Картины художника Владимира Гремитских

 

Живопись и графика московского художника Владимира Георгиевича Гремитских (1916-1991) Продажа картин без посредников.

Сайт принадлежит сыну художника Александру Гремитских.

Выдаётся сертификат подлинности. 

 

Новости
09.12.2018 Зима. На ВДНХ открывается музейный сезон. 06.12.2018 О статье Александра Гремитских «Чем отличаются картина, этюд, эскиз и набросок? Что лучше, холст или картон?» 28.11.2018 Фредерик Грант Бантинг - учёный, военный врач, художник 18.11.2018 О важности документов на произведения 07.11.2018 «Мейд ин Чайна» 26.10.2018 Светлой памяти прекрасного мастера живописи, русского, советского художника Анатолия Левитина 22.10.2018 КАК точно выставить цену за картину художника 20.10.2018 Искусство и Бизнес: клиенты, продажи 07.10.2018 Сайт продажи живописи и графики "Яварда" 03.10.2018 Зеркало российского искусствознания 30.09.2018 Об «оскорбительных» для художника предложениях цены за картину 30.09.2018 Новая звезда на небосклоне искусства 29.09.2018 Советы художнику 28.09.2018 О некоторых типах посетителей художественных выставок 16.09.2018 Влияние Октябрьской революции 1917 года на мир искусства 30.08.2018 К вопросу о стоимости живописи 15.08.2018 Триумф картин художников шестидесятых годов 07.07.2018 6-й сезон Международного конкурса искусств «Art. Excellence. Awards.» объявляется открытым! 04.07.2018 О значении рамы для картины 03.07.2018 Об одной картине художника Владимира Гремитских. Розы, Масловка, трамвай… 03.07.2018 Путин выбирает соцреализм 03.05.2018 Музей русского импрессионизма: создание, коллекция, выставки 04.03.2018 Академическая дача им. И.Е. Репина – творчество и отдых 16.02.2018 Творчество Владимира Георгиевича Гремитских 17.01.2018 О художнике В.Г. Гремитских 15.01.2018 Владимир Георгиевич Гремитских – советский художник 19.12.2017 Преемственность в русской живописи от передвижников до настоящего времени 02.12.2017 Картины советского художника Владимира Георгиевича Гремитских 07.11.2017 Живописная импровизационная музыка - тонализм 06.10.2017 Традиции реализма в русской и советской живописи 22.09.2017 Гремитских Владимир Георгиевич – художник с большой буквы 06.09.2017 Русский импрессионизм. Зарождение, его развитие, преемственность в советской живописи 30.08.2017 Ранний русский авангард – художественное объединение «Бубновый валет» 28.08.2017 Гремитских Владимир Георгиевич, картины разных лет. 27.08.2017 Картины художников в смешанной технике 13.08.2017 Картины темперой – эстетическое удовольствие на века 12.08.2017 Крымский пейзаж в творчестве московского художника Владимира Гремитских 11.08.2017 Акварель русских художников - естественность и лёгкость восприятия мира 10.08.2017 Рисунки художников в технике пастели. 08.08.2017 Неповторимые и прекрасные картины гуашью 07.08.2017 Картины акрилом: свежо, современно, неповторимо 18.06.2017 Итоги последних Русских Торгов в Лондоне 13.05.2017 ИСТОРИЧЕСКИЙ ГОСУДАРСТВЕННЫЙ МУЗЕЙ, май 2017 г. 05.05.2017 Событие в "Гараже" 2017. Не пропустите! 02.05.2017 Советское искусство наконец-то признали европейским 02.05.2017 Сhristie’s в Москве 12.02.2017 Отзывы посетителей о выставке к 100-летию художника Владимира Гремитских 06.02.2017 Персональная выставка живописца Владимира Гремитских к 100-летию со дня рождения художника. 11.01.2017 Нежная и чувственная акварель Ирины Ломановой 18.12.2016 Уходя – не ушёл 23.11.2016 Отечественные пейзажи в память потомкам 25.10.2016 Талантливый человек талантлив во всём. Слово о художнике Владимире Николаевиче Лебедеве. 18.08.2016 Жизнь и творчество художника Сергея Васильевича Герасимова 23.07.2016 О художнике Аркадии Александровиче Пластове 28.06.2016 Почему так популярны картины художников в сказочно-былинном жанре? 28.06.2016 Натюрморты с овощами 28.06.2016 Историческая картина 09.06.2016 РЫЦАРЬ БЕЗ СТРАХА И УПРЕКА 01.06.2016 Разноплановое дарование Григория Шегаля 18.05.2016 Летние пейзажи: великолепие родной природы 16.05.2016 Выставка живописи «Лирика русской природы» 29.04.2016 Ольга Курзанова – художник нашего времени 29.04.2016 Николай Горлов – советский импрессионист 26.04.2016 Андрей Ковалевский – почувствуйте родную землю через его картины 18.04.2016 Весенний пейзаж в творчестве советских и постсоветских художников-реалистов 07.04.2016 Владимир Георгиевич Гремитских — уникальный человек и талантливый художник 19.03.2016 Жизнь и творчество Юрия Петровича Цыганова 17.02.2016 Творчество художницы Ирины Ломановой 04.02.2016 Картины Владимира Гремитских: талант вне времени и эпохи 15.01.2016 Игорь Павлович Рубинский и Павел Игоревич Рубинский – семейные художественные традиции 28.12.2015 Советский график Соломон Самсонович Боим 15.12.2015 Художник Павел Семёнович Семячкин 09.12.2015 Тверской график Евгений Дмитриевич Светогоров 02.12.2015 Борис Вячеславович Иорданский 26.11.2015 Алексей Иванович Деньшин 17.11.2015 Костромская художница Ирина Рыбакова 10.11.2015 Пензенский живописец Василий Матвеевич Беликов 30.10.2015 Отец и сын Рубинские 25.10.2015 Московская художница Ольга Курзанова 17.10.2015 Казанская художница Рушан Якупова 11.10.2015 Казанский художник Харис Якупов 06.10.2015 Акварелист Александр Фёдорович Карпан 29.09.2015 Художник Энвер Ишмаметов 23.09.2015 Художник Валерий Маковой 19.09.2015 Отзыв об электронной галерее ruskartina.ru 17.09.2015 Картины Владимира Волосова 14.09.2015 Художник Владимир Волосов 12.09.2015 Художник Виталий Стройнов 10.09.2015 В каждой картине раскрывается потенциал художника 07.09.2015 Правильный выбор мольберта для работы на улице и в помещении 04.09.2015 Живая акварель Ирины Ломановой 27.08.2015 В каждом из нас есть художник 11.08.2015 Роза пахнет розой, хоть розой назови её, хоть нет. 05.08.2015 Русская охота в живописи 26.07.2015 Скромная красота русских деревень 22.06.2015 Там, наверху, только и разговоров, что о море 04.06.2015 Неужели не я, освещённый тремя фонарями?.. 12.05.2015 Блеск и загадка акрильной живописи 13.04.2015 Две судьбы 30.03.2015 Первым делом, первым делом самолёты... 24.03.2015 Славянские боги, оживлённые художником 27.01.2015 Художник, который дарит радость 23.01.2015 Что есть наш сайт (Письмо сына художника В.Г. Гремитских сыну художника В.М. Беликова) 20.01.2015 Творческая лаборатория Александра Карпана. (статья из каталога Витебск, 2002) 07.01.2015 Павел Весёлкин 29.12.2014 Письмо администратору сайта. 24.12.2014 Виталий Стройнов стал призером XIV международного конкурса «Вернисаж-2014» 17.12.2014 О художнике Игоре Тужикове 12.12.2014 Аравийские холсты 29.11.2014 Приглашение на сайт 14.11.2014 Выставка на проспекте Мира, 68 14.11.2014 Галерея "На Шаболовке" 14.11.2014 Выставка "Весна идёт!" в Костроме 13.11.2014 Выставка художников Марии Смерчинской и Ирины Беляевой «Чувства». 12.11.2014 Передвижной выставочный проект 20.10.2014 Чем руководствоваться при покупке живописи? Надо ли верить профессионалам?
Зима. На ВДНХ открывается музейный сезон. увеличить изображение
Зима. На ВДНХ открывается музейный сезон.

В среду 5 декабря 2018 года на ВДНХ состоится значительное событие: будет открыт музейный сезон. Официальный сайт мэра Москвы сообщает, что посетители могут осмотреть 4 новые экспозиции. Он продолжит эксклюзивную программу «Резидент»: обмен музеев своими произведениями.

 

Первая выставка – «Главные герои»

 

Сама экспозиция будет находиться в помещении «Рабочий и колхозница». Она предлагает своим гостям лучшее из коллекции художественного музея Самары: работы В. Серова, И. Репина, И. Айвазовского. Кроме того, зритель сможет полюбоваться на искусство от изысканного лёгкого рококо начала XIII до советского искусства начала 70-х годов. Самарский музей щедро делится более чем 130-ю произведениями изобразительного искусства, которые были написаны в разных стилях и жанрах. Зритель увидит графику и живопись, великолепные светские портреты детей и взрослых, а также авангард и картины социалистического реализма. 

 

Вторая экспозиция

 

Она посвящена творчеству выдающегося писателя. Её название: «Явление героя. В поисках Михаила Булгакова». Документы из более чем десяти архивов и музеев Москвы и Северной Столицы сложатся в рассказ о непростом жизненном пути автора, а также об истории возникновения его произведений. Посетитель увидит раритеты: фотографии и письма, рукописи, личные вещи.

 

Третья выставка

 

Посетителям предложат посмотреть коллекцию «Гламур восьмидесятых. Из фонда Александра Васильева» в павильоне «Гидрометеорология». Много лет коллекционер собирал шокирующие, броские наряды,  украшения и аксессуары. Более 50-ти экспонатов, которые созданы всемирно известными дизайнерами из домов мод «Ив Сен Лоран», «Шанель», «Живанши», «Кристиан Диор» и «Бальман», можно детально и внимательно рассмотреть на этой экспозиции. Кроме того, в дополнение будут  показаны журналы и фотографии того времени.

 

 Заключительная программа

 

По замыслу разработчиков завершением станет выставка «Легко». Ёе автор, Анастасия Вепрева (победитель 3-го сезона в категории «Искусство»), в своих произведениях приглашает гостей к размышлению над непрочностью бытия и памятью об истории. Выставка состоит из 3-х частей:

 

·        земля;

 

·        небо;

 

·        облака.

 

Она призывает проследить за образами и их метафорами, которые сложились в обществе и искусстве и создаются СМИ  как воспроизведение действительности. Автора волнует вопрос, как они после этого «работают в социальной среде» и влияют на массовое сознание.

О статье Александра Гремитских «Чем отличаются картина, этюд, эскиз и набросок? Что лучше, холст или картон?» увеличить изображение
О статье Александра Гремитских «Чем отличаются картина, этюд, эскиз и набросок? Что лучше, холст или картон?»

Совершенно правильные суждения Александра Гремитских насчёт картона и холста как материала для масляной живописи. https://ruskartina.ru/article_19.html Подпишусь под каждым словом. Меня просто бесят тупые выпендрёжники, которые не хотят покупать понравившиеся картины художников только из-за того, что они написаны на оргалите или на художественном картоне. Приходится объяснять очевидное, что холст - это обвисания из-за перепадов температуры, кракелюры и просто трещины, осыпания краски кусками, случайные дыры, рвань и дыры и прорези. То ли дело оргалит - по сути монолит, который прекрасно сохраняет изображение на века, если его только не хранить на морозе и не бросать в воду (но это нельзя проделывать ни с холстом, ни с любым другим материалом). Мой отец более половины своих лучших картин маслом выполнил на оргалите, и ему, и мне потом не приходилось на этих работах заклеивать случайные дыры и реставрировать облупившуюся краску.

 

Леонид Острецов

 

Оптимальный вариант на случай реставрации — холст на картоне (или оргалите, фанере). Опять же, без подрамника обойтись в этом случае можно...

 

Алекс Парацельс 

Фредерик Грант Бантинг - учёный, военный врач, художник увеличить изображение
Фредерик Грант Бантинг - учёный, военный врач, художник

Диабет – грозное заболевание. Оно звучит, как приговор. Для поддержания здоровья существует лишь одно лекарство – инсулин. Если по каким-то причинам больной не может им воспользоваться, то это ведёт к верной смерти. Инсулин открыл молодой тридцатидвухлетний учёный из Канады Фредерик Грант Бантинг.

 

Чем увлекался учёный в свободное время

 

Фредерик Грант рисовал. Нам неизвестно, с какого времени он взялся за карандаши и краски, но канадцы считают его талантливым художником. Он  был дружен с профессиональными художниками, и они наверняка помогали Бантингу советами. Путешествуя по своей родине, он писал пейзажи. Самая известная картина художника Бантинга называется «Лаборатория». На ней изображена именно та лаборатория где был открыт инсулин. Колбы, реторты, склянки, большие флаконы на полках. Всё, что требовалось учёному для работы, запечатлено на его картине. На раме есть надпись: «2 часа ночи». Автор преподнёс картину в подарок своей ассистентке Сэди Грант. Затем эта работа попала к лаборанту Жану Орру. Его родственники продали её в 1943 году уже после гибели автора. И вот теперь она была выставлена на аукцион Heffel Fine Art. Это исторически бесценное произведение сразу привлекло внимание широкой публики. На торгах одновременно поднялось сразу 20 табличек. Борьба за этот лот была долгой. Победа досталась неизвестному, который принял участие в торгах по телефону. Лот был продан за 237 тыс. $ США. Это рекордная сумма для произведений Бантинга.  Глава аукционного дома Дэвид Хеффел передаёт свою премию от покупателя (примерно 46 тыс. $ США) в Торонто, Центру исследования диабета.

 «Лаборатория» Фредерик Грант Бантинг 1925 год, 25.1×34.6 см
«Лаборатория» Фредерик Грант Бантинг 1925 год, 25.1×34.6 см

 

Картины художника Фредерика Бантинга

 

Прежде самой дорогой картиной художника считался пейзаж «Медовая гавань», написанный в 1933 году. На аукционе за него предложили 69 тыс. $ США. Это мирное произведение, где в гавани даже вода спокойна. Она не бьётся о берега, а тихо и ласково соприкасается с землёй. Берега поросли  редким еловым лесом. Картина на холсте производит умиротворяющее впечатление.

 

«Залив в Джорджии»  –  это осенний пейзаж маслом в охристых тонах. Осень открыла художнику всю свою красоту. На переднем плене высокий уступ, который состоит из огромных валунов. А ниже к воде спускаются покрытые золотом деревья. Среди них оказалась и молодая ель. Своей неувядающей зеленью она показывает зрителю, что даже и тогда, когда всё покроется снегом, а вода – толстым слоем льда, то жизнь всё равно будет продолжаться. Надо только дождаться весны.

 

 Также художник любил писать городские и деревенские пейзажи, как зимние, так и летние. Он написал зимний пейзаж деревушки Байе с расположенной в ней церковью апостола Павла. Очень хорош зимний пейзаж Квебека, где всё вокруг небольших деревянных домиков занесено сугробами. А на горизонте, на фоне лазурного неба, высится церковь в честь св. Ирины. Также красив написанный с большой любовью маленький городок в северном Онтарио, где дома взбираются все выше и выше на холм. Замечателен и зимний пейзаж с церковью св. Иоанна, которую окружают домики, занесённые снегом. Врач и учёный Фредерик Бантинг пылко любил свою родину и отразил свои чувства на картинах. Живопись для него была способом восстановить свои силы после напряженных научных изысканий.

 

Татьяна Пиксанова

О важности документов на произведения увеличить изображение
О важности документов на произведения


Часто покупатели не спрашивают у художников о документах на авторские произведения просто, потому что НЕ ЗНАЮТ о такой части соглашения с автором. Но попробуйте к каждой своей картине или к другим авторским работам любых жанров и техник приложить документ, и вы увидите бурную положительную реакцию заказчиков! 
Сертификат, подтверждающий авторские права и выданный официальными лицами профессиональных организаций - это важнейшая часть соглашения сторон в сделках о купле-продаже произведений искусства. 
Если заказчик выбирает работу для себя и у художника в мастерской то он может поверить в то, что покупает авторскую работу. Но если далее заказчик захочет эту работу продать, то одной подписи на картине окажется мало и без документа это будет сделать гораздо сложнее. Фактически, вы экономите деньги и время своего заказчика! 


Николай Седнин. Книга "Рисунки из событий". 2018 г. 

«Мейд ин Чайна» увеличить изображение
«Мейд ин Чайна»

Эти словосочетание хорошо известно всему миру. Раньше оно произносилось с большой иронией, так как качество китайских товаров оставляло желать лучшего. Но прагматичный китайский ум постоянно совершенствует абсолютно всё, что делает человек из Поднебесной, стремясь достичь вершин совершенства. Китайцы, не стесняясь, копируют всё и делают это раз за разом лучше и лучше. А затем ещё лучше. Это положение также относится и к масляной живописи, которая уходит из их мастерских «На ура».

 

На юге Китая в Дафене

 

Копии высокого качества картин маслом известных художников – не изобретение сегодняшнего дня. В середине прошлого столетия масляной  живописи жителей Поднебесной стал обучать замечательный советский художник Константин Мефодьевич Максимов. Три года, с 1954 по 1957  год, он преподавал в Китае, и также проводил мастер-классы в Пекине. С его именем связывается становление и дальнейшее развитие живописи маслом в этой стране. До сих пор он очень любим и хорошо известен китайским живописцам и любителям изобразительного искусства. Они высоко ценят его работы и приобретают его картины маслом за немалые деньги.

Однако в конце XX века создание картин маслом в Китае приобрело уже промышленные масштабы. Сообразительный предприниматель Хуан Цзян привлёк два десятка молодых профессиональных художников и поселил их в тихом местечке Дафен. Свои копии высокого класса они писали с картин старых европейских мастеров и гениев Ренессанса. Особой популярностью у покупателей пользовались Леонардо да Винчи и Ван Гог. Для живописцев это была одновременно и практика, и постоянный верный заработок. Очень быстро число таких мастерских копиистов в Китае стало увеличиваться.

 

Поселение художников

 

В Дафен съезжается большое количество туристов, которых привлекает творческая атмосфера, большой выбор копий картин известных художников и доступные цены. Так, картина маслом, идеально скопированная с полотна какого-либо широко известного в Европе художника, может стоить всего 20 долларов. Портреты, пейзажи, натюрморты, жанровые сценки развешаны на стенах мастерских китайских художников, а зачастую и прямо на улице. Художники ставят свои мольберты на землю, и любой человек может полюбоваться возрождением шедевра. К тому же добраться до деревни живописцев легко. Надо проехать на метро до станций Dafen или Mimianwan. За 20 лет существования этого местечка количество художников выросло в 250 раз! Оно теперь составляет пять тысяч человек. А начиналось всё это всего лишь с двадцати копиистов. И они пишут и пишут с потрясающей скоростью, причём копий одних только шедевров мировой живописи по пять миллионов в течение года! И продают их не менее успешно. Шестьдесят процентов картин маслом в мире выходит из Дафена. Китайская школа живописи только потрясает качеством и ценой. На Западе галеристы часто выдают полотна, пришедшие из Поднебесной, за итальянскую, британскую и французскую живопись. Они теперь оптом поступают и к российским бизнесменам от живописи. Так что и у нас можно теперь купить Рафаэля или Рубенса, которых написали китайцы.

 

Строгие правила

 

Абсолютно все мастерские художников-копиистов в Китае строго соблюдают два правила:

 

·        нельзя нарушать законы об авторских правах;

·        предлагать покупателю свои копии как оригиналы.

 Поэтому художники ни в коем случае не копируют работы, которым не исполнилось 70-ти лет со дня смерти живописца. Только Сальвадор Дали и Энди Уорхол исключены из этого закона.

 

Эксклюзивность, многообразие и качество

 

Всё разнообразие живописных полотен, созданных во все века, предлагает своим покупателям Дафен по вполне демократическим ценам от восьми до шестидесяти долларов и выше в зависимости от мастерства художника. Живописцы зарабатывают очень неплохо. Примерно 800 долларов ежемесячно, а их подмастерья, конечно, ниже. Внимательный зритель этой своеобразной галереи может встретить всё, что угодно. Здесь найдутся картины мастеров Ренессанса, импрессионистов, русский авангард, традиционная китайская живопись, поп-арт. Поскольку в Дафене трудятся лица, окончившие художественные академии, то плохих и слабых работ тут нет. Например, Чжао  Ксяойонг, настолько «набил» руку, работая над автопортретами Ван Гога, что пишет их с невероятной скоростью. Всего за полчаса. Любую из своих картин Чжао  охотно продаёт от 30 до 230$. Всего же успешный делец уже реализовал свыше 70 тыс. копий.

 

Китайский Монмартр

 

Неповторимость и необычность Дафена замечена всеми деятелями искусства. В этой художественной деревне построен музей, в котором выставлены оригинальные работы китайских мастеров. Художники Дафена активно откликаются на участие в выставках. В 2006 году на Триеннале в Гуанчжоу живописцы работали над копией одного пейзажа. Тогда же фотограф Ю Хайбо принял участие в конкурсе World Press Photo и выиграл его, показав миру жизнь и живопись Дафена. Теперь турист, побывавший на китайском Монмартре, понимает, что и никому не известные художники живут в атмосфере искусства. Если в Париже были выставлены единицы картин, то в Поднебесной их можно видеть десятки тысяч. Но это уже показатель востребованности нашим временем.

 

Выставка «В присутствии художника» в Шанхае

 

Что же такое уникальность в наши дни, задался вопросом Маурицио Каттелан.  Совместно с брендом Cucci с 10.10 по 16.12.2018 года открывается новый проект под названием «В присутствии художника». Он должен осветить вопросы авторского права, подлинности, копирования и оригинальности в искусстве. Художник Каттелан – по своей природе провокатор, очень наполненный смыслами и изощренный. Он тяготеет к иронии над смертью. Сам же он считает, что он не более жесток, чем жизнь вокруг него. Выставку в Шанхае Каттелан счёл необходимой, поскольку в ней должны  быть затронуты священные принципы искусства:

 

·        как может копия провести в жизнь полное воспроизведение подлинника;

·        возможно ли сохранить оригиналы в копиях;

·        можно ли из пустоты создать нечто, уподобляясь Творцу.

Пока выставка проходит, дебаты до нас не долетают. Но можно думать, что живописцы Дафена с их работами будут ещё долго востребованы.

 

Татьяна Пиксанова

Светлой памяти прекрасного мастера живописи, русского, советского художника Анатолия Левитина увеличить изображение
Светлой памяти прекрасного мастера живописи, русского, советского художника Анатолия Левитина

В ночь на 11 октября скончался Народный художник РСФСР Член-корреспондент Академии художеств СССР Анатолий Павлович Левитин.(16 июля 1922- 11 октября 2018).

Замечательный живописец прожил долгую, 96 лет, жизнь, продолжая творить и после 90 лет, воспитывая при этом художественную молодежь в Красноярске. Начиная с 1987года, он жил на два дома: полгода в Петербурге, полгода в Красноярске. Но обратимся к началу его биографии.

 

Детство и юность

 

В середине московского лета 1922 в семье музыканта Павла Исаевича Левитина 16 июля родился сын Толя. Ребёнка быстро усадили за фортепиано. Однако отец, скрипач, заметил иные художественные наклонности сына. Ребёнок рисовал цветными карандашами на мраморных подоконниках квартиры. Его увлечением в то время была техника - теплоходы, паровозы, дирижабли. Когда отец показал рисунки Галине Викторовне Лабунской, то она решила проверить, что ещё может нарисовать маленький мальчик и получила рисунок «Купание на Клязьме». На нём в солнечный день дети весело купались в речке. Педагог-искусствовед Г.В. Лабунская организовала первую в стране международную выставку детских рисунков. В неё она включила и работы Анатолия. К этому времени он был достаточно известным юным художником. Его работы уже печатали различные сборники и они демонстрировались на художественных выставках. Так о Толе Левитине узнали в Ленинграде. Талантливого мальчика в 1935 году пригласили на учёбу в художественную школу при Всероссийской Академии Художеств. Родители отважились, и отпустили сына начинать самостоятельную жизнь.

 

Ленинград и война

 

Мальчика тепло приняли в семье, далёкой от искусства, но от этого не менее интересной. Её главой был Иван Николаевич Вознесенский, член АН СССР, который занимался проектированием турбин. С его сыном Андреем Толя подружился сразу и пронёс эту дружбу через всю жизнь не менее 75-ти лет. Тем временем с 1936 года начались занятия в художественной школе. Он её окончил в 1941 году и в свой день рождения пришёл в военкомат. Всех добровольцев поставили в шеренгу и предложили рассчитаться: первый-второй. Анатолий оказался «первым». Этих направили в зенитное, а «вторых» – в ветеринарное училища. Анатолий Левитин одновременно рисовал снаряды в разрезе и хорошо познакомился с их устройством, а также учился штыковому бою. Первый реальный бой проходил под Ленинградом на высотах Красной поляны. Затем всех отправили в Томск, а уже 1942 году Анатолия Левитина направляют на Кавказ.  В составе дивизии ПВО  юноша охранял небесные просторы кавказского фронта. Проявивший в боях воинскую доблесть, молодой боец  награждается орденом «Красная Звезда». Ему также вручают медали: «За оборону Кавказа», а позже «За победу над Германией».

 

 Как стать художником?

 

 И вот наступил один из самых счастливых дней его жизни, как считал сам художник, – День Победы. Анатолий Левитин был профессиональным военным и демобилизации не подлежал. Начальство предложило ему руководить джаз-студией, поскольку молодой боец уже занимался с хором военнослужащих. Тут Анатолий набрался храбрости и прямо сказал полковнику: «Я технику и музыку не люблю. Я до войны стремился стать художником». Тогда командир предложил ему творческую командировку по Кавказу, чтобы он писал этюды и мог вернуться к любимому делу.  Поездка по живописному Закавказью дала свои плоды. Представив свои работы в Академии им. Репина, Анатолий Левитин был принят сразу на 2-ой курс.

 

 В институте

 

Его руководителями были Б. Фогель, Л. Островая, Л. Овсянников, А. Зайцев, А. Деблер. Много будущих даровитых ленинградских художников училось с ним и на курсе, и годом раньше. Позже ими гордились как мастерами советской живописи.

 

 Семья

 

 Анатолий женился на своей однокурснице Майе Кузьминичне Копытцевой, когда они вместе в 1951 году окончили мастерскую Бориса Иогансона. Майя Кузьминична Копытцева была талантливым живописцем и занималась почти у тех же преподавателей, что и её муж. Они зарегистрировали свой брак, пришли домой и, сказав о нём родителям Толи, сообщили, что в 22 часа уезжают на практику. Родители заволновались. Сказали, что такое событие надо отметить.  Отец купил для этого случая шампанское и красную икру, так как больше ничего в магазинах не нашлось. Супруги прожили вместе 58 лет. По словам Анатолия Павловича, его жена была удивительный человек, с которым было невозможно заскучать, и он написал о ней книгу. У них родились два сына: Андрей (1947) и Дмитрий (1950), которые впоследствии пошли по стопам родителей. У него есть и внуки, уже взрослые люди, и пять правнуков. Он никого не стремился баловать дорогими подарками, а всегда хотел, чтобы дети радовались приходу его самого.

 

 Творчество

 

Чтобы охарактеризовать творческую деятельность Анатолия Павловича Левитина, надо поэтапно следить за развитием нашей Родины, начиная с 1930-х годов, когда у живописца стали складываться реалистический стиль и стремление глубоко взглянуть на происходящее. И хотя он работал в жанрах натюрморта, пейзажа, тематической картины, но сам он в бόльшей степени считал себя портретистом. В своих лучших произведениях он «немногословен». Композиция у него чётко выверена, и детали точно отобраны. Картины художника понятны простому зрителю. А портреты отображают людей всех возрастов и профессий. Им написано около восьмисот картин, которые находятся в 35-ти музеях нашей страны и за рубежом. На самую знаменитую картину «Тёплый день» (1957) можно полюбоваться в Русском музее. А в целом его произведения позитивно отражают жизнь нашей Родины на протяжении почти шести или даже семи десятилетий.

 

На аватаре: ленинградский художник Анатолий Павлович Левитин у своей картины "Тёплый день".

КАК точно выставить цену за картину художника увеличить изображение
КАК точно выставить цену за картину художника

 

 

Бытует мнение о том, что исполнителей много, а работы мало. Идут периодические обсуждения о том, сколько стоит та или иная дизайнерская (архитектурная) работа. А художники могут "голос сорвать и перессориться", обсуждая сумму уплаченную за чью-то картину маслом или акварелью. Или сетовать на низкие цены за их работы.

 

Поэтому я решил написать заметку с ответами о цене труда. Думаю, что прочитав его, Вы сможете более точно представлять и рассчитывать "свою собственную стоимость". И хотя это не облегчит Вам жизни и ситуация с деньгами сама по себе не улучшится, но Вы будете более чётко видеть дорогу.

 

Начнём помаленьку:

 

1. Для начала упомянем несколько типичных ЗАБЛУЖДЕНИЙ о цене (стоимости) работы.

 

- Нет такого понятия, как "средняя цена за данный вид услуги, сложившаяся на рынке". Доказательство: задам простой вопрос. Можете ли Вы сказать сколько стоит буханка хлеба? Нет. Всё зависит от того - КАКОЙ ТИП, а также - РАЗМЕР, и от того - КТО И ГДЕ продает.

 

Вывод: не пытайтесь узнавать средние цены, ибо это бессмысленно и пустая трата времени.

Не пытайтесь узнавать цены конкурентов, ибо это даже опасно и вредно!

Но: тратьте все силы и рассчитывайте СВОЮ цену, как это объяснено ниже.

 

- Второе заблуждение: Цена есть результат Вашего "успеха", Вашего умения "вести" переговоры, Вашей хитрости. Это не так! На самом деле цена это есть объективная величина, которая зависит от двух факторов: а) что получает Заказчик; б) каковы Ваши собственные Затраты. Обе величины надо уметь оценить или рассчитать правильно.

 

- Третье заблуждение: Цены "сложились" слишком низкие. Нет! На самом деле цены такие, какие они и должны быть. Те компании, что ставят очень маленькие цены - обанкротятся. А те, кто берёт больше, чем "заслуживает", чем стоит его услуга, больше, чем ценность того, что "получает" Заказчик ("осознаваемая ценность"), со временем потеряют всех клиентов. Вывод снова тот же: надо правильно оценить обе величины.

 

- Четвёртое заблуждение: невозможно найти клиента с хорошим заказом, который заплатит столько, сколько Вы стоите.

Ответ: если Вы действительно так считаете, то это очень опасно. Потому что то, в чем Вы убеждены, если это убеждение в неудаче, Вы сможете осуществить. Человек, уверенный в неудаче, всегда "докажет", что неудача была неизбежна. Лучше не начинайте и уйдите из этого бизнеса (дела). А если не уходите, то думайте о том, какие ещё меры Вы лично можете предпринять, сколько времени, денег и сил и на что потратить, чтобы найти таких клиентов. "На что", кстати, означает, что Вам надо правильно оценить и выбрать тот вид работ из перечня Ваших умений, который Вы сможете успешно "продать" на рынке в данный момент. Не все виды Ваших умений продаваемы в равной мере!

 

- Пятое заблуждение: Чтобы больше зарабатывать, надо больше работать. На самом деле, это не так. Зависимость усилий (прежде всего, времени работы) и результата труда, в виде денег, не линейная. Она имеет "пик". При очень малой затрате времени Вы действительно мало заработаете. При росте времени - заработаете больше. А при дальнейшем увеличении времени - будете зарабатывать меньше. Это не простой парадокс. Когда-нибудь я расскажу о нём подробно. А пока просто укажу, что рост затрат времени и количества изделий приводит к снижению качества, к снижению стоимости единицы продукции. Стоит потратить меньше времени на "собственно работу", но увеличить время на качество работы; надо увеличивать время на предпродажную подготовку товара и после продажное сопровождение сделки.

 

- Шестое заблуждение: В России слишком много дизайнеров (архитекторов, художников и кого бы то ни было). Это не так!

На самом деле: в России катастрофическая нехватка всех видов услуг. Проблема в том, что товаров очень мало. Большинство изготовителей изделий (проектов, картин маслом, и прочее всякое разное) даже не представляют себе как превратить своё изделие (проект, картину маслом, и прочее) в ТОВАР. Они наивно полагают, что это произойдёт само по себе.

Вывод: Вам надо узнать как это сделать. Надо узнать, что такое товар и какой товар Вы можете сделать из своего изделия, из своей картины маслом, из своего будущего проекта. Продаётся лишь товар. И лучше всего продаётся УСЛУГА.

 

- Седьмое заблуждение: Прилетит волшебник (галерист, продавец, посредник или кто-то), кто правильно назовёт Вам цену. Или вдруг Заказчик назовёт Вам правильную цену. Нет!

Ответ: эту работу, а это именно работа, тяжкий труд, за Вас самого не сделает никто.

 

Иван Шершуков

 

На аватаре: дочь Ивана Шершукова, художник Дарья Багринцева. Это миниатюра размером ок. 30х30 см (12"х12"). Название "Art Deco Petit" (в переводе на русский: "Малышка в стиле Арт Деко"). Акрил на холсте. 2017 год

Искусство и Бизнес: клиенты, продажи увеличить изображение
Искусство и Бизнес: клиенты, продажи

ВОПРОСЫ И ОТВЕТЫ. МОИ СОВЕТЫ

 

Предлагаю большинству из вас это не читать. Почему? В процессе написания этих заметок я прочитал в одной из групп в Фейсбуке несколько комментариев и откликов. Ко мне в друзья пришли некоторые из вас, причём иногда вы упоминали о своих проблемах, с которыми сталкивались. Об этом и хочу написать. Возможно, поэтому это будет представлять интерес не для всех, а лишь для самых дотошных и "тщательных" читателей, которые увидят тут свои вопросы.

Также я сам чувствую, что ряд ваших проблемных ситуаций повторяется вновь и вновь. И исток этого не в незнании КАК НАДО, а в том, что вы не разобрались КАК ЭТОГО ДОСТИЧЬ. То есть, тут надо поделиться с вами неким другим знанием. Если хотите, можно назвать это "Советы по жизни". Другим, более точным названием будет "Расскажу Вам о Вас самих". Где-то так...

В предыдущих частях были общие идеи, пригодные для художников и дизайнеров/архитекторов. Были более специфические "кусочки" для художников. Сегодня будет больше специфики для дизайнеров, наверное...

-------

Вопрос: Иван, вы много написали. Много букофф. Но наши клиенты не готовы так тщательно прорабатывать с нами договора. Они вообще, не хотят подписывать их.

 

Ответ: Вашим клиентам нет нужды в этом. В большинстве случаев, именно вы работаете без авансовых платежей от клиентов. И значит, что все риски лежат на вас.

- Только вы сама заинтересована в написании текста договора с тремя слоями.

- Только вы можете составить "Поэтапный план работ".

- И наконец, вы же сама напишете предложение по поэтапной оплате с указанием в примечаниях, что часть денег по этапу останется у Вас в любом случае (невозвращаемый аванс).

 

В: Ой, но они не подпишут.

 

О: да, они могут не подписывать. Это не суть важно. Главное, чтобы эта схема им была рассказана и они её поняли. Подпись и печать нужны для суда. Но в суд вы не пойдёте. Вам же НУЖНО ИМЕТЬ письменное, по пунктам расписанное описание будущих действий.

 

В: Они всё равно не будут платить аванс. Как быть?

 

О: Они заинтересованы в Вас, в Вашей работе? Ах, вы говорите "да". Тогда давайте подумаем сколько времени вы согласны работать без оплаты и "подарить" им результат созданного? День? Неделю?

Пусть вы сами себе уже ответили на этот вопрос, тогда это предложите и им: "Я работаю бесплатно неделю. Затем вы посмотрите результаты и если они вам подходят, то оплатите эту неделю и договоримся о следующем этапе и оплате".

Что тут произошло и что Вам надо понять из этого моего объяснения? Говоря с клиентом так, Вы даёте клиенту послабление. Вы рискуете неделей работы. Но Ваш "общий план" не меняется. Общий план, как и ранее, остаётся неизменным: - договориться о поэтапной работе с поэтапной оплатой!

 

В: Клиент так не согласится! Как быть?

 

О: Это не Ваш клиент! Это означает, что интерес клиента к работе с Вами слишком мал, чтобы он пытался Вас удержать и договориться.

 

В: И как мне быть?

 

О: Уйти, попытавшись объяснить клиенту, почему Вы далее не можете продолжать работать бесплатно.

 

ЖИЗНЕННЫЕ СОВЕТЫ: В качестве вывода хочу сформулировать несколько жизненных советов. Вот первый из них об умении вести переговоры. Его мне рассказал мой английский босс.

 

СОВЕТ 1: НИЖНЯЯ ЧЕРТА.

 

"Если в процессе переговоров ты не знаешь где находится твоя "bottom line" - "Черта, ниже которой ты не опустишься" - то ты никогда не будешь успешен в переговорах.

"В процессе переговоров ВСЕГДА надо держать в уме свою готовность отказа." Если вы не готовы сказать "нет", то Вы не получите хороших условий. Вас будут прогибать и прогибать.

