акрилом.

Особый интерес вызывает техника сграффито, когда поверх слоя светлой высохшей краски наносят слой более тёмного оттенка. А затем с помощью стило, толстой иглы или рейсфедера создают рисунок, снимая верхний слой.

 

Почему многие хотят купить картины  гуашью?

 

Картины гуашью, несмотря на простоту используемых материалов, поражают своим неповторимым обаянием. Техника исполнения сложная, требует особых навыков и наработок, не терпит ошибок и не приемлет исправлений, поэтому работы художников-профессионалов в этой технике очень ценятся среди любителей искусства, выберите себе работу по душе. 

Картины акрилом: свежо, современно, неповторимо

Акриловые краски – удивительный материал. Для художников он открывает неограниченные возможности. Зрителей же поражает своей многогранностью, выразительностью и уникальностью.

 

В чём особенность картин, написанных акрилом?

 

Акриловые краски универсальны. Если их наносить плотными мазками, то получится эффект масла. А если разбавить водой, то можно использовать как акварель.

Конечный результат картины акрилом зависит от степени разбавления красок, от применяемого наполнителя: замазок, паст, гелей. Известны художники, которые для своих работ акриловые краски смешивали с опилками или песком, чтобы получить текстурные мазки. Инструменты при этом тоже используются самые разнообразные - кисти, валики, тряпки, шпатели, мастерки, губки и другие.

Матовый гель делает цвета мягкими, уменьшает блеск, глянцевый гель добавляет сияния. Благодаря разбавителям мазки становятся текучими и прозрачными, но при этом цвет не размывается, и яркость не уменьшается.

Из-за нанесённых друг на друга прозрачных слоёв картины художников получаются лёгкими и воздушными.

Иногда живописцы используют не только акриловые краски, но и тушь, уголь, акварель, гуашь, карандаши и другие материалы. Такие смешанные техники позволяют художникам выработать свой собственный уникальный, хорошо узнаваемый стиль.

Стоит отметить, что акриловые краски быстро сохнут, поэтому художник должен работать точными, быстрыми и верными движениями, что требует определённого уровня мастерства.

 

Почему многие стремятся купить картины, написанные акрилом?

 

Акриловые краски – синтетические, они стали известны лишь в середине ХХ века, но завоевали любовь у ценителей изобразителного искусства за свою яркость, насыщенность, сочность, непосредственность и спонтанность.

Каждая картина акрилом имеет свою оригинальную цветопередачу, которую невозможно повторить в другой технике. С этим материалом живописцы смело экспериментируют, методом ошибок и проб находят свой стиль, который поражает своим результатом.

Этот вид краски не желтеет, не трескается, как масло, не имеет резкого запаха и не вызывает аллергии, поэтому картины акрилом предпочитают покупать для дома, квартир, офисов.

Из-за большого количества техник, употребляемых в живописи, человеку, не будучи специалистом, крайне трудно определить что выбрать, поэтому выбирайте картину по душе, ту, что Вам нравится, будь то акрил, акварель, масляная живопись, гуашь, темпера или карандашный рисунок. В таком случае Вы легко выберете себе работу по вкусу и желанию.

Итоги последних Русских Торгов в Лондоне увеличить изображение
Итоги последних Русских Торгов в Лондоне

6 июня этого года в столице Великобритании Лондоне обсуждалась горячая тема дня снова связанная с русским искусством и знаменитыми на весь мир аукционами. В центре событий дом Sotheby’s . Ранее ежегодная, а теперь и проходящая два раза в год "Русская неделя", всегда вызывала живой интерес и привлекала коллекционеров и ценителей русского искусства, в основном русскоговорящих, из разных стран мира. И, несмотря на затянувшийся кризис и пессимистические прогнозы завсегдатаев, вс` до сих пор ещё помнят провал торгов 2015 года.

Исключения не было и в этом году. Напомним, что тогда Sotheby’s, единственный, заработал на картине Абрама Архипова "Крестьянка в красном платье" сумму в 5 раз превысившую свой эйстимейт ( 1,38 млн. $ ), в то время как все другие лоты с треском провалились, и торги были признаны худшими за последние 9 лет.

В этот раз Sotheby’s сделал ставку на Исаака Левитана, и снова оказался лидером торгов. Картина художника называется «Лето» и была продана за 908.000 фунтов или 1.100.000$ . Картина русского художника, мастера "пейзажа настроения" Исаака Левитана (1860−1900) была выставлена на торги внуками анонимного американского коллекционера. Первоначально она входила в состав коллекции из 28 полотен промышленника Андрея Ляпунова, затем попала в США в частную коллекцию. И хоть Sotheby’s утверждает что она выставлялась в России и значится в документах и описях картин художника, ведущий специалист по творчеству Левитана Л. Захаренкова не даёт однозначный ответ, говоря, что у мастера было много сподвижников и подражателей, а экспертиза сложна, так как Левитан пробовал себя в разных манерах живописи, но несомненно работа представляет интерес как малоизученная. Художник прожил короткую жизнь, не дожив до 40 лет, его наследие перешло по наследству родственникам. Крупные и известные работы хранятся в музеях, в том числе и в российских.

На втором месте другой примечательный лот, который был продан за 765.000 фунтов или

990.000$ - картина «Портрет Юрия Репина на набережной Неаполя» кисти русского художника-

живописца Ильи Ефимовича Репина (1844−1930). Полотно мастера создано в Италии в 1894 году

и изображает сына художника.

На третьем месте картина русского советского живописца, Константина Юона (1875−1958) под

названием «Ночной Кремль накануне коронации царя Михаила Федоровича». Она была написана

в 1914 году, и теперь обрела нового владельца за 729.000 фунтов или 940.000 $. Забавно, что обе

последние работы не входили в число фаворитов, и поэтому удивили многих специалистов.

В программе "Русской недели" приняли участие и другие известные аукционные дома, такие как

Christie’s, MacDougall’s и Bonhams . У каждого из них были свои лоты-фавориты, которые хоть и не

предвещали сенсаций, но несомненно представляли живой интерес.

По итогам торгов мнения знатоков как всегда разошлись в абсолютно противоположные стороны.

Кто-то утверждает, что рынок перенасыщен и "Русские недели " предназначены для русских же

толстосумов с миллионами в карманах, скупающими всё подряд без разбора, и сравнивают их с

аналогично поступающими китайцами. А есть и такие, кто утверждает, что примерно с 2015 года

только ещё начинает входить в моду русское искусство именно советского периода, и тенденции будущего именно за этим направлением. Время покажет и рассудит спорящих.

 

Ирина Егина

ИСТОРИЧЕСКИЙ ГОСУДАРСТВЕННЫЙ МУЗЕЙ, май 2017 г. увеличить изображение
ИСТОРИЧЕСКИЙ ГОСУДАРСТВЕННЫЙ МУЗЕЙ, май 2017 г.

В феврале этого года Исторический Государственный Музей ярко и оригинально отмечал начало своего 145 летнего юбилея. Открытие сезона запомнилось важным гостям и простым посетителям многими подарками от работников и устроителей праздника - вкусными кондитерскими угощениями (полтонны "золотой" выпечки московских мастеров по рецептам парижских кондитеров), бесплатным посещением в день открытия и неделей скидок после него. Всё это широко освещалось на телеканалах нашей страны и в прессе. Богатейшие фонды музея насчитывают более 5 миллионов экспонатов, это действительно грандиозная цифра, запасники музея составляют огромное бесценное культурное наследие нашей страны, более того, постоянно пополняются новыми экспонатами.

Конечно такая серьёзная дата не может быть ограничена рамками недельной программы, музей удивляет своих посетителей каждый месяц списками  всё новых мероприятий и будет продолжать это делать на протяжении всего года. Апрель был просто переполнен ежедневными открытиями, но на дворе месяц май, и поэтому остановимся на том, что приготовили организаторы на этот месяц.

Первым из майского списка мероприятий хочется особо отметить открытие неординарной выставки детского рисунка под названием "Я рисую революцию". Это собрание рисунков простых детей, мальчиков не старше 13 лет (карандашные рисунки, акварель, рисунки гуашью), видевших своими глазами события, людей, уличные декорации двух революций 1917 года, Февральской и Октябрьской, и передавшие на бумаге свои самые яркие образы, иногда просто буквально, в масштабном размере перенося на бумагу понятие меньшевик и большевик ( две фигуры на детском рисунке в несколько раз отличаются размерами). Коллекция была передана в музей художником-педагогом В. Вороновым - около 150 работ его учеников. Дети ярко отрицательно встретили "нововведения" и реалии того времени - нехватку продовольствия, очереди в булочные, громкоголосые толпы на улицах, всё это явственно отражено в их рисунках. Оригинально проявили себя организаторы выставки, очень тонко обойдя нежелательную тему революций в нашей сегодняшней обстановке в стране, связанной с экономическим кризисом и нарастающей политической активностью части граждан. По словам куратора выставки, главной отличительной чертой детского творчества того времени является преобладание красного цвета: в одних случаях он наблюдается в изображении лозунгов и транспарантов, а в других – в изображении крови.... Большинство имён юных авторов конечно же остаются неизвестными, но кто знает, может пройдёт какой-то временной период, и эксперты, вооружившись новыми технологиями, найдут среди коллекции ранние рисунки кого-то из гениальных художников советского времени…

Ещё хочется отметить интереснейшую лекцию в рамках выставки о царе-реформаторе Александре II, ведь именно он, подписав Указ об основании музея в честь своего Императорского Величества, стал основателем современного Государственного Исторического Музея. Основная тема, проходящая через всю экспозицию, показывает какое огромное положительное влияние оказал на юного царя великий русский поэт В.А. Жуковский, разработавший специально для наследника российского престола, глубокую фундаментальную программу образования и воспитания своего подопечного, рассчитанную на 12 лет, по окончании которой, будущий император вместе с наставником путешествовал по всей России и затем ещё год по ведущим странам Европы, ознакомившись с жизнью как своей страны, так и других государств. Всё это сыграло огромную роль в становлении Государя и проявлении его высоких Человеческих качеств. Просвещение стало основным двигателем в его последующих преобразованиях России, затронувших все главные сферы жизни страны. Несомненно главным бессмертным историческим событием стала отмена крепостного права. В экспозиции можно увидеть перо, которым был подписан журнал собрания Государственного Совета, разрабатывавшего документы для этого преобразования. Параллели с качеством и уровнем образования наших дней невольно проводятся сами собой. Сама же лекция подробно рассказывает о многочисленных покушениях на русского царя, последнее из которых стало для него смертельным. Подушка, на которой скончался Александр II, также представлена посетителям, как и сабля, находившаяся вместе с раненым царём.  

Трагическое событие в истории. Экспозиция будет интересна людям разных поколений. Не буду  раскрывать все тайны, лучше увидеть собственными глазами,там много уникальных вещей.

И ещё одному майскому событию хочется посвятить несколько строк. Лекции под названием "Междуцарствие" - временной отрезок после смерти Александра II . Череде последующих событий может позавидовать сюжет самого закрученного детектива. Это и семейные тайны царских особ, и отречение от трона, и события, связанные с декабристами. Очень интересная, буквально захватывающая дух, и насыщенная малоизвестными подробностями лекция, позволяющая на некоторые события, которым посвящены тысячи произведений искусства самых различных жанров - музыки, живописи, скульптуры, поэзии, кинофильмов, взглянуть с совершенно нового ракурса.

 

Ирина Егина

 

Событие в "Гараже" 2017. Не пропустите! увеличить изображение
Событие в "Гараже" 2017. Не пропустите!

Теперь уже вторая международная книжная ярмарка изданий об искусстве, объединившая более 40 международных издательств, специализирующихся на этой продукции, пройдёт в Москве 20-21 мая. Устроители обещают превзойти себя в несколько раз. Это событие по традиции будет проходить в музее современного искусства "Гараж". Главная цель выставки - собрать всех значимых издателей по теме искусства в одном месте. Также следует отметить, что это событие станет одной из частей Московской городской акции "Ночь музеев". Акция состоится 20 мая и откроется интерактивной игрой на основе архива по истории современного искусства России. По сценарию и задумкам молодёжной части коллектива музея, история путешествия по современному искусству будет происходить для участников во времена после распада СССР. Для того чтобы проникнуться атмосферой того времени будут воссозданы ярчайшие события истории. Организаторы обещают незабываемые впечатления. Хочется верить. Затем пройдёт литературный проект и прозвучат в авторском исполнении тесты современных писателей. 21 мая назначен "Семейный день" для самых маленьких посетителей ярмарки, их мам пап бабушек и дедушек подготовлены бесплатные творческие мастерские, короткие путешествия по ярмарке и спецпредложения по детской литературе.

Также в программе: презентации - это новые книги выпущенные специально к ярмарке, дискуссии, фестиваль поэтического чтения, который будет международным и выполнен в стиле современных батлов (безусловно это событие посвящено молодёжи), кинопоказы (жителям покажут фильмы о выдающихся деятелях искусства ,живописи, литературы и музыки, их жизни и творчестве), и много, много всего ещё обещают нам организаторы. Вот так казалось бы скучное событие, предназначенное для узконаправленной аудитории, можно превратить в грандиозный праздник, который интересен разновозрастной публике. И при этом неплохо заработать.

 

Ирина Егина

Советское искусство наконец-то признали европейским увеличить изображение
Советское искусство наконец-то признали европейским

В начале года завершила свою работу нашумевшая выставка «Лицом к будущему. Искусство Европы. 1945–1968 гг.», проходившая в немецком городе Карлсреу в ZKM, где участники впервые доказали критикам и скептикам, что страны так называемого советского блока являлись яркой и неотъемлемой частью Европейского пространства, частью её художественного наследия, а не изгоями и узниками соцлагеря. Прошлом летом выставка проходила в Брюсселе, а сейчас открыта в ГМИИ им. А.С.Пушкина, где продолжится по 21 мая, завершая тем самым международное турне. Это уникальный проект, который продолжается второй год.

Основной и глобальной идеей проекта является небезуспешная попытка широко осветить послевоенное искусство с двух сторон "железного занавеса" и доказать единство взглядов, продемонстрировать, что несмотря на изоляцию художников политическими рамками и государственными границами, они обращались к одинаковым проблемам и зачастую находили поразительно схожие решения в своих работах. Кураторы выставки с немецкой стороны подчёркивали, что несмотря на политические решения наших стран, культурное пространство должно сохранятся общим. И этому не должны помешать ни Брекзит ни санкции. Трудно не согласиться. Впечатляет и тот факт, что по прошествии более четверти века после того как воссоединилась Европа, этот проект является первой серьёзной попыткой переосмысления послевоенного европейского наследия и признания его "единым культурным феноменом".

Основные временные рамки выставки ограничиваются двумя важнейшими событиями новой европейской истории. Первая дата 1945 год — окончание Второй мировой войны и последующее разделение Европы на два враждующих лагеря. И другая значимая дата— 1968 год, год восстаний студентов, Пражской весны и война во Вьетнаме, событие, которое разрушило многие надежды на сотрудничество и объединение после войны.

Готовили выставку четыре международные организации. Кроме вышеназванных, заметное участие в организации приняли специалисты ГМВЦ РОСИЗО. Выставка состоит почти из 200 работ художников 18 стран Западной и Восточной Европы и России. Кроме широко представленных на выставке классиков этой эпохи (Марк Шагал, Георг Базелиц, Жан Тэнгли, Пабло Пикассо, Александр Дайнеко, Герхард Рихтер, Ги Дебор и др.) список которых ошеломляет своей звёздностью и впечатлит любого, здесь представлены многие художники менее известные широкой публике (Эйвинд Фальстрём, Ренато Гуттузо, Грэхем Сазерленд, Карл Отто Гёц, Вилли Зитте). В самом широком диапазоне выставка представляет модернисткие и постмодернисткие направления 20 века, от экспрессионизма до соцреализма. Обывателю особенно трудно представить, что между «своими» и «чужими» оказывается так много всего общего!

В общем итоге, сложив вместе всё перечисленное, получается наглядное учебное пособие по истории искусства послевоенной Европы, объединяющего всех и вся. Если учесть практически полную закрытость граждан нашей страны от зарубежного искусства этого периода, именно для России эта выставка довольно актуальна. Пробелы восполнятся с лихвой.

Сhristie’s в Москве увеличить изображение
Сhristie’s в Москве

На предстоящем традиционном аукционе Christie’s, посвящённом русскому искусству, который пройдёт в Лондоне в начале июня этого года, будут представлены многочисленные лоты. На днях будушие экспонаты этих торгов выставлялись на предаукционной выставке в Москве в Романовском переулке. В этот раз выставка получилась выдержанной в строгих традициях, но весьма разнообразной. Здесь в нескольких небольших залах, в основном в отдельных витринах, выставлены наиболее яркие лоты русских торгов и хотя эстимейты на многие зкспонаты ( по словам бывалых знатоков) заметно ниже по сравнению с прошедшими ранее, здесь есть на что посмотреть.

Жемчужиной выставки считается малоизвестная работа кисти Б.Григорьева «Портрет мальчика». Картина выставляется в небольшой экспозиции и является самой живописной. Она создана автором в 1930-х годах. Об этой работе известно только, что работа написана в период жизни художника в семье этого мальчика, где она бережно передавалась по наследству. И теперь эта картина в первый раз выставляется на продажу, по предварительной оценке её стоимость может составлять £110–160 тыс.

Несомненно достойны особого внимания большое собрание графики и эскизов Льва Бакста, спрятанные в частной коллекции на более чем  на 30 лет, оригинальная коллекция старинного русского серебра, работы Фаберже, агитфарфор, который представлен особенно широко, а также «военные тарелки» периода правления Александра Второго производства ИФЗ. Эти произведения искусства, привезённые в Москву на выставку, доступны к свободному приобретению 5 июня. Покупки можно совершать даже инкогнито через интернет.

Агитационный фарфор занимает одну из центральных витрин на выставке. Как яркий пример, тарелка ГФЗ «Комиссар» подписанная «Улица Урицкого». Она изготовлена по оригинальному эскизу А. Щекотихиной-Потоцкой, известной театральной художницы, скульптора и фарфориста в 1921 году. Здесь стоит заметить, что абсолютно идентичный энкзепляр находится в коллекции Русского музея, несмотря на этот фактор, эстимейт довольно скромен — £9–14 тыс.

Конечно же без изделий Фаберже не обходилось ни одно событие московского офиса. На этот раз на всеобщее обозрение представлена золотая брошь, искусно украшенная эмалью "гильоше" и выполненная в репродукции "божьей коровки", работы знаменитого ювелира Михаила Перхина, бывшего ведущим мастером в фирме Карла Фаберже. Этот предмет из частной коллекции одной знаменитой дамы уже безуспешно дебютировал на Christie’s в 2000 году, в этот раз сумма намного скромнее - экспонат выставлен на торги с эстимейтом £20–30 тыс.