Как это выглядело на практике у того англичанина? Вот как: он вставал и говорил, что надо позвонить в офис, когда клиент просил его опуститься "ниже черты". При этом мы выходили из комнаты, ждали пять-десять минут и возвращались. Говорили нет! Причём, как вы понимаете, он не звонил ни в какой офис. Он знал свой нижний предел заранее.

 

В.: Зачем нужно было говорить о звонке в офис?

 

Ответ: СОВЕТ 2: СКАЖИ "НЕТ" - ЧУЖИМИ РУКАМИ.

 

"Если Вам нужно отказать кому-то и сказать "нет", то говорите это чужими устами, или как говорят у нас в стране "делайте чужими руками".

В чем тут тонкость?! Дело в том, что Вы ещё не уходите с переговоров. Наоборот, Вы хотите договориться с клиентом. А значит, Вам с ним ещё работать и работать. Поэтому не стоит брать на себя создание отрицательных эмоций у клиента; а сказать "нет" - это и есть отрицательная эмоция. Пусть лучше это "нет" исходит от кого-то постороннего, не от Вас. В случае нескольких совладельцев Вашей компании, отказ может исходить от другого партнера, или от директора, или вытекать из совета юриста, или из-за их каких-то обстоятельств. "Мол, они говорят, не получается. Давайте сделаем так...".

 

СОВЕТ 3: ИМЕЙ ЖЁСТКОСТЬ.

"Вам надо иметь жесткость. Жёсткость характера".

 

Я понимаю, что многие из вас имеют твёрдый характер. Но речь не о твёрдости, которая нужна для преодоления объективных природных препятствий или колебаний внутри Вас самого. Речь о жесткости, которая нужна для преодоления препятствий в общении с компаниями-клиентами, с другими людьми.

 

В.: В чем тут дело? Откуда мне взять необходимую "жёсткость"? Мне не ясно?

 

О.: Жёсткость ведения переговоров и выдвигания условий возникает из двух факторов:

- Вы убеждены, что Вы предоставите клиенту хорошее решение его задачи и избавление от проблем. Ваш дизайн проект - лучший!

- Вы тщательно подготовили хорошую схему поэтапных работ. Она учитывает и Ваши, и его интересы. Учтены расходы и затраты, удобство, сроки реальные. Ваш вариант договора - лучший!

Надо понимать, что ваша жёсткость - это благо и для клиента. Вы оберегаете обе стороны от траты времени и риска незавершения проекта. Лучше сказать неприятное в начале, чем потом оправдываться и терять репутацию.

"Хирурги отрезают и делают больно, но потом пациент живет здоровым." Не оставляйте на будущее слабых и опасных мест.

----

СОВЕТ 4: НЕ ОСТАВЛЯЙТЕ НА БУДУЩЕЕ.

 

Сегодня можно дёшево исправить то, что завтра придётся исправлять.

 

В.: Почему бы не дождаться проблемы, а потом отступать клиенту будет некуда и там передоговоримся?

 

О.: Ну, это дорого, во-первых. Исправлять всегда дороже, чем предусмотреть и избежать.

Во-вторых, этим Вы теряете репутацию. Помните я писал о том, что повторно работают с теми, и рекомендуют друзьям тех, с кем работалось легко?!

В-третьих, эта плохая "привычка надеяться на авось" когда-нибудь будет стоить вам слишком дорого. И тогда не будет пути назад. Маленький риск может перерасти в большую проблему, денежную и нервную. Как правило, у больших дизайн-проектов большие Заказчики. Они могут выглядеть как "пушистые и милые котики" при заказе работы, но мало не покажется, когда они будут недовольны. Не подставляйтесь!

 

СОВЕТ 5: О ДИСКЛЕЙМЕРЕ И ОБ ОГРАНИЧЕНИИ ОТВЕТСТВЕННОСТИ.

 

Не раз и не два я писал о рисках. Но напишу в виде этого совета. В договорах иностранцев всегда присутствует "дисклеймер" (отказ от ответственности) и есть пункт об ограничении общей (в смысле суммарной ) ответственности по договору. Что-то типа: "Суммарная ответственность исполнителя по какому либо этапу договора или целиком по всему договору не может превышать суммы денег полученных за соответствующий этап, и ни при каких обстоятельствах не может превышать суммы денег, полученных клиентом в виде платежей по договору".

Конечно, я пишу этот пункт по памяти и его надо бы отточить юридически. Но суть он отражает!

И ДАЛЕЕ ДОЛЖНО БЫТЬ НАПИСАНО (дисклеймер, то есть без претензии, отказ!):

"Исполнитель в явном виде заявляет и Заказчик соглашается, что Исполнитель не будет нести никакой ответственности за косвенные, предполагаемые и сопутствующие виды ущерба и убытков какого-либо рода, которые может понести Заказчик и/или иные третьи лица в связи или из-за данного Договора, кроме той ответственности, которая сформулирована в явном виде в пунктах NN... (Перечислить пункты конкретно, где есть такая ответственность). При этом предельная величина претензий и ответственности не может превышать суммы, указанной в Пункте N ... "Ограничение ответственностям".

 

В.: Заказчик может сказать, что Вы даёте расчёты по водоснабжению. Вдруг трубы прорвёт? И какая ответственность за точность расчетов?

 

О.: "Трубы может прорвать из-за скачка давления в сети. Хотите можем заложить трубы в другим запасом надежности, более прочные? Но и в этом случае мы не возьмёмся отвечать за иное имущество в офисах. Мы не страховая компания, и не зарабатываем по этому договору так много, чтобы это покрывало какие-либо риски. Можно нанять каких-то экспертов для проверки наших расчетов. Но риски - не наш профиль, а это дело страховщиков". Вот приблизительно как отвечает дизайнер Заказчику.

 

СОВЕТ 6.

ЗАНИМАЙТЕСЬ СВОИМ ДЕЛОМ.

 

В.: Что значит заниматься своим делом? Я и так занимаюсь своим делом, дизайнерством?

 

О.: Ваше дело - это собственно дизайнерская работа ПЛЮС условия предоставления этой работы.

Я уже упоминал, что результат Вашего труда, будь то картина маслом или дизайн-проект - это ещё не есть Товар. Вам надо сделать его товаром, для чего добавить "финансы и логистику". Финансы - это финансовые условия, на которых вы будете готовы выполнить работу в срок и не пострадать финансово. Логистика - это условия работы по доставке, образно говоря, проекта из точки 0 в точку "Финиш". Значит Вам жизненно важно понимать, что проработка условий - это тоже часть вашего проекта. Без них его реализация невозможна!

Сформулирую это ещё раз по другому:

КЛИЕНТ БУДЕТ предлагать Вам сделать проект на его условиях. Если эти условия Вам лично финансово и логистически не подходят, значит это не ваш проект. И говоря Вам, что надо заниматься своим делом, я подчеркиваю мысль, что некоторые проекты - Ваши, а некоторые проекты могут выглядеть по объёму по дизайнерской части также, но на других условиях - и тогда это не Ваши проекты, не Ваши клиенты.

Занимайтесь своим делом! А то - не Ваше!

 

СОВЕТ 7. О КОНТРОЛЕ И О ТОМ, ЧТО ВНЕ ВАШЕГО КОНТРОЛЯ.

(Совет, якобы, о форс-мажоре, но нет...)

 

В русском языке слово "контроль" означает не то, что оно означает в английском "control". Правильный перевод с английского слова control должен быть такой "управление"! А русское понятие "контроль" означает лишь "monitoring". То есть просто наблюдение. И теперь Вам будет понятен этот мой совет:

НЕ БЕРИТЕ ОТВЕТСТВЕННОСТЬ ЗА ТО, ЧТО НАХОДИТСЯ ВНЕ ВАШЕГО КОНТРОЛЯ, ЧЕМ НЕ МОЖЕТЕ УПРАВЛЯТЬ.

Как видите, речь о контроле в английском смысле этого слова. В договорах русские люди привыкли бездумно вставлять слова "форс-мажор", думая, что они себя защитили от непредвиденных обстоятельств. Но нет! Там ведь речь о природе-стихии и действиях правительства. А я пытаюсь Вас научить не брать ответственности (в явном виде отказываться от ответственности в Договоре) за всё, за все события, которыми вы не можете управлять, то есть которые не контролируете!

В примере выше о прорыве труб: Вы лично не контролируете какое будет давление в сети. Также дизайнер не контролирует как будут собраны трубы. Он не контролирует усилия и каждый поворот ключа слесаря. Он не контролирует входное качество металла или пластмассы, из которых делались трубы на заводе. Наконец, он не контролирует периодичность и порядок отпрессовки и проверки труб, порядок техобслуживания насосов в системе. Значит он не контролирует ничего!

Даже если у дизайнера-архитектора есть пункт об авторском надзоре за воплощением проекта, он всё равно ничем не управляет, не контролирует результат до момента "прорыва трубы" или иного сбоя в будущем. Именно поэтому Вы должны ЧЁТКО представлять ЧТО КОНТРОЛИРУЕТЕ И ЧТО НЕТ. И не берите за это ответственности.

 

СОВЕТ 8. В ЯВНОМ ВИДЕ.

Работайте письменно и формулируйте в явном виде.

 

Вспомним основную проблему девушек из кино: "я потратила на него лучшие годы - я ДУМАЛА, что он на мне женится". Не надо думать и отгадывать. Спросите, скажите и зафиксируйте в явном виде.

Меня этому научил американский юрист, который был и моим боссом. Он говорил, что юридический язык от литературного должен отличаться. Там должна быть ясность в написанном. Должно быть сформулировано в явном виде. Ничто не должно подразумеваться.

Например.

Литературный вариант: "Иван написал текст. Он опубликовал его в группе"

Или: "Охотник выстрелил в оленя. Тот упал"

Юридический вариант (он же и ваш язык переписки с клиентом):

"Иван Шершуков, упомянутый здесь и далее в Договоре как Исполнитель, написал текст. Исполнитель опубликовал этот написанный им текст, в группе "Арт Полдень. Art Midday" в Фейсбуке. "

Или: "Охотник выстрелил в оленя. Олень упал, ... так как споткнулся" (шутка, на самом деле олень упал от расстройства и не смог устоять на ногах).

Все суммы, все условия, все сроки и даты, все имена, все виды и объёмы работ должны быть сформулированы в явном виде. Ничто не должно подразумеваться в неявном виде по умолчанию.

 

Иван Шершуков

 

На аватаре: Дарья Багринцева "Медведь с характером" 2014 год

Сайт продажи живописи и графики "Яварда" увеличить изображение
Сайт продажи живописи и графики "Яварда"

"Яварда" – это русскоязычная живописная интернет-галерея, предлагающая художникам и коллекционерам размещать свои художественные произведения на продажу. Общение и торговые соглашения авторов (продавцов) с покупателями происходит напрямую без посредников. С продаж, совершаемых через галерею "Яварда", проценты не взимаются.

 

Связь с покупателями осуществляется через e-mail (в сайте не виден, покупатель пишет продавцу через специальную почтовую форму) или по телефону (номер виден на страницах товаров продавца). Размещение номера телефона необязательно.

 

Размещение в галерею происходит на платной основе – продавцу нужно оплачивать ежегодный абонемент, стоимость которого составляет 1500 рублей. Система с платным абонементом предоставляет преимущество всем участникам сайта, как продавцам, так и покупателям, отсеивая из сайта авторов со слабыми художественными произведениями.

 

Практика долгих лет работы галереи показала, что авторы и продавцы слабых работ, в большинстве своём не желают вкладывать даже минимальные средства в продажу своих работ, а потому их легко отсеять. Такие продавцы размещают большое количество посредственных произведений, тем самым забивая ленту магазина и мешая покупателям смотреть качественные работы. В галерее "Яварда" такого не допускают.

В "Яварде" крайне строгая система отбора: продавцы со слабыми работами или просто некачественными фотографиями произведений искусства, в галерею не пропускаются, даже если они полностью платежеспособны.

 

Количество размещаемых авторами (продавцами) работ не ограничено никакими лимитами. Каждый продавец может раз в сутки бесплатно поднимать один любой свой товар на первое место в ленте магазина, а также за отдельную мизерную плату размещать рекламу своих товаров на страницах сайта.

С галереей "Яварда" постоянно сотрудничают многие известные коллекционеры и собиратели живописи.

 

Всегда в продаже имеются редкие живописные картины советского и более раннего времени, которые имеют музейный уровень. Предлагается большое количество картин маслом и графических работ Народных художников СССР и Заслуженных художников СССР, которые имеют огромную историческую и художественную ценность.

 

У художественной галереи "Яварда" есть связь с европейскими коллекционерами и художественными галереями, которым регулярно демонстрируются новые поступления галереи "Яварда". Если иностранным партнёрам нравится какая-то работа, размещённая в "Яварде", галерея сама выкупает у продавца его работу и занимается её отправкой иностранным покупателям.

 

Также, от наших постоянных клиентов в России и Европе мы регулярно получаем заказы на конкретные художественные работы. Художники, заинтересованные в исполнении картин на заказ, могут получать уведомления об актуальных художественных заказах.

 

В галерее "Яварда" зарегистрированные участники могут размещать анонсы своих новых выставок, а также можно размещать информацию и фотографии с уже прошедших выставочных и других художественно-общественных мероприятий.

 

В помощь художникам, искусствоведам и просто интересующимся изобразительным искусством людям, на сайте галереи "Яварда" публикуются статьи о различных видах, стилях, жанрах и направлениях изобразительного искусства (современного и традиционного). Если возникает необходимость, художники, покупатели и коллекционеры с помощью информации, размещённой на сайте, могут правильно идентифицировать нужные произведения.

Также в "Яварде" размещаются авторские статьи с биографиями и образцами работ известных художников, скульпторов, фотографов, моделей и натурщиков, а также других деятелей искусства.

 

Интернет-галерея "Яварда" помогает продавать произведения искусства любого типа и разного времени создания.

 

Сайт галереи "Яварда" - https://yavarda.ru/.

Зеркало российского искусствознания увеличить изображение
Зеркало российского искусствознания

 

2001 год стал датой основания РАХК - Российской академии художественной критики.

На сегодняшний день эта организация в России стала одним из крупнейших профессиональных научных сообществ и в её составе около 70-ти членов-корреспондентов и академиков, работающих во многих областях искусствоведения из разных городов России, стран СНГ и Европейских держав. Деятельность РАХК направлена на изучение основных областей прикладных и фундаментальных наук, развитие международных связей с научным миром искусства и поддержкой кураторских арт-проектов в России.

Значимым проектом в работе академии стала постоянно обновляемая электронная научная библиотека “РусАрх”, объединившая около 500 авторов и вобравшая около 2000 научных статей по вопросам архитектуры древней Руси.

С 2001 года Академия, совместно с Профессиональным союзом художников России, издает ежегодный справочник, аналогов которому нет ни в России, ни в других странах мира - “Единый художественный Рейтинг “. Справочное издание объединило более 50000 представителей искусства и к 2018-му году вышло в 26-ти печатных изданиях при поддержке Министерства культуры РФ.

Ещё одной значимой вехой в работе РАХК стал проект посвящённый мастерам искусства ХVIII-ХХI веков - “Величайшие художники мира“, который всемерно поддержан зарубежными и отечественными специалистами в разных областях искусства. В 2016 году проект был номинирован на премию Президента РФ.

Академия ставит приоритетной целью деятельность по поддержке и развитию современной архитектуры и искусства. В 2011 году РАХК приняла непосредственное участие в организации и учреждении международного проекта “Элитарх “, ставшего за годы плодотворной работы одним из крупнейших на территории России.

В 2013 году научный совет РАХК принял участие в подготовке к изданию энциклопедии “Элита современной архитектуры“ и “ Рейтинга элиты архитектуры“.

В 2015 году РАХК, совместно с Профессиональным союзом художников России, учредила международный конкурс AEA (Art. Excellence. Awards.), для представителей всех основных направлений в искусстве.

2015 год. Награждение Премией ЭЛИТАРХ
2015 год. Награждение Премией ЭЛИТАРХ

 

К 2018 году состоялись 6 наградных мероприятий. Авторы из 17-ти стран мира прошли конкурсный отбор лучших произведений (Болгария, Россия, США, Украина, Германия, Индия, Швейцария, Польша, Молдавия, ДНР, Англия, ОАЭ, Франция, Афганистан, Кипр, Израиль, Иран). Награды AEA получили более 250 дипломантов и лауреатов.

 

Ольга Веретина

 

Сайт РАХК: http://artunion.ru/academy 
Сайт Премии ЭЛИТАРХ: http://elitarch.ru 
Сайт Международного конкурса искусств: http://artexawards.com

Об «оскорбительных» для художника предложениях цены за картину увеличить изображение
Об «оскорбительных» для художника предложениях цены за картину

Я не сторонник подобной постановки вопроса, поскольку, вставая на такую, заведомо проигрышную позицию, художник теряет очень многое, и вот почему:

 

Достоянием, если можно так выразиться, для любого художника являются ЛЮБЫЕ люди, обратившие внимание на картины художника, в том числе и те из них, которые делают «глупые предложения» по цене.

Художник должен владеть навыками продажи своих произведений с тем, чтобы обратить любую ситуацию себе на пользу.

 

Если люди не посещают выставки художника, последнему будет весьма затруднительно установить с ними контакт. Единственный способ в таком случае – это через тех людей, с которыми художник познакомился у себя на выставке. «Сарафанное радио» ещё никто не отменял, достаточно выяснить каковы интересы ваших новых знакомых, и заставить их обсуждать уже с их друзьями ваши работы, ваш художественный стиль, то, какой вы приятный в общении, или, наоборот, сумасшедший художник, дело техники, которая достигается путём тщательной самоподготовки художника к роли продавца своих работ.

 

А вот грубые реплики и ответы мало способствуют продвижению продаж картин художника, скорее наоборот.

Гораздо лучше повернуть разговор, начатый посетителем выставки с «глупого предложения по цене» на другую, более полезную тему, скажем, предложить посетителю буклет о художнике, принт или визитку, предложить другую, более дешёвую работу, рассказать что-нибудь интересное или смешное человеку, который вряд ли изначально в курсе ценовой политики художника.

 

Не разбрасывайтесь своими будущими контактами, лучше займитесь построением, поддержанием и развитием вашей сети деловых контактов. Каждый член вашей коммуникационной цепочки – звено в цепи, ведущей к покупателю, которого вы пока не знаете в лицо, и иным путём никогда не узнаете.

 

Небольшое замечание:  Если художник будет вслух презирать тех, кто предлагает ему малые деньги за картину, то что же он должен думать о тех, кто вообще пока ему ничего не предлагает, но может в данный момент находиться тут же?

 

Прошу простить, что я столь настойчиво пытаюсь воздействовать на менталитет художников, возможно, мне и не следует этого делать, но я искренне полагаю, что это позволит им гораздо успешнее продавать свои произведения.

 

P.S. На выставке для художника важен любой посетитель. Достаточно сложно «зацепить» каждого, но постараться это сделать следует. Художник, например, может что-нибудь бесплатно раздавать всем посетителям, нечто, что может быть им интересным, и что им будет нетрудно забрать с собой, скажем одну страничку с фотографией и соответствующим текстом, направленным на конкретные интересы тех или иных типов посетителей.

 

 

Иван Шершуков

Новая звезда на небосклоне искусства увеличить изображение
Новая звезда на небосклоне искусства



В сентябре 2018 года свершилось событие, которого давно ждали профессионалы в России, странах ближнего и дальнего зарубежья и победители конкурса, посвященного всем видам искусства - “Artex Awards“ (AEA). 
Учрежден международный Орден - “Звезда Виртуоза“, Stella Virtuoso (в переводе с латинского). Решение об учреждении принял международный совет жюри конкурса AEA и ученый совет Российской академии художественной критики при участии международной премии “ Элитарх“ (Элита архитектуры и строительства). «Победа любит старание», Amat Victoria Curam (в переводе с латинского) - девиз этой награды.

Николай Николаевич Седнин
Николай Николаевич Седнин


Автор награды – выдающийся российский художник Николай Седнин, и по замыслу автора Орден представляет собой пятиконечный золотой крест в центральном круге которого на огненно-красном эмалевом фоне находится рельефное изображение летящей вверх птицы Феникс – древнего символа вечного обновления и бессмертия. В промежутках между лучами креста, покрытыми по краям белой эмалью, с четырех сторон размещено золотое оперение Феникса. Орден предназначен для ношения на муаровой шелковой ленте красного цвета. 
По решению учредителей, Орден “Звезда Виртуоза“ назван высшей формой признания заслуг, связанных с выдающимися достижениями в различных профессиональных сферах, развитием культуры и искусства, укреплением российской государственности, меценатством, социально-экономическим развитием страны, научно-исследовательской деятельностью, укреплением сотрудничества между народами.

Знаковое мероприятие, посвященное презентации “Звезды Виртуоза“ состоится на церемонии награждения лауреатов и дипломантов VI сезона конкурса искусств AEA.

Время и место проведения мероприятия - 27 октября 2018 года, 15-00, Конференц-зал Международной ассоциации Союза дизайнеров по адресу: Москва, Большой Кисельный пер., д.5. 



Ольга Веретина

 

Информация о награде: 
http://artunion.ru/academy/index.htm 
http://artexawards.com/?page_id=1915 

 

Советы художнику увеличить изображение
Советы художнику

 

 

Из опыта общения с художниками мне удалось выяснить что большинству из представителей этой профессии не хватает знаний в области техники продажи живописи и графики, ценообразования на картины художников, в области выставочной деятельности, заключения сделок, составления текстов договоров, минимализации коммерческих рисков при продажах живописи и графики, выстраивания отношений с художественными галереями, торговли с покупателем и т.д.

Я неоднократно делился своими мыслями по этим вопросам в социальных сетях и даже завёл для этого специальную страницу на Facebook. Тем не менее многие художники продолжают полагать что они регулярно совершают коммерческие ошибки в области продажи живописи, естественно в сторону своей «недооцененности», «меня обманули» и т.д.

Простите, но я не понимаю этих истерических воплей. Либо вы хотите улучшить продажи ваших произведений, и тогда вам следует упорно искать как именно это сделать, либо вас всё устраивает, и в таком случае я не понимаю о чём речь.

Лично я охотно делюсь со всеми моим собственным опытом продаж живописи и изучаю опыт других в этой области, причём как удачный, так и неудачный.

 

Так что же делать?

 

- будьте сами для себя единственным критиком своего творчества. Это справедливо для любого художника!

 

- усвойте, что изобразительное искусство – это визуальный, а не вербальный контакт между художником и зрителем. Поэтому общайтесь со зрителем так, как считаете нужным, либо не вступайте в контакт вообще, если вам этого не хочется.

 

- не обращайте внимания на обидные замечания и комментарии посторонних, как бы прикрываясь невидимым волшебным щитом от их ядовитых стрел.

 

- настоящий профессионал никогда не должен оскорбляться ЛЮБЫМ предложением по цене.

 

  Почему? Потому, что это коммерческая часть работы художника – делать коммерческое предложение и получать ответное, каким бы оно ни было, принимать его или отвергать в зависимости от ситуации. Это в первую очередь касается «слишком низкой» предлагаемой цены за картину или просьбы покупателя о «слишком большой» скидке. Если это вас не устраивает, следует просто спокойно отказаться, не возмущаясь и не вдаваясь в эмоциональные объяснения и дискуссии. Таким образом вы сохраните лицо. Помните, что любое предложение купить картину художника, каким бы мизерным и недостойным вашего творчества оно вам ни казалось, в любом случае отражает желание купить живопись именно этого художника, то есть именно вашу живопись!

 

Иван Шершуков

О некоторых типах посетителей художественных выставок увеличить изображение
О некоторых типах посетителей художественных выставок

 

 

Олег Рыжков, художник:

 

Я бы разделил посетителей выставок и покупателей живописи и графики на несколько категорий: 1. Люди, которые просто хотят украсить собственный дом. Здесь работает исключительно нравится - не нравится.

2. Спонсоры - люди, которые поддерживают материально того или иного художника по любой причине (родственник, друг, жалко человека и т. д.). Эти тоже выбирают то, что нравится.

3. Инвесторы - здесь иная ситуация. Людей интересует заработок на картинах. Художники им не интересны.

4. Арт-диллеры - этим нужна перспектива самого художника и его раскрутка, как потенциального гения с дорогими картинами в будущем.

 

 

Иван Шершуков, коллекционер:

 

Есть и иные типы посетителей:

- журналисты, авторы статей. Им нужны темы для статей.

- Владельцы журналов. Им нужны публикации способные, привлечь рекламодателей.

- Работники музеев. Им нужна информация для их отчёта своему музейному начальнику.

- Руководители музея. Им нужны имена и темы для выставок в музее и для приобретений (имиджевые).

- Критики. Им нужна стилевая. Или жанровая. Или иная сравнительная информация.

- Работники частных картинных галерей. Им нужна информация для отчёта владельцу Галереи.

- Владельцы Галереи картин. Им нужна информация о возможности сотрудничества с художником. О его готовности к сотрудничеству.

- Арт агенты. Им нужна информация о возможности и желании работать через агента.

- Владельцы выставочных пространств. Им нужна информация об участии в выставках.

- Дизайнеры. Им нужна информация о том, насколько удобно будет работать им с художником, и также - можно ли будет получить свой «процент» с продажи работ.

 

Есть и иные типы посетителей. Например, просто любители живописи. Они никогда не покупают оригиналы, но как пчёлы переносят «пыльцу» и опыляют другие типы интересантов. Этим людям нужна интересная история, которую они могут пересказать друзьям (о художнике, или о выставке, или о стиле и так далее).

 

В целом, вся эта информация почти одинаковая, но подаётся под разным соусом. Тут две проблемы:

- люди читают только интересное им, то что им нужно.

- люди не читают длинные тексты, многостраничные брошюры без картинок.

Поэтому предварительная подготовка к выставкам, где можно встретить все типы посетителей, так важна. Трудно сделать «направленные» и короткие тексты с картинкой с одного раза. Но можно от выставки к выставке улучшать и нарабатывать такие «готовые формы». Они являются заготовками, куда только вписывается имя получателя. Одновременно это имя и контактные данные о типе посетителя художник оставляет у себя.

После выставки информация досылается. И затем раз в месяц, в квартал, или в год/полгода продавец картин присылает направленную информацию своему новому контакту.

 

Я называю такую сеть контактов: Art Sales Communication Net - Сеть общения для продаж картин. Её надо сначала создать, потом развивать и поддерживать.

Когда число контактов достигает 1500 человек, то можно начать потихоньку избавляться от «лишних» контактов, потому что никто не сможет контактировать и поддерживать более крупную сеть, разве что будет в компании много людей этим заниматься. Для одного-двух человек число контактов в 1500 человек - это мой эмпирический предел.

 

Иван Велес, художник и скульптор:

 

Вы забыли еще об одном типе посетителей выставок - художники, которые пришли 1) за опытом 2) для общего развития 3) посмотреть на коллег.. их там процентов 50 не меньше.

 

Иван Шершуков, коллекционер:

 

Верно. Но и для них можно иметь полезный материал. Многие художники кооперируются, например.

Вопрос об опыте и обучении я не затрагиваю: это дело профессионалов, решать как и где, у кого учиться. Мои размышления лишь о том, как получать максимальный результат от выставок. И вообще, как находить клиентов.

 

О двух типах покупателей живописи

Влияние Октябрьской революции 1917 года на мир искусства увеличить изображение
Влияние Октябрьской революции 1917 года на мир искусства

Октябрьскую социалистическую революцию 1917 года можно назвать эпохальным событием, повлиявшим не только на политическую ситуацию в мире, но и на культуру. Справедливо будет отметить, что мир искусства уже начал меняться за несколько лет до революции, как бы предчувствуя и предугадывая надвигающиеся события.

И это вполне объяснимо, ведь по настоящему творческие люди обладают своего рода интуицией и тонко чувствуют настрой масс. Подтверждением этому – произведения деятелей культуры предреволюционной России. Некоторые из них, такие как балет Стравинского «Священная весна» 1913 года, вызывали взрыв общественного мнения, возмущения критиков и споры, но в то же время никого не оставляли равнодушными, став первым толчком к изменениям культуры в мире.

 

 Перемены в литературе и театре

 

 Ещё в 1912 году футуристы начали борьбу со старорежимной литературой, к которой относились произведения Пушкина, Толстого, Достоевского и другим классиков. «Сбросить их с Парохода Современности» призывал манифест, подписанный Маяковским, Крученых и Бурлюком. Дух перемен охватил все области искусства.

Почувствовав вкус победы в литературе, предвестники новой идеологии принялись за революцию в театре, создав первую футуристическую оперу с символическим названием «Победа над солнцем». Она насквозь была пропитана идеей построения кардинально нового будущего, но для этого необходимо было полностью разрушить старое прошлое. Музыке Матюшина и словам Крученых, слившимся в этой опере, «взорвавшей мозг зрителей», удалось открыть для театра новое направление, в котором он и продолжал двигаться на протяжении следующих ближайших десятилетий.

 

Революционная геометрия Малевича

 

Художником-постановщиком «Победы над солнцем» был Казимир Малевич, «Чёрный квадрат» которого до сих пор вызывает бурные споры. Именно в период работы над знаковой оперой в сознании художника начали формироваться принципы абсолютно нового направления в изобразительном искусстве – супрематизма. Основой для своих картин Малевич выбрал геометрические формы. Особенное внимание он уделял кругу, кресту и, конечно же, квадратам, для которых у него было три разных цвета – белый, красный и чёрный.

Знаменитый «Чёрный квадрат» стал своего рода иконой, занявшей почетный «красный угол» на выставке футуризма в Петербурге. Он считается как своего рода продолжением «Победы над солнцем», так и одним из предвозвестников революции. А значение этой «революционной» картины в становлении и истории искусства 20-го века сложно переоценить. Одни называли её предзнаменованием новой эпохи раскрепощения сознания. Другие видели в «Чёрном квадрате» пресловутую чёрную дыру, в которой должна была бесследно исчезнуть культура прошлых лет.

 

 Революция и кинематограф

 

 В понимании вождей революции кино представлялось как орудие агитации и пропаганды, и должно было прославлять светлое будущее. Молодые кинематографисты с восторгом восприняли эту идею и с энтузиазмом принялись за создание новаторского киноискусства. При создании ряда эпохальных кинокартин, среди которых «Броненосец Потемкин» и «Человек с киноаппаратом», были использованы новые приёмы. Такие эксперименты имели грандиозный успех у зрителей и повлияли на историю не только советского, но и морового кинематографа.

Не остались в стороне от революционных событий композиторы, архитекторы и другие культурные деятели новой Страны Советов. Многие пропитались духом перемен и хотели внести свою долю в развитие нового искусства, другие брали пример с тех, кто стоял у истоков новой культуры. Третьи протестовали против нового строя и создавали творения запрещённые, но проникающие в массы окольными путями, а кому-то приходилось просто приспосабливаться к новой власти и творить ей в угоду. Но каждый из них в той или иной степени причастен к созданию нового искусства, повлиявшего на мировую культуру.

 

Татьяна Осипова

К вопросу о стоимости живописи увеличить изображение
К вопросу о стоимости живописи

В моём понятии цена картины художника, прчём любого, зависит в первую очередь от имени художника..... во вторую от качества произведения.... К примеру, картины А. Саврасова очень дороги на рынке... но есть так называемый «пьяный период» у художника.... эти картины ценятся существенно ниже.... это касается и картин известного и модного Юлия Клевера... « пьяный Клевер» стоит намного дешевле трезвого!)..... Что касается моего любимого Похитонова, так у него все картины были написаны в миниатюре, и дощечки ( он в основном писал на маленьких досках) умещались на ладони руки..... а такая большая цена на его живопись возникла в конце 1990-х годов, когда один московский олигарх стал скупать его работы и взвинтил цены на рынке.... кстати, это тоже довольно известный способ «раскрутить» цену на художника....... Наш классик И.И. Шишкин стоит миллионы долларов на рынке..... а ведь он ученик Дюссельдорфской школы, и его учитель, Александр Калам, картины которого не то что не хуже, а порой и лучше качеством, стоит в несколько раз дешевле на рынке..... да и художников уровня Шишкина очень много среди немецких, швейцарских, австрийских, шведских художников того времени...... В общем, думаю и уверен, что цены на рынке старой живописи формируются паралельно спросу и «моде» на художника...... как говорил известный коллекционер С.А. Шустер: « Художник стоит столько, сколько за него заплатили...».........

 

Михаил Тумилович

Триумф картин художников шестидесятых годов увеличить изображение
Триумф картин художников шестидесятых годов

На прошедшей летом в Базеле ярмарке Art Basel наметились трендовые направления на рынке искусства. Коллекционеры и владельцы галерей убедились, что пришло время шестидесятников. Именно их работы привлекли всеобщее внимание, а стоимость некоторых картин достигла 10-15 млн. долларов.

По словам международного директора департамента искусства Андреаса Румблера, люди увидели произведения искусства в картинах, созданных практически на их глазах 50 лет назад. И если ранее они не покупались или продавались за символическую цену, то сейчас эти признанные наконец-то работы стали стоить огромных денег. И подтверждение этому – продажи на ярмарке Art Basel, а также на других ярмарках и аукционах, где картины художников, творивших в 60-е - 70-е годы прошлого века пользовались большим успехом. 

Об этом же говорил и Франсуа Морелли, успевший только перед концом жизни увидеть популярность и ценность своих картин. Он с иронией заметил, что в 1963 году его неоновые картины были названы кричащими, вульгарными, поэтому на них не было спроса. Прошло 20 лет, и к неординарным работам возник интерес, они были признаны модными и стильными, стали дорогими и начали продаваться. А через 50 лет стоимость его работ и картин других художников, работавших в это же время, стремительно взлетела, как и спрос на них.

 

Картины, проверенные временем

 

Успех и востребованность работ шестидесятников доступно объяснила Елена Куприна-Ляхович, являющаяся консультантом в области создания частных коллекций. По ее словам, пришло время финансового расцвета поколения мастеров, творчество которых пришлось на 1960-70-е годы. Современные коллекционеры наконец-то оценили их манеру написания картин, когда минималистическими средствами рассказывались целые истории. Сейчас ценители изобразительного искусства и обычные зрители не столь требовательны к физическому качеству и не требуют технического совершенства в полотнах.

50-летний срок гарантирует коллекционерам инвестиционную ценность работ, стоимость которых будет только расти. Если  с момента, когда мастер заявил о себе публике, прошло 25 лет, и за это время он сумел закрепиться и удержаться на рынке, то это сигнал для коллекционеров, что на его работы следует обратить самое пристальное внимание. Период в 50 лет - это своего рода фильтр, оставляющий имена, которые много значат в искусстве, оставили в нем свой значимый след и стали историей. 100 лет – это уже фильтр, после которого остаются настоящие шедевры.   

Для художников, творивших в 1960-70-х, и оставшихся в поле зрения коллекционеров, как раз и наступил это период в 50 лет, доказавший их значимость в мире искусства и поднявший ценность на рынке полотен. Их картины, проверенные временем, получили заслуженный успех, пополнили лучшие частные коллекции и для многих стали желанным инвестиционным объектом.  

По словам Андреаса Румблера, цена на произведения художников определяется не только их качеством, но и временем, то есть датой создания. Мир искусства живет по своим правилам, и часто, чтобы понять художника, его манеру написания картины и передаваемые мысли, необходима временная дистанция. Можно сказать, что сейчас повезло шестидесятникам. Целых 50 лет потребовалось коллекционерам, чтобы понять ценность их картин и отдать им должное. Сейчас они занимают лидирующие позиции на мировых аукционах, но уже имеют конкурентов по стоимости. Практически в спину работам шестидесятников дышат творения признанных художников 1980-90-х, которые стали продаваться на том же ценовом уровне. И этой конкуренции есть объяснение. В 21-м веке рынок искусства значительно расширился и стремительно развивается, поэтому на нём появилось место для более молодого поколения художников, уже догоняющих своих предшественников.        

6-й сезон Международного конкурса искусств «Art. Excellence. Awards.» объявляется открытым! увеличить изображение
6-й сезон Международного конкурса искусств «Art. Excellence. Awards.» объявляется открытым!

 

 

Несколько лет назад в профессиональных кругах знатоков искусства родилась мысль создать конкурс, который не уступал бы мировым наградам ни по уровню, ни по значимости. Идея воплотилась в жизнь в 2015 году силами Профессионального союза художников России, Российской академии художественной критики и Министерства культуры РФ.

Понимая, что креативность современных авторов требует простора для творчества, организаторы проекта не стали ограничиваться одним направлением и сумели объединить более десятка разных номинаций. Это превратило «Art. Excellence. Awards.» в беспрецедентный масштабный конкурс, дающий путевку в жизнь молодым талантам и утверждающий уже признанных мастеров.

С 2015 по 2018 годы в Международном Фонде славянской письменности и культуры проведены 5 церемоний награждения лауреатов. В конкурсе приняли участие авторы из более чем 40-ка регионов России и 15-ти стран мира.

Никто не остается без внимания: все лауреаты и номинанты конкурса награждаются почетными дипломами, а по усмотрению жюри могут быть награждены дополнительными призами от партнеров конкурса.

За всю историю развития искусства вряд ли можно найти лучшего критерия объективной оценки уровня мастерства автора, чем конкурс. Признание таланта, подкрепленное престижной наградой и одобрением профессиональных искусствоведов, придает участнику уверенности в каждом новом творческом шаге и дает возможность смело заявить о себе миру.

 

К участию приглашаются все: от любителей, ищущих пути самовыражения, до авторов, нашедших себя в мире искусства.