Нужно особо отметить, что все экспонаты выставки собраны Алексеем Тизенгаузеном , его помощниками и специалистами собиравшими эти редкие экземпляры по всему миру - в США, Южной Америке, Франции и скандинавских странах. Давая оценку выставке, и говоря о топовых экспонатах представленных в Москве, представитель Сhristie’s подчеркнул, что сейчас самое время и лучший момент для собирателей русского искусства, и что коллекционерам предоставлена редкая возможность приобрести уникальные вещи, многие из которых были ранее недоступны, совсем недорого, ввиду низкой ставки эстимейтов. Так что - ловите момент господа! 

Отзывы посетителей о выставке к 100-летию художника Владимира Гремитских увеличить изображение
Отзывы посетителей о выставке к 100-летию художника Владимира Гремитских

 Выставка получилась невероятная. Я надеюсь, что она станет флагманским мероприятием большого народного проекта "Век живописца", который охватит творчество советских художников, чьи 100-летние юбилеи мы отмечаем в ближайшее время, и вернёт их творчество в общественное пространство. Приходите на эту выставку, она работает до 28 февраля, улица Ак. Варги, 15.

Огромная благодарность Сергею Николаевичу Андрияке за предоставленную вне всякого графика лучшую площадку Академии!

Владимир Георгиевич Гремитских один из тех советских живописцев первого поколения, для которых писать картины и дышать было одинаково естественно.

Давно не видела, чтобы одновременно в наследии художника было столько работ разнообразных и при этом одинаково высокого уровня.

И конечно, ещё раз поздравляю Александра Владимировича Гремитских с этим событием -- 100-летием его отца!

Ксения Степанищева

 

На выставке картин Гремитских: свежо, вечно, актуально! С удовольствием осмотрел выставку, работы как будто в прошлом году вышли из-под кисти Мастера... 

Владимир Марковчин 

 

Прекрасные картины. Чудесная выставка!

Светлана Малиновкина 

 

Сегодня посетили с супругой выставку Владимира Гремитских в честь его юбилея, 100 лет со дня рождения. Организовал выставку сын знаменитого художника Александр Гремитских известный коллекционер и меценат. Мы в диком восторге! Очень рекомендую!!! Спасибо Александр Владимирович за приглашение!

Юрий Осинский

 

 

Вчера была на персональной выставке московского художника Владимира Георгиевича Гремитских - замечательные работы! Получила истинное удовольствие. Прекрасная, яркая, высокопрофессиональная живопись, не хуже работ старых мастеров. Почему этот художник так мало известен?

Галина Стругацкая

 

Была на выставке картин Владимира Гремитских, эффектные красивые картины, какое великолепие! Эта выставка совсем по-другому позволила мне взглянуть на этот период – советская живопись, оказывается, совсем не то, что я раньше думала: какое буйство красок, чувственность, жажда жизни! Настоящая живопись самого высокого класса! Великолепно! Спасибо!

Юлия Стриж

 

Советская живопись - это целый пласт изобразительного искусства, который сейчас незаслуженно забыт. Яркий пример – проходящая сейчас в Академии Андрияки выставка малоизвестного, но гениального, на мой взгляд, советского живописца Владимира Георгиевича Гремитских. Я был потрясён – Глыбища, Человечище, Мастер!!!!

Николай Кузьмин

 

Отличная выставка! Ходил с друзьями, советую!!!

Александр Жданов 

 

Посетила. Очень хорошая выставка! Поздравляю! Замечательная живопись! Хорошие залы. Спасибо С. Андрияке и Александру Гремитских, сыну художника, за выставку! Особенно понравились зимние и весенние пейзажи! Они, до сих пор, свежи и живы! Это глоток забытого свежего воздуха ! Жалко, что такие работы нельзя увидеть в центральных музеях Москвы. Коммерция центральных залов медленно губит нашу культуру и искусство, ограничивая возможности художников и зрителей. С грустью вспоминаешь советские времена, когда такие выставки были доступней и чаще для зрителей и художников.

Елена Куликова 

 

Мы вчера с мужем посетили выставку художника Владимира Гремитских. Очень понравились картины «На балконе»,  «Канал им. Москвы»,  майские пейзажи, «Туман», «Обнажённая», все крымские пейзажи с Гурзуфом, «Фонтан». Замечательная выставка!

Ирина Новикова 

 

Вчера посетили выставку картин Гремитских. Впечатление очень тёплое, хорошее, как и замечательные работы Владимира Георгиевича, которые были представлены - они приводят в порядок внутреннее состояние. Компоновка экспозиции на пять с плюсом. Света на некоторых работах маловато, но наверно это связано с тем, что был уже последний день экспозиции. Мы с супругой Людмилой очень рады, что посетили выставку.  

Александр Курковский 

 

Мы с супругой 24.02 посетили выставку картин художника Владимира Гремитских и получили большое удовольствие. Спасибо устроителям!))

Николай Гаврилов

 

На той неделе была на выставке картин художника Гремитских. Очень интересная выставка. Спасибо! Красивая выставка!

Светлана Яровая

 

Мы были на выставке Владимира Георгиевича Гремитских 2 раза, один раз вчетвером, через 3 дня - вдвоем с женой.

Антон Морозов

 

Была на выставке к столетию со дня рождения прекрасного художника Владимира Георгиевича Гремитских. Художник действительно был прекрасным колористом, картины поражают и я осталась под сильным впечатлением от увиденного. Я много раз видела картины Гремитских в интернете, в Facebook, но увидев их вживую на выставке, я могу с уверенностью сказать, что это огромная разница. Ни какие картинки из интернета не отражают всю красоту живой картины, которая пропитана энергетикой художника, талантливого художника, каким был Владимир Георгиевич Гремитских.  

Екатерина Матусевич

 

Побывала на выставке В.Г. Гремитских. В каждой картине чувствуется и хорошая школа, и незаурядный талант!

Людмила Фривальд 

 

Были на выставке Вашего отца с моим другом - художником Андреем Поляковым, получили огромное удовольствие. Попали в последний день, а первый раз зашли 23 февраля. Какое душевное богатство и душевная щедрость! Все работы очень тёплые , мне понравились все розы и вся сирень, я сфотографировала)) На одной картине с букетами роз, словно пирожное размазали! хотелось лизнуть)))) а ещё мне понравилась работа Старый еврей, портрет удивительно похож на моего знакомого, Владимира Иосифовича из Саратова. Андрей тоже отметил это сходство, т.к. знаком с ним, я портрет ему отправлю))  Волга...  я словно почувствовала запах волжской воды ... 

Татьяна Синельникова 

Персональная выставка живописца Владимира Гремитских к 100-летию со дня рождения художника. увеличить изображение
Персональная выставка живописца Владимира Гремитских к 100-летию со дня рождения художника.

В субботу 11 февраля в выставочном зале на третьем этаже Академии Сергея Андрияки по адресу г.Москва, ул. Академика Варги, дом 15 открывается персональная выставка московского живописца Владимира Георгиевича Гремитских (1916-1991), который, славясь своей исключительной колористикой и обострённым восприятием цвета, работал как в импрессионистической, так в строго реалистической манере, что сильно выделяет его работы из среды других советских художников. Творчество Владимира Гремитских, особенно его картины с розами, часто сравнивают с аналогичными работами Константина Коровина, а портреты, выполненные В.Г. Гремитских, по психологической глубине и мастерству исполнения - с портретами Валентина Серова.
Этот художник, именовавшийся при жизни соцреалистом, был, тем не менее, чужд всякому официозу, и никогда не был даже членом КПСС. Поэтому тематических картин большого формата и портретов политических деятелей, которых он, конечно же, писал для заработка, и писал, кстати сказать, отменно, Вы на выставке не найдёте.
Экспозиция выставки насчитывает 149 картин художника – пейзажи, портреты и натюрморты, выполненные в технике масляной живописи. 
Выставка продлится до 26 февраля. Часы работы с 11.00 до 19.00 во все дни недели кроме понедельника и вторника. Телефон для справок: +7 (495) 531-55-55 
Ждём всех, интересующихся творчеством московских художников советского периода, и советской живописью вообще.
Те, кто не сумеет посмотреть выставку, может достаточно полно ознакомиться с живописью и графикой Владимира Гремитских, и даже купить картину художника на этом сайте, целиком посвящённом этому живописцу. 

 

Нежная и чувственная акварель Ирины Ломановой увеличить изображение
Нежная и чувственная акварель Ирины Ломановой

Картины, созданные в технике многослойной акварели, поражают своей реалистичностью, эмоциональной наполненностью и игрой цвета. Достичь такого эффекта позволяет множество оттенков, нанесённых точными, чёткими мазками, благодаря чему создаётся богатая и естественная цветовая палитра, характерная для самой природы. Такой стиль акварельной живописи присущ художникам, умеющим тонко и глубоко чувствовать, подмечать мельчайшие детали окружающего мира, обладающим мастерством и терпением. В совершенстве владея всеми приёмами нанесения красок, они не стремятся угодить огромной аудитории созерцателей картин, многие представители которой далеки от мира настоящего, живого искусства.

 Многослойная акварель это трудоёмкая, требующая полной отдачи сил, сосредоточенности и неординарного воображения техника. Сложность создания картин в такой требовательной технике, невозможность исправления ошибок и неточностей некогда привели к постепенному угасанию этой традиции старой школы акварельной живописи.

 К огромной радости и удовольствию ценителей акварельной живописи, обладающей особенным очарованием и глубоким смыслом, в современном изобразительном искусстве происходит возрождение многослойного нанесения акварельных красок. Большой вклад в возвращение уникальной, неподражаемой манеры написания эмоциональных акварелей сделала известная московская художница – акварелистка Ирина Витальевна Ломанова, ученица Школы акварели, созданной знаменитым мастером и педагогом Сергеем Николаевичем Андриякой, благодаря которому многослойная акварельная живопись в России приобрела вторую жизнь и новое звучание.

 

Эмоциональные картины, затрагивающие сердце и приникающие в душу

 

Акварели талантливой художницы - это цветы, пейзажи, натюрморты со своеобразной натурой, созданные в лучших традициях русской школы реализма в изобразительном искусстве. Трогательные, порой наивные, трепетные и утончённые работы, написанные в приглушенных тонах, вызывают массу эмоций, воспоминаний и никого не оставляют равнодушными своей естественностью.

 Глядя на прекрасные натюрморты с цветами художницы, возникает ощущение, что достаточно протянуть руку и можно прикоснуться к нежным лепесткам, ощутить их бархатистость и вдохнуть свежий, кружащий голову аромат. Картины с милыми и забавными игрушками возвращают давно забытые чувства беззаботности и предвкушения праздника, присущие детству. Особенный интерес вызывают деревенские натюрморты – композиции из фруктов, ягод, бубликов, неброских растений и предметов сельского быта. А пейзажами Ирины Ломановой можно любоваться бесконечно, каждый раз отмечая новые детали и незамеченные ранее оттенки.

На создание впечатляющих картин акварелью художницу вдохновляет красивая в любое время года, поражающая сочной зеленью и разнообразием красок, природа Подмосковья, где сейчас Ирина живёт и творит, совершенствуя уникальную технику многослойной акварели.

 

Основные даты в творческой жизни Ирины Ломановой

 

Весной 2011 г. принимала участие в выставке картин учеников С.Н. Андрияки, проходившей в Москве.

Летом 2012 г. участвовала в 4-й международной выставке-конкурсе современного искусства, проходившей в Санкт-Петербурге. Акварели художницы выставлялись в серии «Классические натюрморты».

В сентябре 2012 г. в Костроме состоялась 1-я персональная выставка Ирины Ломановой.

Весной 2013 г. художница принимает участие в благотворительной акции, подарив четыре натюрморта с игрушками костромскому детскому дому.

В начале марта 2014 г. в г. Владимире была представлена 2-я персональная экспозиция картин художницы-акварелистки, посвящённая международному женскому празднику.

В апреле 2014 г. картины Ирины были представлены в Ростове-на-Дону в рамках выставки Арт-Ростов.

Также апрель 2014 г. ознаменовался 3-ей персональной выставкой художницы, прошедшей в Художественной галерее Костромы. На ней были выставлены пейзажи и натюрморты, созданные в технике многослойной акварели.

 Работы талантливой, глубоко чувствующей художницы, умеющей привычные предметы подать необычным образом, обладают удивительной притягательностью и производят неизгладимое впечатление. Акварели Ирины можно увидеть среди репродукций картин известных художников во многих популярных изданиях, посвящённых изобразительному искусству различных периодов, изданных как в России, так и за рубежом.

 Картины акварелью Ирины Ломановой представлены в Костромском Центре матери и ребенка, в художественных музеях изобразительного искусства Москвы, Владимира и Костромы. Акварели художницы занимают достойные места в частных собраниях российских и чешских коллекционеров. Они высоко ценятся ведущими искусствоведами мирового уровня и пользуются успехом у ценителей акварельной живописи многих стран мира. 

 

Татьяна Осипова 

Уходя – не ушёл увеличить изображение
Уходя – не ушёл

Обидно, когда человеку, имеющему огромный талант, даётся так мало времени на его реализацию. Владимир Фёдорович Стожаров родился в самом начале 1926 года и прожил всего 47 лет, его не стало в 1973 году, но за этот период времени он написал около трёхсот работ, среди них жанровые картины, натюрморты и пейзажи.

 

Детские впечатления на всю жизнь

 

Ребёнком Володя Стожаров не раз посещал старинные русские деревни, где видел и даже пользовался изделиями народных ремёсел, где он впитал в себя неяркую, но удивительную природу русских северных областей. Впечатления, оставшиеся на всю жизнь, он впоследствии воссоздаст в своих полотнах.

 В художественную школу в Москве он поступает в 1939 году, а, после войны, в 1945 году, он зачисляется на курс живописного факультета в МГХИ им. Сурикова, который заканчивает в 1951 году.

 Экспонировать свои картины он начал практически сразу по окончании института, ещё студентом Владимир Стожаров пишет много картин, которые ставят его в один ряд с лучшими советскими художниками того времени. Свидетельством тому является тот факт, что 1951 году он оканчивает институт, а с 1954 года - уже член МОССХ, творческие поездки от Северной Двины и Пинеги до Иссык-Куля, по рекам Енисею и Ангаре до озера Байкал, по целине в Казахстане, приносят свои плоды.

Его картины «Хлеб», «Лён», «Натюрморт с подковой» или пейзажи русских деревень «Село Большая Пысса», «Село Андрейково. Покров» и многие другие работы Владимира Стожарова того времени, показали зрелое мастерство молодого художника.

 До Владимира Стожарова деревню её жизнь писали многие художники, и каждый из них находил что-то своё, то, что он мог описать так, как никто другой. Владимир Фёдорович тоже нашёл в этой тематике своё – радость бытия, простота деревенской жизни, великолепие окружающей природы стали главными приоритетами в его творчестве. С самого начала творческой деятельности его картины уже «имели вес» и выставлялись четыре года подряд, с 1955 и по 1959 год, на выставках молодых художников.

 

Творческие командировки

 

По родному Северу

 

В творческие поездки Владимир Стожаров начал ездить ещё в 50-е годы. Практически все его работы связаны с Севером, откуда привозил он колоссальное количество этюдов. Здесь были и крестьяне в работе и на досуге, и деревенские избы, и широкие природные панорамы деревень и сёл, и церкви Севера и средней полосы России, и памятники архитектуры - всё это потом воплощалось в картины. Он часто бывал в Костроме, в Ярославской и Архангельской областях, в Коми ССР и везде он находил свою тему, то, что действительно его волновало.

 Работая там, он ищет связь между стариной и современностью, в тоже время старается отобразить северную архитектуру, деревни, города и сёла с точностью «до миллиметра», настолько реалистично и непредвзято выглядят его произведения.

 Владимир Фёдорович Стожаров в последнее время, как будто торопится создать как можно больше произведений, пишет целые циклы картин. Такие его работы как «Псковский кремль», «Псков. Церковь у Пролома», «Новгород. Курицкая церковь», вносят большой вклад в советскую живопись, и в тоже время показывают всё великолепие русских земель, немеркнущую красоту памятников зодчества.

Отдельно следует отметить натюрморты Владимира Фёдоровича Стожарова, в которых так изображены старинные русские предметы быта (туеса, братины, вышитые льняные полотенца, прялки), что их хочется потрогать, а их расположение на простых деревянных столах подчёркивает истинно народный русский дух.

 

По зарубежью

 

Впервые Владимир Фёдорович Стожаров попал за границу в 1959 году. Его так поразила природа Италии, что в первый же день из-под его кисти появляется городской пейзаж «Рим. Площадь Венеции» с характерной итальянской живописностью – небо здесь ярко-синее, солнце ослепительное, деревья изумрудные, тени плотные. Потом, по заграничным зарисовкам, были написаны картины «Гондольеры», «Утро в Венеции», «Рим. Мост Цестия» и много других, которые экспонировались потом на выставках художника.

 Благодаря творческим командировкам Владимир Фёдорович Стожаров дважды посетил Италию, был он и во Франции, и в Англии, а с 1971 года он почти год прожил в Румынии, где выставлялись картины советских художников.  Но тянуло его не туда, не за границу, его вторым домом был север России, или, как говорили его друзья, он был его «мастерской».

 

Заслуженные награды

 

За свою недолгую творческую деятельность Вдадимир Фёдорович Стожаров получил немало званий и наград:

 * заслуженный деятель искусств – в 1965 году;

* серебряная медаль Академии художеств – в 1967 году;

* звание лауреата Государственной премии – в 1968 году;

* член корреспондент Академии художеств – в 1973 году,

 помимо этого с 1955 года Владимир Фёдорович Стожаров - бессменный участник всех значимых художественных выставок, как региональных, и всесоюзных. Больше шестидесяти музеев хранят в своих коллекциях картины художника, среди них Третьяковская галерея и Русский музей.

 

Татьяна Осипова 

Отечественные пейзажи в память потомкам увеличить изображение
Отечественные пейзажи в память потомкам

На роду ему было написано стать если не великим математиком, то хотя бы учителем математики, и его дед, и его отец, окончив университет, преподавали математику в реальном училище.

Алексей Михайлович Грицай тоже любил математику и даже несколько раз пытался утвердиться по данной специальности, то есть пробовал поступить в соответствующие учебные заведения, но ему не позволило это сделать социальное происхождение. Но, как говорят, не было бы счастья, да несчастье помогло, кто его знает, что ждало его на математическом поприще, а вот художником он стал действительно знатным.

Детство, отрочество, юность

Родился А. М. Грицай в марте 1914 года в Санкт-Петербурге. Когда ему было четыре года, его семья переехала в деревню под Витебск. Здесь, в русской глубинке, он получил первое своё образование и в шесть лет прекрасно читал, писал и даже начал изучать французский язык. Но, главное, там он научился видеть необыкновенную красоту жизни села, то, что в городских условиях он мог бы пропустить, ведь разве увидишь домашних животных, сенокос, косьбу или лес, весь окутанный снегом, живя в городе. Через всю свою жизнь он пронесёт те наблюдения и тот восторг от весенних ручейков, падающего снега, или цветов вдоль проселочной дороги.

К десяти годам, по возвращении семьи в Ленинград, Алексей поступает в четвёртый класс общеобразовательной школы. Учится он «играючи», тем более что математика является его любимым предметом, и по окончании школы по совету преподавательницы математики Б. А. Лурье, он пытается поступить в Ленинградский университет. Так как в университет в то время набирали не по знаниям, а по происхождению, то Алексей Грицай туда не попал.

Поскольку тяга к живописи у него была с детства, ещё будучи учеником в школе, он помогал учителям копировать репродукции или портреты знаменитых людей, то он решил стать художником. Тем паче, что в квартире, в которой он проживал в то время, жил будущий архитектор М. Иванов и семья будущего художника А. А. Мыльникова, у которых имелась коллекция репродукций картин известных мастеров живописи. Эта коллекция тоже сыграла в его жизни не последнюю роль. Часто в квартире собирались творческие люди, которые много спорили, что-то обсуждали, давали самодеятельные концерты.

Но, больше всего, на молодого А. М. Грицая произвел впечатление график П. Любомудров, рисунки которого настолько поразили Алексея, что он окончательно решил заняться изобразительным искусством.

Подготовившись в частной студии С. М. Зейденберга, в 1932 году он поступает в Ленинградский институт живописи, скульптуры и архитектуры. Первые его преподаватели Загоскин и П. С. Наумов. На третьем курсе он записывается в мастерскую В. Н. Яковлева, который приводил своих студентов в восхищение тем, что маленьким штрихом или какой-либо поправкой мог кардинально преобразить чей-то рисунок, а его объяснения о формах человеческого тела нельзя было найти ни в одном учебнике.

Семь лет проучился Алексей Грицай в институте. За это время он узнал много прекрасных преподавателей, много интересных людей встречалось ему в жизни, которые помогли ему и освоить индивидуальное мастерство, и определить жизненные убеждения. Работы Ф. Сурбарана, Д. Веласкеса, В. Сурикова, И. Репина, И. Левитана помогали ему отточить своё мастерство.

Зрелые годы

Не успев окончить институт, Алексей Грицай попадает на службу в Красную Армию, а там уже и война, тут уже не до искусства, зато будущий художник копит наблюдения, во время затишья делает наброски, закаляет характер и мечтает после войны заняться пейзажами. Война научила его многому, а Великая Победа дала возможность работать, наслаждаться природой, воспевать мир и покой на земле.

Но вместо пейзажей он, в числе прочих авторов, сразу после войны, написал три портрета на полотне «Заседание президиума Академии СССР», за что получил премию Сталинскую премию.

После войны Алексей Михайлович Грицай написал много работ. Его живописные полотна настолько поэтичны, что их выставляют на многих выставках, он становится знаменитым, зрелым художником, а его работы, такие как «Летний сад», «Подснежники», «Осинник», «На веранде» и много-много других, среди которых этюды о Волге, которую он хорошо знал и любил, считаются сейчас одним из высших достижений советского пейзажного искусства.

Позже художник начал преподавать живопись в Московском Художественном училище памяти 1905 года», затем был руководителем курса в институте им. Сурикова и стоял во главе комиссии Академии художеств.

А. М. Грицай был выдающимся профессионалом. За период своей творческой деятельности он воспитал десятки молодых художников, для которых был неоспоримым авторитетом. Государство так же отметило его талант, в его активе насчитывается две Сталинские премии, две Государственные премии, Бронзовая медаль и орден Отечественной войны второй степени.

В 1974 году Алексею Михайловичу Грицаю было присвоено звание народного художника СССР.

Талантливый человек талантлив во всём. Слово о художнике Владимире Николаевиче Лебедеве. увеличить изображение
Талантливый человек талантлив во всём. Слово о художнике Владимире Николаевиче Лебедеве.

Деревня Загорново, расположенная в Московской области, прославилась тем, что подарила России незаурядного человека и прекрасного художника – Владимира Николаевича Лебедева.

Родился он в 1925 году, и с двенадцати лет учился в школе-колонии Шацкого в Обнинске. Только он успел окончить школу, как началась Великая Отечественная Война. Несмотря на то, что пареньку исполнилось только 16 лет, он принимает в ней активное участие, сначала — в партизанском движении, потом — в рядах Советской Армии. Пули трижды находили Владимира, но каждый раз удача или счастье оказывались на его стороне.

 В конце войны, в 1944 году, он — старший сержант, вступает в ряды Коммунистической Партии. Хотя на тот момент ему исполнилось всего 19 лет, в наличии у него уже есть и ордена, и медали, что доказывает, что этот период жизни молодой Владимир Лебедев прожил достойно.

 

Послевоенная деятельность

 

За весь период войны молодой художник не выпускал из рук карандаш, он рисовал всех и вся, делал карандашные наброски своих сослуживцев. В принципе, тема Великой Войны считается основной темой его творчества, такие картины как «Поединок», «Вызываю огонь на себя» или «Штурм рейхстага» пронизаны героизмом советских воинов.

 Но это потом, а сначала он учащийся Московской городской художественной студии при Управлении по делам искусств Московского исполкома, далее художник при Институте физиологии АМН СССР, потом директор выставочного зала в Москворецком районе столицы и, наконец, директор комбината живописного искусства МГОХФ РСФСР. С 1965 года Лебедев – член Союза Художников СССР.

 За период с 1957 года и по 1961 В.Н. Лебедев выставлялся на трёх молодежных выставках МОСХа, а впоследствии участвовал ещё в 60 художественных выставках.

 Помимо этого, его произведения имеются в галереях и музеях, частные коллекции - отечественные и зарубежные тоже могут похвастаться картинами В.Н. Лебедева.

 Богат картинами художника Обнинский краеведческий музей, картинная галерея в Тюменской области, музей-квартира Н.И. Кузнецова – Героя Советского Союза, всё это тоже лишний раз доказывает, что и этот период жизни прожит художником «со знаком качества».

 

«Родина моя, тихая»

 

Помимо военно-патриотической темы, которой Владимир Николаевич Лебедев посвятил большую часть своей жизни, он отдал должное и портретам, и натюрмортам, и пейзажам. Но портрет это или жанровая картина, работе он отдавался полностью и делал её филигранно. Поэтому книга, выпущенная им, тоже достойная память о нём и его современниках, и напоминание будущим поколениям.

 Прожив богатую событиям жизнь, пережив войну и послевоенное время, он задумывает выпустить авторский альбом, в котором с помощью авторской живописи, фотографической хроники и плакатного искусства восстанавливается история и события Великой Отечественной войны. Много работ освещает оборону столицы, есть авторские работы, подчеркивающие героизм советских людей во время войны, а есть работы, которые описывают, как поднимали из руин Москву, как поколение, пережившее самую страшную войну, переходит к мирной жизни.

 Здесь же он публикует и работы московских художников послевоенного времени, вернее те их картины, которые удалось найти, которые «не потерялись во времени».

 Альбом можно условно поделить на три части:

 * всё о войне, о трагических событиях того времени;

* о послевоенном периоде, о восстановлении мирной жизни ради которой погибли сотни и сотни тысяч людей;

* о ветеранах войны, помнящих те страшные времена, здесь же художник рассказывает о тех местах, где он работал, с кем работал, о своих товарищах-коллегах, также в этой части альбома представлено много их творческих работ.

 Совсем недавно, 26 апреля 2016 года на Кутузовском проезде, в Галерее современного искусства фарфора, была открыта выставка «От войны к войне, от победы к победе», на которой были выставлены работы В.Н. Лебедева. Его картины «Солдатские письма», «Подвиг на заставе Лопатина» и особенно «Поминальная молитва о без вести пропавших» и достаточно серьёзно дополнили экспозицию.  Это лишний раз доказывает, что талантливый человек – талантлив во всём. 

Жизнь и творчество художника Сергея Васильевича Герасимова увеличить изображение
Жизнь и творчество художника Сергея Васильевича Герасимова

Наряду с картинами, создавать которые требовала эпоха постреволюционных перемен и военных потрясений, он находил время любоваться родной природой, а в пафосных соцреалистических полотнах старался изобразить человеческие характеры. Он воспитал целое поколение талантливых художников, многие из которых превзошли своего учителя. Сергей Васильевич Герасимов оставил не только богатое творческое наследие, но и учеников, которым отдавал всего себя. Его творчество называют русским импрессионизмом. В нём причудливо сплелись русское содержание и французская форма.

Жизнь

 

Место рождения будущего художника – подмосковный город Можайск. Он родился в 1885 году в простой рабочей семье кустаря-кожевника. Отец, человек довольно начитанный, по воспоминаниям Сергея Васильевича, поощрял стремление детей к рисованию. Начальное образование Сергей Герасимов получил в местной школе, среднее – в городском училище. Когда ему исполнилось 15, приехал в Москву, где в Строгановском училище (декоративное отделение), а затем и в МУЖВЗ обучался живописи у выдающихся мастеров и педагогов того времени К. Коровина и С. Иванова. Как вспоминал сам художник, именно в это время он понял что больше всего на свете любит русскую историю и русское искусство. В то время эталоном творчества для него были картины Васнецова и Нестерова.

Чтобы лучше понять жизнь русской деревни Сергей Герасимов ездит по России. После поездок в Псков, Суздаль, Ростов, Вологду появляются картины «Обед», «Три крестьянина», «Кожевники».

 

В Первую мировую художник идёт на фронт. Но после войны сразу же становится активным участником художественной жизни столицы. Молодые художники в то время объединялись по интересам. Сергей Васильевич Герасимов принадлежал к «Обществу московских художников», объединениям «Московский салон», «Маковец» и АХРР. Этот период для него ознаменовался изучением творчества Сезанна, Моне и Сислея. Отсюда и влияние французского импрессионизма в его картинах, изображающих типично русские пейзажи. Открыл для него технику великих французов один из преподавателей Герасимова Константин Коровин, его влияние ощутимо в ранних работах Сергея Герасимова.

 В послереволюционные годы художник шлифует мастерство не только в живописи, но и в графике, гравюре, рисунке, литографии, плакате.

 В 1915 году в родном Можайске Сергей Герасимов приобрёл специальную мастерскую, куда приезжал на долгие пленэры. Именно родная Можайская природа всегда находилась в центре творчества художника.

 С молодых лет и до конца своих дней Сергей Васильевич преподаёт. Ему очень многим обязаны выпускники художественной школы при типографии Сытина, ВХУТЕМАСа, Московского полиграфического института, МГХИ, МВХПУ.

Сергей Васильевич Герасимов имел учёную степень доктора искусствоведения. В 1940-х возглавлял художественный институт имени Сурикова. Как администратор и общественный деятель, проявил себя на посту бывшей Строгановки в 1950-х, Первого секретаря правления Союза художников Советского союза, председателя правления Московской организации художников. За год до смерти он был избран депутатом Верховного Совета Российской Федерации.

 Жизнь Сергея Васильевича Герасимова оборвалась в апреле 1964 года. Уже после смерти художника за серию картин «Земля русская» ему присудили Ленинскую премию и издали книгу «Об искусстве», в которой были собраны его статьи об искусстве.

Творчество

 

Первой любовью в раннем творчестве Сергея Герасимова была акварель. Как сознавался сам художник, он работал в этой технике довольно долго. В этой технике выполнены ранние портреты и жанровые сцены мастера. В акварели он шлифовал присущий ему стиль с лёгкими мазками и изысканной цветовой гаммой.

 Как и все художники того времени, Сергей Васильевич Герасимов не мог игнорировать октябрьские события 1917 года. В своём творчестве он живо откликнулся на всё, что происходило в стране после революции. В частности, оформлял празднование годовщины великого октября (1918). Панно Герасимова «Хозяин земли» в те дни украшало здание горсовета.

В 1910-20-х годах  Сергей Герасимов  работает над образом нового советского крестьянина. Названия картин говорят сами за себя: «Три крестьянина», «Крестьянка с петухом», «Фронтовик», «Крестьянин в шапке», «Рыбаки на Волхове». Сельские зарисовки и картины провинциальной жизни будут присутствовать в творчестве Сергея Васильевича на протяжении всей его жизни в искусстве. Но и в этих зарисовках чувствуется сильное влияние импрессионистов.

 Известность Сергею Герасимову в 1930-х годах принесли работы «Клятва сибирских партизан» и «Колхозный сторож». Первая – одна из лучших картин на историко-революционную тему в советской живописи. В этот период художник создаёт ряд других созвучных эпохе полотен. Самые удачные - «В.И. Ленин на II съезде Советов среди делегатов-крестьян» и красочная жанровая картина «Колхозный праздник». Именно в это время художник вырабатывает собственный стиль и отходит от влияния своего учителя Константина Коровина. К этому периоду в профессиональных кругах о Герасимове начинают говорить, что он состоялся как зрелый художник.

 Хрестоматийная картина Сергея Герасимова «Мать партизана», созданная в 1943 году, входит в золотой фонд изобразительного искусства периода Великой отечественной войны. Несгибаемость во взгляде русской крестьянки, смотрящей в глаза врагу, - собирательный образ матери солдата.

 Знаковое место занимают в творчестве художника лирические русские пейзажи, на которых угадываются просторы родного Можайска, поле Бородинской битвы, другие пейзажи России. Картины с богатой цветовой гаммой проникнуты глубоким лиризмом. На них все времена года, но любимым была ранняя весна. В пробуждение природы, дорогие сердцу иву, ручей, дубы, луговую зелень Герасимов вложил не только умение, но и всю широту своей души.

Известны также иллюстрации Сергея Герасимова к произведениям русской классики: к некрасовской поэме «Кому на Руси жить хорошо», к «Капитанской дочке» А.С. Пушкина, к горьковскому «Делу Артамоновых», к драме Островского «Гроза». Эти иллюстрации принято считать одними из лучших графических работ в советской живописи. За некоторые из них в 1958 году Сергей Васильевич Герасимов получил золотую медаль Всемирной выставки в Брюсселе.

 В послевоенные годы уже зрелый художник предаётся лирике и работает в основном в жанре пейзажа. «Последний снег» и «Первая зелень», «Пейзаж с речкой» и «Сирень в цвету» занимают С.В. Герасимова прежде всего.

 Серия восьми картин «Земля русская», за которую художнику посмертно была присуждена Ленинская премия, - это не что иное, как глубоко лирические полотна последних лет жизни: «Паводок», «Снег сошёл», «Можайск. Вечер.», «Ранняя весна» и другие пейзажные работы. Исключение, пожалуй, составляет лишь эпическая работа «За власть Советов», написанная в 1957 году. Это свидетельствует о том, что даже власти не оставалось ничего другого, кроме как признать художника лириком. В упомянутых выше пейзажах наиболее чётко проступают черты импрессионизма.

 Интерес к творчеству Сергея Васильевича Герасимова, прежде всего к пейзажам художника, не уменьшился и после его смерти. Благодарные ученики позаботились о том, чтобы статьи учителя, в которых много мыслей об искусстве, вышли отдельным изданием. Полотна кисти Герасимова хранятся в крупнейших выставочных залах и музеях России. На родине художника в Можайске открыт музей, а репродукции картин художника   изданы и переизданы множество раз.

О художнике Аркадии Александровиче Пластове увеличить изображение
О художнике Аркадии Александровиче Пластове

Не боясь казаться провинциалом, Аркадий Александрович Пластов почти всю жизнь проработал в родной Прислонихе, воспевая в своём искусстве её природу, жителей и быт. Его натурщиками были односельчане. Художник старался запечатлеть ту Россию, которая никогда не будет прежней. Лауреат Ленинской и Сталинской премий, Государственной премии Российской Федерации, Член Академии Художеств СССР, Народный художник Советского Союза. К чему стремился Аркадий Пластов в жизни и творчестве?

 

Жизнь

 

Родился Аркадий Александрович Пластов в 1893 году в селе Прислониха (тогда Симбирской губернии, теперь Ульяновской области).

 В родной деревне будущий художник получил начальное образование – три класса. Дед Аркадия был иконописцем, видимо, поэтому в мальчике боролись два начала – духовное и художественное. После сельской школы Пластов уехал в Симбирск, где, выполняя волю родителей, отучился в духовном училище и в семинарии.

 Но полотно и краски манили к себе. Однажды, увидев работу иконописцев в сельской церкви, юный Пластов уже не мог мечтать о другой судьбе. В 1912 году он приехал в Москву. Позанимавшись в мастерской И. Машкова, поступил в Строгановку (Императорское Строгановское Центральное художественно-промышленное училище). Одним из его наставников был Ф. Федоровский. Проучившись три года, Аркадий поступил в МУЖВЗ (Московское училище живописи, ваяния и зодчества) на отделение скульптуры. Здесь его учителями были скульптор С. Волнухин, художники А. Васнецов, А. Степанов, А. Архипов и другие видные мастера того времени.

После Октябрьского переворота 1917 года художник вернулся в Прислониху. Но отдаться целиком любимой работе Аркадий не смог. На заре советской власти грамотные люди в деревне были на вес золота. Аркадий Александрович занимался общественной работой, исполнял обязанности секретаря сельсовета. Но именно в это время в творчестве художника наметились тенденции к изображению сельского быта.

 Вернувшись в 1925 году в столицу, Аркадий Пластов работал над сельскохозяйственной тематикой. Но часто бывал в родной деревне, черпая сюжеты. Во времена коллективизации помогал создавать колхоз в Прислонихе, работая в нём, как простой крестьянин.

Возвратом к художественному творчеству для Пластова стал 1931 год. Пожар в его деревенском доме уничтожил все художественные работы и наброски. Оставив сельское хозяйство, художник с новой силой берётся за творчество, создавая новое наследие. В 1930-х появляются его лучшие работы на колхозную тематику, которые принимают участие во Всесоюзных выставках. После этого картины Аркадия Александровича – во всех престижных экспозициях того времени.

Военные годы в полной мере отобразились в творчестве А. Пластова. В конце 1942 года художник совершил поездку на фронт, в результате которой появилась серия выдающихся работ: «Фашист пролетел», «Защита родного очага», «Один против танка» и другие.

В послевоенные годы и до смерти картины А.А. Пластова принимали участие во всех крупных художественных выставках, художник удостоился многих государственных премий и званий:

 

Сталинская премия первой степени (1946).

Действительный член Академии Художеств СССР (1947).

Звание Народного художника СССР (1962).

Ленинская премия (1966).

Государственная премия РСФСР имени И.Репина (1972 — посмертно).

Два ордена Ленина.

 

Художник продолжал писать сельские мотивы с натуры, портреты, работал в жанре иллюстрации (к произведениям Л. Толстого, А. Чехова, Н. Некрасова, А. Пушкина), пробовал кисть в анималистическом жанре.

 Творческое наследие живописца насчитывает более десяти тысяч полотен. Произведения Аркадия Пластова находятся в постоянной экспозиции Третьяковской галереи, Русского музея, на родине – в Ульяновском художественном музее, а также в других городах России.