Всю информацию и условия участия можно узнать на официальном сайте конкурса  www.artexawards.com


Официальные клубы конкурса:
Вк: https://vk.com/artexawards

Fb: https://www.facebook.com/groups/artexawards/


Ольга Веретина

 

 

Награды конкурса АЕА
Награды конкурса АЕА

 

 

 

Церемония награждения лауреатов 5 сезона конкурса АЕА в колонном зале Международного Фонда славянской культуры и письменности
Церемония награждения лауреатов 5 сезона конкурса АЕА в колонном зале Международного Фонда славянской культуры и письменности

 

 

 

 

 

Лауреаты, номинанты и гости 5-ой церемонии награждения конкурса АЕА.
Лауреаты, номинанты и гости 5-ой церемонии награждения конкурса АЕА.

 

 

 

 

Вступительная речь председателя жюри Николая Николаевича Седнина
Вступительная речь председателя жюри Николая Николаевича Седнина

 

 

 

 

 

 

 

 

 

О значении рамы для картины увеличить изображение
О значении рамы для картины

Многие века в искусстве рама для картины служила подобием достойной оправы для драгоценного камня и часто сама по себе была уникальным произведением дополняющим картину. Мастерство изготовителей рам во многом было сопоставимо по своей значимости мастерству художника. Наиболее сложные в изготовление рамы всегда стоили дорого, но цена эта всегда была оправдана, поскольку независимо от стиля и цветов интерьера такие рамы позволяли зрителю отвлечься от окружающего и сконцентрировать свое внимание только на картине художника. Одним из тех, кто придавал большое значение оформлению своих картин, был русский художник Василий Верещагин. В истории мирового и отечественного искусства известны случаи, когда выдающиеся художники изначально писали свои произведения “под раму“ или дописывали свои картины, вставляя их в рамы и учитывая особенности обрамления.

 

художник Николай Седнин

 

 

На фото: Николай Седнин в мастерской за работой над портретом Татьяны Панич 2001 год.

Об одной картине художника Владимира Гремитских. Розы, Масловка, трамвай…  увеличить изображение
Об одной картине художника Владимира Гремитских. Розы, Масловка, трамвай…

Любой человек, глядя на впечатлившую его картину художника, видит в ней свою историю…

Несомненно, так бывает в жизни. Не знаю, почему, но этот ночной натюрморт с розами притягивает своей некоей сокровенностью, я вижу в нём глубокую, чувственную историю… Вы наверняка подумаете, что это история о влюбленной женщине, но я вижу в ней историю мужчины. И этот натюрморт, я считаю, долен принадлежать мужчине, который достиг многого и хочет получать эстетическое удовольствие от живописи, мечтать и иногда быть наедине со своими мыслями.

Владимир Гремитских "Розы. Ночь. Масловка."  холст, масло; 86х122.5; 1958 год
Владимир Гремитских "Розы. Ночь. Масловка." холст, масло; 86х122.5; 1958 год

Давайте для начала попробуем окунуться в атмосферу Москвы 1958 года. Не просто в ту эпоху, а в ночную Москву… Москву, жадно ожидающую чего-то нового. Ведь многое в этот период в стране происходит впервые – меньше года назад запущен первый в мире искусственный спутник Земли, молодежь только недавно отпраздновала свой праздник на Всемирном фестивале... Кстати мировое сообщество, как и мы, только, только начинает приходить в себя после тяжелейшей мировой войны, а на  Международной выставке в Брюсселе макеты наших спутников затмевают всё! Это очевидный прорыв!

Имя американского пианиста Вэна Клайберна, выступавшего перед всеми президентами США,  становится известным всему миру после его победы на международном конкурсе им. Чайковского в Москве. Впервые на Каннском фестивале «Золотая пальмовая ветвь» заслуженно достается фильму Михаила Калатозова «Летят журавли».

Большой театр наконец-то выезжает на мировые гастроли, а в Москве в свою очередь проходят выставка картин Дрезденской галереи.

Драматизма в жизни простого народа тоже хватает. Газеты молчат, о том, что молодежь поднимающую целину, бьют деревенские, но при этом наперегонки травят Бориса Пастернака, который в итоге отказался от Нобелевской премии за «Доктора Живаго» и был исключен из союза писателей.

Искусство и политика всегда были взаимосвязаны. Но искусство может существовать само по себе, а политика без искусства – нет. Искусство - идеальный инструмент для взаимодействия, обмена, управления умами, вдохновения, дерзания…

Но вернёмся к самому натюрморту. Первое, что притягивает – это его потрясающая глубина. Розы в ночном свете, выполнены в лучших традициях русской школы импрессионистической живописи совершенно потрясающе. Но, на мой взгляд,  заставляет окунуться в работу именно фон, ночная московская улица Верхняя Масловка, в которую погружаешься с головой,  и ощущаешь невероятный покой и удовольствие. Хочется вглядываться и вглядываться, и вот видны яркие окна московских домов, трамвай на остановке, сияющий огнями…  Представляешь себе чувства, эмоции живших тогда людей, словом, вырисовывается эта особая, уникальная общая атмосфера Москвы 1958 года. И чтобы её больше почувствовать, и были написаны эти строки.

 

Рената Ваганова

Путин выбирает соцреализм увеличить изображение
Путин выбирает соцреализм

После вручения подарка в сентябре 2016 года от Владимира Владимировича Путина  на день рождения Дмитрию Анатольевичу Медведеву во всех СМИ сразу же возникла масса обсуждений.

Президент преподнес премьеру картину «В цеху» в стиле соцреализма, выполненную советским художником Николаем Овчинниковым, что вызвало у юбиляра весьма заметную улыбку.

Нет никаких сомнений, что данная художественная работа – подарок со смыслом, а иначе быть не может. А какая у неё достойная цена – почти полмиллиона рублей! Но чем данная картина исключительна? Может быть тем, что её автор, в начале 2000-х, выполнил портрет самого Владимира Владимировича? Или тем, что она вызывает прямую ассоциацию  с постоянным рабочим процессом в правительстве?

Дмитрий Анатольевич живопись очень любит, как собственно и вся политическая элита. В своих интервью он не раз рассказывал о том, что часто посещает выставки и музеи. Незадолго, до дня рождения в частной галерее города Плёс, где находится дача премьера, Дмитрием Анатольевичем была приобретена работа художницы из Новгорода Елены Васильевой. Собой она представляет натюрморт с изображением самовара, а также, колосьев пшеницы, которые стоят в кувшинах.

Картина Н. Овчинникова «В цеху», подаренная президентом, также вызывает воспоминания о прошлой эпохе, но в ней нет ностальгической ноты, изображения природы или обычного быта русского народа. Работа выполнена в достаточно гармоничных и не кричащих тонах, где преобладают песочно-серый, горчично-желтый, зелёный цвета. На ней изображен рабочий процесс, - в цеху промышленного предприятия собралось руководство и обсуждает планы предстоящих работ. В правой части картины изображен трактор, внутри которого простой рабочий также выполняет свои задачи. Каждый занимается своим делом! Владимир Владимирович так и выразился:  «Это соответствует тому, чем Дмитрий Анатольевич сейчас занимается».

Картина «В цеху» выполнена в стиле соцреализма 60-70-х годов, времени правления Леонида Ильича Брежнева – так называемого периода «застоя», вслед за которым пошла волна социальных реформ.

Николай Овчинников «В цеху» картон, масло
Николай Овчинников «В цеху» картон, масло

 

Эксперты считают, что соцреализм – это своего рода инструмент для выражения «будущего в настоящем» и отражения актуальных идей наших политиков. Хотя мнение художников склоняется к тому, что наша элита сейчас направила весь свой интерес на актуальное искусство.

Соцреализм гласит: «Сознание народа должно быть оптимистичным!» Но существующий в настоящее время так называемый актуальный реализм несёт в себе неприятные глазу реалии нынешней действительности. И размножается со страшной скоростью.

Это пользующееся сейчас спросом с позволения сказать «искусство» - суть замена истины. Выполненные красками невнятные «картины», инсталляции из не-пойми-чего, начиная с унитазов, и заканчивая старыми тапочками, прибитыми на доску, в общем, «произведения искусства», выполненные любыми подручными предметами а-ля Энди Уорхол и иже с ними. Плевки, брызги, ассиметрия. А вот картины соцреализма создаёт кисть художника, для чего требуется определённое мастерство, и немалое!

Но что же схожего в  этих двух направлениях? Отображение сегодняшнего, современного художнику мира. Разница лишь в том, что соцреализм без искажений – он просто кричит: «Верь в светлое будущее и настоящее полно красоты и духовной чистоты.»

Так и премьеру был преподнесён подарок с намёком: нужно ориентироваться на то направление, которое предполагает смотреть в будущее с оптимизмом, с целью реализовать партийные идеи.

 

Рената Ваганова

Музей русского импрессионизма: создание, коллекция, выставки увеличить изображение
Музей русского импрессионизма: создание, коллекция, выставки

Франция – родина импрессионизма. Однако русские художники, которые не проходили мимо чего-либо нового в искусстве живописи, заинтересовались этим направлением еще в XIX столетии и продолжили работу как в течение XX, так и XXI века. Они нашли свои пути. Русский импрессионизм отличен от западного настолько, что в Европе, да и в Америке сомневаются, есть ли в России чистый импрессионизм. Музей был создан, чтобы показать широкой публике работы лучших живописцев, которые писали в этом стиле у нас в России.

 

Создание музея

 

Коллекционер Борис Иосифович Минц за 16 лет собрал в России и купил за рубежом замечательную подборку картин русских импрессионистов конца  XIX – начала XX веков. У него имелись работы В. Серова, Б. Кустодиева, В. Поленова, П. Кончаловского, К. Коровина, Ю. Пименова, А. Герасимова. Все картины требовали размещения. Поэтому на территории бывшей фабрики «Большевик», выпускавшей печенье, в самом центре Москвы, Борис Минц  построил из здания склада сырья для кондитерского производства современный собственный Музей русского импрессионизма. А саму фабрику, которая ему принадлежала, он перенёс в промышленную зону столицы, что очень логично. Новое здание создавало архитектурное бюро «Джон Мак-Аслан и партнёры». Его стоимость превышает 16 млн. долларов. Но это старинное здание было обновлено до неузнаваемости. Оно покрыто перфорированным серебристым металлом и внутри имеет пять этажей. Здание оборудовано так, что людям с ограниченными возможностями удобно его посещать. На трёх этажах размещена основная экспозиция. Другие отведены под культурно-деловой центр, где находятся кинотеатр, учебная студия, книжный магазин. На третьем этаже кроме того имеются летние террасы с выходом на крышу и комфортное кафе. Внутри здание светло-серое, что не отвлекает от созерцания основной экспозиции. В 2015 году Музей русского импрессионизма вошел в состав Международного совета музеев. Но он открылся для публики в мае 2016 года.

 

Первый этаж

 

При входе посетителей встречает огромная, с изогнутым экраном,  видеоинсталляция художника Жана-Кристофа Куэ из Америки. На ней можно увидеть процесс создания картин. Здесь же находится касса музея и гардероб. Тут же на первом этаже размещена основная экспозиция, посвященная творчеству выдающихся, гениальных русских живописцев Валентина Серова и Константина Коровина. Впечатление, которое производят их работы, а их более 80-ти, ни с чем не сравнимое. Неизгладимый отклик у зрителя вызывают картины К. Юона, А. Дейнеки, Б. Кустодиева, А. Герасимова, П. Кончаловского, Н. Дубовского, Н. Богданова-Бельского. Экспозиция в целом небольшая, но очень интересная. Каждый из посетителей музея найдёт для себя что-то особенно интересное и надолго запомнит. Тут же на первом этаже имеется мультимедийный зал и учебная студия.

 

Начало осмотра

 

Он начинается с третьего этажа, который весь посвящён творчеству Михаила Фёдоровича Шемякина (1875 – 1944). Это забытый выдающийся портретист, который работал в стиле импрессионизма, всегда помня о реализме. Темами его произведений были в молодости бытовые картины, отражающие семейный быт, уют родного дома, Новый год, прекрасные гиацинты. А уж его портретами обворожительных женщин и выдающихся музыкантов любовалась вся Москва. Тут находится выход на террасы, с которых, как на ладони, виден Белорусский вокзал, шумная Тверская улица и Ленинградское шоссе. Здесь можно посидеть в уютном маленьком кафе.

 

Второй этаж

 

Продолжение осмотра выставки картин Михаила Фёдоровича Шемякина происходит на втором этаже. Замечательные экскурсоводы вдохновенно рассказывают о жизни и творчестве внука фабриканта А. Абрикосова, владевшего кондитерским концерном, ныне фабрикой им. П. Бабаева.

 

Выставки

 

Первой была выставка в 2016 году картин Арнольда Лаховского. Более пятидесятити картин художника было представлено зрителям, и они были привезены на выставку из российских и зарубежных музеев.

 Порадовали посетителей музея также картины художника Валерия Кошлякова, у которой был куратор из Италии Д. Эккер.

 Для взрослых читаются лекции по истории искусства. Дети  в мастер-классах рисуют картины под руководством педагогов на основании увиденного и услышанного.

Уже совсем скоро – 15 мая 2018 года закончится выставка «Жёны». В неё вошли портреты любимых женщин русских художников: И. Репина, М. Врубеля, В. Серова, И. Грабаря. В целом можно увидеть более сорока пленительных образов.

 

Почему был создан этот музей

 

Создатель музея исходил из идеи просвещения в области культуры гостей столицы и москвичей, проводя обзорные экскурсии и знакомя публику с художниками и скульпторами. Для слабослышащих людей при помощи жестикуляции также проводят экскурсии, так как искусству следует быть всем доступным.   

Академическая дача им. И.Е. Репина – творчество и отдых увеличить изображение
Академическая дача им. И.Е. Репина – творчество и отдых

На полуострове, в очень красивом местечке Тверской области круглый год перед живописцами радушно открывает свои двери база Союза художников Российской Федерации. В обиходе её называют «Академичка», и она расположена одновременно на берегу реки Мсты и озера Мстино. Это совсем недалеко от города Вышний Волочёк, всего 15 км. Во второй половине XX столетия  во всех окрестностях (деревни Подол, Терпигорье, Кишарино , Валентиновка и др.) поселилось множество художников, поскольку эти красивейшие живописные места дают им вдохновение.

 

Древний водный путь

 

Некогда из Великого Новгорода к Волге по водам Мсты шёл оживлённый торговый путь из варяг в греки. Караваны купеческих судов отправлялись в Византию и Персию со своими национальными товарами, и в другие южные моря за пряностями, тканями и другими предметами роскоши. Эта водная дорога успешно работала и во времена Петра Великого, по приказанию которого на месте бывшего волока (отсюда и название Вышний Волочёк) была прорыта сеть каналов. Это место посетила и императрица Екатерина II и даже здесь останавливалась в большом доме на высоком берегу Мсты. Только строительство железных дорог привело эти места к запустению. Однако красота этих дивных мест, поросших соснами, дала им новую неожиданную жизнь.

 

История возникновения

 

Общественный деятель, предприниматель и меценат Василий Александрович Кокорев (1817 – 1889) имел на берегу реки Мсты Александровское имение. 

Василий Александрович Кокорев
Василий Александрович Кокорев
Он начал собирать коллекцию живописи и графических работ с середины 50-х годов XIX столетия. Уже через десять лет в его собрании были произведения русской и западноевропейской школ в немалом количестве. Бывший крестьянин, богатейший откупщик В.А. Кокорев  первым в России открыл в Москве публичную общедоступную картинную галерею. В ней было, по приблизительным оценкам, от четырёхсот  до шестисот картин и скульптур. Только работ Карла Брюллова в его собрании было не менее сорока, а ещё пейзажи А. Боголюбова (11), картины И. Айвазовского (примерно 20) и В. Тропинина (6).

В конце 1870-х годов Василия Александровича, когда он был в своей усадьбе, посетили молодые, тогда ещё неизвестные художники И. Репин и А. Кившенко. Многие полагают, что именно во время этой встречи возникла мысль открыть на другом берегу в пустом доме, который принадлежал Министерству путей сообщения, дачу для студентов Академии художеств, поскольку тут совершенно неповторима красота природы: воды озера и реки Мсты, солнце, тишина, высокий холм, с которого  открываются потрясающие виды, запущенный парк и необитаемый дом могли дать пищу для вдохновения многим поколениям художников.

 

Открытие «Академички»

 

Спустя некоторое время, а именно в 1884 году, 22 июля, сорок десятин земли с парком, домом и различными строениями отдали в аренду Академии художеств сначала на 15 лет, а затем в бессрочное пользование. В. А. Кокорев на свои средства в 1885 году  благоустроил центр, выстроив восьмигранный павильон с балконами. Его украсила разнообразная резьба. Он стал художественным сердцем  всего ансамбля. Внутри павильон был обшит деревянными досками, которые имели нежно-розовый оттенок, и  состоял из зала, кабинета руководителя Академии, кабинета его супруги и помещения для богослужения. В парке, который привели в порядок и сделали уютным (на средства В. Кокорева), были построены беседки, поставлены скамейки и разбиты клумбы. Дополнительно В. А. Кокорев приказал пустить небольшой паром через Мсту.  Вначале это место назвали Владимиро-Мариинским приютом в честь членов императорской фамилии.

Первоначально на дачу отправили всего десять студентов. Но уже через три года их было 35. Причём 10 из них содержалось на деньги, выделенные В. Кокоревым. «Академисты» приезжали на весенне-летний и осенний сезон. Ранней весной, поздней осенью и зимой на даче учащихся не было. На содержание каждого человека Академия отпускала 20 рублей. Кроме того, пять рублей студент получал лично и закупал себе бумагу, карандаши, холсты, кисти, краски. Всё было для них бесплатным. Вернувшись в Академию, ученики делали выставки своих работ. Если студент писал много и хорошо, а это проверялось преподавателями, то его на дачу  могли отправить ещё не один раз. Обычно выбирались не только способные, но и примерные молодые люди. Их поведение контролировалось. На этюды они шли после завтрака. Каждый искал наиболее живописное место. При этом уйти они могли весьма далеко, примерно километров за восемь-десять.

Спиртные напитки на дачу привозить было запрещено. В окрестных деревнях их тоже не продавали. В павильоне редко, но устраивали вечера или давали любительские спектакли, на которые приглашали наиболее аристократичных людей, проводивших здесь лето. Студенты одевались опрятно и скромно, а их деятельность была почётна. Гости собирались с удовольствием.

 

Как жили «академисты»

 

Василий Александрович Кокорев дополнительно к уже существовавшему на то время большому  дому и флигелю, где были удобные спальни и библиотека, построил ещё несколько помещений, а кроме того, чтобы студенты могли заниматься спортом, устроил «гигантские шаги», закупил лодки для катания по озеру, а также соорудил площадку для крокета. Кроме этого, здесь имелись  два зала для мастерских и фотолаборатория с самым современным по тому времени оборудованием.

Кто из знаменитых художников работал в Тверской губернии

Студентов по настоянию В. А. Кокорева регулярно по очереди навещали их профессора из Академии. Когда приезжал Архип Куинджи, то обожавшие его студенты вместе с Архипом Ивановичем садились в лодку и плыли на живописный остров. Целый день они работали на пленэре, а вечером у костра пели под гитару. Разные истории рассказывают об «Острове Куинджи».

И.Е. Репин тоже был здесь частым гостем. Он написал здесь этюд, который теперь находится в ГРМ. 

И.Е. Репин
И.Е. Репин
Чаще всего Илья Ефимович останавливался в комнатке на мезонине, где теперь находится небольшой музей И. Репина. Тут же стоит копия его этюда. Еще он любил жить в деревеньке Котчище. Живал он на Академической даче обычно не более суток, но его приезд создавал студентам праздничное настроение.

В 1904 году сюда прибыл один из наиболее способнейших «академистов» – Исаак Израилевич Бродский. Уроженец яркого юга, здесь он был пленён сероватыми неброскими тонами. Один из его самых поэтичных этюдов, «Сквозь ветки», был написан именно на Академичке.

В селе Берёзки жил и работал Н.К. Рерих. Обычно с ним приезжала семья. Он не только писал, но и занимался археологией. Позже в Берёзках любил работать Михаил Васильевич Нестеров.

До революции в этих местах работали В. Серов, И. Левитан, А. Васнецов, П. Митурич, А. Рылов, А. Рябушкин, Н. Богданов-Бельский. Достаточно имён?

После революции

 В 1918 году Академию художеств закрыли. Вместо неё образовывались различные художественные мастерские, которые потом распадались. В домиках художников разместился пионерский лагерь. Он просуществовал там до Великой Отечественной войны.

Послевоенные годы

В 1947 году в Москве открылась Академия художеств СССР. В первое  трудное десятилетие её становления председателем был А.М. Герасимов. Руководителем организации «Всекохудожник» с 1940 по 1949 год был жанрист и пейзажист Тимофей Ильич Катуркин (1887 – 1957). Именно он вместе с Д. Сусловым и Д. Гапоненко возглавлял  послевоенное  восстановление Академической дачи с 1948 года. Средств и денег у разрушенной войной страны было очень мало. Его заместитель Дмитрий Степанович Суслов (1907 – 1964) неоднократно с блокнотом в руках ездил на Мстинское озеро, чтобы конкретно уточнять, что сохранилось из построек, а что требует немедленного ремонта и восстановления. Бывший фронтовик, художник в содружестве с Т.И. Катуркиным сделал всё возможное, чтобы как можно быстрее открыть возрождаемую на новых началах Академическую дачу. По мнению её организаторов, она должна была функционировать круглый год. Только к концу 1970-х годов была завершена её реконструкция.  Члены Союза художников жили бесплатно, а их семьи за минимальные, чисто символические деньги получали здесь удобный кров. У живописцев были просторные светлые мастерские. Все признавали Академическую дачу как центр творческой художественной жизни. В «Академичку» обычно приезжали на два месяца. Но если над  предварительным этюдом работа продолжалась, то срок могли пролить вдвое, а то и втрое. Здесь работали такие признанные мастера, как Г. Нисский, Ф. Решетников, С. Герасимов, В. Токарев, В. Гремитских, В. Шумилов, братья Ткачёвы и не только они, но и многие другие менее известные, но отличные пейзажисты.

Присвоение  нового имени

 В честь 80-летия со дня открытия «Академической даче» в 1964 году  ей дали название «Дом творчества им И.Е. Репина». И только в 2004 году почтили память её основателя В.А. Кокорева мемориальной доской на стене павильона. А ведь именно он создал место, которое теперь называют «русским Барбизоном», где благодаря В. Токареву сохранилась школа русского реалистического искусства.

Сегодняшний день

«Академичка» открыта и ныне круглый год. Любой желающий может забронировать здесь комнату. В огромных высоких (3,5 м) мастерских удобно устанавливаются мольберты, столы и подставки для готовых работ. Имеется возможность арендовать целый домик с мастерской и работать даже в период дождей. Теперь, после очередной реконструкции 90-х годов, Дом творчества «Академическая дача художников» вновь активно приглашает живописцев в эти пленительные места. 

Творчество Владимира Георгиевича Гремитских увеличить изображение
Творчество Владимира Георгиевича Гремитских

Природа творчества загадочна. Почему все маленькие дети любят рисовать, лепить, петь, заниматься физкультурой? Куда потом у большинства взрослых людей всё исчезает? Почему отдельные люди со страстью отдаются живописи или поэзии, а другие или не обращают на это внимания, или их попытки раскрыть себя в творчестве оказываются провалом, даже если их профессионально учили? Созидание нового каждому почему-то не даётся. Как и не получается создать общественно важные ценности. Об этом идут многочисленные дискуссии. Мы же, однако, обратим внимание на человека, который с детства не расставался ни с листочком обёрточной бумаги (другой у него не было), ни с угольком, который заменял ему карандаш. Это Володя Гремитских, которого случай привел не в ФЗУ, а в художественное училище. Обратите внимание: не папа, не мама, а простое объявление на улице решило судьбу будущего большого советского художника.

 

Что привлекало внимание живописца?

 

Да практически всё. На сайте продажи картин Владимира Георгиевича Гремитских  мы видим всю тематику его произведений: жанровые сценки и анималистику,  море, корабли, пляжи, различные натюрморты с цветами, портреты женщин, мужчин, детей, деревенские и городские пейзажи во все времена года, иногда спорт, памятники архитектуры, церквушки и соборы. Живя с семьёй в Москве, Владимир Георгиевич в ней бывал мало. Большую часть своего время он проводил в поездках и поисках натуры. Иногда длительных, иногда что-то захватывало его моментально, и он писал этюды сразу, превращая их позже в большие картины. Память художника была феноменальной, как и фантазия, хотя он не отходил от реалистического изображения.

 

Техника живописи Владимира Георгиевича

 

Во все времена года В.Г. Гремитских пользовался масляными красками. Он кожей чувствовал колорит. Это ему было дано свыше, также как и умение передать самое сложное – соотношения цветов. Этому учат, но студент не понимает, что стоит за этими двумя словами. Краски на палитре художника одни, а в природе они совсем другие. Каким образом, не исказив природные тона, гармонично перенести их на картину маслом? Это очень сложная задача, с которой с блеском справлялся Владимир Георгиевич. В его произведениях мы видим только конечный результат. Он восхищает: игра солнечных лучей в различное время суток, полдневный зной, свежесть утра, сгустившиеся сумерки, морозные зимние или тёплые летние ночи, даль, которую застилает лёгкий туман, прозрачность воздуха, блеск воды…

Французский художник Клод Лоррен пользовался для достижения нужного эффекта чёрным обсидиановым зеркалом. В него он смотрел, когда писал пейзажи. И что же он видел? А то, как цвета сменились в зеркале и стали соответствовать его краскам. Так он достигал гармонического соотношения цветов. Если этот пример не понятен, то перейдём к музыке. В ней аналогичные закономерности. Музыкальная гамма построена на строгих математических законах. Каждая последующая нота отличается от предыдущей одним тоном или полутоном. Музыкант их слышит, а художник должен увидеть цветовые соотношения красок природы и передать их на своих картинах. Потому он и отходит от своей работы, смотрит на неё то с одной, то с другой стороны или ищет ошибки, глядя на картину через отражение в обычном зеркале.

 

Способы перенесения действительности на картины художника

 

Стили, в которых писал Владимир Георгиевич, были различны - реализм, импрессионизм, тонализм. Для каждой работы он выбирал наиболее подходящую его настроению и восприятию манеру. Портреты, чаще всего, передавая психологическое и физическое сходство модели, написаны в реалистическом стиле, сирень часто тщательно выписана до отдельного мелкого цветочка. Такое впечатление, что художник любовался в ней мельчайшими деталями, но листья прописаны широкими мазками. Розы – это почти всегда импрессионизм. Они пышны и нежны. На солнце просвечивают их лепестки, в тени цвет сгущается, и, чтобы рассмотреть головку розы, надо отойти от картины. Именно так она и будет находиться в интерьере чьей-то комнаты, источая свой тонкий сладкий аромат. Зелень этих королев цветов передана в свободной манере. 

У художника есть натюрморт с тремя золотистыми копчёными селёдками на белой салфетке и тёмном фоне. Это поразительное произведение по лаконизму, чёткости и цветопередаче. А как прекрасен серый конь, которого В.Г. Гремитских писал на Академической даче зимой. Несколько широких мазков, и пред нами умное, доброе, спокойное животное. Старый трудяга, это по всему видно.

 

Пейзажи

 

В традициях русской пейзажной живописи талантливо развилось творчество Владимира Гремитских. Художник предпочитал лирическое изображение натуры. Его не смущал ни мелкий накрапывающий дождик, ни болотистая почва под ногами, ни пронзительный ветер с реки, ни жгучий мороз зимой, ни сильная жара, ни мошкара летом. А ведь всё это всё мешало работать. Летом краски растекались, зимой их, наоборот, приходилось разогревать, подставляя под палитру керосиновую лампу. На морозе застывали руки и ноги, летом припекало до пота, до головокружения. Но живописец был так увлечён, что ничего не чувствовал.

Всплеск его пейзажной живописи в стиле импрессионизма начинается с 50-х годов XX столетия. Появляется бесчисленное моментальное отображение различных уголков нашей Родины. Прекрасны крымские пейзажи. В них можно найти и пляжи с отдыхающими, и ночной Гурзуф, и, конечно, огромное количество роз: алые – полыхают, белые, розовые и чайные поражают своей нежностью. А как хороши Горки Ленинские осенью! Всё в золоте! Пейзажи Оки удивляют весенним небом, ледоходом, деревенскими избушками, которые прилепились к крутым берегам. Владимир Георгиевич Гремитских внёс значительный вклад в развитие русской советской пейзажной живописи.

 

Море и корабли

 

Эта тема стоит немного в стороне от среднерусских пейзажей природы. Она увлекает зрителя уютными, небольшими, но совершенно девственными бухтами, открытым вдали простором, пароходами, сейнерами, игрой дельфинов. И море пишет художник то теплое Чёрное, то холодное Балтийское. Казалось бы, вода и есть вода, но, сколько оттенков палитры находит живописец, чтобы показать как различны эти моря!

 

Памятники архитектуры

 

В небольшом Торжке живописец был восхищён деревянными церквями и соборами, которые сохранились с XVII века. Деревянную церковь в Торжке, например,  Гремитских предпочитал писать при вечернем освещении. Она изображена у него на двух пейзажах в разных ракурсах. Сразу видно, с какой любовью относился наш народ к православным ценностям, хотя это было время торжествующего атеизма. Хотя атеизма как такового вообще-то нет. Людям Бога заменили языческими божками, идолами, навязали другие ценности. Но храмы (пейзаж «Торжок») придавали особый колорит и торжественность городу, как Кремль Ростову Великому. Ярко освещенная летним солнцем в Угличе «Церковь Дмитрия на крови» напоминает о трагедии, которая привела Россию к смуте и длительным кровавым войнам. Мощны стены Успенского пятиглавого собора в Кремле. На синем-синем небе золотятся маковки, с которых сняты кресты. «Купола на Руси кроют золотом, чтобы чаще Господь замечал». Горделиво высятся каменные, простые, без украшений, стены церкви Святого Георгия в Ярославле. Не каждый художник в то время решился бы написать картины с религиозной тематикой. Владимир Гремитских проявил гражданское мужество, запечатлевая в своих работах прекрасные образы церквей и монастырей.

 

Натюрморты с цветами

 

Для натюрмортов Владимира Гремитских никак не подходит перевод «мёртвая натура». Всё живо. Его букеты роз настолько органично сливаются с пейзажем, что в этом есть что-то магическое. Я очень люблю ночные этюды Владимира Георгиевича и считаю их абсолютно совершенными в каждой работе, поэтому мы остановимся на ночном натюрморте с розами, который называется  «Ночью на террасе», написанном в Гурзуфе. На фоне иссиня тёмной ночи терраса залита ослепительным тёплым светом. Чувствуется недавнее присутствие людей, которые пили чай и лёгкое крымское вино за столом, накрытым белой скатертью, и любовались открывавшимся им морским пейзажем и голубоватой вазой с тремя розами. Розы на картине художника дивно хороши, особенно большая розовая, полностью раскрытая. Два алых бутона  сияют на фоне зелёной листвы. Всё предельно естественно и просто, но производит на зрителя неизгладимое впечатление. Прекрасно передана атмосфера южной ночи!

Не менее притягателен и другой натюрморт с цветами - «Ночная сирень», написанный в стиле импрессионизма. До чего же хороши сгустившиеся над букетом иссиня-черные сумерки на картине художника! Свет падает слева, и в этом месте они приобретают бирюзовый оттенок. Пышен букет, составленный из мощных гроздьев персидской сирени: белых, розовых и тёмно-сиреневых. Он стоит в зеленоватой вазе, как видно, отлитой вручную. Массивный, с толстыми стенками, сосуд очень устойчив. Сирень и ваза – центр композиции. Сначала зритель замечает их, а уже потом обращает внимание на рефлексы на столе - сероватые, голубоватые, зеленоватые. Имеет смысл посмотреть на этот небольшой шедевр в интернет галерее картин Владимира Гремитских. У меня каждый раз возникает вопрос: «Как же хорош подлинник, если его репродукция производит столь сильное впечатление?».

Самое главное, что было сделано Владимиром Георгиевичем Гремитских, – он сумел отразить в своей живописи многообразные проявления жизни в её самых разных сферах. Всё, что было обласкано взглядом человека, переносилось на картины художника. От них к зрителю идёт мощный импульс любви к жизни. Это очень ценно для современного горожанина, который в спешке пробегает по всему взглядом и ни к чему не присматривается, а, следовательно, и не видит. Ему всё преподносится через призму телевизора. По ТВ он видит новости, смотрит фильмы, развлекательные программы, не успевая насладиться реальным миром. Картины художника Гремитских невольно заставляют человека остановиться и пристально взглянуть на те детали, которые и являются самой сущностью жизни: утру и вечеру, дню и ночи, букету полевых цветов, протяжному гудку теплохода, скалистым морским берегам, лесным полянам и многому, многому другому, что можно увидеть на сайте картин художника.

 

Татьяна Пиксанова

О художнике В.Г. Гремитских увеличить изображение
О художнике В.Г. Гремитских

14 декабря 1916 года в Новониколаевске (нынешний Новосибирск), появился на свет мальчик, который впоследствии стал талантливым художником. Имя Владимира Георгиевича Гремитских известно многим любителям живописи, и самое интересное то, что родился он незадолго до Февральской революции, а скончался за несколько дней до августовского путча – 2 августа 1991 года. Нетрудно догадаться, что живописцу пришлось жить и творить во время существования СССР, то есть, он полностью «захватил» весь советский период, что даёт право назвать Владимира Георгиевича человеком-эпохой.

 

Становление

 

Когда юноше исполнилось 16 лет, он пошёл учиться в Московское художественное училище «Памяти 1905 года», где изначально его наставником был небезызвестный художник, член АХРР И ОМХ, мастер акварели К.К. Зефиров. Чуть позже, учителем юного живописца стал М.К. Соколов. В течение шести лет, начиная с 1936 года, Гремитских обучался в МГХИ им. В.И. Сурикова, но Великая Отечественная война внесла коррективы в процесс обучения. Всем премудростям искусства живописи его обучали: В.В. Почиталов и П.Д.Покаржевский, входящие в преподавательский состав Московского Государственного Художественного института им В.И. Сурикова.

 

Личные достижения

 

В МГХИ Гремитских входил в число талантливых и способных студентов, и ему посчастливилось учиться на курсе у самого С.В.Герасимова, явшегося учеником великого русского живописца Константина Коровина. Чуть позже С.В.Герасимов получил звание народного художника СССР, стал действительным членом Академии Художеств СССР и защитил докторскую диссертацию. Мастерство и мировосприятие К.Коровина словно передалось по наследству С.В.Герасимову, а от него – В.Г. Гремитских, что особо заметно на его картинах: «Вечер. Жигули», «Розы. Гурзуф», «Розы и чай» и пр.

 

После защиты диплома и окончания института, Владимир Георгиевич всецело посвятил себя живописи. Лучше всего у него получались прекрасные цветы - сирень и розы, поэтому и неудивительно, что они заняли доминирующее положение в его творчестве. Постепенно был создан целый «цветочный» цикл, а его знаменитую картину «Сирень» часто сравнивают с ранним Кончаловским. Став в 1945 году членом Союза Художников РСФСР, Гремитских принимал активное участие во всех выставках, в том числе, и всесоюзного значения. Дипломы МГО ХФ РСФСР и МОСХ РСФСР являются наглядным свидетельством его мастерства.

 

Творчество

 

У В.Г. Гремитских есть много пейзажных работ, заставляющие буквально окунуться в картину. Например, цветущий сад с молодыми вишнёвыми деревьями («Цветущая вишня») настолько реалистичен, что смотрящему на эту картину человеку кажется, что он чувствует их запах. То же самое можно сказать о «Колокольчики цветут» – насыщенному и глубокомысленному произведению. Серия пейзажей Гурзуфа, а также цикл «Зима в Тарусе» - это образцовые произведения, которым присуще идеальное во всех отношениях сочетание цветовой гаммы. Работы создавались не одно десятилетие. Например, картина «Гурзуф» была написана в 1959 году, а «Домик А.П. Чехова в Гурзуфе» - в 1976.

 

Русская природа – это тема, которую не смог обойти своим вниманием талантливый живописец, и одной из лучших работ считается «Последний луч». Картина была написана в 1966 году на территории «Академической дачи» - дома творчества художников. Это сооружение было когда-то возведено специально для Екатерины II, а это значит, что она также любовалась пейзажами и провожала солнце на закате, уходившее за линию горизонта.

 

Названия других произведений на слуху и многих ценителей живописи, и особо известными картинами считаются: «Зимний этюд», «Весна», «Москва. Чистые пруды», «Дождливый день. Торжок», «Беседка в Горках Ленинских», «Весенний лес», «Золотая осень», «Свистуха» и пр. Портреты, написанные В.Г. Гремитских с натуры, по-настоящему поражают воображение, настолько они красивы и впечатляющи. Среди людей, запечатлённых художником на холсте, немало выдающихся деятелей культуры. Это: Чингиз Айтматов, Кайыргуль Сартбаева (народная артистка Киргизской ССР, исполнительница национальных танцев). Портреты Л.И Брежнева и Ю.В. Андропова кисти Гремитских также хорошо известны ценителям живописи.