 Аркадий Александрович Пластов скончался в мае 1972 года в деревне где родился и вырос, работая за мольбертом до последнего дня.

 В Прислонихе и Ульяновске Аркадию Пластову соорудили памятники, его жизни и творчеству посвящены музеи на малой родине и в областном центре. В Ульяновске именем художника назван один из бульваров.

 

Творчество

 

Все образцы раннего творчества Пластова уничтожил пожар в 1931 году, поэтому до наших дней дошли лишь картины зрелого художника.

 Перед созданием очередного полотна Аркадий Александрович делал множество набросков и эскизов. Столь подробное этюдирование иногда мешало свежести восприятия при работе над картиной. Но это был творческий метод художника.

 1930-е – плодотворный период творчества. После пожара надо было нарабатывать новые произведения. Первое участие в выставке картин А. Пластова состоялось в 1935 году. Это были работы «На сенокосе», «Стрижка овец», «Колхозная конюшня». В 1937-1938 гг. он представляет картину «Колхозный праздник». Живая зарисовка из сельской жизни имела успех. Позже были «Купание коней» и «Колхозное стадо». Названия картин как нельзя лучше говорят о тематике творчества этого периода. Герои произведений – односельчане Аркадия Пластова.

 События военных лет оставили след не только в творческом наследии, но, по-видимому, и в душе художника, ведь именно в картинах на военную тематику его драматическое художественное дарование раскрылось в полной мере. Уже в первые годы Великой отечественной А. Пластов создал серию картин, которые стали хрестоматийными. Самая известная из них – «Фашист пролетел». В основе полотна – сюжет гибели человека на фоне безмятежной природы. Картину считают одним из лучших произведений советской живописи этого времени.

 После войны, как сознаётся сам Аркадий Александрович в своей автобиографии, хотелось радоваться каждому листику, каждому солнечному дню. Это прослеживается в его картинах «Сенокос», «Жатва». В 1946 году он создал одно из глубоко лирических своих произведений – «Первый снег».

 Имеет продолжение и колхозная тема. Картина «Ужин трактористов» демонстрировалась в 1958 году в Лондоне, позже была выпущена марка с изображением этой работы.

 В 1950-х годах художник иллюстрирует произведения русской классики: рассказы Л. Толстого, «Капитанская дочка» А. Пушкина, «Мороз, Красный нос» Н. Некрасова, детские книги.

 В 1954 году Пластов написал одну из лучших своих картин «Весна». Обнаженную женщину на фоне бревенчатой бани ценители искусства назвали «северной Венерой».

 В 1960-х годах Аркадий Александрович создаёт серию полотен, посвященных женщине: «Мама», «Солнышко», а также «Из прошлого» — одна из последних масштабных картин художника (1969-1970).

 Можно расценивать творчество А. А. Пластова как идеологическое, называть художника «певцом эпохи коллективизации», но внимательный зритель увидит в его полотнах ту Россию, которой она больше никогда не будет. Да и сами колхозы – частица нашей истории, затерявшаяся в ХХ веке. Он сумел разглядеть в рабочих и крестьянах ту неподдельную красоту, которую вряд ли заметит городской житель. Следуя традициям школы русской реалистической живописи, А. Пластов выработал индивидуальный почерк и до конца дней старался быть запредельно искренним в своём творчестве, ни одного дня не экспериментируя с модернисткими тенденциями. Яркие цвета его работ будто утверждают: жизнь прекрасна и каждый её миг важен.

Почему так популярны картины художников в сказочно-былинном жанре?

Сказки, былины, мифы, притчи и другой народный фольклор позволяют человеку стать ближе к своим предкам, вернуться к истокам. В наше время набирает популярность всё языческое и древнерусское, потому что оно естественно и близко к природе. Современные люди устали от цивилизации.

Неудивительно, что и продажа живописи с сюжетами из известных сказок или былин с каждым днём становится всё более востребованной. Многие хотят купить картину себе домой или в подарок на юбилей, свадьбу или новоселье, чтобы привнести в жизнь немного сказочной магии.

 

В чём привлекательность картин с изображением героев из сказок и былин?

 

Небольшая доза иллюзий полезна человеку – такова особенность психики людей. Картины с фантазийными или сказочными сюжетами вызывают у зрителя чувства присутствия волшебства, силы, благодаря которой чудесным образом всё должно измениться к лучшему. У человека поднимается настроение, появляются силы в ожидании приятных перемен.

В день рождения или бракосочетания, на новоселье, люди находятся в приподнятом настроении, в состоянии ожидания чуда. Поэтому как никогда уместна картина в подарок для дома в сказочно-былинном жанре. Пожелания вместе с таким подарком становятся весомыми и запоминающимися.

Желаете семье достатка и процветания? Преподнесите в подарок на новоселье картину с изображением бога благополучия Даждьбога или его дочери Сурицы, богини радости. В доме есть дети? Подойдёт картина в подарок для детской с вымышленными персонажами вроде волшебных фей, симпатичного повелителя стрекоз, милого Арлекино и весёлой Коломбины.

Не знаете, что купить в подарок на день рождения подруге? Купите картину для спальни: «Волшебство арабской ночи» сделает отход ко сну лёгким и сладким, богиня утра «Заря-заряница» обеспечит приятное пробуждение и хорошее настроение на весь день.

Художники стремятся с помощью красок отразить в своих работах народные представления о силе, добре, зле, красоте, воспеть героизм русских воинов из былин и сказок. Картины с изображением русского витязя, победителей-богатырей или древнерусских богов, покровителей воинов – хороший подарок мужчине или юноше. В подарок женщине можно выбрать картину с романтическим сюжетом о любви, верности и доверии.

Картина в подарок для интерьера в сказочно-былинном жанре – наилучший способ выразить свои чувства и пожелания. Художник уже перенёс свои эмоциональные переживания на бумагу или холст, запечатлел их в красках, создал образ. Слова излишни – осталось просто смотреть и чувствовать.

Вы можете выбрать и купить живопись в сказочно-былинном жанре на нашем сайте. Загляните в виртуальную галерею – герои сказок и былин никого не оставили равнодушным. Они вдохновляют людей, заставляют их мечтать и стремиться к лучшему. 

Натюрморты с овощами

Жанр натюрморта – это один из самых необычных жанров живописи, отражающий особый интерес человека к быту и повседневной жизни. Ведь с помощью натюрморта художник пытается передать всю красоту окружающего его мира, которую далеко не всегда способен подметить и оценить глаз человека.

Как и несколько столетий назад, так и сегодня, натюрморты с овощами заслуженно называют одними из самых популярных и востребованных картин для дома, которые всегда радуют глаз своими яркими красками и живостью изображённой композиции. Красивый натюрморт с овощами подчеркнёт общее настроение помещения и поможет расставить акценты в интерьере.

Натюрморты с овощами – это превосходное решение для оформления кухни или столовой, ведь они связаны единой идеей – передать аромат и вкус сочных и спелых овощей, возбудив аппетит. Насыщенная, яркая палитра цветов, которые художники зачастую используют при создании натюрмортов, делает их изысканной деталью любого интерьера, наполнив его гармонией и позитивной энергетикой. Аппетитные баклажаны и тыквы, ароматный чеснок, дары леса и осени, изображённые в работах Елены Таракановой, Полины Горецкой, Ксении Погуляй, Анастасии Яблоковой, Виталия Стройнова, Татьяны Седовой, Сергея Нечитайло, Евгении Трифоновой, Юлии Масловой, Алёны Савченко, Ольги Куриловой и многих других художников, которые занимаются продажей живописи на нашем сайте, приятно оживят даже самое унылое помещение, наполнив его гармонией и особым ощущением тепла и уюта.

Натюрморты с овощами могут отлично вписаться практически в любой стиль интерьера. Например, работа Владимира Горячева «Колдуем на кухне» будет превосходно смотреться на кухне, выполненной в итальянском стиле, а акварель Александра Карпана «Октябрьская тыква» станет яркой деталью интерьера кухни в стиле прованс.

Натюрморты с овощами – это не просто картины для интерьера, это неповторимые произведения искусства, в которых каждый элемент наделён особым символическим значением. Представьте себе, как же это прекрасно сидеть на кухне морозным зимним вечером с чашечкой горячего чая в руках и вспоминать тёплое лето и золотую осень, созерцая восхитительные натюрморты с овощами!

Современные художники используют разные техники живописи, поэтому Вы можете купить картины акварелью, гуашью или маслом. Продажа натюрмортов на нашем сайте осуществляется непосредственно самими художниками или их наследниками, поэтому авторство гарантировано. Если же Вам нужна картина в подарок, то красивый натюрморт с овощами станет отличным выбором. Подарить картину можно на день рождения, годовщину свадьбы или юбилей.

На нашем сайте можно не только купить натюрморт, здесь Вы можете купить картины для офиса, восхитительные пейзажи или исторические картины, которые подчеркнут самобытность Вашего дома или офиса. Чтобы Вы не выбрали, не забывайте, что живопись, которая будет висеть в Вашем доме, должна радовать Вас и поднимать настроение окружающим.

Историческая картина

Современный мир подарил человеку огромное количество замечательных новшеств. Теперь, например, существует множество способов создания интересных изображений, но авторская работа художника не теряет своей популярности. Но если когда-то купить картину могли позволить себе лишь очень состоятельные люди, то теперь ситуация изменилась в лучшую сторону - интернет предоставил художникам чудесную возможность показать свои работы большому кругу людей. Сейчас каждый желающий может купить живопись, отталкиваясь от своего бюджета.

Особый интерес остаётся к такому жанру, как историческая картина. Созерцание сюжетов и образов прошлого не может не волновать. Причём, изображенные события не обязательно трактуют реальные странички истории. Очень часто мастер пользуется мифическими или библейскими сказаниями. Наполнить помещение ушедшей «эпохой», продемонстрировав хороший вкус, способны картины художников, работающих в историческом жанре.

Грамотно подобранная историческая картина  ̶  это украшение интерьера. Как правило, работы такого характера занимают почетное место в гостиных, если речь идёт частном жилище. Использование исторической живописи  ̶  излюбленный приём рестораторов, желающих оформить свое заведение в классическом стиле. Не менее популярны такие картины для интерьера офиса. Внести некоторую «фундаментальность» в атмосферу своего кабинета хотят многие руководители.

Живопись для интерьера оживляет помещение, наполняя его индивидуальностью. Она способна влиять на эмоциональное состояние человека, благодаря энергетике мастера, вложившего частичку своей души в работу. Рассматривая картину, человек испытывает необъяснимое удовольствие, даже если он и не является знатоком изобразительного искусства. Продажа живописи остается актуальной во все времена, ведь покупка авторской картины  ̶  это разумное капиталовложение.

И, конечно, картина в подарок  ̶  это прекрасная возможность поделиться своими эмоциями с близким человеком. Такой дар тонко подчеркнет успешность и эстетический вкус дарителя. Нет надобности посещать традиционные галереи чтобы определиться с покупкой. Продажа картин через интернет поможет сэкономить Ваше время. В комфортной и привычной обстановке намного проще сделать выбор. И не важно, какая из работ «зацепила» душу - картина состоявшегося автора или начинающего талантливого художника…. Эмоции помогут найти ту, которая ждёт именно Вас. 

РЫЦАРЬ БЕЗ СТРАХА И УПРЕКА увеличить изображение
РЫЦАРЬ БЕЗ СТРАХА И УПРЕКА

«Тоска зелёная» - так называет одну из своих картин Владимир Волосов и не боится грубых намеков или иронии. Любопытный художник, рыцарь «без страха и упрека».

Запрограммированная на успех судьба учёного-оптика дала неожиданный сбой на вершине карьерной лестницы. «Земную жизнь пройдя до половины» лауреат Государственной премии потомственный физик профессор Волосов вдруг обратился к «несерьёзному» изобразительному искусству. Расхожий сюжет, но здесь он требует отступления и разъяснения.

Время от времени возникающая мода на исконно-посконный примитивизм иногда извлекает из небытия то пенсионерок, рисующих бесчисленные подсолнухи, то скучающих артистических барышень, в промежутке между спортивным классом и посольской вечеринкой малюющих лубочные картинки из собственной жизни.

Так вот, Владимир Волосов – явление несколько иного порядка. Его работа, слава богу, лишена и намека на сиротство или самолюбование. Изменив профессию, он решил буквально прожить еще одну жизнь – и проводит свой нелёгкий опыт со всей беспощадностью мыслителя-аскета.

«Подобно тому, как художники изучают анатомию чтобы затем приступить к изображению тела, я изучал оптику, природу света, чтобы потом перенести его на холст с помощью красок» - так, не жалея о прошлом, Волосов судит своё настоящее и будущее.

Сюжеты его полотен обыденны и определимы строго: пейзаж. Но во всех этих нескончаемых лесных тропинках, дорожках, ветках, листьях художника в первую очередь интересует сиюминутное состояние объекта, внешнее и внутренне свечение. Строго говоря, его работа – это реализм и следование классическим канонам предельно точной живописи. Но все эти нескрываемые впечатления художника, его пристальное внимание, дрожание взгляда… Критики придумали определять творчество Владимира Волосова как лирический реализм. И название это весьма уместно, если вспомнить нескончаемый спор 60-х: физики или лирики? Пример Волосова удачно примиряет тех и других.

 

Екатерина Горелова

Разноплановое дарование Григория Шегаля увеличить изображение
Разноплановое дарование Григория Шегаля

Это один из тех мастеров изобразительного искусства, к кому нельзя применить термин устоявшееся творческое амплуа. В его картинах  эпоха социалистической стройки не лишена определённой лирики. Талант мастера исторических полотен в нём боролся с талантом тонкого лирика. Григорий Шегаль – видный художник и педагог первой половины ХХ столетия, вся жизнь которого – один большой творческий поиск.

Биография

 

Будущий живописец увидел свет в городе Козельске Калужской губернии в 1889 году. Он рано осиротел и работал «мальчиком», а потом и в подмастерьях в мастерской смоленского гравёра. Как вспоминал художник в автобиографии, ночами срисовывал все картины, имевшиеся в доме хозяина. Первой школой Григория  Шегаля были также рисунки-впечатления от книг, которые он читал каждую свободную минуту. Всё своё скудное жалование Г. Шегаль тратил на уроки с репетитором-студентом, которые помогли ему получить аттестат зрелости. Теперь он имел основание уехать в Петербург за желанным специальным образованием.

 В 1912 году Григорий  Шегаль поступил в Петербургскую Рисовальную школу при Обществе поощрения художеств. Первыми его учителями были Аркадий Рылов и Николай Рерих. В 1916-18 годах Григорий Шегаль учился в Академии художеств, но не окончил её. Позже он писал, что в Академию в то время ринулись «теоретики, демагоги и конструктивисты», поэтому он и не стал учиться дальше. В 1918 году в Туле Григорий Шегаль организовал рабочую студию Пролеткульта.

 В 1922 году художник приехал в Москву, и в 1925 году, наконец, закончил обучение во ВХУТЕМАСе (преподаватель Александр Васильевич Шевченко). Здесь он увлёкся живописью Сезанна, Хальса, Веласкеса, Шардена, Рембрандта. Их влияние, особенно Поля Сезанна, чувствуется в работах молодого Шегаля.

 В 1920-х годах Григорий Михайлович Шегаль был активным членом сообщества молодых столичных художников, пытавшихся формировать новый эстетический идеал зарождающегося советского искусства: «Общество московских художников», «Московские живописцы», АХРР. Первый опыт выставочной деятельности художник приобрёл в 1924 году. Его картины демонстрировались на выставке «Бубнового валета». Немногим позже Г.М.  Шегаль участвует в выставках АХРР, члены которой считали своей основной задачей придать молодому искусству советской эпохи новое содержание.

В 1929 году издательство ИЗОГИЗ предлагает Шегалю и другим художникам контракт. Из-под его кисти появляются картины «Рождение трактора», «Путь свободен. Турксиб.», «На эскалаторе». Его портрет Сталина «Вождь, учитель, друг» экспонировался на выставке под названием «Жить стало лучше».

 В 1935 году столичные творческие круги заговорили о Григории Шегале как о зрелом живописце. Поводом к этому стала персональная выставка художника. В это время Григорий Михайлович работал в разных жанрах, при этом  каждая из его работ отличалась ярким индивидуальным почерком.

Во время Великой Отечественной войны 1941-45 годов Г.М. Шегаль, находясь в эвакуации, продолжал шлифовать своё искусство пейзажа и портрета, закрепляя полученные в юности навыки классического изобразительного искусства.

 Наряду с продуктивной практической деятельностью Григорий Михайлович преподаёт в Московском художественном институте им. Сурикова и во ВГИКе. Известны его статьи по изобразительному искусству, а также объёмная монография «Колорит в живописи». Студенты вспоминали что он не просто преподавал, но и водил их по музеям, заставляя анализировать работы великих художников, приводил их в свою мастерскую на Верхней Масловке.

Незадолго до смерти Академия художеств СССР принимает живописца в члены-корреспонденты.

 Умер Григорий Михайлович Шегаль в 1956 году в Москве.

Творческий поиск

 

Истоки творческой деятельности Григория Михайловича Шегаля совпали со становлением молодого советского государства. В это время в поиске новых форм и содержания в изобразительном искусстве (как и в литературе, и в театре) художники объединяются в сообщества. Григорий Шегаль принимал участие в жизни нескольких из них. Благодаря творческим объединениям, он приобрёл первый опыт выставочной деятельности. По названиям полотен можно судить о темах, волнующих художника в то время. Известные картины Г.М. Шегаля 1920-х годов:

 Москва. Лефортово (Пейзаж с прачками) (1923) .

Работница (1924).

Старый рабочий (1924).

Безработные на Западе (1924).

Дубки. Оптина пустынь (1926).

Портрет матери художника (1926).

 Вместе с производственной темой, Г. М. Шегаль пробует свои силы в портрете и пейзаже – жанрах, которые проявятся в более позднем периоде. А пока что молодой художник под сильным влиянием Поля Сезанна ищет свой почерк и работает в актуальной по тем временам тематике.

 1930-е – расцвет художественной деятельности во всех жанрах. Художник много путешествует, фиксируя моменты жизни развивающихся народов. Об этом свидетельствуют его работы «Из узбекского альбома» (1931), «Казахи-фабзайчата» (1931), «Новый товарищ» (1931), «Аджарское кочевье» (1932). Работая по контракту с Издательством «ИЗОГИЗ», художник много зарисовок делает на ударных стройках первых пятилеток – Турксиб, Карабаш, Новокузнецк, Соликамск, Златоуст. Художник оставил богатое наследие так называемого индустриального пейзажа – жанра, одним из зачинателей которого был он сам. Произведение «Уральский металлургический завод» – это обобщение новой жизни развивающейся страны.

 Ещё одно полотно Г. М. Шегаля этого периода, заслуживающее внимание,  это «Расстрел железнодорожников колчаковцами в Кизеле в 1919 году». Замысел эмоционального произведения глубочайшей силы возник спонтанно, когда в 1933 году художник проезжал через станцию Кизел по дороге на Урал. Над ним Григорий Михайлович работал более двух лет. Второе полотно на историческую тему – истинная историко-психологическая драма «Бегство Керенского из Гатчины в 1917 году» (1937-38).

 Параллельно художник пишет пейзажи, портреты и натюрморты, такие как «Натюрморт с бегонией» (1935), «Сплав леса по реке Тельбес» (1935), «Оливы утром» (1938), «Портрет жены» (1938).

 В военный и послевоенный период (1940-е) Григорий Шегаль полностью посвятил себя пейзажу и натюрморту. Ранее эти жанры в его творческом процессе перекрывали идейные полотна, но тем не менее, лирические произведенияГригорий Михайлович Шегаль писал всю свою жизнь. Пейзажи и натюрморты – продолжение традиций русского реалистического искусства. На картинах этого периода – предвоенный Крым, красоты среднерусской полосы. Даже в суровые военные годы он не прекращает писать московские пейзажи - «Масловка. Зимние сумерки» (1941), «Поздняя осень» (1942), «На эскалаторе. Московское метро» (1941-1943). Послевоенное творчество Григория Шегаля характеризуют ещё более спокойные мотивы – «Тихий вечер» (1946), «Натурщица» (1947), «Вечер в Гребешках» (1948), «Вечер в Юрьевце» (1948).

 Подобные сюжеты мы наблюдаем и в его творчестве 1950-х , последних лет жизни художника. «Портрет корейской танцовщицы Ан Сон Хи» (1952), «Таллин. Улица Виру в полдень» (1953), «Бурная весна» (1954), «Дельфиниумы» (1955).

 Современники вспоминают о Григории Михайловиче Шегале, не только как о незаурядном живописце, создателе историко-патриотических полотен и замечательных пейзажей, но и как о человеке с широким спектром интересов, активной жизненной позицией. Студенты помнят его интересные занятия. Творческое наследие Г.М. Шегаля хранится частично в ГТГ, несколько работ выставлены в Киевском национальном музее русского искусства, областных музеях РФ.  

Летние пейзажи: великолепие родной природы увеличить изображение
Летние пейзажи: великолепие родной природы

 Особенность летних пейзажей талантливых советских и современных российских художников состоит в том, что они всегда имеют собственный подход к работе, уникальную манеру письма и индивидуальный стиль. Через картины с изображением лета мастера обращаются к чувствам каждого зрителя, пробуждая приятные воспоминания о солнечных днях, ароматах травы и цветов, времени, наполненном счастьем и оптимизмом. Пейзажи не только передают спокойную красоту природы родного края, но и помогают раскрыться внутренним переживаниям. Очень часто в таких работах художники используют и интересные портретные композиции, которые заставляют по-новому взглянуть на окружающий мир, увидеть его во всех красках.

 На этом сайте вы сможете найти талантливейшие картины многих советских и российских художников, рисовавших летние пейзажи: Гремитских В.Г, Сорокиной О.А, Таракановой Е.В, Есипова А.М, Безродных А.Н, Серебренниковой Л.Г, Пыльнева А.Н. и многих других. В нашем каталоге найдется множество прекрасных работ, которые смогут украсить любой жилой или офисный интерьер, придав ему особую выразительность. Кроме того, это отличная возможность купить картину в подарок близким людям или пополнить свою личную коллекцию произведений искусства.

 

Особенности летнего пейзажа русской школы живописи

 

 Лето в картинах советских и российских художников пропитано гармонией тепла и благоухания зелени, то едва утомлённой знойной жарой, то пропитанной освежающей влагой после летнего дождя в красках очарования природы русских пейзажей. Для многих из нас это самое любимое и долгожданное время года. Такие работы позволяют забыть о холодной зиме и порадовать себя позитивными эмоциями.

 Летний пейзаж богат насыщенными и яркими цветами, тёплым колоритом, а цветовая насыщенность и живость пейзажей художников доставляют истинное удовольствие зрителю, тем, кто ценит по-настоящему талантливую живопись.

Обилие образов, которыми так богаты современные летние пейзажи, связано с тем поистине безграничным потенциалом русской природы, которая окружает художников, даруя им вдохновение и творческие силы.

 Смотря на такую живопись, зритель понимает: сколько необходимо мастерства и таланта, чтобы передать в живописи всю естественную и умиротворяющую атмосферу, которая царит в это замечательное время года. Картины с изображением летних дней заставляют мечтать и радоваться жизни.

Купить пейзаж

 Летние пейзажи художников пробуждают в каждом из нас самые приятные воспоминания о солнечных тёплых деньках и заставляют мечтать о новых впечатлениях, отдыхе на море, поездке за город. Такие картины богаты яркими красками и особым колоритом. Всю красоту родной природы Вы можете увидеть в летних пейзажах, представленных в нашем онлайн каталоге. При этом наша коллекция постоянно обновляется и пополняется новыми талантливыми работами.

 У нас вы всегда сможете выгодно купить пейзаж, который добавит в интерьер особую атмосферу тепла и оптимизма.

Почему стоит выбрать именно наш сайт?

•          Большой выбор летних пейзажей на любой вкус;

•          Возможность купить картину непосредственно у автора;

•          Выгодные расценки на всю живопись;

•          Профессиональные консультации при покупке картин.

 Картины с изображением лета позволят Вам даже холодной зимой не забывать о тёплых днях и невероятной красоте родной природы.

Выставка живописи «Лирика русской природы» увеличить изображение
Выставка живописи «Лирика русской природы»

Красота и неповторимость русской природы находили свое отражение в творчестве русских людей во все времена. Ей посвящали песни, музыку, стихи, поэмы. Особое же место русской природе всегда уделялось в изобразительном искусстве. Многие живописцы прошлого и современности передают нам всё разнообразие и величие родной земли через свои произведения.

Одним из таких художников среди наших современников является Андрей Николаевич Ковалевский. Большинство его работ выполнено в стиле реализма и изображают исконно русскую природу, такую милую и родную сердцу каждого русского человека. Название нашей выставки: «Лирика русской природы» в полной мере передает содержание произведений этого талантливого живописца. Несмотря на то, что все его картины написаны в конце 20-го – начале 21-го века, природа в них изображена такой, какой видели её русские люди 100-200 и более лет назад. Именно такую природу воспевали в своих бессмертных произведениях А.С.  Пушкин, М.Ю.  Лермонтов, С.А.  Есенин, А.А.  Блок, А.А.  Фет и многие другие наши классики поэтического искусства. При всём этом работы Ковалевского нельзя назвать однотипными. Напротив, все картины очень разные. Природа России в них представлена во всём своем невероятном многообразии: летние деревенские пейзажи, от которых так и веет запахом луговых трав и цветов, белокаменные православные храмы, уютные улочки южного города со стройными кипарисами, романтика русского леса, и, конечно же, русская зима с её спящими деревьями и бесконечными снегами. Несмотря на простоту сюжетов, картины наполнены множеством мельчайших деталей, что делает их интересными и притягательными для изучения.

Рассматривая картины Ковалевского, каждый сможет найти тот пейзаж, который найдет отклик в сердце, напомнит о чем-то родном и светлом, будь то летние каникулы из далекого детства, беззаботный отпуск, счастливая прогулка с близким человеком или что-то ещё. Созерцание произведений этого российского художника подобно созерцанию живой природы. Его пейзажи расслабляют, вдохновляют, навевают мысли о вечном и наполняют чувством прекрасного. Именно через такую живопись открываются глаза на окружающую красоту, и мы начинаем видеть то великолепие, которое простирается вокруг нас.

Выставка будет открыта с 18 мая по 12 июня, вход по билетам музея, расписание работы музея по ссылке: http://www.visotsky.ru/kontakty Кроме того, в холле музея будет проходить выставка детских работ учеников Андрея Ковалевского. Творческая встреча с художником состоится 12 июня 2016, о времени будет сообщено дополнительно.

Ольга Курзанова – художник нашего времени увеличить изображение
Ольга Курзанова – художник нашего времени

Ольга Курзанова – молодая российская художница, о таланте которой уже знают не только в России, но и во многих других уголках планеты. Уникальность её, как человека и художника, заключается в том, что, даже не имея профессионального художественного образования, Ольга смогла создать несколько десятков поистине неординарных полотен, которые не остались без внимания ценителей искусства, в частности таких направлений в современной живописи, как реализм и импрессионизм. Именно отсутствие специального художественного образования и позволяет ей писать действительно интересные картины, и в наше время это не может звучать парадоксально. Подтверждением актуальности и качества её творчества является его востребованность ценителями изобразительного искусства и коллегами по рабочему цеху.

Ольга Курзанова обладает удивительной способностью создавать в своих картинах поразительные эффекты, работая мастихином. Не многим художникам дано так умело выражать свои настоящие чувства и мимолетные впечатления, ощущения действительности и переживания в своих картинах, как это умеет делать Ольга. Посетив в 2011 году известную мировую сокровищницу изобразительного искусства музей «д`Орсе» в Париже, она получила тот самый необходимый любому таланту и творцу источник вдохновения, ни разу не покинувший её по сей день. Сегодня Ольга участник ряда международных выставок и конкурсов, член ТСХР и настоящий талант.

 

Творческий путь Ольги Курзановой

 

Творчество Ольги Курзановой тесно связано с её собственным мировоззрением, поэтому она выбрала направления реализма-импрессионизма, как основополагающую идею создания ярких и завораживающих полотен, наполненных реальностью, чувствами художника к окружающему миру, её переживаниями. Все это становится живым и настоящим благодаря и богатому жизненному опыту художника, где были и печали и радости, переживания и боль, победы и поражения, всё, что в последующем сделало картины Ольги Курзановой такими насыщенными и реалистичными произведениями искусства.

С помощью красок и мастихина она способна творить чудеса на холсте, передавая в своих картинах определенные жизненные мгновения и события, подчёркивая в целом уникальность жанра и его значимость в живописи. Владение мастихином, как инструментом создания и слияния разнообразных живописных приёмов, показывает, насколько многогранно её творчество и как огромен её потенциал. Мастихином создаются мазки, с помощью которых художница способна претворять реальность в бесконечные красочные эмоции.

Писать мастихином в стиле реализма или импрессионизма, соблюдая рельеф и ровные слои при нанесении краски на холст – это целое искусство, овладев которым Ольга Курзанова открывает миру непревзойдённые картины. 

Николай Горлов – советский импрессионист увеличить изображение
Николай Горлов – советский импрессионист

Удивительная судьба беспризорника, приехавшего из Сибири в Москву, и полюбившего её всем своим огромным сердцем, поразит каждого, кто поинтересуется судьбой художника Николая Николаевича Горлова. За время своей полувековой творческой деятельности он создал около 1500 картин, среди которых натюрморты, портреты, пейзажи. Некоторые критики называли его «советским импрессионистом». Жизнеутверждающее начало в широком мазке живописца возникло из голодного детства и воспитания в Люберецкой колонии, из которой и начался творческий путь Горлова

Беспризорник из Сибири

Он родился в один год с Октябрьским переворотом. Ничего удивительного, что 1917 год в его наследии занимает почётное место. Но это будет потом. Родился Николай Горлов в Омске. Уже в 7 лет Коля Горлов остался круглым сиротой, какое-то время воспитывался в семье дяди, но очень скоро очутился в детском доме, где были не лучшие условия. Нетрудно представить себе сибирского детдомовца 1920-х годов – немытый, лишенный элементарной заботы, не говоря о ласке, голодный ребенок. Свободолюбивая натура будущего художника не выдержала надругательства. Когда ему исполнилось 15 лет, Николай оказался в поезде Омск-Москва. Долго беспризорничать не довелось, уже в поезде его задержали борцы с детской преступностью. Они направили его в детскую колонию Наташино.

Но вскоре Горлов попадает в макаренковскую Люберецкую трудовую коммуну им. Ф.Э. Дзержинского. Там он играет на барабане в оркестре, осваивает столярку. Но по-настоящему талант семнадцатилетнего юноши открылся в Изостудии, где первые серьёзные уроки ему преподносит ученик известного русского живописца К. Коровина — Аникита Хотулёв. Занятия принесли плоды. Уже в 1936 году около 30-ти работ 19-летнего Николая Горлова экспонируются на выставке в Москве. Первые рисунки начинающего художника повествовали преимущественно о жизни беспризорников в коммуне. Однако на выставке были представлены первые пейзажи – картины, жанру которых суждено стать доминирующим в творчестве художника. К сожалению, ранние работы Николая Николаевича уничтожила война.

Суриковский институт

В колонии Николая Горлова и еще двоих учеников заприметил Борис Иогансон, время от времени приезжавший навестить Изостудию. По-видимому, его рекомендация стала решающей. В 1937 году коммуну Макаренко посетил директор Московского художественного института им. Сурикова Игорь Эммануилович Грабарь. Горлова и еще двоих воспитанников колонии зачислили в институт на ІІ курс без экзаменов.

В ВУЗе Николай Горлов учится у Б. Иогансона, А. Осмеркина, М. Шемякина, С. Герасимова. Дипломной работой живописца стала картина «Штурм Зимнего дворца». Работать над ней пришлось в 1942 году в Самарканде (Узбекистан), куда был эвакуирован Суриковский институт. Год спустя картина была представлена в экспозиции ГМИИ им. Пушкина. Директор института И. Грабарь называл Н. Горлова неузарядным явлением, хотя дипломную работу раскритиковал в пух и прах.

 

Три периода творчества

 

Невероятно, но сразу после окончания института, в 1943 году, Николай Горлов становится членом Союза художников. Отношения ни с главами Союза, ни с чиновниками Минкульта у художника не складывались. Его широкая натура, он не умела прогибаться и лебезить перед начальством, поэтому художник не имел званий и государственных наград, его работы не издавались в альбомах, о творчестве Н.Н. Горлова нет ни единой монографии, он не ездил в творческие заграничные командировки как другие художники. Впервые за границей его картины выставили в Лондоне в 1989 году, уже после смерти художника. Долгое время он не имел отдельной мастерской, писал в комнате, где жил с семьей.

Главный источник сведений о художнике – его вдова, оставившая основательные исследования. Она делит творчество мужа на 3 периода.

•             Первый – студенческие работы. Живопись этого периода отличается тонкостью.

•             Второй период – характеризуется плотностью и цельностью в восприятии художником натуры.

•             Третий период – картины, насыщенные светом и экспрессией.

В творчестве Н.Н. Горлова присутствуют как минимум три направления:

•             академическая манера;

•             импрессионизм;

•             модернистские приемы II половины ХХ века.

•            

Оптимистическое мироощущение художника

 

Знакомые называли Н. Горлова «здоровенным детиной который никогда ничем не болел». Мощным и стихийным называют критики творчество мастера. В картинах ощущается его неуемный темперамент и жажда жизни. Он жил широко и хаотично в быту, но в творчестве был, на удивление, дисциплинированным. Его природная размашистость в работах приобретает неимоверную стройность и чёткость. В работах Николая Николаевича Горлова много света, экспрессии, они исполнены в сложных цветовых соотношениях. Колористические акценты – удивительно точные.

Натюрморты Н.Н.  Горлова – это идеальная композиция, чёткие линии. В этом жанре он продолжает традиции Коровина, Репина, Серова. Во многих картинах, по-фламандски ярких, часто встречается гранат. Почему Горлов отдавал предпочтение этому фрукту, надлежит изучить исследователям его творчества.

На протяжении всей жизни художник писал «Пушкиниану». В раннем творчестве это «Пушкин в Гурзуфе в семье Раевских», позже  Н. Горлов пишет «Пушкин среди декабристов». И уже в последнем периоде жизни появляются картины «Могила Пушкина», «Скамья Онегина», цикл пейзажей села Михайловского.

Городские пейзажи – излюбленный жанр. Он обожал писать Москву. Причём одни и те же ракурсы в разные времена года, суток и даже в разном настроении. Его городские пейзажи можно систематизировать в серии - «Золотое кольцо», «Горки Ленинские», «Сенеж», «Большой Девятинский переулок».

Художник любил пленэры. «По солнышку ходить» и «На восторг писать», — так формулировал свои методы работы сам Горлов. В течение жизни он не уставал накапливать впечатления, что очень важно для любого художника. Кажется, от солнца и невероятная энергетика его полотен, где всё растет, дышит, изобилует красками, сверкает. Как может быть плохо человеку в такой природе?

Именно настроение делает творчество этого русского художника сходным с французскими импрессионистами.

 

Где можно увидеть картины художника?

 

За долгие годы творческой деятельности картины художника были представлены всего лишь на 17 выставках, преимущественно в Москве. И только одна из них экспонировалась в Омске, на родине Николая Николаевича. По разным оценкам живописец оставил от 900 до 1500 картин, разбросанных по всему миру. Свои работы он любил дарить не столько музеям, сколько так называемым народным галереям.

Тем не менее, образцы творчества Николая Николаевича Горлова представлены в Государственной Третьяковской галерее, Государственном Русском музее, в экспозициях музеев Иркутска, Минска, Омска, Симферополя и других городов бывшего СССР. Произведения Николая Николаевича Горлова уходили на многих международных аукционах и сейчас находятся в частных коллекциях по всему миру. Однако, большинство работ хранится в семье художника. Умер Николай Николаевич Горлов в 1987 году в Москве, которую не уставал воспевать.

Радостный свет, жажда жизни и новых впечатлений исходят от картин Н.Н. Горлова, в картинах ощущается размах «большого» человека, будто весь мир он хочет объять широтой своего мазка.  

Андрей Ковалевский – почувствуйте родную землю через его картины увеличить изображение
Андрей Ковалевский – почувствуйте родную землю через его картины

Уставшее золото осени и тёплое дуновение летнего ветерка, созерцательное спокойствие озёрной глади и свежесть весеннего леса, а еще улочки старой Москвы, деревенские и провинциальные архитектурные мотивы, крымские пейзажи и старинные храмы. В нескольких словах творчество Андрея Ковалевского не уместить. Глядя на его картины, трудно поверить, что их писал наш современник. Мастер реалистического пейзажа в своем творчестве отдаёт дань традиции русских пейзажистов второй половины XIX века. Умение художника замечать неуловимое в самой обычной аллее или улочке, лесу или берегу пруда делает его картины произведениями искусства.

О художнике

Член Творческого Союза Художников России и Международного Художественного Фонда, преподаватель академического рисунка и живописи, кандидат педагогических наук, Андрей Ковалевский родился в Москве в 1972 году. Учился в Краснопресненской художественной школе, выпускник Владимирского училища и художественно-графического факультета Московского государственного педагогического университета. Получив квалификацию преподавателя изобразительного искусства, Андрей Николаевич остаётся верен этой профессии. По сей день он передаёт свои знания детям и взрослым. Андрей Ковалевский преподавал в разных школах, студиях, в МПГУ  и Театрально-художественном колледже им. Галины Вишневской в Москве, даёт частные уроки. На свои занятия он приглашает детей  и взрослых, желающих научиться рисовать, для этого у художника есть оборудованная всем необходимым отдельная мастерская в Доме Художника в Измайлово.