 

Признание

 

Некоторые картины В.Г. Гремитских являются украшением частных коллекций, потому что в своё время ушли с молотка на известных аукционах, и сейчас они находятся, как на территории РФ, так и за рубежом. Обладателями бесценных произведений стали жители Канады, США, Южной Кореи и практически всех европейских стран. В США работы этого художника настолько пользуются спросом, что во время визита в Москву Альберта Гора (события происходили в 1994 году, когда он был вице-президентом), американская сторона попросила украсить стены его номера в отеле «Рэдиссон Славянская» работами русского художника. Всего для украшения интерьера было использовано 14 картин. Где хранятся произведения В. Г. Гремитских:

Государственная Третьяковская галерея.
Государственный музей обороны Москвы.
Художественные музеи Республики Башкортостан, Самары, Брянска, Находки, Магнитогорска, Ярославля, Орла, Белгорода, Астрахани.
Картинная галерея г. Сальска.
Республиканский выставочный зал (Йошкар-Ола).

 

Татьяна Осипова

 

 

Владимир Георгиевич Гремитских – советский художник увеличить изображение
Владимир Георгиевич Гремитских – советский художник

Владимир Георгиевич Гремитских (1919 – 1991) прожил напряженную творческую жизнь и оставил значительный след в русском советском искусстве. В его биографию вошли две войны, которые потрясли нашу страну: гражданская и Великая Отечественная. Но в бόльшей степени на его картинах отражена мирная жизнь народа, его созидательное строительство нового общества, а также лирические пейзажи и натюрморты.

 

Немного о детстве

 

Он родился в купеческой семье Георгия Семёновича и Антонины Петровны Киселёвой в небольшом сибирском городке Новониколаевске, который ныне называется Новосибирск, 14.12.1916 года. Когда сынишке было несколько месяцев, семья перебралась на среднюю Волгу, в Самару. Они не бедствовали, а жили, благодаря предпринимательской жилке отца будущего художника, весьма зажиточно. Но матушка Владимира оказалась женщиной влюбчивой и,  бросив мужа, с двумя детьми уехала к любовнику в Москву. Пока она училась на курсах машинисток, её возлюбленного арестовали и сослали. Оба её сына в детстве работали. Владимир стал чистильщиком ботинок и одновременно учился в школе. Он рисовал постоянно. Естественно, краски и карандаши ему не покупали, и он обходился кусочком угля и обёрточной бумагой.

 

Выбор профессии

 

 После окончания начальной школы Володя  решил стать токарем и пошёл поступать в фабрично-заводское училища. Но тут судьба резко его развернула: по дороге подросток увидел объявление о том,  что производится набор студентов в художественное училище памяти 1905 года. Идея поступать в ФЗУ сразу было забыта, зато с 1932 года по 1936 год он осваивал азы рисунка, композиции, живописи. С 1936 года юноша – уже студент института им. В. И. Сурикова. Его учителями были Игорь Грабарь, Сергей Герасимов. Именно по мастерской последнего он написал свою дипломную картину «Ополченцы». А потом пришла война. В августе 41-го Владимир отправился в дивизию народного ополчения. На фронт пошла и его первая любовь – одна из лучших студенток Суриковского института Людмила Дубовик, 23 февраля 1942-го года она погибла от пули немецкого снайпера. Владимир Георгиевич будет помнить её до самой смерти. А жизнь тем временем продолжалась. Художников-студентов отозвали с фронта, и они продолжили учебу. С 1943 года Владимир стал принимать участие в выставках, а на следующий год его приняли в Союз художников  СССР. Это было признание его таланта и мастерства.

 

Как рождается художник (лирическое отступление)

 

 Романтик Константин Паустовский считал, что когда человек счастлив, он стремится щедро одарить своим состоянием весь мир и стать провожатым к прекрасному.  Вот художник собрался написать лесной пейзаж. Он облазит весь лес, каждую низинку, не жалея себя, и вдруг неожиданно перед ним за крутым пригорком откроется между сосен никому не ведомое круглое, как чаша, озеро. Его окружает поросль молодых осин и старой, чёрной ольхи.  Вода в нём прозрачна и совершенно спокойна. Она отражает мглистый и синий день. Тут художник замирает в этом дремучем сказочном краю и просит только одного: чтобы над озером долго голубел этот тихий свет, чтобы время замедлило свой ход, и он успел  передать очарование этого дня и великой стоящей вокруг него тишины. Он стремится к совершенству. Он и счастлив, что хоть отчасти может передать свой восторг всем, кто увидит его картину, и сожалеет, что никому не дано в полной мере  отразить то, что он видит сейчас, и что творится в его душе.

 

Живопись Владимира Гремитских (пейзажи художника)

 

Прежде всего, Владимир Георгиевич, как нам кажется, воспринимал жизнь в цвете, во всех его оттенках и полутонах. Колорит видимого мира его завораживал. Это, как нам представляется, было исходной точкой. Затем вступала в свои права композиция и мастерство,  знания которых он получил у своих учителей. А они, в свою очередь, были учениками Константина Коровина. Так шла преемственность от великой русской к советской живописи. Советское искусство ничего не растеряло из наследия прежней, дореволюционной школы, из её традиций. Это замечательно видно в работах Владимира Георгиевича.  Мы восхищаемся  пейзажами средней полосы России, которые художник писал во все времена года. Прекрасна его осень: и золотая – в Горках, и поздняя – тонкими лиловыми веточками, опушившая берёзы. Осенние пейзажи художника  настояны на ароматах прелой листвы, грибов, сырости, которой тянет из оврагов. Пейзажи весны все различны. Каждый момент, начиная с самого раннего пробуждения природы, написал Владимир Георгиевич. Тут и апрель со вскрывшейся рекой и ледоходом, первые, струящиеся и позванивающие ручьи, весенний лес, покрытый нежными полураспустившимися почками, яркий зеленый май, весь в разнотравье. Великолепны пейзажи холодной, с морозцем, который ощутимо пощипывает, зимы. А в синих зимних ночах луна, поднимаясь над чащей леса, сверкает ртутью и плывёт свои вековечным путём. Лишь золотистые огоньки жилья манят путника скорее добраться до тёплого дома. Летом, в Гурзуфе, художник останавливался, поражённый красотой диких  сиреневых гранитных скал, местами поросших рыжим мхом и зелёным плющом, прозрачными бирюзовыми водами моря и белопенным прибоем. А розы! Это была просто страсть! Под палящим солнцем в мареве зноя, в дрожащем горячем воздухе и в тенистых укромных уголках написаны десятки картин с розами, этими пышными распустившимися душистыми царицами цветов. Их сладкий аромат смешивается с  терпким острым запахом моря и рождает в душе зрителя волнующие воспоминания.

 

Портреты

 

Невозможно не остановиться перед портретами работы Владимира Георгиевича. Его интересовали все люди, как известные, так и никому не ведомые. Портреты детей предстают пред нами задумчивыми, углублёнными в свой мир. Ими можно бесконечно долго любоваться, вспоминая себя в этом непростом подростковом возрасте. Художник не приукрашает детей, не делает из них ангелов. Это маленькие люди, которые пытаются найти свое место в таком непростом взрослом мире. Портреты женщин и девушек у живописца просты и естественны. Это не супермодели, они не претендуют на звание мисс Мира. Да и не знают они о королевах красоты. Их прелесть совсем в другом, в умении выстоять при любых жизненных испытаниях, быть верной подругой и хорошей хозяйкой и ласковой, но строгой матерью. Портреты мужчин также отличаются разнообразием. То перед нами появляется гитарист, перебирающий струны.  Он задумался и не знает ещё, какой романс исполнит. Это может домыслить только зритель в зависимости от своего настроения. А вот суровый военный врач. Скольких раненых он прооперировал под шквальным огнём в походном госпитале!  Скольких людей он вернул к жизни, но скольких не удалось спасти! У каждого врача есть своё маленькое кладбище. Некоторых своих пациентов врачи помнят всю жизнь.

 

Натюрморты

 

Владимир Георгиевич мог восхититься спелым разрезанным арбузом и тут же написать его так, что хочется взять ломтик и откусить и почувствовать  его ни с чем несравнимый вкус. Или залюбоваться тремя золотистыми копчёными рыбками, которые кто-то небрежно положил на стол на куске белой бумаги. А где-то под столом, возможно, притаился маленький воришка котик, который дожидается, когда все уйдут. Много можно себе домыслить, глядя на натюрморты Владимира Георгиевича Гремитских. Картинами с  цветами, прелестью душистых гроздей сирени, так быстро увядающих в вазе, но сохранивших навечно свою красоту, омытую утренней росой, можно любоваться часами.  Розы в вазах, ампельные розы, растущие прямо на каменной кладке, или кусты алых и белых роз на даче – это неповторимые шедевры Мастера.

Художник Владимир Георгиевич Гремитских прославлял жизнь как самое прекрасное и разумное, что существует под солнцем. Осмотритесь в его виртуальной галерее живописи, и Вы наверняка найдёте произведение, которое западёт в душу. С ним не захочется расставаться ни при каких условиях. Дома оно будет вызывать самые разнообразные чувства - лёгкую грусть, нежную улыбку, просто счастье.

 

Татьяна Пиксанова

Преемственность в русской живописи от передвижников до настоящего времени увеличить изображение
Преемственность в русской живописи от передвижников до настоящего времени

У некоторых деятелей культуры в последние годы наметилась тенденция концептуально обновить представление об истории передвижников. Это приветствуется теми «арт-деятелями», кто взращивает рыночно-потребительское сознание у своих покупателей.

 

 Опасные процессы

 

 Мы уже давно находимся в социальном и духовном кризисе. Но имеются опоры и традиции в отечественном искусстве, которые могут помочь выйти из тупика. Их стремятся извратить и затуманить. Речь идет о творчестве и судьбе наших хрестоматийных живописцев, которые воспринимаются поверхностно. Это такие личности, как А. Иванов, И. Крамской, В. Перов, Н. Ге, В. Суриков и другие блестящие русские художники, чьё искусство до сих пор актуально и жгуче поднимает больные вопросы наших дней. Деятели современной отечественной культуры, занимающие важные посты, воспитывающие молодёжь, пытаются подменить смысл и восприятие живописи середины XIX и начала XX веков. Они исходят из полезного для себя рыночно-потребительского западного мышления, которое идёт вразрез с традиционными русскими духовными ценностями.

 

 

Вспомним передвижников

 

 

Товарищество передвижников было создано в бурные 1860 -70-е годы, в период, когда только что было отменено крепостное право, и предполагало устраивать выставки не только в столицах, но и в провинциальных городах. Художники-организаторы Г. Мясоедов, В. Перов, И. Прянишников, Н. Ге, А. Саврасов, И. Крамской хотели, чтобы все желающие могли приобщиться к современному русскому изобразительному искусству, развить любовь к нему и облегчить живописцам сбыт созданных произведений. Эта организация была построена на демократических принципах самоуправления и предполагала выход к широкой публике и разделение доходов от продажи билетов и каталогов, часть из которых оставалась в фонде Товарищества и направлялась на его развитие и помощь нуждающимся художникам. Их первая выставка, которая прошла в Москве, Петербурге, Киеве и Харькове, полностью оправдала их расчеты, она вызвала небывалый интерес публики и принесла прибыль. Товарищество и его члены ассоциировались в России с реалистическим направлением в искусстве и подвижничеством. Они противостояли классическому, застывшему, академизму Императорской Академии Художеств.

 

 

Краткая характеристика организаторов

 

 

Все руководители и идейные вдохновители не были молодыми незрелыми юнцами. Эти художники были известны и любимы своими произведениями, которые отразили порыв общества к обновлению во времена отмены крепостного права и горечь разочарования, что реформы шли медленно, и началась «дикая капитализация» страны, которая принесла народу новые беды.

 

Московский живописец В. Перов был уже прославлен как создатель обличительных жанровых картин, таких как «Чаепитие в Мытищах, близ Москвы» и «Сын дьячка, произведенный в коллежские регистраторы». Его друг А. Саврасов разрабатывал принципы русского пейзажа, отличавшегося от сладостных итальянских и французских видов природы. Увлеченный идеями В. Белинского, Н. Ге написал скандальное полотно «Тайная вечеря» (1863), на котором Иисус имел сходство с Герценом. И. Крамской с юности был вдохновлен идеями Н. Чернышевского. Его волновал вопрос, какие идеалы сложились у человечества, кроме поисков личной выгоды. Эту проблему он ставит в своем программном и лучшем произведении «Христос в пустыне» (1872).

 

 

Дальнейшее развитие товарищества

 

 

Попытки разгадки приобщения человечества к тайнам бытия открывается нам в портретах Ф. Достоевского, Л. Толстого, П. Третьякова, А. Островского. Но нельзя представлять Товарищество как нечто монолитное. Слишком с разными представлениями в него вливались новые художники. Одни были далеки от политики, другие сочувствовали народникам, иные были настроены революционно. Они различались и по стилистике. Одни ориентировались на старых мастеров, другие – на современные влияния Запада. Общим было одно: осознание своего дела как ответственности перед народом, совестливости и принципиальности в своих действиях. Но в условиях реакции после убийства Александра II многие ушли в лиризм пейзажа, в фантазии, которые поддерживал «Мир искусства». Он отделял художников от проблем современной жизни. К 1890-м годам темы постепенно мельчали.

 

 Современная интерпретация деятельности П.М. Третьякова

 

 Базовым принципом, по которому закладывал свою коллекцию Павел Михайлович, была поэзия и правда, а не композиция, эффекты освещения или какие-то иные живописные технические приёмы. Его желание правды теперь сознательно замалчивается, зато усиленно подчёркивается его либеральный консерватизм и принадлежность к купечеству.

 

В 2005 году ГТГ организовала знаковую выставку «Пленники красоты». Она реабилитировала салонное искусство, которое Павел Третьяков принципиально не покупал: томные взгляды красавиц, их роскошные чувственные соблазнительные тела, райские пейзажи – всё широчайшим образом было представлено как идеал для состоятельных спонсоров и покупателей. Эта выставка была проведена как восстановление исторической справедливости и открытие того, что пряталось в советские времена в дальние залы. «Сахарный сироп» обрушивали на современную публику с ликованием и восторгом. Никто не стремился к воспитанию вкуса к истинному искусству. Так намечалась тенденция, разработанная руководством ГТГ. Она скрывала гуманистический и живой смысл, который мечтал показать миру Павел Михайлович Третьяков, покупая практически одни только шедевры отечественной живописи.  Последующие выставки продемонстрировали уход от актуальных проблем и реальности в абстрактные сферы. Искусствоведы умно рассуждали о закономерностях стилевых развитий и уводили публику всё дальше и дальше от социально-нравственного стержня, играя подменой смыслов и выбрасывая за скобки творческий подъём наших лучших художников XIX и XX столетий.

 

 

После революции

 

Руководители ВКП (б) высоко оценили деятельность передвижников. В. Поленову, А. Архипову и Н. Касаткину первым дали звание народных художников. К передвижникам обратились, как к своим учителям, создатели АХРРа, который  позже перерос в Академию художеств. К 1930-м годам руководство страны стало смотреть на передвижников как на единственный ориентир, необходимый художникам.  Их поставили к истокам соцреализма. Велась весьма активная борьба против формализма в живописи 1920-х годов, упразднялись все «левые» течения (конструктивисты, суперматисты). Было отброшено всё лучшее, что было написано «Миром искусства». Это привело к академизму и довольно жалкому изображению подобия жизни как сущности реализма. Так упрощались связи с наследием передвижников.  Их широко изучали искусствоведы примерно лет 50, ставя во главу угла позитивные начала - гуманизацию искусства и связи передвижников с революционными демократами. Тем не менее всё это не слишком повлияло на советских художников, которые работали в те годы без особого давления, выбирая стили живописи в достаточной степени самостоятельно. В это время картины создавали большие мастера, у которых следует учиться нынешнему поколению живописцев.

 

 Новое время – новые идеалы

 

 В 90-е годы (мы выпустили огромный отрезок времени), когда началась капитализация страны после развала СССР, взгляды резко обратились к салонному, буржуазному искусству, а передвижников стали намеренно оскорблять. Даже директор ГТГ в интервью газете Artnewspapes, которой владеет Ирина Баженова (дама с миллионным состоянием), в декабре 2015 года высказала мысль, что на передвижников следует смотреть прежде всего как на коммерческое предприятие. Так теперь стараются забыть идеалы, которыми руководствовалось Товарищество, и стереть их из памяти общества. 

 

 

Татьяна Пиксанова

Картины советского художника Владимира Георгиевича Гремитских увеличить изображение
Картины советского художника Владимира Георгиевича Гремитских

Далеко не каждый любитель или коллекционер живописи имеет возможность посещать картинные галереи в столице. Но выбрать себе картину для интерьера, которая украсит комнату в квартире или офис и будет при этом настоящим произведением искусства, вполне можно в интернете.

 

Раннее творчество Владимира Гремитских

 

В СССР после войны началась борьба с разрухой. Портреты и картины Гремитских того периода отражают жизнь простых людей («Новоселы», «Вечером»), масштабное строительство, которое велось на Куйбышевской ГЭС, пейзажи Волги и Гурзуфа. Лирична и не пафосна картина «У причала. Куйбышевская ГЭС» (1952 год), вынесенная на аватарку данной статьи. Стоит серый денёк. По воде бежит легкая рябь от ветерка. Три небольших судёнышка привезли необходимые строителям материалы и продукты. Пейзаж с бескрайними далями впереди оживляют люди, которые работают на этих суднах. Вдали справа виднеется буксируемый небольшим катером плавучий кран, который напоминает зрителю, что мы находимся на переднем крае строительства ГЭС. Этот реалистический индустриальный пейзаж переносит нас в другое время. Оно прошло. Его более не вернешь. Только кисть художника запечатлела этот момент – часть истории нашего государства, который мы можем узнать только из подшивок старых газет. А их найти практически невозможно. Художественные достоинства этого холста неоспоримы благодаря колориту, который использовал художник. Продолжая эту тему, живописец пишет мужской портрет «Рабочий на стройке Куйбышевской ГЭС». Он показывает нам немолодого загорелого труженика в рабочей робе. Таких людей мы и сейчас можем встретить, но он отличается от нас достоинством и уверенностью  в правоте своего дела, увлеченностью работой. Такая картина будет очень уместно смотреться в офисе строительной компании как напоминание об уважении к труду. «Строительство Куйбышевской ГЭС» показывает самое начало этой гигантской работы. А картина «Огни строительства …» показывают, что работа не прекращалась ни днём, ни ночью. Это произведение очень декоративно и станет украшением интерьера дома каждого любителя советской живописи. Завершим эту тему величественной панорамой «Огни Куйбышевгидростроя» – истинным шедевром живописца, которому место не только в частной коллекции, но и в музее.

 

Ночи на картинах Владимира Гремитских

 

Это особая тема, которая присутствует во многих работах художника. Они великолепны абсолютно все. «Ночь на Мсте», «Ночью на террасе»   совершенно различны по колориту, настроению и месту их написания. На реке Мсте ночь еще полностью на сгустилась, хорошо видны все очертания деревьев и берега реки. Картина очень поэтично показывает огромную золотую луну, которая зависла на небосклоне. На другой картине Владимира Гремитских терраса ночью ярко освещена, но морские тёмно-синие дали за ней совершенно непроглядные. Здесь совмещён натюрморт с розами и остатки ужина. Еще чувствуется присутствие людей, сидевших за этим столом, и только что ушедших. Также как и на картине «Розы. Ночь.», «Гурзуф ночью» поражает контрастами чёрно-синего неба и золотых освещённых окон мазанок, стоящих на кривоватой улочке. А земля и крыши домиков не сливаются по цвету с небом, хотя они тоже черны. Сразу видно, что этот ночной пейзаж написан великолепным колористом. Любителю романтики ночи эти работы непременно понравятся и вызовут желание купить картину художника из этой серии. Особенно хороши у Владимира Гремитских зимние ночи. «Лунный лес»  –  поэтическая зарисовка зимнего пейзажа, выполненная в серовато-голубоватых тонах. «Лунная ночь» написана в Жигулях, и поражает в ней то, как живописец  изобразил в этом ипрессионистическом пейзаже отражение луны с её рефлексами в глубокой зелёной воде. Последнее, на чём мы остановимся, – это «Ночные окна» – зимний, таинственный, сказочный пейзаж. Он непременно заинтересует любителя импрессионизма и романтики. В нём, при всей реалистичности,  скрыта загадочная мистика ночи, которую непостижимым образом мастер перенес на картину. Весь этот ночной пейзаж окутан какой-то тайной, наша повседневность забывается, если его хорошо рассмотреть. А некоторым достаточно только бросить взгляд, чтобы понять неизъяснимую прелесть этой картины. Место в доме ей всегда найдётся.

 

Инвестиции в произведения искусства

 

Мы осмотрели далеко не всю виртуальную галерею живописи Владимира Гремитских, созданную прямым наследником художника, его сыном Александром Гремитских. Именно у него из первых рук без галерейных наценок можно приобрести заинтересовавшую Вас картину художника - осенний, весенний, летний пейзаж, натюрморт с цветами, портрет, жанровую сценку. Это будет прекрасный подарок самому себе, друзьям или шефу, если сотрудники сделают это вскладчину. Такой приятный сюрприз ценен сам по себе, своими художественными достоинствами. Работы В.Г. Гремитских украшают коллекции российских и зарубежных ценителей советской живописи. При совершении покупки, несомненно, будет иметь значение и художественный стиль автора, а также знакомство с его творчеством. Однако нельзя забывать, что к картинам советских художников во всём мире сейчас проявляется небывалый интерес. Их стоимость растет год от года, а за десятилетие поднимается в разы. Мы сейчас, благодаря интернету, имеем возможность купить картину художника независимо от места нашего проживания и по приемлемым, адекватным ценам. В любой уголок страны она будет быстро доставлена с сертификатом, подтверждающим её подлинность. Удачно вложив свои средства, Вы получите превосходное произведение искусства, а не совершите весьма распространённую ошибку когда сначала картина понравилась, а затем вы начинаете видеть её несовершенства. С работами В.Г. Гремитских такого не произойдет. Они всё глубже и глубже будут проникать в вашу душу, вызывая эстетическое наслаждение.   

 

Татьяна Пиксанова

Живописная импровизационная музыка - тонализм увеличить изображение
Живописная импровизационная музыка - тонализм

Тенденция в живописи писать без определённых сюжетов с виртуозностью, пользуясь одним цветом и всеми его оттенками,  зародилась в США в 1880-х годах. В картинах художников, чаще всего пейзажах, превалировал один тон – серый, тёмно-синий, коричневый, черный. Осознанно или неосознанно они попали под влияние барбизонцев: Пьера Руссо, Жюля Дюпре, Нарсиса Диаза, Жана-Франсуа Милле и Шарля Добиньи, передавая своё настроение от увиденного, именно настроение, а не впечатления, откуда пошло название импрессионизм.

 

Эмоциональность, перенесённая на картину

 

За дымками и туманами, которые они очень любили, художники скрывали чёткие контуры предметов. Отражения, зыбкость и неверность состояния они переносили на холст выразительными мазками кисти. Но природу они смотрели не снаружи, а изнутри своей души. Они, сливаясь с ней, становились её частью. Сделав эскиз на натуре, художники-тоналисты возвращались к себе в мастерскую и по памяти дописывали увиденное. Таким образом, отсекались все лишние детали, которые воспроизвёл бы фотоаппарат. Зато на картине оставалось чувство, которое художник испытывал, созерцая прекрасный момент в природе. Его не беспокоили точность природных цветовых переходов, изменение освещения. У каждого было собственное воспоминание, которое становилось главным в картине.

 

Промежуточные состояния природы

 

Тоналисты не любили яркий свет и краски. Их стихия – это рассвет, предзакатные сумерки, марево тумана. Лишь один цвет в картине становится доминантой. Он создаёт настроение. С ним перекликаются ещё несколько схожих, расплывчатых, неярких, угасающих тонов. Их приглушённость и сумеречность производит гипнотическое действие. Нет определенной точки, из которой идёт свет. Он рассеивается, пробиваясь через плотное воздушное пространство. Если пишется портрет, то тоналист выбирает зачастую голые стены или делает задний план бесконечно далёким, показывая отстранённость человека от мира, созерцание, недеяние, одиночество. Тонализм равно отвергает академический стиль и яркий, полный впечатления, импрессионизм.

 

 Первый тоналист

 

Джеймс Уистлер (1834 – 1903), родившись в США, детство и отрочество провёл в Петербурге. Россию он считал своей родиной. Здесь он выучил французский и начал посещать Академию художеств. В Париж он попал в 21 год и учился в студии живописи  Шарля Глейера. Этот оригинальный преподаватель рекомендовал найти колорит картины, смешивая краски на палитре и тратя на это не один день. Этим советом художник пользовался всю жизнь. Позже, когда Джеймс Уистлер переехал в Лондон, в Челси не было более модного денди. Он ни в чём не уступал Оскару Уайльду, с которым был дружен. Он также блестяще умел парировать реплики в беседе, отвечая спорщику. В атмосфере скандала и судебных процессов Уистлер умудрялся писать. В студии он преображался и становился предельно серьёзен. Он любил портреты и заставлял своих натурщиков выдерживать до 70-ти сеансов. Свои произведения он называл «импровизациями», «сюитами» и «симфониями». Портреты он создавал на нейтральном фоне. Чтобы написать пейзаж, он вместе с учениками выезжал в лодке на Темзу. Его «коньком» были ночные пейзажи. В природе он искал гармонию и совершенство. Он жадно всматривался в неё, ища в ней живое существо. Его «ноктюрны», изысканные и утонченные, не были поняты публикой. Его высмеивал художественный критик Рёскин, им восхищались Бодлер и Курбе. Из Америки к нему приезжали ученики, которые положили начало американскому тонализму.

 

В Калифорнии

 

На восточном берегу Тихого океана нет резких перемен погоды. Стоит влажный туман, серая дымка. Круглый год видна выцветшая трава и серовато-зеленоватые оливы и эвкалипты. Под воздействием Уистлера, художника Джорджа Иннесса и климата Калифорнии в США сложился тонализм. Картины тоналистов признали американские любители живописи. Эти созерцательные произведения они охотно приобретали для своих коллекций. Среди мастеров тонализма можно выделить Чарльз Питерса, увлечённого ночными пейзажами, а также Готтардо Пьяццони, который пользовался только неброскими коричневыми, синими, серыми цветами. Бунтарь по натуре, Хавьер Мартинес успевал и кутить среди богемы, и писать пустынные пейзажи и умиротворяющие портреты.

 

Конец чистого тонализма

 

К 1920-м годам весь мир, и Америка в том числе, увлеклись абстракциями, сюрреализмом, фовизмом. Тонализм остался в истории не как направление живописи, а как, скорее, как личностное проявление в картинах художников.

 

Тонализм в картинах Владимира Гремитских

 

Советский живописец Владимир Георгиевич Гремитских, писавший свои работы в стиле реализма и импрессионизма, в некоторых своих работах также виртуозно применял музыкальную технику тонализма. Вот несколько из них:

 

«Туман»

 

В 1960-е годы художник написал в Гурзуфе пейзаж в приглушённых серовато-зеленоватых тонах в стиле тонализма. Крупные скалы очень декоративно смотрятся на фоне неба и моря. Их тона перетекают из одного в другое. Сюжет, как и положено, отсутствует. Мы можем только любоваться умиротворением, которое нисходит с этого пустынного величественного пейзажа. Эта картина художника, кстати, вынесена в аватар данной статьи.

 

«Гурзуф ночью»

 

Насыщенные синие и черные цвета заполняют всю картину. Золото огней в окнах играет, как музыка, смыкаясь с «сюитами» в золоте тонализма. Непринуждённость исполнения оставляет впечатление незаконченности этой вполне завершённой работы, у которой много нюансов и оттенков.

 

«Гурзуф. Ночь. На балконе.»

 

Вообще надо сказать, что изображать ночь Владимир Георгиевич, как и некогда Чарль Питерс, очень любил. Серые или чёрные стволы деревьев, покрытая тьмою листва, у него всегда эффектно смотрятся на фоне глубокого синего неба. Краски, не сливаясь, усиливают впечатление друг от друга, создавая свою романтическую «симфонию» с вариациями - здесь и небо, и деревья, и забытый стул на балконе, и освещенный уютный  старый домик. В нём ещё никто не спит, и хочется незримо навестить хозяев, которые беседуют о возвышенном искусстве или поглаживают пушистого кота, разговаривая с ним.

 

«Зимняя ночь. Деревня.»

 

Рассматривая этот зимний деревенский пейзаж художника, мы погружаемся в нежнейший минор, исполненный в голубом. На фоне синеватого неба выделяются избушка и сарайчик. Их крыши, занесенные снегом, стали сказочно, приглушенно-бирюзовыми. Вдаль влево уходит деревушка, которой почти не видно во тьме. А перед нами расстилается широкая снежная поляна, которую ночь окрасила своими сероватыми и голубыми красками. Эта небольшая сюита, как сказали бы тоналисты, посвящена жизни маленькой русской деревни, которая так прекрасна ночью! 

 

«Фонтан в гурзуфском военном санатории»

 

Этот ночной этюд Гремитских был написан в оливково-зеленоватых тонах, как это было принято у тоналистов. Только краски очень ярки и праздничны, несмотря на глубокую ночь. Это не случайность. Яркая сухая природа юга не позволяет скрыть туманом изображение. Это живописное многоголосие заставляет вспомнить ожившую музыку цвета: фонтан в виде женской скульптуры свекольно-фиолетовых оттенков смутно выплывает из тьмы, а рядом с ном празднично золотится небольшой огонёк и сверкают изумрудные струи воды. Тонализм у советского художника-реалиста стал не блёклым, американским, а ярким, яростно-русским.

 

 

 

Татьяна Пиксанова

 

Традиции реализма в русской и советской живописи увеличить изображение
Традиции реализма в русской и советской живописи

Под реализмом (от латинского realis – действительный, вещественный) принято понимать в живописи объективную и точную передачу действительности на картину художника. Это понятие впервые употребил французский критик и писатель Жюль Шанфлёри в середине XIX столетия. Этим понятием он провёл грань между академизмом и романтизмом.

 

Передвижничество

 

В Российской империи это направление активно подхватила группа художников, которая объединилась сначала в «Артель художников», состоявшую из 14 живописцев. Это были бунтари, которые заканчивали  Императорскую Академию художеств в 1863 году. Они отказались писать конкурсные работы на заданную тему и ушли из Академии. В 1870 году ими было  образовано «Товарищество передвижных выставок» и утверждён его Устав. Главным идеологом Товарищества был Иван Николаевич Крамской, находившийся под влиянием идей русских революционных демократов. Он высоко ставил общественную роль художника, национальную выразительность и моральную сущность искусства, основанную на принципах реализма.        

Основное, чего добивались русские реалисты, – передать жизнь в её непрерывном движении, изменчивости, правдоподобно подчеркивая портретное сходство своих моделей, их чувства и переживания. Их образы отражают жизнь в самой своей глубинной сути.

 

Выставки

 

Первая выставка передвижников открылась в 1871 году. На ней были показаны для публики Петербурга, Москвы, Киева и Харькова 82 картины. Фурор произвели «Грачи прилетели», скульптура А. Антокольского «Иван Грозный» и полотно Н. Ге «Пётр I допрашивает царевича Алексея Петровича в Петергофе». Эта выставка стала настоящим событием и откровением в культурной жизни страны.  Всего состоялось 47 выставок. П. М. Третьяков закупал для своей коллекции лучшие произведения непосредственно с этих выставок, помогая тем самым художникам материально и морально. Для их произведений были характерны трагический взгляд на реалии жизни, обострённый психологизм, например: «Крёстный ход в Курской губернии»,  «Не ждали», «Утро стрелецкой казни»,  «Боярыня Морозова», «Дождь. Дубовый лес», «Христос и грешница», «Над вечным покоем», «Христос в Пустыне», «У дверей школы», «Старики-родители» и многие другие.

 

Традиции реализма в начале XX века

 

Русских живописцев в 10-х годах ХХ-го столетия занимает в основном крестьянская тема, но при этом её звучание становится радостным, праздничным или лирическим. А. Архипов объединяет человека и природу в задумчивом и мечтательном состоянии. Лишь одна его картина, «Прачки» (1901 год), выходит из этого настроения. Художник написал её под социально-критическим углом, использовав серовато-серебристую гамму. Но большинство его произведений с деревенскими сценами и жанровыми портретами являют зрителю красочное и яркое зрелище. На картине «В гостях» свет, потоком льющийся из оконца, и алые  блузки и юбки крестьянок, собравшихся на посиделки, освещают всю небольшую избу. Картины живописца Ф. Малявина, также глубоко проникнутые сценами из крестьянской жизни, поражают разлитым по его полотнам буйством багрово-алого цвета. Этот вихревая гамма безудержно бушует на его произведениях и воплощает неистовый и неукротимый дух народа. К. Юон работает в совершенно противоположном направлении. У него господствуют деликатные соотношения чистых тонов, графичность линий. Он пишет лирические пейзажи природы, старинной архитектуры и жизни. Художники русской реалистической школы воспринимают народный быт как хранителя национального уклада жизни с одной стороны, а с другой – исторический сюжет рассматривается ими как иллюстрация традиционного обихода, векового существования. В этом ряду стоят картины А. Рябушкина, которые повествуют о древней Руси («Едут») и современности («Чаепитие»). С. Иванов увлечен сюжетами из средневековой жизни XVI–  XVII столетий, например, «Приезд иностранцев в Москву». Художники обращаются напрямую к ощущениям зрителей подчеркнутой выразительностью цвета и ритма. Они передают зрителю своё отношение к изображаемому.

 

Промежуточное звено

 

К 20-м годам прошлого века начал складываться и быстро появился в художественной жизни  новый стиль – авангардизм. Художники резко отказались от общепринятых приёмов реалистического изображения. Они подчёркнуто полемизировали и остро противопоставляли старому свои искания новых традиций. Далеко не каждому нравился «Чёрный квадрат» К. Малевича, работы В. Кандинского, который стал основоположником нового течения, где цвет и формы, играя главную роль, должны были вызывать ряды ассоциаций. В этом же духе были и такие направления как суперматизм, лучизм, футуризм, примитивизм, абстракционизм, кубофутуризм и конструктивизм. В этих направлениях активно и увлечённо работали Н. Гончарова, Н. Удальцова,  О. Розанова, М. Ларионов, А. Экстер, И. Клюн, а также многие другие. Такое явление, как авангард, характерно для слома эпох, что и происходило тогда в России. Его эстетика предполагала осознанный эксперимент, отрицание норм обывателя, создание новых форм и приемов и, наконец, эпатаж.

Художники русского авангарда вели свои поиски в древнерусском и крестьянском искусстве, в вывесках магазинов, лубках. Искусство авангарда подчёркнуто агрессивно, нигилистично, но в лучших своих произведениях объединяет созидательное и разрушительное начала.

 

Тридцатые годы

 

В начале 1930-х годов нарком Просвещения А. Луначарский ввёл понятие «новый социальный реализм». В газете «Известия»  прошли публикации его статей на тему «социалистического реализма». Его поддержал М. Горький, который высказался  примерно так: «соцреализм – это творчество, целью которого должно стать развитие человека ради победы над природой, ради счастья жить на земле и обрабатывать её и превращать землю в прекрасное жилище». Государству требовалось искусство, которое подтолкнёт человека к трудовым подвигам, изменению идей и мыслей людей, направляя их к более глубокому изучению ленинских учений. Основными принципами термина соцреализм, который впервые ввёл в обиход И. Гронский, стали народность, идейность, показ мирной жизни и героических поступков для всеобщего блага, конкретность, изображение того, как меняется быт людей, как он улучшается. При этом произведения искусства должны были создаваться для пользы общества.

Выражая природу советской творческой деятельности, этот метод был реалистическим, что связывало его с традициями мирового и русского искусства, а его социалистический характер, развивая лучшие мировые тенденции, обуславливал его новаторство. Произведения скульпторов Н. Андоева и А. Матвеева, В. Мухиной и И. Шадра, М. Аникушина и Л.Кербеля, Н. Томского и Е. Вучечича, живописцев Ю. Пименова и А. Пластова, Б. Иогансона и А. Дейнеки, Е. Моисеенко и Г. Коржева, С. Чуйкова и П. Корина давно стали классикой. Соцреализм – это счастливые произведения на темы труда геологов, которые ведут поиски в тайге, радостные рабочие на лесосплавах,  инженеры и студенты, физкультурники с гармоничными фигурами, которые наслаждаются безупречным владением своим телом.  Грандиозная работа Веры Мухиной  «Рабочий и колхозница», как и плакаты А. Дейнеки того времени – «Физкультурница»,  «Механизируем Донбасс» – подводят зрителя к культу физической культуры и труда, к его механизации. Оптимизм соцреализма до сих пор заразителен, поскольку он с трепетом относился к воспеванию труда. Однако он не поэтизировал домашний труд и семью, относясь к быту, как к мещанству, тянущему к рутине. В жертву работе на благо общества должно было приноситься всё личное.

 

День сегодняшний

 

В настоящее время в России и на мировом рынке высоко ценятся произведения соцреализма. Они выставляются на лучших аукционах и широко представлены в личных коллекциях. За рубежом, в частности, в Америке и Европе, куда переехала часть даровитых российских живописцев, все работают только на продажу, на потакание вкусам публики. Их реалистические произведения с успехом выставляются в галереях и салонах. Они часто пишут по заказам покупателей. К сожалению, практика «рисуй и продавай» стала приживаться и в нашей стране. Наши лучшие художники должны направлять творческую молодёжь на создание для страны музейных ценностей. Эта философия должна стать приоритетом в воспитании профессионалов. 