Параллельно с преподавательской деятельностью Андрей Ковалевский шлифует мастерство в жанре пейзажа, в том числе архитектурного, а также пишет натюрморты и портреты. Картины А.Н.  Ковалевского были экспонированы более чем на двадцати выставках.

Персональные выставки Андрея Ковалевского:

1.            «Природа среднерусской полосы» (РАО Газпром РФ, 2004 г.).

2.            «Природа южного берега Крыма» (галерея «Трамплин», 2005 г.).

3.            В галерее «Союза Творчества», 2007 г.

4.            Пять персональных выставок в Москве, Икше, Обнинске, Новомосковске, Жукове на тему «Красота, поэтичность и разнообразие природы средней полосы России», 2010 – 2012 гг.

5.            В зале галереи «Богородское» в Москве, 2013 г.

6.            Три выставки «Поэзия в красках», московская библиотека №34 им. А. Вознесенского, московский культурный центр А. Твардовского, Центральная библиотека им. М. Шолохова, 2015-2016 гг.

7.            Две выставки «Лирика русской природы», московская библиотека №21, московский клуб «Восток», 2016 г.

Андрей Николаевич Ковалевский принимал участие не только во Всероссийских, но и Международных выставках в Финляндии, Германии, Сербии, Китае.

Художник работает преимущественно в технике масляной живописи, но его творческое наследие содержит также образцы графики, настенной росписи, книжных обложек. Сохраняет автор и свои рабочие этюды, выполненные на картоне или оргалите. Работы художника представлены в разных художественных салонах и галереях, а также в частных коллекциях России, Украины, Финляндии, Франции, Сербии, Германии.

Понимая важность для современного художника информационных технологий, Андрей Ковалевский свободно владеет графическими компьютерными программами Corel Draw 10, Adob Photoshop 6.0 и Kinetix 3D Studio MAX 4.0.

О творчестве

Картины Андрея Ковалевского сгруппированы по периодам на его официальном сайте:

•             1993-2005 гг.;

•             2006-2008 гг.;

•             2009-2011 гг.;

•             2012-2014 гг;

•             с 2015 г. по сегодняшний день.

Каждый из этих этапов когда-нибудь детально опишут искусствоведы, пока можно с уверенностью сказать: с самого начала своего творческого пути мастер не изменял жанру пейзажа, искренне восхищаясь русской равниной и лесом, крымскими ландшафтами, неприметными, на первый взгляд, улочками глухой провинции. Неподдельно любя родную землю, художник заставляет восторгаться своими картинами и зрителя.

Уже в раннем периоде творчества Андрей Ковалевский состоялся как убежденный реалист в пейзажной живописи. Его вдохновляют деревенская глушь и провинциальное спокойствие. Живописца не интересуют новомодная урбанистика, он будто специально выискивает среди московских улиц нетронутые цивилизацией. Его так называемые архитектурные пейзажи поражают тишиной и безмолвием.

Живописец во все времена года работает на пленэре, выискивая для своих работ выигрышные ракурсы и светотени. Каждая из картин  впечатляет безмятежностью и мягкой глубиной красок. Будь то «Зимнее солнце» или «Весенний лес» или «Этюд. Осень». Ни в ранней, ни в более зрелой фазе творческой деятельности работы этого художника не грешат «фотографичностью», присущей многим нашим современникам. Каждый его пейзаж с первого до последнего мазка прочувствован сердцем.

Как многих художников, Андрея Ковалевского вдохновляют цветы. Об этом свидетельствуют его натюрморты с цветами - «Зимние цветы», «Ромашки», «Букет сирени» и другие. Картина «Красота. Маки цветут» — впечатление от цветущих за окном поезда маков под крымским Джанкоем. Это практически единственная, написанная по памяти по словам автора, его работа,  что для него – исключение.

В раннем периоде творчества Андрея Ковалевского  заметно влияние мастеров фламандской и голландской школ живописи. Картины «Фламандский натюрморт», «Отдых путника», «Натюрморт по мотивам фламандской живописи» — скорее эксперимент, но весьма удачный.

Особое место в творчестве А.Н. Ковалевского занимают пейзажи Крыма – «Ялтинский порт», «Крымский пейзаж», «Утро. Ялта», «Крым. Деревня» и множество других картин свидетельствуют о том  как важен Крым для художника — он довольно много времени провёл в Крыму, перенося на холст красоту южной природы.

На картинах Ковалевского – множество деревянных избушек, мостов — той сельской реальности, которой пока достаточно в русской глубинке, но через несколько десятилетий ветхие домики останутся в памяти только благодаря людям, успевшим их запечатлеть.

Очевидно, прельщают художника озера, реки и пруды, которыми богата средняя полоса России. На многих картинах Ковалевского водоёмы в спокойном состоянии, без волн и бурного течения.

В своём творчестве 2015-2016 годов живописец отдаёт предпочтение написанию архитектурных пейзажей. Его всё так же привлекают тихие московские улочки, встречающиеся всё реже, старинные храмы в русской глубинке, деревянные избушки в русских деревнях, природные красоты среднерусской полосы. Пейзажист остается верен классической живописи, а это, согласитесь, довольно трудоёмкий процесс.

В настоящее время художник готовится к двум серьезным выставкам - в особняке купца В.Д.  Носова с 10 по 30 мая 2016 г. и в центре-музее В.С. Высоцкого на Таганке с 18 мая по 12 июня 2016 г. На них художник представит несколько десятков своих картин. По словам друга А. Ковалевского писателя А. Холина в них «передаётся та неуловимая положительная энергия, из-за которой про картину говорят: «Удалась!». 

Весенний пейзаж в творчестве советских и постсоветских художников-реалистов увеличить изображение
Весенний пейзаж в творчестве советских и постсоветских художников-реалистов

Взаимоотношения человека и природы всегда были в центре творчества выдающихся художников. Картины с красивыми пейзажами не просто передают красоту природы, а отражают мысли и чувства автора, давая пищу для ума. Являясь мудрым учителем, пейзажное искусство в лучших реалистических картинах художников демонстрирует процесс вхождения природы в человеческое сознание.

Как самостоятельный жанр, поэтически передающий восприятие окружающего мира, пейзажное искусство возникло в VI веке в Китае. Появление мотивов, отражающих природу, в русской живописи связывают с древнерусской иконописью. Как самостоятельный жанр это направление сформировалось начиная с 18-ого века. Особую роль в развитии пейзажной живописи начала ХХ века сыграл «Союз Русских художников». Имена Левитана, Коровина, Шишкина, Архипова, Куинджи составили славу не только России, но и всего мира.

Советский период развития пейзажной живописи характеризуется острой борьбой разных направлений. Это время обогатило культуру произведениями художников, воспевающих красоту окружающего мира с потрясающим реализмом. Пейзажи художников становятся символами, претворяющимися в лирическое раздумье или тревожное предупреждение. Преемственность лучших художников-реалистов советского периода нашла своё отражение в картинах художников с пейзажами постсоветского времени. Особой силой воздействия обладают картины художников-пейзажистов, отображающие весну. Само по себе это явление природы представляет собой символ новой жизни, возрождения природы во всей своей моще и красоте.

Картины художников-пейзажистов

Среди славной плеяды русских мастеров живописи достойно несущих славу развития реалистического пейзажа, являющихся нашими современниками, первое место по праву принадлежит московскому художнику Владимиру Георгиевичу Гремитских. Уже во время учёбы в Московском художественном институте Игорь Эммануилович Грабарь и Сергей Васильевич Герасимов, в мастерской которого он учился, выделяли Гремитских как самого талантливого студента. Его произведения находятся в Государственной Третьяковской Галерее, Музее обороны Москвы, в картинных галереях десятков российских городов. Многие работы известного мастера являются украшением частных коллекций и музеев европейских стран и на других континентах, наприеме работа В.Г. Гремитских «Сирень» находится в художественном музее японского города Мики.

В своих произведениях  Владимир Гремитских отображает разные состояния природы, но особое лирическое настроение вызывает его картина «Апрель». Ясный солнечный день, первые робкие весенние ручейки из под снега чудесным образом передают состояние природы, готовящейся к пробуждению. Между Гремитских (1916 г.р.) и Колодяжным Артуром Владимировичем (1979 г.р.) расстояние по жизни длиной более шестидесяти лет. Однако если смотреть на работы молодого художника, являющегося одним из самых ярких представителей реалистического пейзажного искусства постсоветского периода, этой разницы совершенно не чувствуется.

Весенний пейзаж в картине Колодяжного под тем же названием «Апрель», совершенно отличается от пейзажа в картине Гремитских. На картине Колодяжного весна уже полностью вступила в свои права, и хотя снег ещё лежит на берегу речушки, но видно, что истекают последние часы его существования. Ощущение дыхания весны, прозрачности и чистоты свежего весеннего воздуха охватывает зрителя при первом же взгляде на этот весенний пейзаж. В «Апрельском этюде» этого же художника захватывает картина весеннего половодья с его мощью и силой пробуждения природы. Настроение умиротворённости предается от пейзажа «Весна. Вечер. Филипповское.» с его мягкими пастельными тонами церковь, отражающаяся в светлых ясных водах речки с плывущими по ней льдинами, навевают мысли о вечном, объединении человека с природой.

Художник из Екатеринбурга Сафронов свой талант раскрывает в картинах, изображающих русскую природу с её неброской красотой. Когда смотришь на его картины «Апрель» или «Уход апреля», то наиболее точно подходит определение звона, застывшего в тишине. Это мягкое очарование перехода природы из состояния сна в активную жизнь, не оставляет никого равнодушным. А вот другое произведение Влада Сафронова – «Майское утро 2013» с его яркой жизнеутверждающей палитрой цветов, погружает в атмосферу радости, буйства природы во всей её красе.

Когда в 1997 году эксперты Третьяковской галереи увидели работы воронежского живописца Александра Пыльнева, то их единодушное мнение гласило о появлении в России нового имени даровитого художника. Такого точного пронзительного восприятия русской природы как в картинах «Апрель», «Весенний день» трудно найти у других живописцев. Вообще тема «Пейзажи весны» является главной в творчестве художника. Пейзажи Пыльнева «Весна», «Весна май», «Весна в Новохоперском», «Весенний день», «Весна. Разлив Савалы.», наполнены светлым радостным чувством.

Творчество пейзажиста Ирека Нуртдинова неразрывно связано с просторами родной земли. Преданная любовь к природе Симбирского края воплотилась в многочисленных картинах, удивительно точно запечатлевших неподражаемый единственный миг состояния природы. В картинах Михаила Рудника «Апрель», «Апрель в деревне» раскрываются гармония взаимоотношений человека с окружающей русской природой, когда художник сливается с изображаемым миром, передавая свою любовь к нему на полотне.

Особое место среди мастеров пейзажа занимают члены Союза Художников России, для которых изобразительное искусство стало как бы другим проявлением их творческой натуры. Речь идет о таких художниках, как Лариса Георгиевна Серебренникова, которая работала преподавателем математики. Преподавая в МГУ им. Ломоносова на протяжении сорока лет, она свою любовь к изобразительному искусству воплощала в пейзажных картинах. Первая её персональная выставка состоялась в 1995 году, и с того времени она регулярно выставлялась в Москве.

Акварели Ирины Ломановой «Весна. Воробьевы горы», Н.Е. Ермаковой «Апрельская вода», «Апрель», Валерия Сидоркина «Апрель», «Апрель на природе», «Весенний вечер. Припять.», «Весенний разлив», «Весенние мотивы» и С.В. Заславской «Апрельский снег в швейцарском дворике», представляют наиболее яркие произведения художников-реалистов постсоветского периода.  Картина «Весна, последний снег» Сергея Черткова  (1981 г.р.) поражает точностью и верностью изображения, несмотря на молодость автора.

Продажа пейзажей художников

Картины художников-пейзажистов часто выставляются в художественных галереях, на выставках посвященных выдающимся событиям, юбилеям или к различным датам. Существует и такой вид выставок как персональные, где можно купить пейзаж художника, который украсит частную коллекцию или попадёт в государственный музей. С развитием интернет технологий продажа пейзажей вышла на качественно новый современный уровень. На специальном сайте, созданном двумя известными московскими коллекционерами Александром Гремитских и Екатерины Матусевич, можно купить картины художников с пейзажами.  Там же можно купить весенний пейзаж как советских художников, так и наших с вами современников постсоветского периода.  

Владимир Георгиевич Гремитских — уникальный человек и талантливый художник увеличить изображение
Владимир Георгиевич Гремитских — уникальный человек и талантливый художник

Любители искусства высоко ценят реалистическую русскую школу живописи периода социалистического реализма.  Но далеко не каждый знаком с именами выдающихся советских художников того времени. Одним из выдающихся мастеров этого периода является одарённый и самобытный московский художник Владимир Георгиевич Гремитских.

 

Этот талантливый художник, всё творчество которого пришлось на московский период его жизни, родился в декабре 14 числа, 1916 года в Новосибирске, тогда этот город назывался Новониколаевск. Умер он 2-го августа 1991 года в Москве, где жил и работал. Таким образом, можно сказать, что вся жизнь и творчество художника Владимира  Гремитских охватывает советский период - от его начала, и до самого распада.

 

В 16 лет он поступил в Московское художественное училище Памяти 1905 года. Обучался и перенимал опыт у известного мастера акварели Зефирова К.К. Затем через какое-то время он перешёл в класс другого преподавателя – Соколова М.К.

 

В тридцатых годах был только что основан Московский художественный институт им. В.И. Сурикова, в который и поступил Владимир Гремитских. Там он обучался в период с 1936 года по 1945 год, причём с перерывом на фронт. Здесь его обучали такие известные художники-педагоги, мастера своего дела, как Покаржевский П.Д.  – профессор МГХИ, и  доцент кафедры живописи МГХИ Почиталов В.В. Закончил же В. Гремитских обучение по мастерской знаменитого мастера пейзажа Сергея Васильевича Герасимова.

 

Следует отметить, что  Владимир Гремитских относился к одним из самых одарённых студентов, которые учились на тот момент в группе у Герасимова С.В.

 

Сам Сергей Васильевич Герасимов впоследствии стал народным художником Советского Союза. В свое время он сам был учеником одарённого человека и величайшего  русского художника Константина Коровина. В этой связи следует отметить, что мастерство Константина Коровина передалось через поколение - через учителя к ученику. В работах уже зрелого художника Владимира Георгиевича Гремитских ясно прослеживаются откровенно коровинские тенденции.

 

Особенно это заметно на таких картинах, как «Розы и чай» написанной в 1967 году, а также «Вечер. Жигули», написанной в 1947 году  и других картинах. Наиболее обожаемой натурой у Гремитских были два цветка – роза и сирень. В его картинах они встречаются довольно часто и получались у него на высшем уровне. Он создал целый цикл, который был посвящён этим великолепным цветам. Причем картины этого цикла были написаны в разные годы.

 

Любимой техникой Владимира Гремитских была пастозная живопись. Эта техника подразумевает нанесение краски посредством крупных и насыщенных мазков. Пастозная живопись характерна почти для всех его работ. В качестве примера можно привести натюрморт В.Г. Гремитских «Сирень», который часто сравнивают с ранними работами Кончаловского.

 

Под конец обучения Гремитских написал дипломную работу «Ополченцы», которая была выполнена под руководством его наставника С.В. Герасимова.

 

С 1943 года художник начинает участвовать в огромном множестве московских, всесоюзных и республиканских выставок.

 

Уже в 1945 году, сразу по окончании института, Владимир Гремитских вступил в члены Союза Художников РСФСР. С тех пор его работы стали ещё активнее участвовать в выставках, происходивших и у нас в стране, и за рубежом. По результатам этих выставок В.Г.  Гремитских был удостоен дипломов, как МОСХ РСФСР, так  и МГО ХФ РСФСР.

 

Художник писал много пейзажей. Он любил рисовать природу, и у него это выходило лучше всего. Из этого цикла у него выделяется множество сильных работ. Следует отметить достаточно мощную картину, которую он написал в 1960 году, под названием «Цветущая вишня». На ней изображён небольшой и скромный садик, наполненный весной молодыми вишневыми деревьями.

 

Другая не менее захватывающая работа – «Колокольчики цветут». Она была написана в 1966 году. Эта работа показывает нам луг с полевыми колокольчиками. Ты моментально переносишься в это место и чувствуешь все, что происходит в этой картине. Это и есть настоящее мастерство.

 

«Зима в Тарусе», написанная в 1964-1966 годах, - это целый цикл картин с буйными  сочетаниями разнообразной цветовой гаммы. На эти пейзажи зимы приятно смотреть, не хочется отрываться глаз. Хочется посетить изображённые места и ощутить эту атмосферу самому.

 

Значительное место в творчестве В.Г. Гремитских занимают портреты с натуры. Следует выделить те, что он писал с таких выдающихся людей советской эпохи как Брежнев, Андропов, Ахромеев и Айтматов. Все эти портреты он писал с натуры, а значит, имел честь быть лично знакомым с этими великими людьми.

Кстати, на размещённой здесь фотографии это хорошо видно - справа - Чингиз Айтматов, слева - Владимир Гремитских, пишущий его портрет с натуры. Фотография была сделана летом 1983 года в доме отдыха ЦК КП Киргизской ССР на Иссык Куле. 

 

На данный момент произведения Владимира Георгиевича Гремитских разбросаны по всему свету. Его работы есть в  Государственной Третьяковской галерее, Государственном музее обороны Москвы и во многих других музеях на территории бывшего СССР. Картины Гремитских можно также встретить и в региональных художественных музеях - Брянском, Астраханском, Магнитогорском, Башкирском, Самарском, Белгородском и других.

 

Есть его картины и в зарубежных музеях. В Японии, в городе Мики, располагается музей Хоримицу, где можно найти работу Владимира Георгиевича «Сирень», о которой говорилось ранее. Кроме того, картины художника продавались на аукционах Cristies и Bonhams, которые проводились в Лондоне.

 

Помимо этого его работы раскиданы по частным коллекциям по всему миру. Картины Владимира Гремитских есть в США, Европе, Канаде, Японии и Аргентине, не говоря уже о частных коллекциях на территории Российской Федерации.

 

Такой разброс работ по всему свету только свидетельствует о том, что В.Г. Гремитских был выдающимся, талантливым и одарённым художником, получившим мировой признание.

 

Даже после своей смерти, он был удостоен множества наград. Так, в 2009 году Международная ассоциация «Миротворец» наградила его посмертно медалью «Талант и призвание» за личный вклад художника в укрепление народных традиций и укрепления культурного наследия страны.

 

Помимо этого группа искусствоведов «TopArt» включила художника В.Г. Гремитских в саисок 100 лучших русских художников за всю историю страны. Наличие этих посмертных наград и признаний еще раз подтверждает, что этот живописец внёс огромный вклад в культурное наследие нашей страны.

Жизнь и творчество Юрия Петровича Цыганова увеличить изображение
Жизнь и творчество Юрия Петровича Цыганова

Советский живописец, монументалист, член Союза художников СССР, Юрий Петрович Цыганов родился в 1923 году в старинном волжском городе Саратове. До войны он жил с матерью в Сталинграде, где окончил среднюю школу. После ускоренных офицерских курсов, молоденький лейтенант участвовал в боях за снятие блокады Ленинграда, где ним было сбито 8 немецких самолетов.

 

Резкое изменение его судьбы произошло в Риге, в боях за освобождение которой Цыганов принимал участие. 21-летнего командира батареи арестовали по обвинению в гибели солдат от употребления отравленного спирта. Единственная вина его состояла в том, что он разрешил своим солдатам употребить спирт из найденной цистерны который оказался отравленным. Правда, перед этим он сам его попробовал и затем чудом остался жив. Тем не менее, его обвинили в гибели солдат и осудили. В начале его приговорили к десяти годам тюремного заключения, но спустя девять месяцев он, вместе с еще одним обвиняемым, командиром соседней батареи, был полностью оправдан с возвращением звания и наград.

 

Окончание войны Юрий Петрович встретил ещё в тюрьме, а вернувшись, поселился в подмосковном поселке Сетунь. Несмотря на боевые заслуги, Цыганов был совершенно штатским человеком, не любил командовать. Может это, а также то, что он был очень добрым человеком, и способствовало тому, что он как был лейтенантом, так и остался им до завершения войны. Единственной его страстью была живопись и любовь к рисованию. Поэтому после увольнения с армии первоначально он поступил в полиграфический институт, а потом, по совету друга, перевёлся в Московский институт прикладного и декоративного искусства на отделение монументалистки. Первый набор в свою мастерскую, известный художник А.А. Дейнека проводил сам, единолично выбирая, кто будет среди его студентов. Известный портретист  и выдающийся педагог Петр Митрофанович Шухмин был его вторым учителем. Наряду с Цыгановым в мастерскую Дайнеки-Шухмина были выбраны Васнецов, Рублев, Милюков которые в будущем стали замечательными художниками.

 

И то, что великий мэтр не ошибся, доказывает первая большая работа четверокурсника «Стасов среди русских художников», экспонировавшаяся на выставке произведений молодых московских художников в 1954 году. Всего на выставке было 805 произведений разных художников, но именно курсовая работа Юрия Цыганова получила всеобщее признание и была названа образцом современного искусства. Эта картина выдвигалась на соискание Сталинской премии, но получить её молодому живописцу помешал тот факт, что соискатель был студентом. В настоящее время картина выставлена в Музее реконструкции Москвы, который её приобрел, а многочисленные репродукции этой работы известны не только в России, но и далеко за её пределами.

 

Дипломная работа (роспись драматического театра в городе Калинине, нынешней Твери) была защищена Юрием Цыгановым на «отлично». После окончания института художник на протяжении 15 лет работал в Живописном комбинате, Монументальном комбинате, занимаясь станковой живописью. Этот период в жизни художника был очень плодотворен. Этюды Кавказа, Крыма, русской природы поражают виртуозностью исполнения, потрясающей верностью натуре. Работая в Монументальном комбинате самостоятельно, и в соавторстве с другими художниками Ю.П. Цыганов создал ряд крупных горельефов из бетона, мозаик, витражей во многих городах Советского Союза. Все они отличаются высокой художественной ценностью. И сегодня, к примеру, можно полюбоваться великолепной мозаикой в Самарканде, которую Цыганов делал совместно с  одним из самых известных монументалистов советского периода Влащиком. Тогда в качестве исполнителя впервые участвовал его сын Юрий, очень известный русский художник в настоящее время.

 

Став главным художником Художественного Фонда СССР, Юрий Петрович много внимания уделял административной работе, имея в своем подчинении несколько домов творчества и комбинатов. Показав себя как умелый администратор, Цыганов никогда не забывал о творческой работе. Будучи абсолютно бескорыстным человеком, основное количество больших и сложных заказов он отдавал другим, ограничиваясь незначительными, небольшими, заказами. Зато над этюдами он работал постоянно.

 

Вообще его работоспособность поражала всех окружающих. Из дома Юрий Петрович никогда не выходил без маленького этюдника и палки, которая при необходимости легко превращалась в одноногий стул. Кстати, конструкцию стула он придумал сам и изготовил его своими руками, как и этюдник. На своих акварелях он запечатлевал самые незаметные явления природы. Его картины выполнены широкими смелыми мазками наполненными светом, любовью к человеку и окружающей его природе, и все они очень разные.

 

Вот крымский пейзаж с изображением бескрайних морских просторов, а на переднем плане угадываются фигуры людей, любующихся синим морем, сливающимся с горизонтом где-то очень далеко. Несмотря на то, что фигуры людей изображены не чётко, буквально несколькими мазками, в их позах явственно чувствуется зачарованность морской стихией. На другом крымском пейзаже море изображено в туманной дымке осеннего пейзажа. Опушка леса с березами на переднем плане, укрытыми плащом осенней листвы. Замёрзшая речка с густо покрытыми лесом берегами и небольшой прорубью. Все эти картины являются прекрасными образцами чисто русской природы.

 

Все это выписано настолько филигранно точно, что кажется не изображением, а настоящей живой природой. Не чужды были художнику и чисто жанровые картины. Солнечным светом напоен яркий летний день на картине, изображающей художника и его жену на веранде дачного домика. И тут же рядом другая картина зимней подледной рыбалки отца с сыном. И всё это так живо, так реалистично, что создается эффект личного присутствия. Акварели художника, изображающие природу российской глубинки, поражают своей задумчивой простотой, проникнуты особой душевностью.

 

Основное внимание в своем творчестве художник уделял пейзажам, но есть и портретная живопись. Изображение спящего ребенка трогает самые чувствительные струны человеческого сердца. Не чужды Юрию Петровичу и урбанистические пейзажи, выполненные в особой, только ему свойственной манере. Что бы не изображал художник, во всём чувствуется его тонкая гармоничная личность. Несмотря на пережитый в ранней юности ужас войны, Цыганов остался чистым и наивным человеком, глубоко и тонко воспринимающим красоту окружающего мира. О таких людях говорят – «Божий человек». Его не интересовали внешние знаки отличия, он не думал о регалиях и званиях, не издавал каталогов, не хлопотал об персональных выставках. Большинство своих работ он просто раздаривал, но некоторое их количество есть в Московских музеях и в музеях других городов.

 

Когда в Липецком областном художественном музее более двадцати лет тому назад возникла идея создания коллекции, отражающей развитие истории Липецкого края, то кроме произведений местных мастеров в собрании присутствовали лучшие произведения живописи, скульптуры и графики многих российских художников. Семьдесят представленных в художественном собрании Липецкого областного музея, произведений искусства охватывают период с 1940 по 2000-е годы. Принцип его формирования основан не только на том, чтобы рассказать посетителям об истории художественной жизни липецкого края , но и воссоздать ту атмосферу силы духа, в которой творили российские художники. Так наряду с уникальными творениями ученика великого живописца Константина Коровина  Г.М. Машкова (1898-1963) в коллекции музея достойное место занимают работы известного советского художника Ю.П. Цыганова.

 

В музее Островского, в небольшом, но разнообразном фонде живописи собраны картины, отображающие ритм эпохи в которой жил и творил автор романа «Как закалялась сталь». Среди авторов «золотой» части фонда основоположник советской батальной живописи М.Б. Греков и известный монументалист Ю.П. Цыганов, представленный как ученик Александра Дейнеки. В произведениях Цыганова составителей коллекции привлекли романтичная сильная манера письма художника-фронтовика, наполненная ощущением любви к родной земле, высоким чувством патриотизма.

 

Многие акварели Юрия Петровича находятся в Государственном Центральном музее современной истории России. Известный московский коллекционер Александр Гремитских также имеет в своем собрании несколько работ Цыганова. Акварели художника находятся в музее Революции (Москва), но очень много его работ находится у друзей и просто знакомых. Это связано с «лёгким» отношением Юрия Петровича к своим работам. Он любил дарить свои картины и рисунки людям, у которых они вызывали восхищение. Вполне возможно увидеть его работы не только в частных коллекциях, но и в малоизвестных музеях российской глубинки.

 

Среди пятисот работ художника, которые на сегодняшний день собраны в общую коллекцию, каждый найдет именно то произведение, которое созвучно его душе. Сам Юрий Петрович не считал себя большим, выдающимся, художником, но то, что в каждом его произведении будь то небольшой этюд или большая картина, отражается его самобытная светлая душа.

 

Умер Юрий Петрович Цыганов в 1994 году в Москве, после тяжелой продолжительной болезни. Вместе с тем, зная, что умирает, Юрий Петрович не терял оптимизма и продолжал постоянно работать. Его последний этюд был закончен за три дня до смерти. Человек с большой буквы, каким он был в годы войны в юном возрасте, он таким остался и до самой смерти. И сегодня, любуясь его работами, выполненными с потрясающей виртуозностью и мастерством, существует уверенность, что его творчество всегда будет востребовано и необходимо людям.  

Творчество художницы Ирины Ломановой увеличить изображение
Творчество художницы Ирины Ломановой

Сегодня многие интересуются картинами художников акварелью с цветами и пейзажами. Акварель способна передать мельчайшие оттенки цвета, ей свойственны деликатность и прозрачность красок. Это искусство требует безукоризненного мастерства в технике, особенно техника Многослойной акварели в которой работает, в частности, московская акварелистка Ирина Ломанова.

Особенности создания картин в технике многослойной акварели

Нынешние акварелисты чаще всего пишут картины по мокрому листу бумаги в технике «в один приём», применяя заливки, чёткие мазки плоской кистью. Использование этих приемов немыслимо без стремительности выполнения, наличия таланта и мастерства.  Так что это довольно сложная техника.

Но наиболее сложной акварельной техникой считается традиционная многослойная акварель, ныне незаслуженно забытая. Она характеризуется такой выразительностью оттенков, что зачастую обладает большей художественной силой, чем работы, исполненные маслом.

 

Немного о картинах художников-акварелистов

 

Многослойная акварельная живопись создается посредством техники, именуемой лессировкой. Увидеть ее можно в ранних творениях голландских и фламандских мастеров 15-17 веков. Особенностью живописи считается необходимость нижний пласт акварели оставлять непременно сухим, ибо краски покрывают друг друга постепенно, лессирующими мазками. Это позволяет избежать смешивания разных слоев краски и достичь эффекта просвечивания. Каждый кусочек живописи включает самостоятельные полупрозрачные пласты акварели.

Лессировочная техника характеризуется тем, что контуры мазков просматриваются четко, но это нисколько не портит картину в целом, придавая ей своеобразный шарм.

Ценность такого метода нанесения красок состоит в возможности получить реалистические изображения даже более насыщенные по цвету чем масляная живопись.

Картины акварелью в данном случае в какой-то степени схожи с работами, выполненными маслом, но завидно отличаются от них особенной чистотой и воздушностью красок.

Полупрозрачные пласты красок идеальны для создания ненавязчивой последовательности перспективных планов, теневых пространств, предметов с обилием отсветов. Они прекрасно отображают плавность светотени в умиротворяющем расплывчатом свете, везде, где неприемлемо использование корпуса.

Создавая акварель в многослойной технике, художник может свободно распоряжаться своим временем, поскольку процесс можно раздробить на части, руководствуясь в этом исключительно потребностями и вдохновением художника. Это удобно при создании большеформатных красивых картин акварелью, когда отдельные части прорисовываются постепенно. Тонкие полупрозрачные пласты красок накладываются на сухой лист бумаги, что позволяет акварелисту держать под контролем безошибочность мазков, чувствовать подходящие оттенки для каждого фрагмента изображения, достигая уникальных цветовых сентенций.

Шедеврами многослойной акварельной живописи по праву считаются творения кисти Альбрехта Дюрера, Ганса Гольбейна, Питера Пауля Рубенса. Сегодня лучшей признается английская школа акварели, существенный рост которой отмечается с конца XVIII века. Навсегда вошли в историю её представители Уильям Кэллоу, Уильям Тёрнер, Ричард Бонингтон. Известные русские художники тоже использовали эту технику. К ним относятся Михаил Врубель, Константин Сомов, Илья Репин, Александр Бенуа, Василий Суриков, братья Брюлловы.

Печально, что в XX веке наследие многослойной акварели стало понемногу исчезать. Мотив кроется, возможно, в появлении множества красок, вырабатываемых по современным технологиям. Они сразу стали весьма популярны у акварелистов, однако, проявили себя не с лучшей стороны, поскольку моментально блекли, имели весьма кратковременный эффект.

Есть и другой аспект. Применение этой техники на картинах акварелью с пейзажами и цветами предусматривает наличие у художника таланта и мастерства, упорства и глубокомыслия, поскольку филигранное нанесение полупрозрачных слоев акварельных красок в противном случае невозможно.

Загладить огрехи многослойной акварельной работы маловероятно, поэтому немногие художники пробуют себя в этой сложнейшей, требующей максимальной самоотдачи технике.

В наши дни в России традиции многослойной акварели возродил знаменитый художник и преподаватель Сергей Николаевич Андрияка. Его школу прошли многие известные акварелисты, высокопрофессионально владеющие этой сложной техникой. Среди них числится и Ирина Витальевна Ломанова, виртуозная акварелистка. Многие ценители изобразительного искусства мечтают купить её картины акварелью.

Биография художницы-акварелистки И. Ломановой

Появилась на свет Ирина Ломанова в городе Херсоне в 1962 году. Училась в г. Москве, в 1990 году успешно закончил специализированный образовательный центр «Росмаркетинг», получила профессию художника-оформителя в рекламном бизнесе. Затем Ирина Витальевна трудилась в должности искусствоведа в ХФ СССР, обучалась у преподавателя Каргиной А.И. в ГСШ акварели Андрияки С.Н. Принимала участие в многочисленных тематических мероприятиях: «Весенней выставке работ школы С.Н Андрияки» в Манеже, в 2011 году; «Четвертой международной выставке-конкурсе современного искусства «Классическая живопись. Натюрморты в классическом стиле» в г. Санкт-Петербурге, в 2012 году; «Арт-Ростов 2014» в г. Ростове-на-Дону.

Сегодня эта талантливая художница живёт и работает в Московской области, что способствует преобладанию в её творчестве мотивов русской природы центральной части России.

Пейзажи акварелью, принадлежащие кисти И. Ломановой, скромные и эстетичные, характеризуются приглушенной цветовой гаммой с превалированием серых, охристых и палевых тонов. В картинах природы акварелью просматривается талант художницы изящной игрой полутонов и рационально задуманной композицией усиливать выразительность. Особенно отчетливо это видно на акварелях с пейзажами «Ветлы на Оке», «Зеленый холм», «Осенние краски».

Ирина Ломанова не старается завоевать симпатии зрителей, не отличающихся разборчивостью, поэтому не использует дешевых эффектов, кичевой картинности. Все акварель пейзажи Ирины Витальевны пропитаны духом лирической поэзии с добавлением лёгкой нотки элегии.

 

Работы художницы И. Ломановой

 

Отдельного внимания заслуживают натюрморты акварелью кисти Ломановой. В этом стиле ею созданы многочисленные акварели, которые символически можно разделить на серии: акварель с цветами, жизнь игрушки и деревенский натюрморт.

Акварелистка следует обычаям русской реалистичной школы изобразительного искусства. Ярким подтверждением этой мысли является своеобразие натуры, выбираемой ею для работ: ягоды, сушки и бублики, непритязательные растения, горбушка домашнего серого хлеба, составляющие композиции с вещами сельского быта.

Осенью 2013 года картина акварелью «Натюрморт с бубликом» авторства дополнила проиллюстрированное сочинение «Традиции Ярославского края. Дом и быт. Семейные обычаи». Альманах увидел свет в рыбинском издательском доме «Медиарост». Он украшен картинами известных русских художников Бориса Кустодиева, Василия Тропинина, Аркадия Пластова, Константина Маковского, Алексея Корзухина, Федота Сычкова, Алексея Венецианова, Владимира Стожарова, Николая Богданова-Бельского, картины выполненные акварелью.

Цикл «Жизнь игрушки» погружает зрителя в ранние детские воспоминания, навевая чувства умиления и просветленной тоски. Эмоции, рождающиеся во время созерцания акварелей, проникновенных или смешных, иногда с хитринкой, нельзя выразить словами.

Ирина Ломанова с удовольствием занимается благотворительностью, проблемами детей-сирот. Весной 2013 года она участвовала в акции «Художники Москвы детям Костромы», безвозмездно передав несколько картин акварелью из цикла «Жизнь игрушки» дому-интернату для детей с ограниченными возможностями в посёлке Первомайский Костромской области. Двадцать картин акварелью с пейзажами, цветами, натюрмортами кисти мастера украшают стены Центра матери и ребенка в самом городе Костроме.

Первые персональные выставки Ирины Витальевны состоялись осенью 2012 года на арт-площадке «Станция» и весной 2014 года в художественной галерее именно в городе Костроме.

Во Владимире в период с 21.02.2014 по 09.03.2014 года проходила третья персональная выставка работ талантливой акварелистки в областном центре популяризации изобразительного искусства.

Сегодня красивые картины акварелью И. Ломановой находятся в коллекциях Костромского музея-заповедника и Владимирского областного центра популяризации изобразительного искусства. Многие работы стали жемчужинами частных собраний, в том числе коллекции известного московского коллекционера Александра Гремитских.

Зимой 2014 года произошло знаменательное событие. Издательский дом Richard Verlag Fuert опубликовал книгу «Говорящие акварели», представившую акварельные картины художников современности, виртуозно владеющих техникой акварели. Тираж книги составил 2500 экземпляров. Она была представлена общественности весной 2014 года на всемирной Арт-мессе в Карлсруэ. В издании имеются репродукции четырех картин акварелью Ирины Витальевны Ломановой: «Зимнее утро», «Весёлая компания», «Ветла на Оке», «Натюрморт с бубликом».

 

Как купить картины акварелью?

 

Ознакомиться с работами современных российских художников-акварелистов, в том числе и Ирины Ломановой, купить акварель можно на нашем специализированном интернет-ресурсе и регулярно устраиваемых выставках. Продажа акварели в Москве осуществляется в каждом конкретном случае индивидуально.  