Гремитских Владимир Георгиевич – художник с большой буквы увеличить изображение
Гремитских Владимир Георгиевич – художник с большой буквы

Владимир Георгиевич Гремитских (1916 – 1991) за 74 года прожил напряжённую творческую жизнь. Он родился в захолустном уездном городе Ново-Николаевске в Сибири, который ныне превратился в огромный Новосибирск.

Затем семья переехала в Самару, а в 16 лет юноша, оставив родные края, отправился в Москву: «учиться на художника». Благодаря незаурядным способностям его приняли в Московское художественное училище  памяти 1905 года, где он провёл 4 года под руководством К.К. Зефирова, а позже – М. Соколова.

В 20 лет Владимир Гремитских поступил в Московский художественный институт им. В. Сурикова. Его учителями стали знаменитые мастера: П.Д. Покаржевкий, В. В. Почиталов, И. Э. Грабарь и С. В. Герасимов. В России, начиная с XVIII века, создалась  прекрасная национальная школа живописи. Талантливый молодой человек впитывал, как губка, всё, что давали ему учителя. Особенно его ценили И. Э. Грабарь и С. В. Герасимов. Они дали начинающему художнику не только техническое мастерство, но и осознание значения русской национальной культуры. В 1941 году студент пишет картину «Ополченцы» и уходит на фронт. Воевать он будет вплоть до приказа Сталина, который вышел в 1942 году, и по которому с фронта отозвали в том числе всех деятелей культуры и студентов ВУЗов. Работая уже как самостоятельный художник, Владимир Георгиевич никогда не забывал заветы своих учителей, создавая пейзажи, портреты, натюрморты, жанровые картины. Его интересовало буквально всё - чем жил, как дышал  народ страны, восстанавливая послевоенную разруху, как строилась Куйбышевская ГЭС на Волге, как просто и гордо носили свои ордена ветераны, без пафоса, но очень достойно, как работает бармен в Новгороде, как цветут розы в Гурзуфе и сирень – в Подмосковье, как из деревенского мальчика в Узбекистане вырастает интеллигентный кинематографист и литератор…

Уже начиная с 1943 года Владимир Гремитских становится непременным участником московских, республиканских и всесоюзных выставок. В 1944 году его принимают в Союз художников СССР.

При жизни художник был удостоен дипломов МОСХ РСФСР и МГО ХФ РСФСР.

Приём картин художников осуществлял худсовет. Не имея звания народного или заслуженного художника, В.Г. Гремитских получал за свои работы оплату по низшим расценкам. Но в перерывах между заказами, если ему удавалось их получать, он писал то, что просила его душа. Картины Гремитских поступали в художественные музеи страны и расходились по частным коллекциям у нас и за рубежом. В домах творчества всем художникам можно было поселиться с семьёй и получить мастерскую для работы. Единственное, что после этого надо было показать комиссии определённое количество работ и этюдов. Владимир Георгиевич выкладывался в полную силу, отдавая каждой картине часть своей души. Поэтому, когда мы сейчас смотрим на картины художника, то временами нас охватывает озноб восторга, радость или печаль – разные ощущения передают нам они.

Официальное признание его большого мастерства, как это часто бывает, пришло лишь через четверть века после смерти художника. В феврале 2016 года в выставочном зале Академии Сергея Андрияки проходила персональная выставка Владимира Георгиевича Гремитских, при жизни он так и не дождался своей очереди. 5 сентября 2017 года ему посмертно присвоили звание Почетный деятель искусств России. 14 сентября 2017 года он был также посмертно награждён Почётной медалью Профессионального союза художников России.  Ну что ж, как говорится, лучше поздно, чем никогда.

 

Татьяна Пиксанова

Русский импрессионизм. Зарождение, его развитие, преемственность в советской живописи увеличить изображение
Русский импрессионизм. Зарождение, его развитие, преемственность в советской живописи

В 2016 году в Москве открылся музей русского импрессионизма. Он находится в отреставрированном промышленном здании постройки 1884 года по адресу Ленинградский проспект, 15, строение 11. Метро Белорусская. Основную часть экспозиции занимают произведения замечательных русских художников В. Серова и К. Коровина, И. Грабаря и С. Жуковского, Б. Кустодиева и К. Юона, А. Герасимова и П. Кончаловского. Мысль о его создании появилась у коллекционера Б. Минца, который подобрал коллекцию с очень тонким вкусом.

 

Что такое русский импрессионизм

 

Русские художники конца XIX и начала XX столетия на удивление часто посещали Францию, не только Париж, но и отдельные мелкие местечки. Они, восхищаясь, впитывали в себя тогда ещё новый стиль живописи, при помощи которого передовые французские живописцы передавали зрителю свои яркие впечатления от жизни. Но русским художникам показалось это недостаточным. Они  стали загружать увиденное глубоким смыслом, почти отказавшись от сиюминутности этюда. Отсюда появлялось явное родство с реализмом при иной технической передаче впечатлений, стремление придать бóльшую предметность и материальность своим картинам. Русские художники добавили также отображение своего внутреннего состояния в данный момент времени. Примером может служить сравнение двух работ - Константина Коровина «В  лодке» (1888) и Клода Моне «Две девушки в лодке». Клод Моне наслаждается колоритом солнечного дна, не заботясь о прорисовке лиц девушек, которые могли бы рассказать об их характерах. Безмятежность  подчеркнута бело-голубым колоритом, который выбрал французский мастер.  Более глубока и лирична картина К. Коровина, который изобразил молодого человека, читающего вслух книгу, и девушку, лицо которой – это напряженное внимание. В лучших реалистических традициях изображены лодка, весла, фигуры молодых людей, выражения их лиц, игры теней на глубоко склонившихся ветвях деревьев,  на тёмной глади воды, и на одежде молодой пары – это уже органичная дань импрессионизму. Далее во всех своих работах Константин Коровин развивал этот стиль, открывая новые окна в мир. Невозможно не упомянуть  «Золотую осень» (1886) Ильи Семёновича Остроухова. Это признанный всеми «пейзаж настроения». Кленовая поляна пересечена узкой тропкой, на которой среди золота листвы выделяются две чёрно-белые сороки.

 

После революции

 

Русский импрессионизм не исчез из работ наших живописцев и во времена СССР, он просто нигде официально не упоминался, как будто его и не было. Критики о нем не вспоминали, что, может быть, и к лучшему, так как тогда торжествовал социалистический реализм: трудовой подъем народа, тщательно выписанные парадные портреты вождей. На это обращалось основное внимание. Однако если внимательно посмотреть на работу А.Н. Самохвалова 1937 года «Метростроевка со сверлом», то мы увидим не просто строителя метро, а опоэтизированный с помощью льющегося золотистого цвета «тип величавой славянки». Золотисто-рыжеватая гамма создает впечатление праздника труда, который прерван на минуту отдыха. Модель художника застыла, как античное изваяние, на фоне каменных глыб, из которых позже будут сложены стены станции. Она, при полной неподвижности, вся – стремление и полёт в будущее, которое ей кажется прекрасным, и которое она создаёт на радость людям. Критикам придраться просто не к чему - тема актуальна (советская женщина и труд), её образ реалистичен, а техника света и момент – это выбор живописца. Можно также вспомнить изумительный женский портрет Игоря Грабаря «Светлана». До сих пор неизвестно, кто послужил ему моделью. Строились предположения, что это кто угодно, даже дочь Сталина. Но её фотографий того времени не сохранилось. Очарование юной девушки, портрет которой написан в сине-серых тонах, свет, льющийся из её карих глаз, которые прямо смотрят на зрителя, алые губы правильной формы, чудесный овал лица, блики света на волосах и одежде заставляют отнести эту работу к шедеврам русского импрессионизма. В 1940 году Игорь Эммануилович написал зимний пейзаж «Берёзовая аллея». Это еще одно чудо русского импрессионизма.

 

Годы войны

 

Начало войны молодого художника Владимира Гремитских застало на фронте. На картоне маслом быстро, крупными мазками, с реалистично изображенной позой он пишет портрет «Спящего солдата». Он спит чутко. Бой может начаться в любую минуту. Этот  портрет, как и многие работы Владимира Георгиевича, несёт в себе элементы импрессионизма. Поражает  произведение живописца Е.Е. Моисенко «Победа». Оно написано в серых тонах, без тщательно выписанных деталей. Свет, льющий с

+

 улицы в подвал, где находятся два солдата, выхватывает из темноты сияющую радость на лице одного из них и горечь потерь того, кто спрятал от нас свое залитое слезами лицо. Его тело одновременно искажено судорогами счастья  и горя.

 

После войны

 

В 1946 году на съезде художников в Ленинграде обсуждался доклад Н. Пунина «Импрессионизм и проблемы картины». Докладчик подробно остановился на этом явлении в живописи, считая, что у художника есть простая задача - быть современным и искренним. Он был уверен, что импрессионисты, разрушив старый канон, двинули живопись вперёд. Советские художники, по его мнению, должны находиться на переднем плане и приступать к работе только тогда, когда созреет цепь ощущений. Рождение новой картины должно освобождать живописную силу  и создавать такую среду, чтобы мимо нового произведения нельзя было пройти. Этот доклад вызвал бурные прения, которые проходили целых восемь дней, звучала довольно резкая критика, но и согласие с его отдельными положениями. А художники тем временем, как ни в чём ни бывало, продолжали работать, следуя своим личным ощущениям.

 

Пятидесятые и шестидесятые годы

 

 Для начала отметим работы Юрия Ивановича Пименова, который начинал как экспрессионист, но позже стал писать в стиле импрессионизма прекрасные и лёгкие образы. Картина «Калининград. Дождь» (1968) выхватывает момент, когда мужчина и женщина сидят за столом в кафе у окна, за которым идёт дождь. Очертания городского пейзажа на заднем плане размыты. Голубовато-серебристая гамма подчёркивает элегическое настроение собеседников, которые никуда не торопятся. Они вдвоём, всё остальные не в счёт. Нужен ли им разговор? Возможно, да, а, может быть, и нет. Они прекрасно понимают друг друга. На столе – единственное яркое пятно: «бокал вина горит рубином». Атмосфера этой изумительной жанровой картины наполнена поэзией и современна всегда в самом прямом смысле этого слова.

У другого известного советского художника, Александра Михайловича Герасимова, мы отметим также одно полотно, написанное в 1954 году, – «Вести с целины». Радостна и светла эта большая картина, на которой в деревенской избе с бревенчатыми стенами и распахнутым в сад окном, за которым бушует весна, на скамье сидят двое. Старый бородатый дедушка в малиновой рубашке и молодая женщина в белой рубашке и синем цветастом сарафане, она держит на руках годовалого крепенького младенца. Оба персонажа держат в руках газету. Статья вызывает улыбки на лицах. Детали тщательно отобраны. Под ногой у молодой женщины скамеечка, чтобы малыш не падал с коленей, рядом столик с рукодельем, покрытый белой скатертью, и ручной швейной машинкой «Зингер». А картина пылает разноцветными тенями - голубоватыми, зеленоватыми, лиловыми, малиновыми, золотистыми, которые очень гармонично подчёркивают радостный момент жизни персонажей.

 

Поздние натюрморты, пейзажи, портреты Фёдора Павловича Решетникова почти все написаны не в стиле соцреализма, одним из столпов которого считается художник, они просто поражают триумфом импрессионизма,  присутствующего во многих работах: «Подмосковье» (1946), «Лес после дождя» (1946), «Интерьер. Утренний туалет» (1946), «Красный зонтик» (1946),  «Натюрморт с фруктами» (1947),»Портрет Лидии Бродской» (1948), «В парке имени Э. Циолковского»… Список работ живописца велик, и он не ограничивается теми картинами, которые мы назвали, и которые с любовью передают прекрасные мгновения, запечатлённые его кистью.

«Золото осени» – картина Владимира Гремитских  показывающая нам лучшее  время осени, когда лес  полон золота  и солнце слилось с листвой, а небо невероятно голубое, тоже выполнена в лучших традициях импрессионизма. Совсем другое лирическое настроение царит на картине Гремитских «Сирень цветёт». Огромный куст сирени накрыл маленькую дачку своим ароматом, свежим и сочным. Так хочется воскликнуть: «Пришла весна!» и нарвать себе букет.

 Натюрморт В. Гремитских «Розы. Солнце.», к которому так и хочется добавить слово «любовь»,   –  гимн предметной красоте мира, где есть прекрасные розовые, алые, пунцовые, белые и чайные розы, небрежно поставленные в простую стеклянную банку. Они уже распустились и открыли свои головки во всей красе. Это уже чистой воды импрессионизм, и работ в этом стиле у мастера великое множество. Все они вызывают восхищение.

Мы рекомендуем посетить музей русского импрессионизма, чтобы в полной мере насладиться этим явлением, которое своеобразно преломилось в России, прибыв к нам из Франции.

 

Татьяна Пиксанова

Ранний русский авангард – художественное объединение «Бубновый валет» увеличить изображение
Ранний русский авангард – художественное объединение «Бубновый валет»

Всё началось со скандала на выставке, которая открылась в Москве в декабре 1910 года и имела двусмысленное название «Бубновый валет». Её инициаторами были Михаил Ларионов и Давид Бурлюк.

 

Как понимать это название

 

Объяснений и толкований существует много. Но наиболее часто встречающийся вариант выводят из старинного французского карточного жаргона. В нем «валет» (в переводе с французского «лакей» или «слуга») всегда играл роль плута и мошенника. Если приблизить это название к действительности той поры, то можно думать, что художники решили посмеяться своими работами над публикой, привыкшей к классике и реализму. Эпатаж и протест против современного им эстетства был очень свойственен содружеству молодёжи. Кроме того, они старались яркими, грубыми балаганными цветами, которые считались несовместимыми с живописью, внести мотивами карт атмосферу игры,  вызвать изумление и удивление, которое у мещан переходило в брезгливость.

 

Как воспринимал простой обыватель эту живопись

 

 Это очень интересно описано в романе А. Толстого «Сёстры»: « Даша вернулась с литературного вечера. Дома она была одна, а со стен смотрели странные картины с геометрическими лицами. Краски были глухие, как головная боль. Эта чугунная поэзия, с горечью осознавала Даша, слишком высока для её тупого воображения.»

 

Начало

 

Нескольким молодым художникам, которые приехали из глухих уголков России в Москву, совершенно разонравилось то, чему учат в Училище живописи, ваяния и зодчества. Илья Машков вообще собирался бросить живопись. Роберт Фальк, Рождественский, Александр Куприн подружились с бунтарем Михаилом Ларионовым, испытав его мощное влияние. М. Ларионов был незаурядной личностью. Уже пять лет он участвовал в выставках. Его работы были написаны в стиле импрессионизма. Он бывал в Париже, работал с М. Врубелем и С. Дягилевым. Отказавшись от своего стиля, он склонялся к фовизму и кубизму. Его свежее понимание творчества понравилось русским новаторам: П. Кончаловскому, Н. Гончаровой, А. Лентулову, И. Машкову, А. Экстер, А. Куприну и Р. Фальку. По мнению А. Бенуа, Л. Ларионов излишне и неумеренно забежал вперёд, назвав круг его друзей авангардом. Он же их ещё метко назвал «русские сезаннисты». Вся их деятельность – это переход от примитивизма к стилю Сезанна.

 

Решение молодёжью своих задач в искусстве

 

Свободная самореализация – вот что поддерживало в то время каждого. Они писали, как одержимые, и у каждого имелось огромное количество работ. Например, Наталья Гончарова написала за тринадцать лет свыше семисот произведений. У них не было заказов и публичного успеха, было одно – желание выразить свое, личное отношение к миру. Оно было непонятно никому: ни обывателю, ни элите. На их первой выставке было много портретов, которые переосмысливали этот жанр. Художники гиперболизировали физическое, телесное. Характерной чертой была прозаическая приземлённость, отсутствие духовности. Их герой – человек средних лет, который крепко стоит на земле. Портреты женщин были более похожими на пародии, а не на возвышенную красоту. Так, В. Татлин окрашивает свою обнажённую «Лежащую натурщицу» в немыслимые оранжевые, зелёные и голубые тона. А Машков даже подкрашивал своих натурщиц в малиновые и зелёные цвета. Там, где французские мастера пользовались светом, здесь всё заменялось игрой красок. Влияние Гогена сказывалось на всех членах «Бубнового валета», у кого-то в цвете, у кого-то в плоскостной форме. Им они почти все увлекались в свой ранний, довалетный период. Всё раздражало зрителя: эти самоуверенные недоучки заменили серьёзное отношение к работе трюкачеством и саморекламой.

 

Натюрморты

 

Натюрморт – это мир связанных мыслью различных предметов. Однако члены «Бубнового валета» как будто забыли этот принцип, точнее, он их просто не интересовал. Единство вещей, их связи между собой и человеком,  их скрытая символика, быт – всё это не волновало живописцев. Для них становится важным показать плоть предметов, разнообразие фактуры и то, как «лепит» их краска. Отсюда и появляются у них калачи, караваи, буханки хлеба, сливы, бананы, яблоки. Только красочность, изобилие, как на вывеске лавки, их живо интересуют. В особой стороне стоит нарядный расписной поднос. Он – почти неизменная часть натюрморта или даже портрета. Это обрамление, фон для как будто случайно собранных вещей - вазочек, коробок для шляп, салфеток и кофейников, фруктов, ягод и овощей. Поднос организовывал композицию и провозглашал позицию её автора. В композициях с обнаженной натурой подносы служили тем же целям, что ткани или драпировки. Тем не менее, за подобной лубочностью скрывался обман, который не тяготел к натурализму. Их картины  многое позаимствовали от стиля Сезанна и Матисса.

 

Изменения

 

Примерно к 1914 – 1915 годам у членов «Бубнового валета» начинают появляться зримые преображения в каждом из традиционных жанров. Чаще стал появляться пейзаж, портреты лишаются гротеска. На смену им идут кубисты, которые не дают названия своим картинам, а только нумеруют свои композиции. Художественное общество постепенно начинает разобщаться. В 1916 году Машков и Кончаловский из него выходят, а в правление входит Казимир Малевич вместе со своими друзьями и единомышленниками. В 1917 году на выставке нет ни одного произведения основателей «Бубнового валета». Тогда уже ушли Фальк, Куприн и вообще всё ядро. К 1923 году  они вновь ненадолго собираются на скромной «Выставке картин».

Какой год можно считать окончанием деятельности «Бубнового валета»?  В основном все склоняются к 1917 году, когда к нему присоединилось товарищество «0,10». Важнее другой вопрос: «Что значит их живопись спустя сто лет сегодня для нас?». Молодой задор? Свежесть и полнота восприятия жизни? Как ни странно, «Бубновый валет» продолжает жить, первым открыв для России европейское искусство и таких художников, как Сезанн и Матисс.

 

Татьяна Пиксанова

Гремитских  Владимир Георгиевич, картины разных лет. увеличить изображение
Гремитских Владимир Георгиевич, картины разных лет.

Выдающийся советский художник Владимир Георгиевич Гремитских (1916 – 1991) работал в разных жанрах - пейзаж, натюрморт, портрет, тематическая картина, жанровая живопись, используя каждый раз те художественные приёмы, которые наиболее полно выражали его мысли и настроение. Это мог быть реализм или импрессионизм. В этой статье мы  уделим пристальное внимание портретам и жанровым картинам, которые создал живописец.

 

Время, повернутое вспять

 

Все эти произведения имеют музейное значение и позволяют удачно вложить средства, так как стоимость картин художника со временем только возрастает. Московский живописец Владимир Гремитских, техника которого безупречна, каждый раз глубоко раскрывал созданные им образы. Он работал неустанно и ежедневно,  ездил по всей стране, не жалея ни сил, ни времени, ни здоровья. То, что осталось запечатлённым в его работах, уже стало частицей истории нашей страны. Современный художник может её только по мере сил реконструировать, но тонко и правдиво передать дух эпохи мог только очевидец, каким был  Владимир Георгиевич Гремитских.

 

Мужские портреты

 

«Иван». В действительности это портрет московского художника Александра Фирсовича Суханова. Он являлся автором многочисленных произведений станковой живописи, которые выставлялись на отечественных и зарубежных выставках. Его работу, мозаику «А.В. Суворов» на станции метро «Комсомольская»  москвичи видят повседневно. Жители Севастополя хорошо знают панораму «Оборона Севастополя». Долгие годы своей жизни А.Ф. Суханов посвятил монументальному искусству, создавая панно «Дружба народов СССР» и «Союз науки и труда». Но теперь взглянём на его портрет. Вечер, закончен трудовой день, художникуу было некогда даже сбегать в магазин и купить себе еды. Похоже, что он вообще ничего не ел в течение дня. Устало облокотившись на стол,  он будет отламывать по маленькому кусочку от ломтика черного хлеба и медленно есть его, запивая, возможно, простым квасом, а, может, чем и покрепче. Видно, как он безмерно устал, и взгляд его открыт и печален. Он явно очень одинок сейчас. Но свои заботы этот настоящий мужчина не будет перекладывать на чужие плечи. На вопросы он будет отвечать односложно, не вдаваясь в подробности. Зритель, глядя на лицо типично русского человека, забывает все мелкие неприятности, которые могли сопровождать его собственный день. Это произведение искусства – настоящее украшение коллекции ценителя живописи советского периода.

 

«Дед Апанас». Перед нами типичное украинское лицо старого, умудренного жизнью и тяжелой физической работой мужчины. Для позирования он приоделся в чистую белую рубаху с вышивкой, над которой потрудились жена или дочки. В поле он, наверняка, одет иначе и работает с полной отдачей. Он умеет справиться с любыми сложностями, которые подкидывает ему жизнь, а починить крыльцо хаты, крышу или калитку –  для него совсем не проблема, особенно, если помогут сыновья. Жена, как все деревенские украинки, держит дом в чистоте и порядке. На столе всегда выпечка, лучок и помидоры с собственного огорода, сало. Щедрый стол с простой и вкусной деревенской едой у него всегда накрыт для друзей и гостей. И душа у него щедра, потому что он имеет умное сердце и добрый ум.  Ему не требуется много денег, за которые можно купить развлечения, но не радость,  постель, а не сон, еду, но не аппетит, лекарства, но не здоровье, жилище, но не домашний очаг. Хотите иметь такого друга? Такая возможность у Вас будет, если Вы приобретёте этот глубокий психологический портрет.

 

Ещё одна работа мастера показывает нам одинокого молодого, лет тридцати, мужчину: «Вася». Небрежно растрёпанные волнистые волосы, требующие стрижки, грустное задумчивое лицо – всё говорит, что человек, который мог бы быть Вашим соседом, если его переодеть в современную одежду, так и не нашел свою половинку, не сумел создать семью.  С ним можно посидеть и поговорить. Он раскроется не сразу, но потом его богатый внутренний мир поразит Вас, и Вам захочется стать его другом.

 

Портрет заслуженного деятеля искусств Казахской ССР Бексултана Жакиева, родившегося в семье колхозника, показывает, какие возможности личностного роста давала человеку советская власть при всех её недостатках. Перед нами интеллигентный человек, который сам себя сделал. Он – известный драматург, прозаик, переводчик, сценарист.  Портрет элегантного, хорошо воспитанного человека будет очень уместен как картина для офиса.

 

Этим далеко не исчерпываются интереснейшие портреты мужчин, которые можно найти в виртуальной галерее картин художника Владимира Гремитских.

 

Женские портреты

 

 К портретам женщин Владимира Георгиевича неприложимы пошловатые  слова: «Ах, какая миленькая, ах, какая красотуля!»  Это не вертихвостки и не роковые красотки в платье с разрезом до трусов и с бокалом мартини в руках, не глупые блондиночки из анекдотов, мечтающих подцепить поклонника, который преподнесет ей квартиру, машину, поездки в Париж, Лондон, Ниццу. Девушки и женщины Владимира Гремитских  просты и человечны. Они надежны и никогда не предадут. Художник восхищается юной улыбчивой «Наташей» с её естественной красотой и невинным кокетством. Другая, взрослая «Наташа», – врач районной поликлиники. Она вполне серьёзна и смотрит так, как привыкла смотреть на своих пациентов, которые садятся перед ней и рассказывают, что их беспокоит. Он привыкла лечить не болезнь, как требуется сейчас, а человека, и он раскрывал врачу всё, что его беспокоит и вызывает сомнения и тревоги.  Дома она расслабится, расскажет мужу, и дети это будут слышать, кто приходил к ней сегодня, с какими проблемами она сталкивалась. К ней всегда может забежать со слезами соседка и попросить о помощи, в которой ей никогда не откажут. Портрет «Тамара» создан на пленэре.  Уже прохладно. Прошло лето. На голове сероглазой женщины с большими глазами, розовыми щеками и алыми губами, не знающих ни румян, ни помады, навсегда задержалось задумчивое выражение. «Нарине» – это портрет красивой восточной девушки, чьё имя в переводе с армянского языка означает «жена», «женщина». Задумчивую черноволосую и черноокую красавицу художник встретил в Юрмале. Да, так было всё просто было в СССР – захотел и поехал куда угодно отдыхать, и никто косого взгляда на тебя не бросал. Народы были дружны. Красивая, строгая и благородная – так можно охарактеризовать эту молодую женщину. Во многих живописных образах воспел Владимир Георгиевич и русскую женщину, портреты художника учат отличать правду жизни от «красивой» лжи, исполненной в розовом цвете. Его женские портреты будут хороши  как картины для интерьера,  подойдут они и в качестве картины в подарок. Только приглядитесь к портретам кисти В.Г. Гремитских, и  Вы увидите, какая глубина и сила исходит от них.

 

Жанровые сценки

 

Этот вид искусства начал складываться ещё в Эпоху Ренессанса. Развиваясь, он стал отражать быт и жизнь народа, покрывая её флёром романтики, или открывая все детали полностью реалистически, или показывая их с сатирической стороны. Возможностей у художника было немало, ибо он создавал произведение, подобное литературному, в котором интересны все детали. Владимир Георгиевич Гремитских писал поразительные картины в этом стиле. Благодаря его работам мы теперь можем познакомиться с советской действительностью, которая удивляет эстетичностью. Его произведения уместны  в любой обстановке. Такая картина может послужить великолепным подарком на юбилей, например, либо в качестве картины для интерьера.

 

Произведение «Вечером» показывает увлечённого своими изысканиями интеллектуала-холостяка. Творческий хаос, окружающий его, может стать предметом шуток. Он не одинок. К нему прибился котик, которому, судя по всему, здесь очень уютно, как и молодому человеку в очках, который хорошо разбирается в своём беспорядке.

 

Картина «В ожидании парохода» показывает на первом плане женщину с нехитрыми пожитками, сидящую на старой волжской пристани. Она терпеливо ждёт, что-то читая. Рано или поздно пароходик прибудет, сначала выглянув из-за поворота реки, потом медленно пришвартуется, и она поднимется по трапу. Можно только догадываться, куда направляется героиня. В этом и состоит интрига. В этой небольшой жанровой работе тем ярко отражён дух времени конца 1940- годов, когда страна стала только понемногу приходить в себя после обескровившей её войны.

 

«В ресторане «Детинец». Произведение написано в Великом Новгороде, в ресторане «Детинец», который находится в Новгородском кремле. Как и всё, что делал Владимир Георгиевич, это работа с натуры, а не по фотографии, чем занимаются сейчас многие художники. Поэтому-то ему удалось передать сосредоточенность молодого официанта, который наливает медовуху из глиняного кувшина в глиняный же, стилизованный под страну, стакан.

 

 Полна мощной жизненной силой картина «На лодочной станции в Академичке». В тихом уютном зеленом уголке надолго и спокойно расположился рыболов. Его спутница отдыхает, любуясь окружающим пейзажем. От зелёного леса невозможно отвести глаза, с таким блеском и любовью он написан.  Но есть вероятность, что и спутница рыболова пристрастится к рыбной ловле, и ещё неизвестно, у кого будет получаться лучше. Захватывает дух от умения живописца пользоваться цветом и светом. Эта невероятно красивая жанровая сценка пока ещё ждёт своего покупателя.

 

В картине «Волжане» мы видим повседневную жизнь людей, которые приплыли на песчаный островок напротив Самары. Трое расположились у хлипкого шалашика. А четвёртый проверяет сети. Вдали видны необъятные просторы Волги. Другой берег, противоположный от виднеющейся вдали Самары, едва заметен с полоской леса на нём. Любой человек, выросший на Волге, тоскует по ней. Нет в центральной России более величественной и прекрасной реки, все остальные по сравнению с ней – ручейки. Человек, которого Волга не отпускает от себя, несомненно, заинтересуется этой картиной и захочет её приобрести.

 

В коллекции Александра Гремитских, сына художника, найдется ещё не одно жанровое произведение, которое можно посмотреть на этом сайте.

 

Татьяна Пиксанова 

Картины художников в смешанной технике

Картины в смешанной технике – творческий простор для художника, эстетическое удовольствие для зрителя

 

В изобразительном искусстве имеется множество технологий и жанров. Поэтому современные художники часто использует всевозможные сочетания самых разнообразных техник. Как правило, приёмы нанесения красок комбинируются в определённой последовательности.

Для создания картины зачастую смешиваются разные по фактуре и характеру материалы в различных соотношениях. Это может быть пастель, масляная краска, тушь, акварель, карандаши, гелевые ручки и многое другое, что захочет применить художник, чтобы выполнить поставленную задачу.

Такое смелое сочетание материалов и приёмов их использования позволяет художникам ставить эксперименты, увеличивать скорость написания работы, получать специфические эффекты, вырабатывать индивидуальную манеру написания картин.

 

Чем привлекательны картины в смешанной технике?

 

Сама по себе акварель «по-сырому» выглядит воздушной, лёгкой. В сочетании с другими красками работа приобретает колористическую выразительность. Если на высохшем акварельном слое прорисовать контуры чёрной тушью, то получится эффект светящегося витража. А нанесённая поверх акварели пастель сделает работу более объёмной, глубокой, живой.

Рисунок карандашами поверх акварельного слоя поможет создать эффект раскрашенной старой фотографии, ретуши, так называемой венки. Хорошей текстуры можно добиться с помощью штрихов масляной пастелью поверх акрила.

Для привнесения эффекта состаривания работы художники используют выемку краски с помощью губки, наждачной бумаги, бритвенного лезвия.

Чтобы получить живопись более нежную, чем гуашь или темпера, но плотнее акварели, нужно добавить акварельные краски в белую гуашь. Получатся нежные, матовые оттенки пастельных тонов.

Сочетание акварели «по-сырому» и гуаши помогает художнику лучше показать контраст плотности воды и прозрачности неба, например. Распыление воды или спирта на влажный акриловый слой краски создаст эффект стекания капель. Если картину держать горизонтально и сделать набрызг спиртом или посыпать солью, то получатся эффектные фактурные пятна.

Таких смешанных техник существует множество, всё не описать. И только кажется, что они просты. На самом деле от художника требуется чувство меры, техническое предвидение и представление об окончательном результате.

Смешанная техника сложна и многогранна, она делает живопись богаче. Но непродуманное её использование способно перегрузить произведение. Хороший результат зависит от вкуса, характера и таланта самого художника.

В наши дни многих покупателей интересует продажа живописи в смешанной технике. Они эффектны и привлекательны, способны гармонично вписаться в современный интерьер и оживить его.

Хотите купить картины для офиса, дома или дачи? Загляните в виртуальную галерею на нашем сайте. 

Картины темперой – эстетическое удовольствие на века

Темперные краски были известны ещё в Древнем Египте – ими расписывали деревянные саркофаги фараонов и стены гробниц. До XV века темпера занимала лидирующие позиции среди используемых в то время художественных материалов. Позже были придуманы масляные краски, которые давали возможность живописцам создавать новые эффекты.

Однако темпера не была забыта, потому что по некоторым позициям она превосходит другие художественные материалы. Мало того, её всегда продолжали активно использовать в иконописи и в настенной живописи.

 

В чём особенность картин, написанных темперой?

 

Темперные краски сочетают в себе свойства гуаши, масла, акрила и цветных карандашей. При сильном разбавлении ими можно писать в технике акварели. У темперы нет насыщенности масла, но глубины цвета можно добиться с помощью многократной лессировки.

В отличие от гуаши у темперных красок гораздо более широкий диапазон тональных возможностей. Темпера - сочная, яркая краска, отличается особой звучностью и декоративностью.

Для достижения нужных эффектов художники используют различные техники нанесения темперы. Например, наносят её почти без растворителя на влажную основу. Или, наоборот, пишут по сухой основе сильно разбавленными красками. Известна техника сухой краской по сухой основе.

Для усиления объёма мазки наносятся перекрёстно, следуя контурам изображаемых элементов. Темперные краски очень быстро сохнут, поэтому мазки должны быть особо точными и выверенными.

Современные темперные краски дают художнику полную свободу в исполнении. Ими можно работать в пастозной технике, а можно писать жидким материалом.

Хорошо разбавленным этот материал наносят в несколько слоёв. Особенность его такова, что каждый новый слой не смешивается с предыдущим, но даёт ему новое звучание, усиливает насыщение. Неоднократно чередуя прозрачные и полупрозрачные слои холодных и тёплых оттенков, художник добивается необходимого конечного результата - румянца на лице, особых тонов кожи и т.д.

Картины темперой отличаются особой лёгкостью и чистотой оттенков, приятной матовостью тона, нежной цветовой гаммой. Иногда работы лакируются, чтобы краски получили дополнительную глубину и прозрачность и были защищены от пыли.

В картинах, написанных темперными красками, цвет и тон обладают большой стойкостью и надолго сохраняют первоначальную свежесть, что не скажешь о масляной живописи или, тем более, об акварели.

Ценители искусства охотно покупают работы в этой технике, так как для их написания требуются исключительный талант и мастерство, большая практика в живописи, твёрдая рука, уверенное владение кистью и способность продумывать последовательность своих действий, предвидеть их последствия.

Интересует продажа живописи? Загляните сайт продажи картин и выберите произведение себе по душе.

 

 

Крымский пейзаж в творчестве московского художника Владимира Гремитских увеличить изображение
Крымский пейзаж в творчестве московского художника Владимира Гремитских

 Работы блестящего советского художника Владимира Георгиевича Гремитских (1916 –  1991) знают не только любители живописи нашей Родины, но за рубежом во всех странах Европы, Северной и Южной Америки и даже в некоторых странах Азии.

 

Несколько штрихов из биографии художника

 

В последний месяц последнего благополучного года Российской империи в сибирском городе Новониколаевске холодной зимой появляется на свет мальчик Володя, которому судьба уготовила необычную будущность – посвятить свою жизнь служению искусству.

С 16 до 20 лет Владимир Гремитских учится сначала в Московском художественном училище памяти 1905 года, а затем, с 1936 года, в только что созданном МХИ им В.И. Сурикова. Прекрасные учителя, достаточно назвать только Сергея  Герасимова, дали молодому человеку крепкую школу реализма. Но занятия живописю прерывает страшный 41-й год. Володя берёт в руки оружие и уходит в народное ополчение, но кладет в рюкзак блокнот и карандаш – они ему так же необходимы. Там на фронте он встретил Люсю, к которой потянулось его душа. Война страшна. Девушку убил немецкий снайпер. Свое большое чувство и боль Володя пронес через всю жизнь, открывая их только в личных дневниках. Приказ Сталина вернул Владимира  Гремитских с фронта, как и многих других студентов, деятелей искусства и науки.

 

Выставки

 

Молодой фронтовик возвращается к своей профессии, восхищаясь работами В. Серова и К. Коровина. Они дают ему творческий заряд на много лет. С 1943 года художник начинает принимать постоянное участие в выставках - московских, республиканских и всесоюзных. Талант и мастерство не прошли незамечеными. В 28 лет его приняли в Союз художников СССР.

 

Море и солнце

 

Кто из нас, живущих по всей огромной равнинной и холодной стране, не мечтает перенестись на берега тёплого моря? Посидеть на берегу, перебирая камушки пальцами, или бездумно пропуская через них песок, когда волны, ласкаясь, льнут к ногам, разбиваясь в пену. Тогда вспоминаются строки А. Пушкина, посвященные Марии Раевской, о том, что поэт завидовал волнам, которые могут коснуться её милых ножек.

Умиротворенная прекрасными далями душа настраивается на поэтический лад. Вспоминается и А. Чехов, который написал пронзительный короткий рассказ о безнадежной, вечной, трепетной любви. После таких воспоминаний как приятно разбежаться и нырнуть в чистые голубые воды, поплавать часок и вернуться  в действительность, где уже стоит ровный гул голосов, слышатся призывы спасателей не заплывать за буйки. Как сохранить все эти ясные и прекрасные моменты в памяти? Это просто. Достаточно купить картину с крымским пейзажем художника Владимира  Гремитских.

 

Вновь дома

 

Уже распаковывая чемоданы, мы вновь и вновь вспоминаем волшебные горы Гурзуфа, напоённые светом, белые мазанки, которые сияют под солнцем, тёмные южные ночи, которые внезапно опускаются, и как на тёмно-синем небе появляется золотая луна. Аромат лавандовых полей, которые мы чувствовали, забираясь в горы, вернут нам картины Гремитских. Вы будете продолжать вспоминать умиротворяющие уголки сада в усадьбе генерала Н.Н. Раевского, где бывал в гостях А. Пушкин, красоту цветущих кустарников на каменной опорной стене. Зайдя на сайт, где выставлены пейзажи Крыма, вы невольно вновь вернетесь к той невероятной атмосфере беззаботного счастья, к которому невозможно привыкнуть. Рассматривая пейзаж за пейзажем, Вы можете сделать себе подарок, приобретя картину, которая будет радовать Вас долгие годы.

 

Полезный сюрприз

 

У друзей, с которыми вы проводили отдых в Крыму и с которыми вас связывают общие воспоминания, намечается праздник или юбилей? И вы в растерянности: что подарить? Так что же еще больше может вас объединить, как не полотно с крымским пейзажем большого мастера, чьи работы имеются в Третьяковской галерее? К тому же следует вспомнить, что картины со временем постоянно повышаются в стоимости. Даря или приобретая для себя картину художника, вы надежно вкладываете деньги, которые год от года только приумножаются. Это немаловажно в наше нестабильное время. Украшая интерьер, подлинное произведение искусства никогда не оставит равнодушными ни Вас самих, ни ваших гостей.

 

Энергетика картины

 

Работая над пейзажами, художник вкладывал в них свою душу и чувства, искренность и разум. Его восхищение красотой природы Крыма невольно передаются зрителю. Это колдовство и очарование, которое вызывают работы живописца, словами нельзя выразить, как невозможно пересказывать музыку И. Баха или П. Чайковского. Пейзажи маслом следует видеть. В них влюбляешься с первого взгляда. Конечно, у каждого из нас свой Крым, но мастерство живописца позволяет взглянуть на него иначе и увидеть те детали, которые не пропустил зоркий глаз мастера, а мы могли и не заметить. В офисе будет также уместно полотно советского художника В.Г. Гремитских. Рядом с ним деловые переговоры пройдут в добросердечной обстановке взаимопонимания и дружеских отношений.

 

Коллекционирование

 

Люди имеют различные увлечения, которым с удовольствием предаются в часы досуга. Постепенно собирание живописи становится всё более модным. Приятно дома или  в кабинете на работе иметь работу известного на весь мир мастера, такого, как Владимир Георгиевич Гремитских. Это увлечение со временем становится источником неиссякаемого удовольствия, а не просто данью моде. В процессе коллекционирования Вы научитесь отличать подлинное от фальшивой «красоты», которая наводняет многие выставки и галереи, и станете настоящим ценителем и специалистом. Подделка  обычно навязчиво бьёт в глаза в отличие от высокого искусства, которое надо уметь найти, ибо оно достойно молчит. Этому учат картины советского художника В.Г. Гремитских. На этом сайте продажи живописи можно их приобрести прямо из первых рук, у сына и единственного прямого наследника живописца. Доставка быстро производится по всей стране. Выдается сертификат подлинности. 

Акварель русских художников - естественность и лёгкость восприятия мира увеличить изображение
Акварель русских художников - естественность и лёгкость восприятия мира

В разнообразии видов русского изобразительного искусства акварель всегда вызывала много споров. Многие до сих пор недоумевают, куда её отнести — к живописи или графике? В качестве материала художники в этой технике используют бумагу, что сближает её с графикой, однако применяемые приемы скорее относятся к живописи.

 

Особенности русской акварели

 

 Акварель можно смело назвать одним из самых поэтичных видов изобразительного искусства. С ней разве что могут сравниться лирические стили и нежные мелодии, заставляющие трепетать сердце, отсылая к временам юности, первой любви, счастливого и беззаботного детства...

Редкая и сложная по красоте акварельная живопись позволяет передать всю природную красоту во всем её многообразии.

 Почти все русские и советские художники-акварелисты писали в самых разных техниках. Одни использовали только сырую или мокрую бумагу, отдавая предпочтение всей силе цвета. Другие предпочитали работать в технике многослойной акварели. Однако все картины акварелью выполненные в любой технике, выглядят свежо и естественно. Ведь акварель не терпит «затёртостей», грязи и переделок. Весь образный строй работы получается более камерным и интимным по сравнению с масляной живописью.

Акварельные краски прозрачны и легки, зачастую роль фона выполняет сама бумага, их «текучесть» и подвижность открывали для русских художников-акварелистов огромные возможности гармоничной передачи воздуха, света и тончайших цветовых нюансов. К середине прошлого ХХ века круг художников, работавших в технике акварели, существенно расширился. Свидетельством тому  служат многочисленные Всесоюзные выставки, которые с регулярностью начали проводиться после шестидесятого года.

Советские художники, работавшие в данной технике, просто обожали реалистические пейзажи и натюрморты. Многие из них предпочитали работать на открытом воздухе - среди рек, городских аллей, парков и т.д. Их картины сохранили особое атмосферное ощущение того времени. Множество работ наших старших современников, которые и сегодня выставляются как у нас, так и за рубежом, - истинные шедевры изобразительного искусства.

Рисунки художников в технике пастели.

Почему так привлекательны картины в технике пастели?

 

Каждый материал, используемый в живописи или графике, хорош по-своему. Но пастель занимает особое место среди них. Она уникальна, подходит для создания самых разнообразных рисунков независимо от жанра.

 

Почему пастель так привлекательна?

 

Известно несколько видов пастели. Каждая из них отличается характером штрихов, особенностью нанесения, поэтому картины пастелью при употреблении разных видов этого художественного материала получаются абсолютно разные.

Для пастели акварельной характерна влажная структура. Она привлекает художника тем, что позволяет хорошо смешивать пигмент. Сухая мягкая пастель ломается, крошится, рисует бархатисто и мягко, часто используется для штрихов основного тона. Сухая твёрдая пастель чаще используется для контуров.

Восковая и масляная пастель оставляет прозрачные штрихи ярких насыщенных цветов. Чем тоньше слой пигмента, тем прозрачность больше. Наложенные один на другой слои в большом количестве делают работу играющей, завораживающей, глубокой.

С особой тщательностью художники выбирают основу для своих картин пастелью. На велюровой бумаге линии сглаженные, на песчаной – детали обострённые. Иногда художники используют акварельную бумагу, которую предварительно тонируют, так как простая белая мешает оценке насыщенности цвета.

Пастель наносят разными способами - пятнами, рисовкой, штрихами, мазками плашмя. Выполняют растушёвку соседних штрихов и пятен пальцами, кистью, тряпкой, но не смешивают полностью, чтобы красящий пигмент раскрыл весь свой потенциал.

 

За что ценят картины, написанные пастелью?

 

Для работы в этой технике требуется особое мастерство. Исправить ошибки можно только на начальных этапах создания картины. Поэтому для работы этим материалом требуется осторожность, смелость, интуитивное чутьё цвета, точность.

Пастель – невероятно нежный материал с мягкой структурой, который делает рисунок особенно воздушным, свежим, тонким, изящным и благородным. Она позволяет максимально точно передать материальность предметов, уточнить формы штрихами, линиями, мазками, сделать акценты на главном, размыть вторичное, отвлекая от него внимание зрителя.

Иногда пигмент наносится на основу неравномерно, частицами, которые отражают свет, поэтому красочный слой получается бархатистым, матовым, мягким и лучистым. Подобного эффекта невозможно добиться, используя другие известные материалы.

Стоит отметить, что этот вид пигмента не теряет своей свежести и яркости цвета с течением времени. Неудивительно, что работы в этой интересной технике многие желают купить картины для интерьера жилых комнат, офисов или личных кабинетов.

 

 

 

 

Неповторимые и прекрасные картины гуашью

Историкам известно, что ещё в Средние века гуашь активно использовалась художниками для создания картин, миниатюр. Однако свою наибольшую популярность этот вид красок получил в конце XIX – начале XX века.

На сегодняшний день многие незаслуженно принижают значимость гуаши в живописи. Считают, что с ней работают только школьники на уроках рисования, и поэтому она не стоит внимания. На самом деле профессиональные художники с помощью гуашевой краски создают великолепные красивые картины, поражающие воображение зрителя своей художественностью, глубиной сюжета, тонко подобранными цветами и оттенками.

 

Чем же так привлекательны картины гуашью?

 

Существует несколько техник нанесения гуаши, благодаря которым один и тот же материал по-разному ложится на основу, что позволяет добиться разных эффектов. Для создания объёмного изображения используется кисть из свиной щетины, в этом случае реалистичности шероховатой структуры позволяет добиться нанесение краски с помощью салфетки, поролоновой губки или валика.

Обильное разбавление краски водой обеспечивает краске акварельную полупрозрачность. Нанесение нескольких слоёв разных оттенков позволяет добиться более глубокого цвета. Туман и сумерки, выполненные в такой технике, просто поражают реалистичностью.

Пастозная техника (нанесение мазков густой неразбавленной гуашью) позволяет делать фактурные мазки, имитирующие масляную живопись. Здесь для работы используется акриловая гуашь, которая меньше подвержена растрескиванию при высыхании.

Иногда художники используют смешанную технику - делают подмалёвок акриловой краской, а поверху дорисовывают элементы композиции гуашью, чтобы цвета казались ярче и эффектней. Или наоборот – фон делают гуашевой краской, а детали прорисовывают акрилом.

Особый интерес вызывает техника сграффито, когда поверх слоя светлой высохшей краски наносят слой более тёмного оттенка. А затем с помощью стило, толстой иглы или рейсфедера создают рисунок, снимая верхний слой.

 

Почему многие хотят купить картины  гуашью?

 

Картины гуашью, несмотря на простоту используемых материалов, поражают своим неповторимым обаянием. Техника исполнения сложная, требует особых навыков и наработок, не терпит ошибок и не приемлет исправлений, поэтому работы художников-профессионалов в этой технике очень ценятся среди любителей искусства, выберите себе работу по душе. 

Картины акрилом: свежо, современно, неповторимо

Акриловые краски – удивительный материал. Для художников он открывает неограниченные возможности. Зрителей же поражает своей многогранностью, выразительностью и уникальностью.

 

В чём особенность картин, написанных акрилом?

 

Акриловые краски универсальны. Если их наносить плотными мазками, то получится эффект масла. А если разбавить водой, то можно использовать как акварель.

Конечный результат картины акрилом зависит от степени разбавления красок, от применяемого наполнителя: замазок, паст, гелей. Известны художники, которые для своих работ акриловые краски смешивали с опилками или песком, чтобы получить текстурные мазки. Инструменты при этом тоже используются самые разнообразные - кисти, валики, тряпки, шпатели, мастерки, губки и другие.

Матовый гель делает цвета мягкими, уменьшает блеск, глянцевый гель добавляет сияния. Благодаря разбавителям мазки становятся текучими и прозрачными, но при этом цвет не размывается, и яркость не уменьшается.

Из-за нанесённых друг на друга прозрачных слоёв картины художников получаются лёгкими и воздушными.

Иногда живописцы используют не только акриловые краски, но и тушь, уголь, акварель, гуашь, карандаши и другие материалы. Такие смешанные техники позволяют художникам выработать свой собственный уникальный, хорошо узнаваемый стиль.

Стоит отметить, что акриловые краски быстро сохнут, поэтому художник должен работать точными, быстрыми и верными движениями, что требует определённого уровня мастерства.

 

Почему многие стремятся купить картины, написанные акрилом?

 

Акриловые краски – синтетические, они стали известны лишь в середине ХХ века, но завоевали любовь у ценителей изобразителного искусства за свою яркость, насыщенность, сочность, непосредственность и спонтанность.

Каждая картина акрилом имеет свою оригинальную цветопередачу, которую невозможно повторить в другой технике. С этим материалом живописцы смело экспериментируют, методом ошибок и проб находят свой стиль, который поражает своим результатом.

Этот вид краски не желтеет, не трескается, как масло, не имеет резкого запаха и не вызывает аллергии, поэтому картины акрилом предпочитают покупать для дома, квартир, офисов.

Из-за большого количества техник, употребляемых в живописи, человеку, не будучи специалистом, крайне трудно определить что выбрать, поэтому выбирайте картину по душе, ту, что Вам нравится, будь то акрил, акварель, масляная живопись, гуашь, темпера или карандашный рисунок. В таком случае Вы легко выберете себе работу по вкусу и желанию.

Итоги последних Русских Торгов в Лондоне увеличить изображение
Итоги последних Русских Торгов в Лондоне

6 июня этого года в столице Великобритании Лондоне обсуждалась горячая тема дня снова связанная с русским искусством и знаменитыми на весь мир аукционами. В центре событий дом Sotheby’s . Ранее ежегодная, а теперь и проходящая два раза в год "Русская неделя", всегда вызывала живой интерес и привлекала коллекционеров и ценителей русского искусства, в основном русскоговорящих, из разных стран мира. И, несмотря на затянувшийся кризис и пессимистические прогнозы завсегдатаев, вс` до сих пор ещё помнят провал торгов 2015 года.

Исключения не было и в этом году. Напомним, что тогда Sotheby’s, единственный, заработал на картине Абрама Архипова "Крестьянка в красном платье" сумму в 5 раз превысившую свой эйстимейт ( 1,38 млн. $ ), в то время как все другие лоты с треском провалились, и торги были признаны худшими за последние 9 лет.

В этот раз Sotheby’s сделал ставку на Исаака Левитана, и снова оказался лидером торгов. Картина художника называется «Лето» и была продана за 908.000 фунтов или 1.100.000$ . Картина русского художника, мастера "пейзажа настроения" Исаака Левитана (1860−1900) была выставлена на торги внуками анонимного американского коллекционера. Первоначально она входила в состав коллекции из 28 полотен промышленника Андрея Ляпунова, затем попала в США в частную коллекцию. И хоть Sotheby’s утверждает что она выставлялась в России и значится в документах и описях картин художника, ведущий специалист по творчеству Левитана Л. Захаренкова не даёт однозначный ответ, говоря, что у мастера было много сподвижников и подражателей, а экспертиза сложна, так как Левитан пробовал себя в разных манерах живописи, но несомненно работа представляет интерес как малоизученная. Художник прожил короткую жизнь, не дожив до 40 лет, его наследие перешло по наследству родственникам. Крупные и известные работы хранятся в музеях, в том числе и в российских.

На втором месте другой примечательный лот, который был продан за 765.000 фунтов или

990.000$ - картина «Портрет Юрия Репина на набережной Неаполя» кисти русского художника-

живописца Ильи Ефимовича Репина (1844−1930). Полотно мастера создано в Италии в 1894 году

и изображает сына художника.

На третьем месте картина русского советского живописца, Константина Юона (1875−1958) под

названием «Ночной Кремль накануне коронации царя Михаила Федоровича». Она была написана

в 1914 году, и теперь обрела нового владельца за 729.000 фунтов или 940.000 $. Забавно, что обе

последние работы не входили в число фаворитов, и поэтому удивили многих специалистов.

В программе "Русской недели" приняли участие и другие известные аукционные дома, такие как

Christie’s, MacDougall’s и Bonhams . У каждого из них были свои лоты-фавориты, которые хоть и не

предвещали сенсаций, но несомненно представляли живой интерес.

По итогам торгов мнения знатоков как всегда разошлись в абсолютно противоположные стороны.

Кто-то утверждает, что рынок перенасыщен и "Русские недели " предназначены для русских же

толстосумов с миллионами в карманах, скупающими всё подряд без разбора, и сравнивают их с

аналогично поступающими китайцами. А есть и такие, кто утверждает, что примерно с 2015 года

только ещё начинает входить в моду русское искусство именно советского периода, и тенденции будущего именно за этим направлением. Время покажет и рассудит спорящих.

 

Ирина Егина

ИСТОРИЧЕСКИЙ ГОСУДАРСТВЕННЫЙ МУЗЕЙ, май 2017 г. увеличить изображение
ИСТОРИЧЕСКИЙ ГОСУДАРСТВЕННЫЙ МУЗЕЙ, май 2017 г.

В феврале этого года Исторический Государственный Музей ярко и оригинально отмечал начало своего 145 летнего юбилея. Открытие сезона запомнилось важным гостям и простым посетителям многими подарками от работников и устроителей праздника - вкусными кондитерскими угощениями (полтонны "золотой" выпечки московских мастеров по рецептам парижских кондитеров), бесплатным посещением в день открытия и неделей скидок после него. Всё это широко освещалось на телеканалах нашей страны и в прессе. Богатейшие фонды музея насчитывают более 5 миллионов экспонатов, это действительно грандиозная цифра, запасники музея составляют огромное бесценное культурное наследие нашей страны, более того, постоянно пополняются новыми экспонатами.

Конечно такая серьёзная дата не может быть ограничена рамками недельной программы, музей удивляет своих посетителей каждый месяц списками  всё новых мероприятий и будет продолжать это делать на протяжении всего года. Апрель был просто переполнен ежедневными открытиями, но на дворе месяц май, и поэтому остановимся на том, что приготовили организаторы на этот месяц.

Первым из майского списка мероприятий хочется особо отметить открытие неординарной выставки детского рисунка под названием "Я рисую революцию". Это собрание рисунков простых детей, мальчиков не старше 13 лет (карандашные рисунки, акварель, рисунки гуашью), видевших своими глазами события, людей, уличные декорации двух революций 1917 года, Февральской и Октябрьской, и передавшие на бумаге свои самые яркие образы, иногда просто буквально, в масштабном размере перенося на бумагу понятие меньшевик и большевик ( две фигуры на детском рисунке в несколько раз отличаются размерами). Коллекция была передана в музей художником-педагогом В. Вороновым - около 150 работ его учеников. Дети ярко отрицательно встретили "нововведения" и реалии того времени - нехватку продовольствия, очереди в булочные, громкоголосые толпы на улицах, всё это явственно отражено в их рисунках. Оригинально проявили себя организаторы выставки, очень тонко обойдя нежелательную тему революций в нашей сегодняшней обстановке в стране, связанной с экономическим кризисом и нарастающей политической активностью части граждан. По словам куратора выставки, главной отличительной чертой детского творчества того времени является преобладание красного цвета: в одних случаях он наблюдается в изображении лозунгов и транспарантов, а в других – в изображении крови.... Большинство имён юных авторов конечно же остаются неизвестными, но кто знает, может пройдёт какой-то временной период, и эксперты, вооружившись новыми технологиями, найдут среди коллекции ранние рисунки кого-то из гениальных художников советского времени…

Ещё хочется отметить интереснейшую лекцию в рамках выставки о царе-реформаторе Александре II, ведь именно он, подписав Указ об основании музея в честь своего Императорского Величества, стал основателем современного Государственного Исторического Музея. Основная тема, проходящая через всю экспозицию, показывает какое огромное положительное влияние оказал на юного царя великий русский поэт В.А. Жуковский, разработавший специально для наследника российского престола, глубокую фундаментальную программу образования и воспитания своего подопечного, рассчитанную на 12 лет, по окончании которой, будущий император вместе с наставником путешествовал по всей России и затем ещё год по ведущим странам Европы, ознакомившись с жизнью как своей страны, так и других государств. Всё это сыграло огромную роль в становлении Государя и проявлении его высоких Человеческих качеств. Просвещение стало основным двигателем в его последующих преобразованиях России, затронувших все главные сферы жизни страны. Несомненно главным бессмертным историческим событием стала отмена крепостного права. В экспозиции можно увидеть перо, которым был подписан журнал собрания Государственного Совета, разрабатывавшего документы для этого преобразования. Параллели с качеством и уровнем образования наших дней невольно проводятся сами собой. Сама же лекция подробно рассказывает о многочисленных покушениях на русского царя, последнее из которых стало для него смертельным. Подушка, на которой скончался Александр II, также представлена посетителям, как и сабля, находившаяся вместе с раненым царём.  

Трагическое событие в истории. Экспозиция будет интересна людям разных поколений. Не буду  раскрывать все тайны, лучше увидеть собственными глазами,там много уникальных вещей.

И ещё одному майскому событию хочется посвятить несколько строк. Лекции под названием "Междуцарствие" - временной отрезок после смерти Александра II . Череде последующих событий может позавидовать сюжет самого закрученного детектива. Это и семейные тайны царских особ, и отречение от трона, и события, связанные с декабристами. Очень интересная, буквально захватывающая дух, и насыщенная малоизвестными подробностями лекция, позволяющая на некоторые события, которым посвящены тысячи произведений искусства самых различных жанров - музыки, живописи, скульптуры, поэзии, кинофильмов, взглянуть с совершенно нового ракурса.

 

Ирина Егина

 

Событие в "Гараже" 2017. Не пропустите! увеличить изображение
Событие в "Гараже" 2017. Не пропустите!

Теперь уже вторая международная книжная ярмарка изданий об искусстве, объединившая более 40 международных издательств, специализирующихся на этой продукции, пройдёт в Москве 20-21 мая. Устроители обещают превзойти себя в несколько раз. Это событие по традиции будет проходить в музее современного искусства "Гараж". Главная цель выставки - собрать всех значимых издателей по теме искусства в одном месте. Также следует отметить, что это событие станет одной из частей Московской городской акции "Ночь музеев". Акция состоится 20 мая и откроется интерактивной игрой на основе архива по истории современного искусства России. По сценарию и задумкам молодёжной части коллектива музея, история путешествия по современному искусству будет происходить для участников во времена после распада СССР. Для того чтобы проникнуться атмосферой того времени будут воссозданы ярчайшие события истории. Организаторы обещают незабываемые впечатления. Хочется верить. Затем пройдёт литературный проект и прозвучат в авторском исполнении тесты современных писателей. 21 мая назначен "Семейный день" для самых маленьких посетителей ярмарки, их мам пап бабушек и дедушек подготовлены бесплатные творческие мастерские, короткие путешествия по ярмарке и спецпредложения по детской литературе.

Также в программе: презентации - это новые книги выпущенные специально к ярмарке, дискуссии, фестиваль поэтического чтения, который будет международным и выполнен в стиле современных батлов (безусловно это событие посвящено молодёжи), кинопоказы (жителям покажут фильмы о выдающихся деятелях искусства ,живописи, литературы и музыки, их жизни и творчестве), и много, много всего ещё обещают нам организаторы. Вот так казалось бы скучное событие, предназначенное для узконаправленной аудитории, можно превратить в грандиозный праздник, который интересен разновозрастной публике. И при этом неплохо заработать.

 

Ирина Егина

Советское искусство наконец-то признали европейским увеличить изображение
Советское искусство наконец-то признали европейским

В начале года завершила свою работу нашумевшая выставка «Лицом к будущему. Искусство Европы. 1945–1968 гг.», проходившая в немецком городе Карлсреу в ZKM, где участники впервые доказали критикам и скептикам, что страны так называемого советского блока являлись яркой и неотъемлемой частью Европейского пространства, частью её художественного наследия, а не изгоями и узниками соцлагеря. Прошлом летом выставка проходила в Брюсселе, а сейчас открыта в ГМИИ им. А.С.Пушкина, где продолжится по 21 мая, завершая тем самым международное турне. Это уникальный проект, который продолжается второй год.

Основной и глобальной идеей проекта является небезуспешная попытка широко осветить послевоенное искусство с двух сторон "железного занавеса" и доказать единство взглядов, продемонстрировать, что несмотря на изоляцию художников политическими рамками и государственными границами, они обращались к одинаковым проблемам и зачастую находили поразительно схожие решения в своих работах. Кураторы выставки с немецкой стороны подчёркивали, что несмотря на политические решения наших стран, культурное пространство должно сохранятся общим. И этому не должны помешать ни Брекзит ни санкции. Трудно не согласиться. Впечатляет и тот факт, что по прошествии более четверти века после того как воссоединилась Европа, этот проект является первой серьёзной попыткой переосмысления послевоенного европейского наследия и признания его "единым культурным феноменом".

Основные временные рамки выставки ограничиваются двумя важнейшими событиями новой европейской истории. Первая дата 1945 год — окончание Второй мировой войны и последующее разделение Европы на два враждующих лагеря. И другая значимая дата— 1968 год, год восстаний студентов, Пражской весны и война во Вьетнаме, событие, которое разрушило многие надежды на сотрудничество и объединение после войны.

Готовили выставку четыре международные организации. Кроме вышеназванных, заметное участие в организации приняли специалисты ГМВЦ РОСИЗО. Выставка состоит почти из 200 работ художников 18 стран Западной и Восточной Европы и России. Кроме широко представленных на выставке классиков этой эпохи (Марк Шагал, Георг Базелиц, Жан Тэнгли, Пабло Пикассо, Александр Дайнеко, Герхард Рихтер, Ги Дебор и др.) список которых ошеломляет своей звёздностью и впечатлит любого, здесь представлены многие художники менее известные широкой публике (Эйвинд Фальстрём, Ренато Гуттузо, Грэхем Сазерленд, Карл Отто Гёц, Вилли Зитте). В самом широком диапазоне выставка представляет модернисткие и постмодернисткие направления 20 века, от экспрессионизма до соцреализма. Обывателю особенно трудно представить, что между «своими» и «чужими» оказывается так много всего общего!

В общем итоге, сложив вместе всё перечисленное, получается наглядное учебное пособие по истории искусства послевоенной Европы, объединяющего всех и вся. Если учесть практически полную закрытость граждан нашей страны от зарубежного искусства этого периода, именно для России эта выставка довольно актуальна. Пробелы восполнятся с лихвой.

Сhristie’s в Москве увеличить изображение
Сhristie’s в Москве

На предстоящем традиционном аукционе Christie’s, посвящённом русскому искусству, который пройдёт в Лондоне в начале июня этого года, будут представлены многочисленные лоты. На днях будушие экспонаты этих торгов выставлялись на предаукционной выставке в Москве в Романовском переулке. В этот раз выставка получилась выдержанной в строгих традициях, но весьма разнообразной. Здесь в нескольких небольших залах, в основном в отдельных витринах, выставлены наиболее яркие лоты русских торгов и хотя эстимейты на многие зкспонаты ( по словам бывалых знатоков) заметно ниже по сравнению с прошедшими ранее, здесь есть на что посмотреть.

Жемчужиной выставки считается малоизвестная работа кисти Б.Григорьева «Портрет мальчика». Картина выставляется в небольшой экспозиции и является самой живописной. Она создана автором в 1930-х годах. Об этой работе известно только, что работа написана в период жизни художника в семье этого мальчика, где она бережно передавалась по наследству. И теперь эта картина в первый раз выставляется на продажу, по предварительной оценке её стоимость может составлять £110–160 тыс.

Несомненно достойны особого внимания большое собрание графики и эскизов Льва Бакста, спрятанные в частной коллекции на более чем  на 30 лет, оригинальная коллекция старинного русского серебра, работы Фаберже, агитфарфор, который представлен особенно широко, а также «военные тарелки» периода правления Александра Второго производства ИФЗ. Эти произведения искусства, привезённые в Москву на выставку, доступны к свободному приобретению 5 июня. Покупки можно совершать даже инкогнито через интернет.

Агитационный фарфор занимает одну из центральных витрин на выставке. Как яркий пример, тарелка ГФЗ «Комиссар» подписанная «Улица Урицкого». Она изготовлена по оригинальному эскизу А. Щекотихиной-Потоцкой, известной театральной художницы, скульптора и фарфориста в 1921 году. Здесь стоит заметить, что абсолютно идентичный энкзепляр находится в коллекции Русского музея, несмотря на этот фактор, эстимейт довольно скромен — £9–14 тыс.

Конечно же без изделий Фаберже не обходилось ни одно событие московского офиса. На этот раз на всеобщее обозрение представлена золотая брошь, искусно украшенная эмалью "гильоше" и выполненная в репродукции "божьей коровки", работы знаменитого ювелира Михаила Перхина, бывшего ведущим мастером в фирме Карла Фаберже. Этот предмет из частной коллекции одной знаменитой дамы уже безуспешно дебютировал на Christie’s в 2000 году, в этот раз сумма намного скромнее - экспонат выставлен на торги с эстимейтом £20–30 тыс.

Нужно особо отметить, что все экспонаты выставки собраны Алексеем Тизенгаузеном , его помощниками и специалистами собиравшими эти редкие экземпляры по всему миру - в США, Южной Америке, Франции и скандинавских странах. Давая оценку выставке, и говоря о топовых экспонатах представленных в Москве, представитель Сhristie’s подчеркнул, что сейчас самое время и лучший момент для собирателей русского искусства, и что коллекционерам предоставлена редкая возможность приобрести уникальные вещи, многие из которых были ранее недоступны, совсем недорого, ввиду низкой ставки эстимейтов. Так что - ловите момент господа! 

Отзывы посетителей о выставке к 100-летию художника Владимира Гремитских увеличить изображение
Отзывы посетителей о выставке к 100-летию художника Владимира Гремитских

 Выставка получилась невероятная. Я надеюсь, что она станет флагманским мероприятием большого народного проекта "Век живописца", который охватит творчество советских художников, чьи 100-летние юбилеи мы отмечаем в ближайшее время, и вернёт их творчество в общественное пространство. Приходите на эту выставку, она работает до 28 февраля, улица Ак. Варги, 15.

Огромная благодарность Сергею Николаевичу Андрияке за предоставленную вне всякого графика лучшую площадку Академии!

Владимир Георгиевич Гремитских один из тех советских живописцев первого поколения, для которых писать картины и дышать было одинаково естественно.

Давно не видела, чтобы одновременно в наследии художника было столько работ разнообразных и при этом одинаково высокого уровня.

И конечно, ещё раз поздравляю Александра Владимировича Гремитских с этим событием -- 100-летием его отца!

Ксения Степанищева

 

На выставке картин Гремитских: свежо, вечно, актуально! С удовольствием осмотрел выставку, работы как будто в прошлом году вышли из-под кисти Мастера... 

Владимир Марковчин 

 

Прекрасные картины. Чудесная выставка!

Светлана Малиновкина 

 

Сегодня посетили с супругой выставку Владимира Гремитских в честь его юбилея, 100 лет со дня рождения. Организовал выставку сын знаменитого художника Александр Гремитских известный коллекционер и меценат. Мы в диком восторге! Очень рекомендую!!! Спасибо Александр Владимирович за приглашение!

Юрий Осинский

 

 

Вчера была на персональной выставке московского художника Владимира Георгиевича Гремитских - замечательные работы! Получила истинное удовольствие. Прекрасная, яркая, высокопрофессиональная живопись, не хуже работ старых мастеров. Почему этот художник так мало известен?

Галина Стругацкая

 

Была на выставке картин Владимира Гремитских, эффектные красивые картины, какое великолепие! Эта выставка совсем по-другому позволила мне взглянуть на этот период – советская живопись, оказывается, совсем не то, что я раньше думала: какое буйство красок, чувственность, жажда жизни! Настоящая живопись самого высокого класса! Великолепно! Спасибо!

Юлия Стриж

 

Советская живопись - это целый пласт изобразительного искусства, который сейчас незаслуженно забыт. Яркий пример – проходящая сейчас в Академии Андрияки выставка малоизвестного, но гениального, на мой взгляд, советского живописца Владимира Георгиевича Гремитских. Я был потрясён – Глыбища, Человечище, Мастер!!!!

Николай Кузьмин

 

Отличная выставка! Ходил с друзьями, советую!!!

Александр Жданов 

 

Посетила. Очень хорошая выставка! Поздравляю! Замечательная живопись! Хорошие залы. Спасибо С. Андрияке и Александру Гремитских, сыну художника, за выставку! Особенно понравились зимние и весенние пейзажи! Они, до сих пор, свежи и живы! Это глоток забытого свежего воздуха ! Жалко, что такие работы нельзя увидеть в центральных музеях Москвы. Коммерция центральных залов медленно губит нашу культуру и искусство, ограничивая возможности художников и зрителей. С грустью вспоминаешь советские времена, когда такие выставки были доступней и чаще для зрителей и художников.

Елена Куликова 

 

Мы вчера с мужем посетили выставку художника Владимира Гремитских. Очень понравились картины «На балконе»,  «Канал им. Москвы»,  майские пейзажи, «Туман», «Обнажённая», все крымские пейзажи с Гурзуфом, «Фонтан». Замечательная выставка!

Ирина Новикова 

 

Вчера посетили выставку картин Гремитских. Впечатление очень тёплое, хорошее, как и замечательные работы Владимира Георгиевича, которые были представлены - они приводят в порядок внутреннее состояние. Компоновка экспозиции на пять с плюсом. Света на некоторых работах маловато, но наверно это связано с тем, что был уже последний день экспозиции. Мы с супругой Людмилой очень рады, что посетили выставку.  

Александр Курковский 

 

Мы с супругой 24.02 посетили выставку картин художника Владимира Гремитских и получили большое удовольствие. Спасибо устроителям!))

Николай Гаврилов

 

На той неделе была на выставке картин художника Гремитских. Очень интересная выставка. Спасибо! Красивая выставка!

Светлана Яровая

 

Мы были на выставке Владимира Георгиевича Гремитских 2 раза, один раз вчетвером, через 3 дня - вдвоем с женой.

Антон Морозов

 

Была на выставке к столетию со дня рождения прекрасного художника Владимира Георгиевича Гремитских. Художник действительно был прекрасным колористом, картины поражают и я осталась под сильным впечатлением от увиденного. Я много раз видела картины Гремитских в интернете, в Facebook, но увидев их вживую на выставке, я могу с уверенностью сказать, что это огромная разница. Ни какие картинки из интернета не отражают всю красоту живой картины, которая пропитана энергетикой художника, талантливого художника, каким был Владимир Георгиевич Гремитских.  

Екатерина Матусевич

 

Побывала на выставке В.Г. Гремитских. В каждой картине чувствуется и хорошая школа, и незаурядный талант!

Людмила Фривальд 

 

Были на выставке Вашего отца с моим другом - художником Андреем Поляковым, получили огромное удовольствие. Попали в последний день, а первый раз зашли 23 февраля. Какое душевное богатство и душевная щедрость! Все работы очень тёплые , мне понравились все розы и вся сирень, я сфотографировала)) На одной картине с букетами роз, словно пирожное размазали! хотелось лизнуть)))) а ещё мне понравилась работа Старый еврей, портрет удивительно похож на моего знакомого, Владимира Иосифовича из Саратова. Андрей тоже отметил это сходство, т.к. знаком с ним, я портрет ему отправлю))  Волга...  я словно почувствовала запах волжской воды ... 

Татьяна Синельникова 

Персональная выставка живописца Владимира Гремитских к 100-летию со дня рождения художника. увеличить изображение
Персональная выставка живописца Владимира Гремитских к 100-летию со дня рождения художника.

В субботу 11 февраля в выставочном зале на третьем этаже Академии Сергея Андрияки по адресу г.Москва, ул. Академика Варги, дом 15 открывается персональная выставка московского живописца Владимира Георгиевича Гремитских (1916-1991), который, славясь своей исключительной колористикой и обострённым восприятием цвета, работал как в импрессионистической, так в строго реалистической манере, что сильно выделяет его работы из среды других советских художников. Творчество Владимира Гремитских, особенно его картины с розами, часто сравнивают с аналогичными работами Константина Коровина, а портреты, выполненные В.Г. Гремитских, по психологической глубине и мастерству исполнения - с портретами Валентина Серова.
Этот художник, именовавшийся при жизни соцреалистом, был, тем не менее, чужд всякому официозу, и никогда не был даже членом КПСС. Поэтому тематических картин большого формата и портретов политических деятелей, которых он, конечно же, писал для заработка, и писал, кстати сказать, отменно, Вы на выставке не найдёте.
Экспозиция выставки насчитывает 149 картин художника – пейзажи, портреты и натюрморты, выполненные в технике масляной живописи. 
Выставка продлится до 26 февраля. Часы работы с 11.00 до 19.00 во все дни недели кроме понедельника и вторника. Телефон для справок: +7 (495) 531-55-55 
Ждём всех, интересующихся творчеством московских художников советского периода, и советской живописью вообще.
Те, кто не сумеет посмотреть выставку, может достаточно полно ознакомиться с живописью и графикой Владимира Гремитских, и даже купить картину художника на этом сайте, целиком посвящённом этому живописцу. 

 

Нежная и чувственная акварель Ирины Ломановой увеличить изображение
Нежная и чувственная акварель Ирины Ломановой

Картины, созданные в технике многослойной акварели, поражают своей реалистичностью, эмоциональной наполненностью и игрой цвета. Достичь такого эффекта позволяет множество оттенков, нанесённых точными, чёткими мазками, благодаря чему создаётся богатая и естественная цветовая палитра, характерная для самой природы. Такой стиль акварельной живописи присущ художникам, умеющим тонко и глубоко чувствовать, подмечать мельчайшие детали окружающего мира, обладающим мастерством и терпением. В совершенстве владея всеми приёмами нанесения красок, они не стремятся угодить огромной аудитории созерцателей картин, многие представители которой далеки от мира настоящего, живого искусства.

 Многослойная акварель это трудоёмкая, требующая полной отдачи сил, сосредоточенности и неординарного воображения техника. Сложность создания картин в такой требовательной технике, невозможность исправления ошибок и неточностей некогда привели к постепенному угасанию этой традиции старой школы акварельной живописи.

 К огромной радости и удовольствию ценителей акварельной живописи, обладающей особенным очарованием и глубоким смыслом, в современном изобразительном искусстве происходит возрождение многослойного нанесения акварельных красок. Большой вклад в возвращение уникальной, неподражаемой манеры написания эмоциональных акварелей сделала известная московская художница – акварелистка Ирина Витальевна Ломанова, ученица Школы акварели, созданной знаменитым мастером и педагогом Сергеем Николаевичем Андриякой, благодаря которому многослойная акварельная живопись в России приобрела вторую жизнь и новое звучание.