Картины Владимира Гремитских: талант вне времени и эпохи увеличить изображение
Картины Владимира Гремитских: талант вне времени и эпохи

 Художник живёт ровно столько, сколько о его творчестве знают и помнят. В творчестве

Владимира Георгиевича Гремитских можно увидеть как раз именно такую подлинную живопись, которая заставляет зрителей возвращаться к его творениям вновь и вновь. Этот необычайно талантливый художник родился 14 декабря 1916 года в Новониколаевске (в настоящее время это Новосибирск) незадолго до начала  Февральской революции и всего за 2 недели до гибели Григория Распутина, событий, положивших конец Российской империи. Умер Владимир Георгиевич 2 августа 1991 года за 1.5 недели до ГКЧП, что можно считать концом эпохи СССР. Можно смело заявить, что его творчество и жизнь целиком охватывают весь пласт советского времени. Художнику удалось застать становление СССР и его последующий развал.

В 16 лет Владимир Георгиевич поступил в Московское художественное училище

памяти 1905 года. Его наставниками в то время были такие выдающиеся художники как  Зефиров К.К, а потом и Соколов М.К.

 С 1936 по 1942 год Владимир Георгиевич учился (с перерывом на фронт) в Московском художественном институте имени В.И.Сурикова, который открылся незадолго до этого.

Там его талантливыми наставниками были такие мастера живописи как – заслуженный деятель искусств и доцент кафедры живописи и композиции МГХИ Почиталов В.В. и профессор Покаржевский П.В.

 Педагоги отмечали Владимира Гремитских как одного из самых талантливых и способных учеников на курсе Сергея Васильевича Герасимова который сам был учеником  великого русского живописца Константина Коровина. Мастерство Константина Коровина передалось через поколение и нашло своё отражение во многих картинах Владимира Гремитских. Продолжение коровинских художественных традиций улавливается например в таких работах Гремитских как «Вечер. Жигули», «Розы и чай», «Розы. Гурзуф» и т.д.

Владимир Гремитских закончил обучение и защитил диплом у знаменитого русского и советского пейзажиста Сергея Васильевича Герасимова.

Художнику нравилась тема цветов, и он умел великолепно переносить её на свои картины. Розы, сирень, весенняя зелень выглядят на его работах живо, красиво и невероятно естественно. Художник смог создать целый цикл картин с цветами, которые были написаны в разные годы его творчества.

Гремитских предпочитал технику пастозной живописи, выполняя многие свои работы насыщенными и крупными мазками.

 В 1945 году Владимир Георгиевич стал членом Союза Художников РСФСР. Его работы начали выставлять в Москве, а также на крупных региональных и республиканских выставках, проходивших в то время в СССР. Художнику были вручены почетные дипломы МГО ХФ РСФСР и МОСХ РСФСР.

 Владимир Георгиевич писал прекрасные пейзажи. У него много работ, посвященных именно русской природе. Одни из самых живописных: «Цветущая вишня», «Зима в Тарусе», «Колокольчики цветут», «Последний луч», «Весенний лес», «Март», «На Волге», «Летний день», «Валентиновка» и многие другие.

 Очень завораживают и впечатляют выразительные портреты, выполненные Гремитских. Ему довелось писать с натуры многих выдающихся деятелей советской эпохи  – Л.И. Брежнева, Ю.В. Андропова, знаменитую киргизскую танцовщицу Кайыргюль Сартбиеву,  писателя Чингиза Айтматова, маршала С.Ф. Ахромеева.

 В настоящее время многие работы художника хранятся в Государственной Третьяковской галерее, в Государственном музее обороны Москвы, в Республиканском выставочном зале в Йошкар-Оле, в картинных галереях в Орле, Брянске, Самаре, в других городах бывшего СССР.

Многие картины этого выдающегося художника находятся и в частных коллекциях, причём не только в нашей стране, но и за рубежом. Некоторые из них имели грандиозный успех на аукционах Bonhams и Cristie's.

Купить картину Гремитских вы можете в большой виртуальной галерее, принадлежащей его сыну и наследнику Александру. Такое приобретение станет достойным украшением любой коллекции живописи.

 В 2009 году Владимир Георгиевич был награжден посмертно медалью «Талант и призвание» Международной ассоциацией «Миротворец» за личный вклад в дело возрождения и укрепления традиций мировой культуры.

Группа искусствоведов «TopArt» включила В.Г.  Гремитских в сто лучших русских художников от Феофана Грека до наших дней.

 

 

Юлия Мусонова  

 

Игорь Павлович Рубинский и Павел Игоревич Рубинский – семейные художественные традиции увеличить изображение
Игорь Павлович Рубинский и Павел Игоревич Рубинский – семейные художественные традиции

Весной 1919 года в небольшом городке Климовичи (Могилевская область) родился будущий известный художник Игорь Павлович Рубинский. Это была семья потомственных дворян, которые с XIV века имели свой фамильный герб. Родители мальчика были высокообразованными и талантливыми людьми. Мать работала в школе преподавателем иностранных языков. Кроме того, она успешно занималась музыкой и была отличной пианисткой. Отец мальчика был признанным художником-педагогом.

 Не смотря на то, что Игорь Павлович родился в Белоруссии, его помнят и знают, как признанного московского художника. Дело в том, что вся семья Рубинских в 1924 году переехала в Московскую область, поселившись в г. Щёлково. Именно здесь и прошли его детские и юношеские годы.

 Впервые Игорь Павлович заявил о себе как о подающем надежды художнике в 1935 году, когда принял участие в Московской Молодежной художественной выставке. Его талантливые работы сразу же были отмечены профессором И. Бродским. После успешного дебюта шестнадцатилетнего парня приняли в Академию художеств им. И.Е.Репина» в Ленинграде.

 После того как через несколько лет в столице был открыт Художественный институт им. В.Сурикова, Игорь Павлович перевелся туда в мастерскую  С.В.Герасимова, которую он закончил в 1942 году.  

Это был самый первый выпуск нового учебного заведения где преподавали такие знаменитые художники-педагоги как П.Д. Покаржевский, И.Э. Грабарь, В.В. Почиталов, А.А. Дейнека, оставившие заметный след в советской живописи.

 Свою дипломную работу «Захват фашистов партизанами»  художник писал в городе Самарканд, куда эвакуировали институт. В самом начале сороковых Игорь Рубинскй отправился на фронт добровольцем и воевал в составе дивизии народного ополчения. Позже его отправили на Северный флот, где он находился до конца войны.

 В 1943 году Игорь Павлович Рубинский стал членом Московского товарищества художников, а после войны вступил в Союз художников СССР. С этого периода он стал принимать активное участие в самых разных выставках. Всего их было более шестидесяти: всесоюзные, республиканские, столичные, групповые, в Италии, Англии и других странах.

 Игорь Павлович не мыслил своей жизни без активного творчества. В сороковых годах он писал роскошные декорации для Большого театра, а в начале пятидесятых панно и картины русских пейзажей для одного из новых корпусов МГУ на Ленинских горах.

Игорь Павлович Рубинский был настоящим мастером жанровых картин, завораживающих пейзажей и характерных портретов. Широкую известность ему принесли такие картины, как «Небесные братья», «Вручение аттестатов зрелости», «Выпускной бал на Красной площади», «Сталевары» и др. Многие из них стали своеобразным олицетворением и жизненным отражением  советского периода нашей истории и быта людей того времени.

 В 1976 и 1996 годах прошли персональные выставки И.П. Рубинского. Звание Заслуженного художника России он получил в 1995 году. Потрясающие работы Игоря Павловича в настоящее время находятся во многих российских музеях -  в Мурманске, Архангельске, в Елизово (Камчатка), в столичном музее Великой Отечественной Войны, в музее Московского Государственного университета. Хранятся картины художника и во многих частных коллекциях.

Умер Игорь Павлович Рубинский в 1996 году в Москве, но у него остался достойный приемник – его сын Павел Игоревич Рубинский, родившийся в 1950 году. В юности Павел сначала закончил СХШ при Академии художеств СССР, а после неё - Московское художественное училище памяти 1905 года. Своим истинным наставником и главным учителем Павел Игоревич всегда считал своего талантливого отца. Павел Рубинский успешно работает в жанре сюжетной картины, пишет удивительные портреты, натюрморты и пейзажи. При этом он работает в самых разных техниках, начиная с акварели, и заканчивая пастелью. Больше всего художник любит писать картины маслом.

 П.И. Рубинский является членом Московского союза художников и Союза художников России. Он лауреат фонда «Культурное достояние».  Картины этого талантливого художника в настоящее время хранятся в Музее Обороны Москвы, а также во многих частных коллекциях зарубежных и российских ценителей живописи. Его персональные выставки проходили в Москве, Варшаве и в Афинах.

 Некоторые работы отца и сына Рубинских находятся в большой коллекции известного московского коллекционера Александра Владимировича Гремитских.

 

Юлия Мусонова

Советский график Соломон Самсонович Боим увеличить изображение
Советский график Соломон Самсонович Боим

Советский художник Соломон Самсонович Боим родился в 1899 году в семье переплётчика в Курской губернии. Когда мальчику исполнилось 11 лет, родители отдали его в Дмитриевское реальное училище. Соломон Боим закончил это учебное заведение с отличием в тот же год, когда в России произошла революция - в 1917 году. На следующий год его приняли в Харьковское художественное училище, но из-за Гражданской войны закончить его он не успел - Боима мобилизовали в Красную Армию. После войны он приехал в Москву и продолжил художественное образование, поступив на графический факультет ВХУТЕМАСа. За время учёбы будущий художник успел показать свои работы на одной из выставок графики, организованной в столице. После учёбы Боим занимался иллюстрацией детских книг и созданием полотен на идеологические темы.

В 1930-е годы Соломон Боим принимал активное участие в различных выставках, в том числе и международного уровня, преподавал рисунок в студии ВЦСПС. В 1941 году его мобилизовали на флот где он проходил службу в Кронштадском доме ВМФ, в отделе занимавшимся наглядной агитацией. Через год его перевели в редакцию газеты «Красный Балтийский флот» в Ленинграде. В 1943 году С.С. Боим был направлен в Политическое управление Балтийского флота, где он служил вплоть до Победы в звании капитана административной службы старшим художником.

После Великой Отечественной войны Соломон Самсонович Боим преподавал в Московском областном художественном педагогическом училище изобразительных искусств памяти восстания 1905 года.

До 1978 года он участвовал во всесоюзных выставках, а также проводил свои персональные выставки. Его картины сохранились в музеях страны и в частных собраниях. К примеру, в коллекции Екатерины Матусевич есть работа С.С. Боима, выполненная им весной 1945 года. Она так и называется «Весна 1945-го., г. Прекульс. Восточная Пруссия» (25x34, бумага, акварель). Купить картину для интерьера можно у Екатерины Матусевич.

Хотя техника акварели Соломон Самсоновичу давалась нелегко, он всё равно любил рисовать акварельными красками. Первые его работы отличались некой приблизительностью форм, однообразием цветовых оттенков и рыхлостью изображения. Но позже, его живопись акварелью стала достойным примером реалистической акварельной живописи.

Среди работ художника много картин с изображением моря, которое ни в одной из них не представлено пустым, там или бушующий шторм, или шумный порт, или какое-нибудь судно. Посмотрите на его «Быстроходные тральщики перед походом», «Артиллерийское учение», «Эсминец», «Шлюпочное соревнование», «В Ростовском порту», «В Цимлянском порту. Бункеровка» - на них обязательно что-то происходит, море никогда не бывает пустым.

Соломон Самсонович Боим также работал в области городского пейзажа. Среди его работ много графических работ посвящённых Ленинграду. Этот город рисовали многие художники, но Боим сумел показать зрителю городской ландшафт совершенно с другой точки зрения. Отличным примером являются его работы «Михайловский сад», «Утро на Неве», «Ростральная колонна», «Стрелка Васильевского острова», «Невский проспект», «Канал Грибоедова» и «Проспект Сталина». Художник весьма удачно изобразил на них величие советской архитектуры города Ленина.

С.С. Боим много работал и с иллюстрациями к различным литературным произведениям. В них явно угадывается проникновение художника в суть литературного образа, точная передача характера героев. Предлагаю взглянуть на его иллюстрации к произведениям А. П. Чехова «Человек в футляре», «Душечка», «В овраге» и «Степь».

Из тематической серии хочется отметить глубоко эмоциональную работу «У Дома Союзов в январе 1924 года».

Боим как-то по особенному рисовал портреты, он умел выделить и показать свойственные только ему (портретируемому) черты характера. Кроме этого на портретах явно видна жизненная энергия советских людей, их радостное отношение к труду, уверенность в коммунистическом будущем и живой огонёк в глазах, присущий труженикам, жившим в те года. Скончался Соломон Самсонович Боим в 1978 году в Москве.

 

 

 

Рустем Массаров 

Художник Павел Семёнович Семячкин увеличить изображение
Художник Павел Семёнович Семячкин

Московский живописец Павел Семёнович Семячкин родился в Омске летом 1923 года. Он был известен не только как одарённый портретист, но и как талантливый плакатист.  В советское время его плакаты выпускались многочисленными тиражами.

У Павла Семёновича много жанровых картин, где изображена жизнь простого советского народа. Среди них есть небольшая работа «Деревенский сторож». Необычна композиция этой работы  – старик изображён спиной к зрителю, он стоит уперевшись на палку. Простая одежда старика, тулуп и шапка, подчёркивают обыденность происходящего. Картина была написана в 1970 году.

 

В этом же году  П.С. Семячкин создал акварельную работу «Хоста. Белый пароход». На картине изображены люди, смотрящие на, проплывающий вдали, белый пароход. Пароход изображён всего 2-3 линиями. Если посмотреть на него в отдельности, он покажется скорее катером, чем большим судном. Но из-за того, что художник сумел придать глубину изображению, он кажется огромным. На первом плане двое детишек прильнули к источнику воды, за ними отдыхающие у какого-то ограждения, сам же пароход занимает дальний план. Работа была создана во время пребывания художника в пригороде Сочи называющемся Хоста. Раньше это был отдельный посёлок. Название посёлка происходит от названия реки Хоста, впадающей в Чёрное море у мыса Видный в бухте Тихая. Этот живописный уголок покорил сердца многих художников. Ф. С. Шурпин в 1946 году нарисовал этюд одного из многочисленных уголков этого посёлка, Г. А. Травников в 1967 году создал пейзаж «Зима в Хосте», Н. А. Соколов - «Хоста. Причал на Чёрном море», Ф. В. Кронидович - «На даче. Хоста. 1970», Г. А. Безукладников - «Отдых в Хосте. 1970». На последней работе Г.А. Безукладникова изображена миловидная девушка, по-видимому и сама рисующая что-то на бумаге.

Стоит заметить, что масляная живопись существенно отличаются от картин в технике акварели, где полностью отсутствует фактура живописи. Масляная краска ложится на полотно слоями, оставляя естественные неровности, что придаёт картине некую живость. Но зато техника акварели позволяет создать изображение, отличающееся прозрачностью и воздушностью. Акварельными красками можно правдоподобно писать воздух и эффектно играть со светом и тенью. Надо сказать что акварельная живопись появилась намного позже масляной.

Екатерина Матусевич, московский коллекционер, бережно хранит эти два произведения художника П. С. Семячкина в своей коллекции картин.

Другие работы Павла Семёновича Семячкина хранятся в основных музеях страны. Среди них особенно интересен цикл работ на тематику освоения целины. Немало его картин были выставлены на аукционах международного уровня и раскуплены поклонниками изобразительного искусства. Теперь купить картину художника можно только у них. Многочисленные частные коллекции сохранили произведения этого советского мастера живописи, среди которых есть такие интересные работы, как «Этюд с рекой» и «К вечеру» (картон масло), эскиз плаката на бумаге «Пионер – значит, первый всегда везде в учёбе, в труде» ( 1970-е годы).

П. С. Семячкин в своё время получил достойное художественное образование - в 1953 году он окончил МГХИ им. В. И. Сурикова, в этом же году он стал членом Союза Художников СССР. Живопись и графику он начал выставлять на столичных выставках с 1950 года. Павел Семёнович Семячкин создал несколько панно для павильонов, работая в производственных мастерских ВСХВ  ( сейчас ВДНХ).

Во время Великой Отечественной войны Павел Семёнович трудился на военном заводе по производству военной техники для нашей армии, приближая победу над фашистскими захватчиками. Он получил за это две награды - «30 лет Советской армии» и «За победу над Германией».

 

Рустем Массаров   

Тверской график Евгений Дмитриевич Светогоров увеличить изображение
Тверской график Евгений Дмитриевич Светогоров

 Заслуженный художник РСФСР Евгений Дмитриевич Светогоров родился и всю свою жизнь прожил в Твери. Родился Евгений Дмитриевич весной 1913 года, скончался в 1981 году, и был похоронен на кладбище Лебедево.

Когда Евгению Светогорову было 12 лет, он поступил учиться в Тверскую художественную студию В. А. Бартоломея. Через четыре года, в 1929 году, его приняли в ВХУТЕИН. Потом в был Институт живописи, скульптуры и архитектуры Всероссийской Академии Художеств в Ленинграде. В общем и целом, своё художественное образование он закончил в 1934 году. До войны Евгений Дмитриевич уже проводил персональные выставки, а весной 1939 года прошла его выставка в Областной картинной галерее города Калинина, где он выставил 45 своих работ. Отмечу, что этот город с 1931 по 1990 года носил название Калинин. Современный город Тверь разделён на четыре района – Центральный, Пролетарский, Московский и Заволжский. В центральном районе расположен Тверской Императорский Путевой дворец, о котором написано ниже.

Евгений Дмитриевич прошёл всю Великую Отечественную войну, зарисовывая события, происходившие на полях сражений. После войны с 1948 по 1957 год работал на посту секретаря Калининского областного отделения Союза советских художников, затем был председателем правления Калининского отделения Союза художников РСФСР.

Е. Д. Светогоров много работал в области линогравюры. В 1967 году им была создана целая серия, посвящённая всесоюзному старосте Михаилу Ивановичу Калинину. Картины евгения Дмитриевича Светогорова находятся в частных коллекциях и музеях России. Галерея картин, расположенная в здании Тверского Путевого Екатерининского дворца, хранит большую часть его работ, среди которых серия «Времена года» и цикл «Селигер в июне». У московского коллекционера Екатерины Матусевич есть  одна из интереснейших работ этого художника - «Старик с котомкой», нарисованная пером тушью на бумаге. Чёрно-белая техника нисколько не ухудшает восприятие образа старика, эти две вещи (сюжет и техника) гармонично дополняют друг друга, от работы веет теплом. Светогоров сумел этой техникой передать добродушный образ старика. Такое впечатление, что старик присел отдохнуть, а может быть, только собрался куда-то пойти, сложив свою котомку, и в этот момент его успел запечатлеть художник

Картина «Катер у пристани» и другие работы тверского художника, описанные ниже,  также находятся в коллекции Екатерины Матусевич. Кстати, купить картину в Москве можно на этом сайте. На картине изображён катерок, стоящий в бухте курортного посёлка Гурзуф в Крыму. Этот небольшой городок расположен в пятнадцати километрах от Ялты, утопающий в хвойных рощах и субтропической зелени, он просто зачаровывает своей красотой. Недалеко от него возвышается гора Аю-Даг (Медведь