 

Эмоциональные картины, затрагивающие сердце и приникающие в душу

 

Акварели талантливой художницы - это цветы, пейзажи, натюрморты со своеобразной натурой, созданные в лучших традициях русской школы реализма в изобразительном искусстве. Трогательные, порой наивные, трепетные и утончённые работы, написанные в приглушенных тонах, вызывают массу эмоций, воспоминаний и никого не оставляют равнодушными своей естественностью.

 Глядя на прекрасные натюрморты с цветами художницы, возникает ощущение, что достаточно протянуть руку и можно прикоснуться к нежным лепесткам, ощутить их бархатистость и вдохнуть свежий, кружащий голову аромат. Картины с милыми и забавными игрушками возвращают давно забытые чувства беззаботности и предвкушения праздника, присущие детству. Особенный интерес вызывают деревенские натюрморты – композиции из фруктов, ягод, бубликов, неброских растений и предметов сельского быта. А пейзажами Ирины Ломановой можно любоваться бесконечно, каждый раз отмечая новые детали и незамеченные ранее оттенки.

На создание впечатляющих картин акварелью художницу вдохновляет красивая в любое время года, поражающая сочной зеленью и разнообразием красок, природа Подмосковья, где сейчас Ирина живёт и творит, совершенствуя уникальную технику многослойной акварели.

 

Основные даты в творческой жизни Ирины Ломановой

 

Весной 2011 г. принимала участие в выставке картин учеников С.Н. Андрияки, проходившей в Москве.

Летом 2012 г. участвовала в 4-й международной выставке-конкурсе современного искусства, проходившей в Санкт-Петербурге. Акварели художницы выставлялись в серии «Классические натюрморты».

В сентябре 2012 г. в Костроме состоялась 1-я персональная выставка Ирины Ломановой.

Весной 2013 г. художница принимает участие в благотворительной акции, подарив четыре натюрморта с игрушками костромскому детскому дому.

В начале марта 2014 г. в г. Владимире была представлена 2-я персональная экспозиция картин художницы-акварелистки, посвящённая международному женскому празднику.

В апреле 2014 г. картины Ирины были представлены в Ростове-на-Дону в рамках выставки Арт-Ростов.

Также апрель 2014 г. ознаменовался 3-ей персональной выставкой художницы, прошедшей в Художественной галерее Костромы. На ней были выставлены пейзажи и натюрморты, созданные в технике многослойной акварели.

 Работы талантливой, глубоко чувствующей художницы, умеющей привычные предметы подать необычным образом, обладают удивительной притягательностью и производят неизгладимое впечатление. Акварели Ирины можно увидеть среди репродукций картин известных художников во многих популярных изданиях, посвящённых изобразительному искусству различных периодов, изданных как в России, так и за рубежом.

 Картины акварелью Ирины Ломановой представлены в Костромском Центре матери и ребенка, в художественных музеях изобразительного искусства Москвы, Владимира и Костромы. Акварели художницы занимают достойные места в частных собраниях российских и чешских коллекционеров. Они высоко ценятся ведущими искусствоведами мирового уровня и пользуются успехом у ценителей акварельной живописи многих стран мира. 

 

Татьяна Осипова 

Уходя – не ушёл увеличить изображение
Уходя – не ушёл

Обидно, когда человеку, имеющему огромный талант, даётся так мало времени на его реализацию. Владимир Фёдорович Стожаров родился в самом начале 1926 года и прожил всего 47 лет, его не стало в 1973 году, но за этот период времени он написал около трёхсот работ, среди них жанровые картины, натюрморты и пейзажи.

 

Детские впечатления на всю жизнь

 

Ребёнком Володя Стожаров не раз посещал старинные русские деревни, где видел и даже пользовался изделиями народных ремёсел, где он впитал в себя неяркую, но удивительную природу русских северных областей. Впечатления, оставшиеся на всю жизнь, он впоследствии воссоздаст в своих полотнах.

 В художественную школу в Москве он поступает в 1939 году, а, после войны, в 1945 году, он зачисляется на курс живописного факультета в МГХИ им. Сурикова, который заканчивает в 1951 году.

 Экспонировать свои картины он начал практически сразу по окончании института, ещё студентом Владимир Стожаров пишет много картин, которые ставят его в один ряд с лучшими советскими художниками того времени. Свидетельством тому является тот факт, что 1951 году он оканчивает институт, а с 1954 года - уже член МОССХ, творческие поездки от Северной Двины и Пинеги до Иссык-Куля, по рекам Енисею и Ангаре до озера Байкал, по целине в Казахстане, приносят свои плоды.

Его картины «Хлеб», «Лён», «Натюрморт с подковой» или пейзажи русских деревень «Село Большая Пысса», «Село Андрейково. Покров» и многие другие работы Владимира Стожарова того времени, показали зрелое мастерство молодого художника.

 До Владимира Стожарова деревню её жизнь писали многие художники, и каждый из них находил что-то своё, то, что он мог описать так, как никто другой. Владимир Фёдорович тоже нашёл в этой тематике своё – радость бытия, простота деревенской жизни, великолепие окружающей природы стали главными приоритетами в его творчестве. С самого начала творческой деятельности его картины уже «имели вес» и выставлялись четыре года подряд, с 1955 и по 1959 год, на выставках молодых художников.

 

Творческие командировки

 

По родному Северу

 

В творческие поездки Владимир Стожаров начал ездить ещё в 50-е годы. Практически все его работы связаны с Севером, откуда привозил он колоссальное количество этюдов. Здесь были и крестьяне в работе и на досуге, и деревенские избы, и широкие природные панорамы деревень и сёл, и церкви Севера и средней полосы России, и памятники архитектуры - всё это потом воплощалось в картины. Он часто бывал в Костроме, в Ярославской и Архангельской областях, в Коми ССР и везде он находил свою тему, то, что действительно его волновало.

 Работая там, он ищет связь между стариной и современностью, в тоже время старается отобразить северную архитектуру, деревни, города и сёла с точностью «до миллиметра», настолько реалистично и непредвзято выглядят его произведения.

 Владимир Фёдорович Стожаров в последнее время, как будто торопится создать как можно больше произведений, пишет целые циклы картин. Такие его работы как «Псковский кремль», «Псков. Церковь у Пролома», «Новгород. Курицкая церковь», вносят большой вклад в советскую живопись, и в тоже время показывают всё великолепие русских земель, немеркнущую красоту памятников зодчества.

Отдельно следует отметить натюрморты Владимира Фёдоровича Стожарова, в которых так изображены старинные русские предметы быта (туеса, братины, вышитые льняные полотенца, прялки), что их хочется потрогать, а их расположение на простых деревянных столах подчёркивает истинно народный русский дух.

 

По зарубежью

 

Впервые Владимир Фёдорович Стожаров попал за границу в 1959 году. Его так поразила природа Италии, что в первый же день из-под его кисти появляется городской пейзаж «Рим. Площадь Венеции» с характерной итальянской живописностью – небо здесь ярко-синее, солнце ослепительное, деревья изумрудные, тени плотные. Потом, по заграничным зарисовкам, были написаны картины «Гондольеры», «Утро в Венеции», «Рим. Мост Цестия» и много других, которые экспонировались потом на выставках художника.

 Благодаря творческим командировкам Владимир Фёдорович Стожаров дважды посетил Италию, был он и во Франции, и в Англии, а с 1971 года он почти год прожил в Румынии, где выставлялись картины советских художников.  Но тянуло его не туда, не за границу, его вторым домом был север России, или, как говорили его друзья, он был его «мастерской».

 

Заслуженные награды

 

За свою недолгую творческую деятельность Вдадимир Фёдорович Стожаров получил немало званий и наград:

 * заслуженный деятель искусств – в 1965 году;

* серебряная медаль Академии художеств – в 1967 году;

* звание лауреата Государственной премии – в 1968 году;

* член корреспондент Академии художеств – в 1973 году,

 помимо этого с 1955 года Владимир Фёдорович Стожаров - бессменный участник всех значимых художественных выставок, как региональных, и всесоюзных. Больше шестидесяти музеев хранят в своих коллекциях картины художника, среди них Третьяковская галерея и Русский музей.

 

Татьяна Осипова 

Отечественные пейзажи в память потомкам увеличить изображение
Отечественные пейзажи в память потомкам

На роду ему было написано стать если не великим математиком, то хотя бы учителем математики, и его дед, и его отец, окончив университет, преподавали математику в реальном училище.

Алексей Михайлович Грицай тоже любил математику и даже несколько раз пытался утвердиться по данной специальности, то есть пробовал поступить в соответствующие учебные заведения, но ему не позволило это сделать социальное происхождение. Но, как говорят, не было бы счастья, да несчастье помогло, кто его знает, что ждало его на математическом поприще, а вот художником он стал действительно знатным.

Детство, отрочество, юность

Родился А. М. Грицай в марте 1914 года в Санкт-Петербурге. Когда ему было четыре года, его семья переехала в деревню под Витебск. Здесь, в русской глубинке, он получил первое своё образование и в шесть лет прекрасно читал, писал и даже начал изучать французский язык. Но, главное, там он научился видеть необыкновенную красоту жизни села, то, что в городских условиях он мог бы пропустить, ведь разве увидишь домашних животных, сенокос, косьбу или лес, весь окутанный снегом, живя в городе. Через всю свою жизнь он пронесёт те наблюдения и тот восторг от весенних ручейков, падающего снега, или цветов вдоль проселочной дороги.

К десяти годам, по возвращении семьи в Ленинград, Алексей поступает в четвёртый класс общеобразовательной школы. Учится он «играючи», тем более что математика является его любимым предметом, и по окончании школы по совету преподавательницы математики Б. А. Лурье, он пытается поступить в Ленинградский университет. Так как в университет в то время набирали не по знаниям, а по происхождению, то Алексей Грицай туда не попал.

Поскольку тяга к живописи у него была с детства, ещё будучи учеником в школе, он помогал учителям копировать репродукции или портреты знаменитых людей, то он решил стать художником. Тем паче, что в квартире, в которой он проживал в то время, жил будущий архитектор М. Иванов и семья будущего художника А. А. Мыльникова, у которых имелась коллекция репродукций картин известных мастеров живописи. Эта коллекция тоже сыграла в его жизни не последнюю роль. Часто в квартире собирались творческие люди, которые много спорили, что-то обсуждали, давали самодеятельные концерты.

Но, больше всего, на молодого А. М. Грицая произвел впечатление график П. Любомудров, рисунки которого настолько поразили Алексея, что он окончательно решил заняться изобразительным искусством.

Подготовившись в частной студии С. М. Зейденберга, в 1932 году он поступает в Ленинградский институт живописи, скульптуры и архитектуры. Первые его преподаватели Загоскин и П. С. Наумов. На третьем курсе он записывается в мастерскую В. Н. Яковлева, который приводил своих студентов в восхищение тем, что маленьким штрихом или какой-либо поправкой мог кардинально преобразить чей-то рисунок, а его объяснения о формах человеческого тела нельзя было найти ни в одном учебнике.

Семь лет проучился Алексей Грицай в институте. За это время он узнал много прекрасных преподавателей, много интересных людей встречалось ему в жизни, которые помогли ему и освоить индивидуальное мастерство, и определить жизненные убеждения. Работы Ф. Сурбарана, Д. Веласкеса, В. Сурикова, И. Репина, И. Левитана помогали ему отточить своё мастерство.

Зрелые годы

Не успев окончить институт, Алексей Грицай попадает на службу в Красную Армию, а там уже и война, тут уже не до искусства, зато будущий художник копит наблюдения, во время затишья делает наброски, закаляет характер и мечтает после войны заняться пейзажами. Война научила его многому, а Великая Победа дала возможность работать, наслаждаться природой, воспевать мир и покой на земле.

Но вместо пейзажей он, в числе прочих авторов, сразу после войны, написал три портрета на полотне «Заседание президиума Академии СССР», за что получил премию Сталинскую премию.

После войны Алексей Михайлович Грицай написал много работ. Его живописные полотна настолько поэтичны, что их выставляют на многих выставках, он становится знаменитым, зрелым художником, а его работы, такие как «Летний сад», «Подснежники», «Осинник», «На веранде» и много-много других, среди которых этюды о Волге, которую он хорошо знал и любил, считаются сейчас одним из высших достижений советского пейзажного искусства.

Позже художник начал преподавать живопись в Московском Художественном училище памяти 1905 года», затем был руководителем курса в институте им. Сурикова и стоял во главе комиссии Академии художеств.

А. М. Грицай был выдающимся профессионалом. За период своей творческой деятельности он воспитал десятки молодых художников, для которых был неоспоримым авторитетом. Государство так же отметило его талант, в его активе насчитывается две Сталинские премии, две Государственные премии, Бронзовая медаль и орден Отечественной войны второй степени.

В 1974 году Алексею Михайловичу Грицаю было присвоено звание народного художника СССР.

Талантливый человек талантлив во всём. Слово о художнике Владимире Николаевиче Лебедеве. увеличить изображение
Талантливый человек талантлив во всём. Слово о художнике Владимире Николаевиче Лебедеве.

Деревня Загорново, расположенная в Московской области, прославилась тем, что подарила России незаурядного человека и прекрасного художника – Владимира Николаевича Лебедева.

Родился он в 1925 году, и с двенадцати лет учился в школе-колонии Шацкого в Обнинске. Только он успел окончить школу, как началась Великая Отечественная Война. Несмотря на то, что пареньку исполнилось только 16 лет, он принимает в ней активное участие, сначала — в партизанском движении, потом — в рядах Советской Армии. Пули трижды находили Владимира, но каждый раз удача или счастье оказывались на его стороне.

 В конце войны, в 1944 году, он — старший сержант, вступает в ряды Коммунистической Партии. Хотя на тот момент ему исполнилось всего 19 лет, в наличии у него уже есть и ордена, и медали, что доказывает, что этот период жизни молодой Владимир Лебедев прожил достойно.

 

Послевоенная деятельность

 

За весь период войны молодой художник не выпускал из рук карандаш, он рисовал всех и вся, делал карандашные наброски своих сослуживцев. В принципе, тема Великой Войны считается основной темой его творчества, такие картины как «Поединок», «Вызываю огонь на себя» или «Штурм рейхстага» пронизаны героизмом советских воинов.

 Но это потом, а сначала он учащийся Московской городской художественной студии при Управлении по делам искусств Московского исполкома, далее художник при Институте физиологии АМН СССР, потом директор выставочного зала в Москворецком районе столицы и, наконец, директор комбината живописного искусства МГОХФ РСФСР. С 1965 года Лебедев – член Союза Художников СССР.

 За период с 1957 года и по 1961 В.Н. Лебедев выставлялся на трёх молодежных выставках МОСХа, а впоследствии участвовал ещё в 60 художественных выставках.

 Помимо этого, его произведения имеются в галереях и музеях, частные коллекции - отечественные и зарубежные тоже могут похвастаться картинами В.Н. Лебедева.

 Богат картинами художника Обнинский краеведческий музей, картинная галерея в Тюменской области, музей-квартира Н.И. Кузнецова – Героя Советского Союза, всё это тоже лишний раз доказывает, что и этот период жизни прожит художником «со знаком качества».

 

«Родина моя, тихая»

 

Помимо военно-патриотической темы, которой Владимир Николаевич Лебедев посвятил большую часть своей жизни, он отдал должное и портретам, и натюрмортам, и пейзажам. Но портрет это или жанровая картина, работе он отдавался полностью и делал её филигранно. Поэтому книга, выпущенная им, тоже достойная память о нём и его современниках, и напоминание будущим поколениям.

 Прожив богатую событиям жизнь, пережив войну и послевоенное время, он задумывает выпустить авторский альбом, в котором с помощью авторской живописи, фотографической хроники и плакатного искусства восстанавливается история и события Великой Отечественной войны. Много работ освещает оборону столицы, есть авторские работы, подчеркивающие героизм советских людей во время войны, а есть работы, которые описывают, как поднимали из руин Москву, как поколение, пережившее самую страшную войну, переходит к мирной жизни.

 Здесь же он публикует и работы московских художников послевоенного времени, вернее те их картины, которые удалось найти, которые «не потерялись во времени».

 Альбом можно условно поделить на три части:

 * всё о войне, о трагических событиях того времени;

* о послевоенном периоде, о восстановлении мирной жизни ради которой погибли сотни и сотни тысяч людей;

* о ветеранах войны, помнящих те страшные времена, здесь же художник рассказывает о тех местах, где он работал, с кем работал, о своих товарищах-коллегах, также в этой части альбома представлено много их творческих работ.

 Совсем недавно, 26 апреля 2016 года на Кутузовском проезде, в Галерее современного искусства фарфора, была открыта выставка «От войны к войне, от победы к победе», на которой были выставлены работы В.Н. Лебедева. Его картины «Солдатские письма», «Подвиг на заставе Лопатина» и особенно «Поминальная молитва о без вести пропавших» и достаточно серьёзно дополнили экспозицию.  Это лишний раз доказывает, что талантливый человек – талантлив во всём. 

Жизнь и творчество художника Сергея Васильевича Герасимова увеличить изображение
Жизнь и творчество художника Сергея Васильевича Герасимова

Наряду с картинами, создавать которые требовала эпоха постреволюционных перемен и военных потрясений, он находил время любоваться родной природой, а в пафосных соцреалистических полотнах старался изобразить человеческие характеры. Он воспитал целое поколение талантливых художников, многие из которых превзошли своего учителя. Сергей Васильевич Герасимов оставил не только богатое творческое наследие, но и учеников, которым отдавал всего себя. Его творчество называют русским импрессионизмом. В нём причудливо сплелись русское содержание и французская форма.

Жизнь

 

Место рождения будущего художника – подмосковный город Можайск. Он родился в 1885 году в простой рабочей семье кустаря-кожевника. Отец, человек довольно начитанный, по воспоминаниям Сергея Васильевича, поощрял стремление детей к рисованию. Начальное образование Сергей Герасимов получил в местной школе, среднее – в городском училище. Когда ему исполнилось 15, приехал в Москву, где в Строгановском училище (декоративное отделение), а затем и в МУЖВЗ обучался живописи у выдающихся мастеров и педагогов того времени К. Коровина и С. Иванова. Как вспоминал сам художник, именно в это время он понял что больше всего на свете любит русскую историю и русское искусство. В то время эталоном творчества для него были картины Васнецова и Нестерова.

Чтобы лучше понять жизнь русской деревни Сергей Герасимов ездит по России. После поездок в Псков, Суздаль, Ростов, Вологду появляются картины «Обед», «Три крестьянина», «Кожевники».

 

В Первую мировую художник идёт на фронт. Но после войны сразу же становится активным участником художественной жизни столицы. Молодые художники в то время объединялись по интересам. Сергей Васильевич Герасимов принадлежал к «Обществу московских художников», объединениям «Московский салон», «Маковец» и АХРР. Этот период для него ознаменовался изучением творчества Сезанна, Моне и Сислея. Отсюда и влияние французского импрессионизма в его картинах, изображающих типично русские пейзажи. Открыл для него технику великих французов один из преподавателей Герасимова Константин Коровин, его влияние ощутимо в ранних работах Сергея Герасимова.

 В послереволюционные годы художник шлифует мастерство не только в живописи, но и в графике, гравюре, рисунке, литографии, плакате.

 В 1915 году в родном Можайске Сергей Герасимов приобрёл специальную мастерскую, куда приезжал на долгие пленэры. Именно родная Можайская природа всегда находилась в центре творчества художника.

 С молодых лет и до конца своих дней Сергей Васильевич преподаёт. Ему очень многим обязаны выпускники художественной школы при типографии Сытина, ВХУТЕМАСа, Московского полиграфического института, МГХИ, МВХПУ.

Сергей Васильевич Герасимов имел учёную степень доктора искусствоведения. В 1940-х возглавлял художественный институт имени Сурикова. Как администратор и общественный деятель, проявил себя на посту бывшей Строгановки в 1950-х, Первого секретаря правления Союза художников Советского союза, председателя правления Московской организации художников. За год до смерти он был избран депутатом Верховного Совета Российской Федерации.

 Жизнь Сергея Васильевича Герасимова оборвалась в апреле 1964 года. Уже после смерти художника за серию картин «Земля русская» ему присудили Ленинскую премию и издали книгу «Об искусстве», в которой были собраны его статьи об искусстве.

Творчество

 

Первой любовью в раннем творчестве Сергея Герасимова была акварель. Как сознавался сам художник, он работал в этой технике довольно долго. В этой технике выполнены ранние портреты и жанровые сцены мастера. В акварели он шлифовал присущий ему стиль с лёгкими мазками и изысканной цветовой гаммой.

 Как и все художники того времени, Сергей Васильевич Герасимов не мог игнорировать октябрьские события 1917 года. В своём творчестве он живо откликнулся на всё, что происходило в стране после революции. В частности, оформлял празднование годовщины великого октября (1918). Панно Герасимова «Хозяин земли» в те дни украшало здание горсовета.

В 1910-20-х годах  Сергей Герасимов  работает над образом нового советского крестьянина. Названия картин говорят сами за себя: «Три крестьянина», «Крестьянка с петухом», «Фронтовик», «Крестьянин в шапке», «Рыбаки на Волхове». Сельские зарисовки и картины провинциальной жизни будут присутствовать в творчестве Сергея Васильевича на протяжении всей его жизни в искусстве. Но и в этих зарисовках чувствуется сильное влияние импрессионистов.

 Известность Сергею Герасимову в 1930-х годах принесли работы «Клятва сибирских партизан» и «Колхозный сторож». Первая – одна из лучших картин на историко-революционную тему в советской живописи. В этот период художник создаёт ряд других созвучных эпохе полотен. Самые удачные - «В.И. Ленин на II съезде Советов среди делегатов-крестьян» и красочная жанровая картина «Колхозный праздник». Именно в это время художник вырабатывает собственный стиль и отходит от влияния своего учителя Константина Коровина. К этому периоду в профессиональных кругах о Герасимове начинают говорить, что он состоялся как зрелый художник.

 Хрестоматийная картина Сергея Герасимова «Мать партизана», созданная в 1943 году, входит в золотой фонд изобразительного искусства периода Великой отечественной войны. Несгибаемость во взгляде русской крестьянки, смотрящей в глаза врагу, - собирательный образ матери солдата.

 Знаковое место занимают в творчестве художника лирические русские пейзажи, на которых угадываются просторы родного Можайска, поле Бородинской битвы, другие пейзажи России. Картины с богатой цветовой гаммой проникнуты глубоким лиризмом. На них все времена года, но любимым была ранняя весна. В пробуждение природы, дорогие сердцу иву, ручей, дубы, луговую зелень Герасимов вложил не только умение, но и всю широту своей души.

Известны также иллюстрации Сергея Герасимова к произведениям русской классики: к некрасовской поэме «Кому на Руси жить хорошо», к «Капитанской дочке» А.С. Пушкина, к горьковскому «Делу Артамоновых», к драме Островского «Гроза». Эти иллюстрации принято считать одними из лучших графических работ в советской живописи. За некоторые из них в 1958 году Сергей Васильевич Герасимов получил золотую медаль Всемирной выставки в Брюсселе.

 В послевоенные годы уже зрелый художник предаётся лирике и работает в основном в жанре пейзажа. «Последний снег» и «Первая зелень», «Пейзаж с речкой» и «Сирень в цвету» занимают С.В. Герасимова прежде всего.

 Серия восьми картин «Земля русская», за которую художнику посмертно была присуждена Ленинская премия, - это не что иное, как глубоко лирические полотна последних лет жизни: «Паводок», «Снег сошёл», «Можайск. Вечер.», «Ранняя весна» и другие пейзажные работы. Исключение, пожалуй, составляет лишь эпическая работа «За власть Советов», написанная в 1957 году. Это свидетельствует о том, что даже власти не оставалось ничего другого, кроме как признать художника лириком. В упомянутых выше пейзажах наиболее чётко проступают черты импрессионизма.

 Интерес к творчеству Сергея Васильевича Герасимова, прежде всего к пейзажам художника, не уменьшился и после его смерти. Благодарные ученики позаботились о том, чтобы статьи учителя, в которых много мыслей об искусстве, вышли отдельным изданием. Полотна кисти Герасимова хранятся в крупнейших выставочных залах и музеях России. На родине художника в Можайске открыт музей, а репродукции картин художника   изданы и переизданы множество раз.

О художнике Аркадии Александровиче Пластове увеличить изображение
О художнике Аркадии Александровиче Пластове

Не боясь казаться провинциалом, Аркадий Александрович Пластов почти всю жизнь проработал в родной Прислонихе, воспевая в своём искусстве её природу, жителей и быт. Его натурщиками были односельчане. Художник старался запечатлеть ту Россию, которая никогда не будет прежней. Лауреат Ленинской и Сталинской премий, Государственной премии Российской Федерации, Член Академии Художеств СССР, Народный художник Советского Союза. К чему стремился Аркадий Пластов в жизни и творчестве?

 

Жизнь

 

Родился Аркадий Александрович Пластов в 1893 году в селе Прислониха (тогда Симбирской губернии, теперь Ульяновской области).

 В родной деревне будущий художник получил начальное образование – три класса. Дед Аркадия был иконописцем, видимо, поэтому в мальчике боролись два начала – духовное и художественное. После сельской школы Пластов уехал в Симбирск, где, выполняя волю родителей, отучился в духовном училище и в семинарии.

 Но полотно и краски манили к себе. Однажды, увидев работу иконописцев в сельской церкви, юный Пластов уже не мог мечтать о другой судьбе. В 1912 году он приехал в Москву. Позанимавшись в мастерской И. Машкова, поступил в Строгановку (Императорское Строгановское Центральное художественно-промышленное училище). Одним из его наставников был Ф. Федоровский. Проучившись три года, Аркадий поступил в МУЖВЗ (Московское училище живописи, ваяния и зодчества) на отделение скульптуры. Здесь его учителями были скульптор С. Волнухин, художники А. Васнецов, А. Степанов, А. Архипов и другие видные мастера того времени.

После Октябрьского переворота 1917 года художник вернулся в Прислониху. Но отдаться целиком любимой работе Аркадий не смог. На заре советской власти грамотные люди в деревне были на вес золота. Аркадий Александрович занимался общественной работой, исполнял обязанности секретаря сельсовета. Но именно в это время в творчестве художника наметились тенденции к изображению сельского быта.

 Вернувшись в 1925 году в столицу, Аркадий Пластов работал над сельскохозяйственной тематикой. Но часто бывал в родной деревне, черпая сюжеты. Во времена коллективизации помогал создавать колхоз в Прислонихе, работая в нём, как простой крестьянин.

Возвратом к художественному творчеству для Пластова стал 1931 год. Пожар в его деревенском доме уничтожил все художественные работы и наброски. Оставив сельское хозяйство, художник с новой силой берётся за творчество, создавая новое наследие. В 1930-х появляются его лучшие работы на колхозную тематику, которые принимают участие во Всесоюзных выставках. После этого картины Аркадия Александровича – во всех престижных экспозициях того времени.

Военные годы в полной мере отобразились в творчестве А. Пластова. В конце 1942 года художник совершил поездку на фронт, в результате которой появилась серия выдающихся работ: «Фашист пролетел», «Защита родного очага», «Один против танка» и другие.

В послевоенные годы и до смерти картины А.А. Пластова принимали участие во всех крупных художественных выставках, художник удостоился многих государственных премий и званий:

 

Сталинская премия первой степени (1946).

Действительный член Академии Художеств СССР (1947).

Звание Народного художника СССР (1962).

Ленинская премия (1966).

Государственная премия РСФСР имени И.Репина (1972 — посмертно).

Два ордена Ленина.

 

Художник продолжал писать сельские мотивы с натуры, портреты, работал в жанре иллюстрации (к произведениям Л. Толстого, А. Чехова, Н. Некрасова, А. Пушкина), пробовал кисть в анималистическом жанре.

 Творческое наследие живописца насчитывает более десяти тысяч полотен. Произведения Аркадия Пластова находятся в постоянной экспозиции Третьяковской галереи, Русского музея, на родине – в Ульяновском художественном музее, а также в других городах России.

 Аркадий Александрович Пластов скончался в мае 1972 года в деревне где родился и вырос, работая за мольбертом до последнего дня.

 В Прислонихе и Ульяновске Аркадию Пластову соорудили памятники, его жизни и творчеству посвящены музеи на малой родине и в областном центре. В Ульяновске именем художника назван один из бульваров.

 

Творчество

 

Все образцы раннего творчества Пластова уничтожил пожар в 1931 году, поэтому до наших дней дошли лишь картины зрелого художника.

 Перед созданием очередного полотна Аркадий Александрович делал множество набросков и эскизов. Столь подробное этюдирование иногда мешало свежести восприятия при работе над картиной. Но это был творческий метод художника.

 1930-е – плодотворный период творчества. После пожара надо было нарабатывать новые произведения. Первое участие в выставке картин А. Пластова состоялось в 1935 году. Это были работы «На сенокосе», «Стрижка овец», «Колхозная конюшня». В 1937-1938 гг. он представляет картину «Колхозный праздник». Живая зарисовка из сельской жизни имела успех. Позже были «Купание коней» и «Колхозное стадо». Названия картин как нельзя лучше говорят о тематике творчества этого периода. Герои произведений – односельчане Аркадия Пластова.

 События военных лет оставили след не только в творческом наследии, но, по-видимому, и в душе художника, ведь именно в картинах на военную тематику его драматическое художественное дарование раскрылось в полной мере. Уже в первые годы Великой отечественной А. Пластов создал серию картин, которые стали хрестоматийными. Самая известная из них – «Фашист пролетел». В основе полотна – сюжет гибели человека на фоне безмятежной природы. Картину считают одним из лучших произведений советской живописи этого времени.

 После войны, как сознаётся сам Аркадий Александрович в своей автобиографии, хотелось радоваться каждому листику, каждому солнечному дню. Это прослеживается в его картинах «Сенокос», «Жатва». В 1946 году он создал одно из глубоко лирических своих произведений – «Первый снег».

 Имеет продолжение и колхозная тема. Картина «Ужин трактористов» демонстрировалась в 1958 году в Лондоне, позже была выпущена марка с изображением этой работы.

 В 1950-х годах художник иллюстрирует произведения русской классики: рассказы Л. Толстого, «Капитанская дочка» А. Пушкина, «Мороз, Красный нос» Н. Некрасова, детские книги.

 В 1954 году Пластов написал одну из лучших своих картин «Весна». Обнаженную женщину на фоне бревенчатой бани ценители искусства назвали «северной Венерой».

 В 1960-х годах Аркадий Александрович создаёт серию полотен, посвященных женщине: «Мама», «Солнышко», а также «Из прошлого» — одна из последних масштабных картин художника (1969-1970).

 Можно расценивать творчество А. А. Пластова как идеологическое, называть художника «певцом эпохи коллективизации», но внимательный зритель увидит в его полотнах ту Россию, которой она больше никогда не будет. Да и сами колхозы – частица нашей истории, затерявшаяся в ХХ веке. Он сумел разглядеть в рабочих и крестьянах ту неподдельную красоту, которую вряд ли заметит городской житель. Следуя традициям школы русской реалистической живописи, А. Пластов выработал индивидуальный почерк и до конца дней старался быть запредельно искренним в своём творчестве, ни одного дня не экспериментируя с модернисткими тенденциями. Яркие цвета его работ будто утверждают: жизнь прекрасна и каждый её миг важен.

Почему так популярны картины художников в сказочно-былинном жанре?

Сказки, былины, мифы, притчи и другой народный фольклор позволяют человеку стать ближе к своим предкам, вернуться к истокам. В наше время набирает популярность всё языческое и древнерусское, потому что оно естественно и близко к природе. Современные люди устали от цивилизации.

Неудивительно, что и продажа живописи с сюжетами из известных сказок или былин с каждым днём становится всё более востребованной. Многие хотят купить картину себе домой или в подарок на юбилей, свадьбу или новоселье, чтобы привнести в жизнь немного сказочной магии.

 

В чём привлекательность картин с изображением героев из сказок и былин?

 

Небольшая доза иллюзий полезна человеку – такова особенность психики людей. Картины с фантазийными или сказочными сюжетами вызывают у зрителя чувства присутствия волшебства, силы, благодаря которой чудесным образом всё должно измениться к лучшему. У человека поднимается настроение, появляются силы в ожидании приятных перемен.

В день рождения или бракосочетания, на новоселье, люди находятся в приподнятом настроении, в состоянии ожидания чуда. Поэтому как никогда уместна картина в подарок для дома в сказочно-былинном жанре. Пожелания вместе с таким подарком становятся весомыми и запоминающимися.

Желаете семье достатка и процветания? Преподнесите в подарок на новоселье картину с изображением бога благополучия Даждьбога или его дочери Сурицы, богини радости. В доме есть дети? Подойдёт картина в подарок для детской с вымышленными персонажами вроде волшебных фей, симпатичного повелителя стрекоз, милого Арлекино и весёлой Коломбины.

Не знаете, что купить в подарок на день рождения подруге? Купите картину для спальни: «Волшебство арабской ночи» сделает отход ко сну лёгким и сладким, богиня утра «Заря-заряница» обеспечит приятное пробуждение и хорошее настроение на весь день.

Художники стремятся с помощью красок отразить в своих работах народные представления о силе, добре, зле, красоте, воспеть героизм русских воинов из былин и сказок. Картины с изображением русского витязя, победителей-богатырей или древнерусских богов, покровителей воинов – хороший подарок мужчине или юноше. В подарок женщине можно выбрать картину с романтическим сюжетом о любви, верности и доверии.

Картина в подарок для интерьера в сказочно-былинном жанре – наилучший способ выразить свои чувства и пожелания. Художник уже перенёс свои эмоциональные переживания на бумагу или холст, запечатлел их в красках, создал образ. Слова излишни – осталось просто смотреть и чувствовать.

Вы можете выбрать и купить живопись в сказочно-былинном жанре на нашем сайте. Загляните в виртуальную галерею – герои сказок и былин никого не оставили равнодушным. Они вдохновляют людей, заставляют их мечтать и стремиться к лучшему. 

Натюрморты с овощами

Жанр натюрморта – это один из самых необычных жанров живописи, отражающий особый интерес человека к быту и повседневной жизни. Ведь с помощью натюрморта художник пытается передать всю красоту окружающего его мира, которую далеко не всегда способен подметить и оценить глаз человека.

Как и несколько столетий назад, так и сегодня, натюрморты с овощами заслуженно называют одними из самых популярных и востребованных картин для дома, которые всегда радуют глаз своими яркими красками и живостью изображённой композиции. Красивый натюрморт с овощами подчеркнёт общее настроение помещения и поможет расставить акценты в интерьере.

Натюрморты с овощами – это превосходное решение для оформления кухни или столовой, ведь они связаны единой идеей – передать аромат и вкус сочных и спелых овощей, возбудив аппетит. Насыщенная, яркая палитра цветов, которые художники зачастую используют при создании натюрмортов, делает их изысканной деталью любого интерьера, наполнив его гармонией и позитивной энергетикой. Аппетитные баклажаны и тыквы, ароматный чеснок, дары леса и осени, изображённые в работах Елены Таракановой, Полины Горецкой, Ксении Погуляй, Анастасии Яблоковой, Виталия Стройнова, Татьяны Седовой, Сергея Нечитайло, Евгении Трифоновой, Юлии Масловой, Алёны Савченко, Ольги Куриловой и многих других художников, которые занимаются продажей живописи на нашем сайте, приятно оживят даже самое унылое помещение, наполнив его гармонией и особым ощущением тепла и уюта.

Натюрморты с овощами могут отлично вписаться практически в любой стиль интерьера. Например, работа Владимира Горячева «Колдуем на кухне» будет превосходно смотреться на кухне, выполненной в итальянском стиле, а акварель Александра Карпана «Октябрьская тыква» станет яркой деталью интерьера кухни в стиле прованс.

Натюрморты с овощами – это не просто картины для интерьера, это неповторимые произведения искусства, в которых каждый элемент наделён особым символическим значением. Представьте себе, как же это прекрасно сидеть на кухне морозным зимним вечером с чашечкой горячего чая в руках и вспоминать тёплое лето и золотую осень, созерцая восхитительные натюрморты с овощами!

Современные художники используют разные техники живописи, поэтому Вы можете купить картины акварелью, гуашью или маслом. Продажа натюрмортов на нашем сайте осуществляется непосредственно самими художниками или их наследниками, поэтому авторство гарантировано. Если же Вам нужна картина в подарок, то красивый натюрморт с овощами станет отличным выбором. Подарить картину можно на день рождения, годовщину свадьбы или юбилей.

На нашем сайте можно не только купить натюрморт, здесь Вы можете купить картины для офиса, восхитительные пейзажи или исторические картины, которые подчеркнут самобытность Вашего дома или офиса. Чтобы Вы не выбрали, не забывайте, что живопись, которая будет висеть в Вашем доме, должна радовать Вас и поднимать настроение окружающим.

Историческая картина

Современный мир подарил человеку огромное количество замечательных новшеств. Теперь, например, существует множество способов создания интересных изображений, но авторская работа художника не теряет своей популярности. Но если когда-то купить картину могли позволить себе лишь очень состоятельные люди, то теперь ситуация изменилась в лучшую сторону - интернет предоставил художникам чудесную возможность показать свои работы большому кругу людей. Сейчас каждый желающий может купить живопись, отталкиваясь от своего бюджета.

Особый интерес остаётся к такому жанру, как историческая картина. Созерцание сюжетов и образов прошлого не может не волновать. Причём, изображенные события не обязательно трактуют реальные странички истории. Очень часто мастер пользуется мифическими или библейскими сказаниями. Наполнить помещение ушедшей «эпохой», продемонстрировав хороший вкус, способны картины художников, работающих в историческом жанре.

Грамотно подобранная историческая картина  ̶  это украшение интерьера. Как правило, работы такого характера занимают почетное место в гостиных, если речь идёт частном жилище. Использование исторической живописи  ̶  излюбленный приём рестораторов, желающих оформить свое заведение в классическом стиле. Не менее популярны такие картины для интерьера офиса. Внести некоторую «фундаментальность» в атмосферу своего кабинета хотят многие руководители.

Живопись для интерьера оживляет помещение, наполняя его индивидуальностью. Она способна влиять на эмоциональное состояние человека, благодаря энергетике мастера, вложившего частичку своей души в работу. Рассматривая картину, человек испытывает необъяснимое удовольствие, даже если он и не является знатоком изобразительного искусства. Продажа живописи остается актуальной во все времена, ведь покупка авторской картины  ̶  это разумное капиталовложение.

И, конечно, картина в подарок  ̶  это прекрасная возможность поделиться своими эмоциями с близким человеком. Такой дар тонко подчеркнет успешность и эстетический вкус дарителя. Нет надобности посещать традиционные галереи чтобы определиться с покупкой. Продажа картин через интернет поможет сэкономить Ваше время. В комфортной и привычной обстановке намного проще сделать выбор. И не важно, какая из работ «зацепила» душу - картина состоявшегося автора или начинающего талантливого художника…. Эмоции помогут найти ту, которая ждёт именно Вас. 

РЫЦАРЬ БЕЗ СТРАХА И УПРЕКА увеличить изображение
РЫЦАРЬ БЕЗ СТРАХА И УПРЕКА

«Тоска зелёная» - так называет одну из своих картин Владимир Волосов и не боится грубых намеков или иронии. Любопытный художник, рыцарь «без страха и упрека».

Запрограммированная на успех судьба учёного-оптика дала неожиданный сбой на вершине карьерной лестницы. «Земную жизнь пройдя до половины» лауреат Государственной премии потомственный физик профессор Волосов вдруг обратился к «несерьёзному» изобразительному искусству. Расхожий сюжет, но здесь он требует отступления и разъяснения.

Время от времени возникающая мода на исконно-посконный примитивизм иногда извлекает из небытия то пенсионерок, рисующих бесчисленные подсолнухи, то скучающих артистических барышень, в промежутке между спортивным классом и посольской вечеринкой малюющих лубочные картинки из собственной жизни.

Так вот, Владимир Волосов – явление несколько иного порядка. Его работа, слава богу, лишена и намека на сиротство или самолюбование. Изменив профессию, он решил буквально прожить еще одну жизнь – и проводит свой нелёгкий опыт со всей беспощадностью мыслителя-аскета.

«Подобно тому, как художники изучают анатомию чтобы затем приступить к изображению тела, я изучал оптику, природу света, чтобы потом перенести его на холст с помощью красок» - так, не жалея о прошлом, Волосов судит своё настоящее и будущее.

Сюжеты его полотен обыденны и определимы строго: пейзаж. Но во всех этих нескончаемых лесных тропинках, дорожках, ветках, листьях художника в первую очередь интересует сиюминутное состояние объекта, внешнее и внутренне свечение. Строго говоря, его работа – это реализм и следование классическим канонам предельно точной живописи. Но все эти нескрываемые впечатления художника, его пристальное внимание, дрожание взгляда… Критики придумали определять творчество Владимира Волосова как лирический реализм. И название это весьма уместно, если вспомнить нескончаемый спор 60-х: физики или лирики? Пример Волосова удачно примиряет тех и других.

 

Екатерина Горелова

Разноплановое дарование Григория Шегаля увеличить изображение
Разноплановое дарование Григория Шегаля

Это один из тех мастеров изобразительного искусства, к кому нельзя применить термин устоявшееся творческое амплуа. В его картинах  эпоха социалистической стройки не лишена определённой лирики. Талант мастера исторических полотен в нём боролся с талантом тонкого лирика. Григорий Шегаль – видный художник и педагог первой половины ХХ столетия, вся жизнь которого – один большой творческий поиск.

Биография

 

Будущий живописец увидел свет в городе Козельске Калужской губернии в 1889 году. Он рано осиротел и работал «мальчиком», а потом и в подмастерьях в мастерской смоленского гравёра. Как вспоминал художник в автобиографии, ночами срисовывал все картины, имевшиеся в доме хозяина. Первой школой Григория  Шегаля были также рисунки-впечатления от книг, которые он читал каждую свободную минуту. Всё своё скудное жалование Г. Шегаль тратил на уроки с репетитором-студентом, которые помогли ему получить аттестат зрелости. Теперь он имел основание уехать в Петербург за желанным специальным образованием.

 В 1912 году Григорий  Шегаль поступил в Петербургскую Рисовальную школу при Обществе поощрения художеств. Первыми его учителями были Аркадий Рылов и Николай Рерих. В 1916-18 годах Григорий Шегаль учился в Академии художеств, но не окончил её. Позже он писал, что в Академию в то время ринулись «теоретики, демагоги и конструктивисты», поэтому он и не стал учиться дальше. В 1918 году в Туле Григорий Шегаль организовал рабочую студию Пролеткульта.

 В 1922 году художник приехал в Москву, и в 1925 году, наконец, закончил обучение во ВХУТЕМАСе (преподаватель Александр Васильевич Шевченко). Здесь он увлёкся живописью Сезанна, Хальса, Веласкеса, Шардена, Рембрандта. Их влияние, особенно Поля Сезанна, чувствуется в работах молодого Шегаля.

 В 1920-х годах Григорий Михайлович Шегаль был активным членом сообщества молодых столичных художников, пытавшихся формировать новый эстетический идеал зарождающегося советского искусства: «Общество московских художников», «Московские живописцы», АХРР. Первый опыт выставочной деятельности художник приобрёл в 1924 году. Его картины демонстрировались на выставке «Бубнового валета». Немногим позже Г.М.  Шегаль участвует в выставках АХРР, члены которой считали своей основной задачей придать молодому искусству советской эпохи новое содержание.

В 1929 году издательство ИЗОГИЗ предлагает Шегалю и другим художникам контракт. Из-под его кисти появляются картины «Рождение трактора», «Путь свободен. Турксиб.», «На эскалаторе». Его портрет Сталина «Вождь, учитель, друг» экспонировался на выставке под названием «Жить стало лучше».

 В 1935 году столичные творческие круги заговорили о Григории Шегале как о зрелом живописце. Поводом к этому стала персональная выставка художника. В это время Григорий Михайлович работал в разных жанрах, при этом  каждая из его работ отличалась ярким индивидуальным почерком.

Во время Великой Отечественной войны 1941-45 годов Г.М. Шегаль, находясь в эвакуации, продолжал шлифовать своё искусство пейзажа и портрета, закрепляя полученные в юности навыки классического изобразительного искусства.

 Наряду с продуктивной практической деятельностью Григорий Михайлович преподаёт в Московском художественном институте им. Сурикова и во ВГИКе. Известны его статьи по изобразительному искусству, а также объёмная монография «Колорит в живописи». Студенты вспоминали что он не просто преподавал, но и водил их по музеям, заставляя анализировать работы великих художников, приводил их в свою мастерскую на Верхней Масловке.

Незадолго до смерти Академия художеств СССР принимает живописца в члены-корреспонденты.

 Умер Григорий Михайлович Шегаль в 1956 году в Москве.

Творческий поиск

 

Истоки творческой деятельности Григория Михайловича Шегаля совпали со становлением молодого советского государства. В это время в поиске новых форм и содержания в изобразительном искусстве (как и в литературе, и в театре) художники объединяются в сообщества. Григорий Шегаль принимал участие в жизни нескольких из них. Благодаря творческим объединениям, он приобрёл первый опыт выставочной деятельности. По названиям полотен можно судить о темах, волнующих художника в то время. Известные картины Г.М. Шегаля 1920-х годов:

 Москва. Лефортово (Пейзаж с прачками) (1923) .

Работница (1924).

Старый рабочий (1924).

Безработные на Западе (1924).

Дубки. Оптина пустынь (1926).

Портрет матери художника (1926).

 Вместе с производственной темой, Г. М. Шегаль пробует свои силы в портрете и пейзаже – жанрах, которые проявятся в более позднем периоде. А пока что молодой художник под сильным влиянием Поля Сезанна ищет свой почерк и работает в актуальной по тем временам тематике.

 1930-е – расцвет художественной деятельности во всех жанрах. Художник много путешествует, фиксируя моменты жизни развивающихся народов. Об этом свидетельствуют его работы «Из узбекского альбома» (1931), «Казахи-фабзайчата» (1931), «Новый товарищ» (1931), «Аджарское кочевье» (1932). Работая по контракту с Издательством «ИЗОГИЗ», художник много зарисовок делает на ударных стройках первых пятилеток – Турксиб, Карабаш, Новокузнецк, Соликамск, Златоуст. Художник оставил богатое наследие так называемого индустриального пейзажа – жанра, одним из зачинателей которого был он сам. Произведение «Уральский металлургический завод» – это обобщение новой жизни развивающейся страны.

 Ещё одно полотно Г. М. Шегаля этого периода, заслуживающее внимание,  это «Расстрел железнодорожников колчаковцами в Кизеле в 1919 году». Замысел эмоционального произведения глубочайшей силы возник спонтанно, когда в 1933 году художник проезжал через станцию Кизел по дороге на Урал. Над ним Григорий Михайлович работал более двух лет. Второе полотно на историческую тему – истинная историко-психологическая драма «Бегство Керенского из Гатчины в 1917 году» (1937-38).

 Параллельно художник пишет пейзажи, портреты и натюрморты, такие как «Натюрморт с бегонией» (1935), «Сплав леса по реке Тельбес» (1935), «Оливы утром» (1938), «Портрет жены» (1938).

 В военный и послевоенный период (1940-е) Григорий Шегаль полностью посвятил себя пейзажу и натюрморту. Ранее эти жанры в его творческом процессе перекрывали идейные полотна, но тем не менее, лирические произведенияГригорий Михайлович Шегаль писал всю свою жизнь. Пейзажи и натюрморты – продолжение традиций русского реалистического искусства. На картинах этого периода – предвоенный Крым, красоты среднерусской полосы. Даже в суровые военные годы он не прекращает писать московские пейзажи - «Масловка. Зимние сумерки» (1941), «Поздняя осень» (1942), «На эскалаторе. Московское метро» (1941-1943). Послевоенное творчество Григория Шегаля характеризуют ещё более спокойные мотивы – «Тихий вечер» (1946), «Натурщица» (1947), «Вечер в Гребешках» (1948), «Вечер в Юрьевце» (1948).

 Подобные сюжеты мы наблюдаем и в его творчестве 1950-х , последних лет жизни художника. «Портрет корейской танцовщицы Ан Сон Хи» (1952), «Таллин. Улица Виру в полдень» (1953), «Бурная весна» (1954), «Дельфиниумы» (1955).

 Современники вспоминают о Григории Михайловиче Шегале, не только как о незаурядном живописце, создателе историко-патриотических полотен и замечательных пейзажей, но и как о человеке с широким спектром интересов, активной жизненной позицией. Студенты помнят его интересные занятия. Творческое наследие Г.М. Шегаля хранится частично в ГТГ, несколько работ выставлены в Киевском национальном музее русского искусства, областных музеях РФ.  

Летние пейзажи: великолепие родной природы увеличить изображение
Летние пейзажи: великолепие родной природы

 Особенность летних пейзажей талантливых советских и современных российских художников состоит в том, что они всегда имеют собственный подход к работе, уникальную манеру письма и индивидуальный стиль. Через картины с изображением лета мастера обращаются к чувствам каждого зрителя, пробуждая приятные воспоминания о солнечных днях, ароматах травы и цветов, времени, наполненном счастьем и оптимизмом. Пейзажи не только передают спокойную красоту природы родного края, но и помогают раскрыться внутренним переживаниям. Очень часто в таких работах художники используют и интересные портретные композиции, которые заставляют по-новому взглянуть на окружающий мир, увидеть его во всех красках.

 На этом сайте вы сможете найти талантливейшие картины многих советских и российских художников, рисовавших летние пейзажи: Гремитских В.Г, Сорокиной О.А, Таракановой Е.В, Есипова А.М, Безродных А.Н, Серебренниковой Л.Г, Пыльнева А.Н. и многих других. В нашем каталоге найдется множество прекрасных работ, которые смогут украсить любой жилой или офисный интерьер, придав ему особую выразительность. Кроме того, это отличная возможность купить картину в подарок близким людям или пополнить свою личную коллекцию произведений искусства.

 

Особенности летнего пейзажа русской школы живописи

 

 Лето в картинах советских и российских художников пропитано гармонией тепла и благоухания зелени, то едва утомлённой знойной жарой, то пропитанной освежающей влагой после летнего дождя в красках очарования природы русских пейзажей. Для многих из нас это самое любимое и долгожданное время года. Такие работы позволяют забыть о холодной зиме и порадовать себя позитивными эмоциями.

 Летний пейзаж богат насыщенными и яркими цветами, тёплым колоритом, а цветовая насыщенность и живость пейзажей художников доставляют истинное удовольствие зрителю, тем, кто ценит по-настоящему талантливую живопись.

Обилие образов, которыми так богаты современные летние пейзажи, связано с тем поистине безграничным потенциалом русской природы, которая окружает художников, даруя им вдохновение и творческие силы.

 Смотря на такую живопись, зритель понимает: сколько необходимо мастерства и таланта, чтобы передать в живописи всю естественную и умиротворяющую атмосферу, которая царит в это замечательное время года. Картины с изображением летних дней заставляют мечтать и радоваться жизни.

Купить пейзаж

 Летние пейзажи художников пробуждают в каждом из нас самые приятные воспоминания о солнечных тёплых деньках и заставляют мечтать о новых впечатлениях, отдыхе на море, поездке за город. Такие картины богаты яркими красками и особым колоритом. Всю красоту родной природы Вы можете увидеть в летних пейзажах, представленных в нашем онлайн каталоге. При этом наша коллекция постоянно обновляется и пополняется новыми талантливыми работами.

 У нас вы всегда сможете выгодно купить пейзаж, который добавит в интерьер особую атмосферу тепла и оптимизма.

Почему стоит выбрать именно наш сайт?

•          Большой выбор летних пейзажей на любой вкус;

•          Возможность купить картину непосредственно у автора;

•          Выгодные расценки на всю живопись;

•          Профессиональные консультации при покупке картин.

 Картины с изображением лета позволят Вам даже холодной зимой не забывать о тёплых днях и невероятной красоте родной природы.

Выставка живописи «Лирика русской природы» увеличить изображение
Выставка живописи «Лирика русской природы»

Красота и неповторимость русской природы находили свое отражение в творчестве русских людей во все времена. Ей посвящали песни, музыку, стихи, поэмы. Особое же место русской природе всегда уделялось в изобразительном искусстве. Многие живописцы прошлого и современности передают нам всё разнообразие и величие родной земли через свои произведения.

Одним из таких художников среди наших современников является Андрей Николаевич Ковалевский. Большинство его работ выполнено в стиле реализма и изображают исконно русскую природу, такую милую и родную сердцу каждого русского человека. Название нашей выставки: «Лирика русской природы» в полной мере передает содержание произведений этого талантливого живописца. Несмотря на то, что все его картины написаны в конце 20-го – начале 21-го века, природа в них изображена такой, какой видели её русские люди 100-200 и более лет назад. Именно такую природу воспевали в своих бессмертных произведениях А.С.  Пушкин, М.Ю.  Лермонтов, С.А.  Есенин, А.А.  Блок, А.А.  Фет и многие другие наши классики поэтического искусства. При всём этом работы Ковалевского нельзя назвать однотипными. Напротив, все картины очень разные. Природа России в них представлена во всём своем невероятном многообразии: летние деревенские пейзажи, от которых так и веет запахом луговых трав и цветов, белокаменные православные храмы, уютные улочки южного города со стройными кипарисами, романтика русского леса, и, конечно же, русская зима с её спящими деревьями и бесконечными снегами. Несмотря на простоту сюжетов, картины наполнены множеством мельчайших деталей, что делает их интересными и притягательными для изучения.

Рассматривая картины Ковалевского, каждый сможет найти тот пейзаж, который найдет отклик в сердце, напомнит о чем-то родном и светлом, будь то летние каникулы из далекого детства, беззаботный отпуск, счастливая прогулка с близким человеком или что-то ещё. Созерцание произведений этого российского художника подобно созерцанию живой природы. Его пейзажи расслабляют, вдохновляют, навевают мысли о вечном и наполняют чувством прекрасного. Именно через такую живопись открываются глаза на окружающую красоту, и мы начинаем видеть то великолепие, которое простирается вокруг нас.

Выставка будет открыта с 18 мая по 12 июня, вход по билетам музея, расписание работы музея по ссылке: http://www.visotsky.ru/kontakty Кроме того, в холле музея будет проходить выставка детских работ учеников Андрея Ковалевского. Творческая встреча с художником состоится 12 июня 2016, о времени будет сообщено дополнительно.

Ольга Курзанова – художник нашего времени увеличить изображение
Ольга Курзанова – художник нашего времени

Ольга Курзанова – молодая российская художница, о таланте которой уже знают не только в России, но и во многих других уголках планеты. Уникальность её, как человека и художника, заключается в том, что, даже не имея профессионального художественного образования, Ольга смогла создать несколько десятков поистине неординарных полотен, которые не остались без внимания ценителей искусства, в частности таких направлений в современной живописи, как реализм и импрессионизм. Именно отсутствие специального художественного образования и позволяет ей писать действительно интересные картины, и в наше время это не может звучать парадоксально. Подтверждением актуальности и качества её творчества является его востребованность ценителями изобразительного искусства и коллегами по рабочему цеху.

Ольга Курзанова обладает удивительной способностью создавать в своих картинах поразительные эффекты, работая мастихином. Не многим художникам дано так умело выражать свои настоящие чувства и мимолетные впечатления, ощущения действительности и переживания в своих картинах, как это умеет делать Ольга. Посетив в 2011 году известную мировую сокровищницу изобразительного искусства музей «д`Орсе» в Париже, она получила тот самый необходимый любому таланту и творцу источник вдохновения, ни разу не покинувший её по сей день. Сегодня Ольга участник ряда международных выставок и конкурсов, член ТСХР и настоящий талант.

 

Творческий путь Ольги Курзановой

 

Творчество Ольги Курзановой тесно связано с её собственным мировоззрением, поэтому она выбрала направления реализма-импрессионизма, как основополагающую идею создания ярких и завораживающих полотен, наполненных реальностью, чувствами художника к окружающему миру, её переживаниями. Все это становится живым и настоящим благодаря и богатому жизненному опыту художника, где были и печали и радости, переживания и боль, победы и поражения, всё, что в последующем сделало картины Ольги Курзановой такими насыщенными и реалистичными произведениями искусства.

С помощью красок и мастихина она способна творить чудеса на холсте, передавая в своих картинах определенные жизненные мгновения и события, подчёркивая в целом уникальность жанра и его значимость в живописи. Владение мастихином, как инструментом создания и слияния разнообразных живописных приёмов, показывает, насколько многогранно её творчество и как огромен её потенциал. Мастихином создаются мазки, с помощью которых художница способна претворять реальность в бесконечные красочные эмоции.

Писать мастихином в стиле реализма или импрессионизма, соблюдая рельеф и ровные слои при нанесении краски на холст – это целое искусство, овладев которым Ольга Курзанова открывает миру непревзойдённые картины. 

Николай Горлов – советский импрессионист увеличить изображение
Николай Горлов – советский импрессионист

Удивительная судьба беспризорника, приехавшего из Сибири в Москву, и полюбившего её всем своим огромным сердцем, поразит каждого, кто поинтересуется судьбой художника Николая Николаевича Горлова. За время своей полувековой творческой деятельности он создал около 1500 картин, среди которых натюрморты, портреты, пейзажи. Некоторые критики называли его «советским импрессионистом». Жизнеутверждающее начало в широком мазке живописца возникло из голодного детства и воспитания в Люберецкой колонии, из которой и начался творческий путь Горлова

Беспризорник из Сибири

Он родился в один год с Октябрьским переворотом. Ничего удивительного, что 1917 год в его наследии занимает почётное место. Но это будет потом. Родился Николай Горлов в Омске. Уже в 7 лет Коля Горлов остался круглым сиротой, какое-то время воспитывался в семье дяди, но очень скоро очутился в детском доме, где были не лучшие условия. Нетрудно представить себе сибирского детдомовца 1920-х годов – немытый, лишенный элементарной заботы, не говоря о ласке, голодный ребенок. Свободолюбивая натура будущего художника не выдержала надругательства. Когда ему исполнилось 15 лет, Николай оказался в поезде Омск-Москва. Долго беспризорничать не довелось, уже в поезде его задержали борцы с детской преступностью. Они направили его в детскую колонию Наташино.

Но вскоре Горлов попадает в макаренковскую Люберецкую трудовую коммуну им. Ф.Э. Дзержинского. Там он играет на барабане в оркестре, осваивает столярку. Но по-настоящему талант семнадцатилетнего юноши открылся в Изостудии, где первые серьёзные уроки ему преподносит ученик известного русского живописца К. Коровина — Аникита Хотулёв. Занятия принесли плоды. Уже в 1936 году около 30-ти работ 19-летнего Николая Горлова экспонируются на выставке в Москве. Первые рисунки начинающего художника повествовали преимущественно о жизни беспризорников в коммуне. Однако на выставке были представлены первые пейзажи – картины, жанру которых суждено стать доминирующим в творчестве художника. К сожалению, ранние работы Николая Николаевича уничтожила война.

Суриковский институт

В колонии Николая Горлова и еще двоих учеников заприметил Борис Иогансон, время от времени приезжавший навестить Изостудию. По-видимому, его рекомендация стала решающей. В 1937 году коммуну Макаренко посетил директор Московского художественного института им. Сурикова Игорь Эммануилович Грабарь. Горлова и еще двоих воспитанников колонии зачислили в институт на ІІ курс без экзаменов.

В ВУЗе Николай Горлов учится у Б. Иогансона, А. Осмеркина, М. Шемякина, С. Герасимова. Дипломной работой живописца стала картина «Штурм Зимнего дворца». Работать над ней пришлось в 1942 году в Самарканде (Узбекистан), куда был эвакуирован Суриковский институт. Год спустя картина была представлена в экспозиции ГМИИ им. Пушкина. Директор института И. Грабарь называл Н. Горлова неузарядным явлением, хотя дипломную работу раскритиковал в пух и прах.

 

Три периода творчества

 

Невероятно, но сразу после окончания института, в 1943 году, Николай Горлов становится членом Союза художников. Отношения ни с главами Союза, ни с чиновниками Минкульта у художника не складывались. Его широкая натура, он не умела прогибаться и лебезить перед начальством, поэтому художник не имел званий и государственных наград, его работы не издавались в альбомах, о творчестве Н.Н. Горлова нет ни единой монографии, он не ездил в творческие заграничные командировки как другие художники. Впервые за границей его картины выставили в Лондоне в 1989 году, уже после смерти художника. Долгое время он не имел отдельной мастерской, писал в комнате, где жил с семьей.

Главный источник сведений о художнике – его вдова, оставившая основательные исследования. Она делит творчество мужа на 3 периода.

•             Первый – студенческие работы. Живопись этого периода отличается тонкостью.

•             Второй период – характеризуется плотностью и цельностью в восприятии художником натуры.

•             Третий период – картины, насыщенные светом и экспрессией.

В творчестве Н.Н. Горлова присутствуют как минимум три направления:

•             академическая манера;

•             импрессионизм;

•             модернистские приемы II половины ХХ века.

•            

Оптимистическое мироощущение художника

 

Знакомые называли Н. Горлова «здоровенным детиной который никогда ничем не болел». Мощным и стихийным называют критики творчество мастера. В картинах ощущается его неуемный темперамент и жажда жизни. Он жил широко и хаотично в быту, но в творчестве был, на удивление, дисциплинированным. Его природная размашистость в работах приобретает неимоверную стройность и чёткость. В работах Николая Николаевича Горлова много света, экспрессии, они исполнены в сложных цветовых соотношениях. Колористические акценты – удивительно точные.

Натюрморты Н.Н.  Горлова – это идеальная композиция, чёткие линии. В этом жанре он продолжает традиции Коровина, Репина, Серова. Во многих картинах, по-фламандски ярких, часто встречается гранат. Почему Горлов отдавал предпочтение этому фрукту, надлежит изучить исследователям его творчества.

На протяжении всей жизни художник писал «Пушкиниану». В раннем творчестве это «Пушкин в Гурзуфе в семье Раевских», позже  Н. Горлов пишет «Пушкин среди декабристов». И уже в последнем периоде жизни появляются картины «Могила Пушкина», «Скамья Онегина», цикл пейзажей села Михайловского.

Городские пейзажи – излюбленный жанр. Он обожал писать Москву. Причём одни и те же ракурсы в разные времена года, суток и даже в разном настроении. Его городские пейзажи можно систематизировать в серии - «Золотое кольцо», «Горки Ленинские», «Сенеж», «Большой Девятинский переулок».

Художник любил пленэры. «По солнышку ходить» и «На восторг писать», — так формулировал свои методы работы сам Горлов. В течение жизни он не уставал накапливать впечатления, что очень важно для любого художника. Кажется, от солнца и невероятная энергетика его полотен, где всё растет, дышит, изобилует красками, сверкает. Как может быть плохо человеку в такой природе?

Именно настроение делает творчество этого русского художника сходным с французскими импрессионистами.

 

Где можно увидеть картины художника?

 

За долгие годы творческой деятельности картины художника были представлены всего лишь на 17 выставках, преимущественно в Москве. И только одна из них экспонировалась в Омске, на родине Николая Николаевича. По разным оценкам живописец оставил от 900 до 1500 картин, разбросанных по всему миру. Свои работы он любил дарить не столько музеям, сколько так называемым народным галереям.

Тем не менее, образцы творчества Николая Николаевича Горлова представлены в Государственной Третьяковской галерее, Государственном Русском музее, в экспозициях музеев Иркутска, Минска, Омска, Симферополя и других городов бывшего СССР. Произведения Николая Николаевича Горлова уходили на многих международных аукционах и сейчас находятся в частных коллекциях по всему миру. Однако, большинство работ хранится в семье художника. Умер Николай Николаевич Горлов в 1987 году в Москве, которую не уставал воспевать.

Радостный свет, жажда жизни и новых впечатлений исходят от картин Н.Н. Горлова, в картинах ощущается размах «большого» человека, будто весь мир он хочет объять широтой своего мазка.  

Андрей Ковалевский – почувствуйте родную землю через его картины увеличить изображение
Андрей Ковалевский – почувствуйте родную землю через его картины

Уставшее золото осени и тёплое дуновение летнего ветерка, созерцательное спокойствие озёрной глади и свежесть весеннего леса, а еще улочки старой Москвы, деревенские и провинциальные архитектурные мотивы, крымские пейзажи и старинные храмы. В нескольких словах творчество Андрея Ковалевского не уместить. Глядя на его картины, трудно поверить, что их писал наш современник. Мастер реалистического пейзажа в своем творчестве отдаёт дань традиции русских пейзажистов второй половины XIX века. Умение художника замечать неуловимое в самой обычной аллее или улочке, лесу или берегу пруда делает его картины произведениями искусства.

О художнике

Член Творческого Союза Художников России и Международного Художественного Фонда, преподаватель академического рисунка и живописи, кандидат педагогических наук, Андрей Ковалевский родился в Москве в 1972 году. Учился в Краснопресненской художественной школе, выпускник Владимирского училища и художественно-графического факультета Московского государственного педагогического университета. Получив квалификацию преподавателя изобразительного искусства, Андрей Николаевич остаётся верен этой профессии. По сей день он передаёт свои знания детям и взрослым. Андрей Ковалевский преподавал в разных школах, студиях, в МПГУ  и Театрально-художественном колледже им. Галины Вишневской в Москве, даёт частные уроки. На свои занятия он приглашает детей  и взрослых, желающих научиться рисовать, для этого у художника есть оборудованная всем необходимым отдельная мастерская в Доме Художника в Измайлово.

Параллельно с преподавательской деятельностью Андрей Ковалевский шлифует мастерство в жанре пейзажа, в том числе архитектурного, а также пишет натюрморты и портреты. Картины А.Н.  Ковалевского были экспонированы более чем на двадцати выставках.

Персональные выставки Андрея Ковалевского:

1.            «Природа среднерусской полосы» (РАО Газпром РФ, 2004 г.).

2.            «Природа южного берега Крыма» (галерея «Трамплин», 2005 г.).

3.            В галерее «Союза Творчества», 2007 г.

4.            Пять персональных выставок в Москве, Икше, Обнинске, Новомосковске, Жукове на тему «Красота, поэтичность и разнообразие природы средней полосы России», 2010 – 2012 гг.

5.            В зале галереи «Богородское» в Москве, 2013 г.

6.            Три выставки «Поэзия в красках», московская библиотека №34 им. А. Вознесенского, московский культурный центр А. Твардовского, Центральная библиотека им. М. Шолохова, 2015-2016 гг.

7.            Две выставки «Лирика русской природы», московская библиотека №21, московский клуб «Восток», 2016 г.

Андрей Николаевич Ковалевский принимал участие не только во Всероссийских, но и Международных выставках в Финляндии, Германии, Сербии, Китае.

Художник работает преимущественно в технике масляной живописи, но его творческое наследие содержит также образцы графики, настенной росписи, книжных обложек. Сохраняет автор и свои рабочие этюды, выполненные на картоне или оргалите. Работы художника представлены в разных художественных салонах и галереях, а также в частных коллекциях России, Украины, Финляндии, Франции, Сербии, Германии.

Понимая важность для современного художника информационных технологий, Андрей Ковалевский свободно владеет графическими компьютерными программами Corel Draw 10, Adob Photoshop 6.0 и Kinetix 3D Studio MAX 4.0.

О творчестве

Картины Андрея Ковалевского сгруппированы по периодам на его официальном сайте:

•             1993-2005 гг.;

•             2006-2008 гг.;

•             2009-2011 гг.;

•             2012-2014 гг;

•             с 2015 г. по сегодняшний день.

Каждый из этих этапов когда-нибудь детально опишут искусствоведы, пока можно с уверенностью сказать: с самого начала своего творческого пути мастер не изменял жанру пейзажа, искренне восхищаясь русской равниной и лесом, крымскими ландшафтами, неприметными, на первый взгляд, улочками глухой провинции. Неподдельно любя родную землю, художник заставляет восторгаться своими картинами и зрителя.

Уже в раннем периоде творчества Андрей Ковалевский состоялся как убежденный реалист в пейзажной живописи. Его вдохновляют деревенская глушь и провинциальное спокойствие. Живописца не интересуют новомодная урбанистика, он будто специально выискивает среди московских улиц нетронутые цивилизацией. Его так называемые архитектурные пейзажи поражают тишиной и безмолвием.

Живописец во все времена года работает на пленэре, выискивая для своих работ выигрышные ракурсы и светотени. Каждая из картин  впечатляет безмятежностью и мягкой глубиной красок. Будь то «Зимнее солнце» или «Весенний лес» или «Этюд. Осень». Ни в ранней, ни в более зрелой фазе творческой деятельности работы этого художника не грешат «фотографичностью», присущей многим нашим современникам. Каждый его пейзаж с первого до последнего мазка прочувствован сердцем.

Как многих художников, Андрея Ковалевского вдохновляют цветы. Об этом свидетельствуют его натюрморты с цветами - «Зимние цветы», «Ромашки», «Букет сирени» и другие. Картина «Красота. Маки цветут» — впечатление от цветущих за окном поезда маков под крымским Джанкоем. Это практически единственная, написанная по памяти по словам автора, его работа,  что для него – исключение.

В раннем периоде творчества Андрея Ковалевского  заметно влияние мастеров фламандской и голландской школ живописи. Картины «Фламандский натюрморт», «Отдых путника», «Натюрморт по мотивам фламандской живописи» — скорее эксперимент, но весьма удачный.

Особое место в творчестве А.Н. Ковалевского занимают пейзажи Крыма – «Ялтинский порт», «Крымский пейзаж», «Утро. Ялта», «Крым. Деревня» и множество других картин свидетельствуют о том  как важен Крым для художника — он довольно много времени провёл в Крыму, перенося на холст красоту южной природы.

На картинах Ковалевского – множество деревянных избушек, мостов — той сельской реальности, которой пока достаточно в русской глубинке, но через несколько десятилетий ветхие домики останутся в памяти только благодаря людям, успевшим их запечатлеть.

Очевидно, прельщают художника озера, реки и пруды, которыми богата средняя полоса России. На многих картинах Ковалевского водоёмы в спокойном состоянии, без волн и бурного течения.

В своём творчестве 2015-2016 годов живописец отдаёт предпочтение написанию архитектурных пейзажей. Его всё так же привлекают тихие московские улочки, встречающиеся всё реже, старинные храмы в русской глубинке, деревянные избушки в русских деревнях, природные красоты среднерусской полосы. Пейзажист остается верен классической живописи, а это, согласитесь, довольно трудоёмкий процесс.

В настоящее время художник готовится к двум серьезным выставкам - в особняке купца В.Д.  Носова с 10 по 30 мая 2016 г. и в центре-музее В.С. Высоцкого на Таганке с 18 мая по 12 июня 2016 г. На них художник представит несколько десятков своих картин. По словам друга А. Ковалевского писателя А. Холина в них «передаётся та неуловимая положительная энергия, из-за которой про картину говорят: «Удалась!». 

Весенний пейзаж в творчестве советских и постсоветских художников-реалистов увеличить изображение
Весенний пейзаж в творчестве советских и постсоветских художников-реалистов

Взаимоотношения человека и природы всегда были в центре творчества выдающихся художников. Картины с красивыми пейзажами не просто передают красоту природы, а отражают мысли и чувства автора, давая пищу для ума. Являясь мудрым учителем, пейзажное искусство в лучших реалистических картинах художников демонстрирует процесс вхождения природы в человеческое сознание.

Как самостоятельный жанр, поэтически передающий восприятие окружающего мира, пейзажное искусство возникло в VI веке в Китае. Появление мотивов, отражающих природу, в русской живописи связывают с древнерусской иконописью. Как самостоятельный жанр это направление сформировалось начиная с 18-ого века. Особую роль в развитии пейзажной живописи начала ХХ века сыграл «Союз Русских художников». Имена Левитана, Коровина, Шишкина, Архипова, Куинджи составили славу не только России, но и всего мира.

Советский период развития пейзажной живописи характеризуется острой борьбой разных направлений. Это время обогатило культуру произведениями художников, воспевающих красоту окружающего мира с потрясающим реализмом. Пейзажи художников становятся символами, претворяющимися в лирическое раздумье или тревожное предупреждение. Преемственность лучших художников-реалистов советского периода нашла своё отражение в картинах художников с пейзажами постсоветского времени. Особой силой воздействия обладают картины художников-пейзажистов, отображающие весну. Само по себе это явление природы представляет собой символ новой жизни, возрождения природы во всей своей моще и красоте.

Картины художников-пейзажистов

Среди славной плеяды русских мастеров живописи достойно несущих славу развития реалистического пейзажа, являющихся нашими современниками, первое место по праву принадлежит московскому художнику Владимиру Георгиевичу Гремитских. Уже во время учёбы в Московском художественном институте Игорь Эммануилович Грабарь и Сергей Васильевич Герасимов, в мастерской которого он учился, выделяли Гремитских как самого талантливого студента. Его произведения находятся в Государственной Третьяковской Галерее, Музее обороны Москвы, в картинных галереях десятков российских городов. Многие работы известного мастера являются украшением частных коллекций и музеев европейских стран и на других континентах, наприеме работа В.Г. Гремитских «Сирень» находится в художественном музее японского города Мики.

В своих произведениях  Владимир Гремитских отображает разные состояния природы, но особое лирическое настроение вызывает его картина «Апрель». Ясный солнечный день, первые робкие весенние ручейки из под снега чудесным образом передают состояние природы, готовящейся к пробуждению. Между Гремитских (1916 г.р.) и Колодяжным Артуром Владимировичем (1979 г.р.) расстояние по жизни длиной более шестидесяти лет. Однако если смотреть на работы молодого художника, являющегося одним из самых ярких представителей реалистического пейзажного искусства постсоветского периода, этой разницы совершенно не чувствуется.

Весенний пейзаж в картине Колодяжного под тем же названием «Апрель», совершенно отличается от пейзажа в картине Гремитских. На картине Колодяжного весна уже полностью вступила в свои права, и хотя снег ещё лежит на берегу речушки, но видно, что истекают последние часы его существования. Ощущение дыхания весны, прозрачности и чистоты свежего весеннего воздуха охватывает зрителя при первом же взгляде на этот весенний пейзаж. В «Апрельском этюде» этого же художника захватывает картина весеннего половодья с его мощью и силой пробуждения природы. Настроение умиротворённости предается от пейзажа «Весна. Вечер. Филипповское.» с его мягкими пастельными тонами церковь, отражающаяся в светлых ясных водах речки с плывущими по ней льдинами, навевают мысли о вечном, объединении человека с природой.

Художник из Екатеринбурга Сафронов свой талант раскрывает в картинах, изображающих русскую природу с её неброской красотой. Когда смотришь на его картины «Апрель» или «Уход апреля», то наиболее точно подходит определение звона, застывшего в тишине. Это мягкое очарование перехода природы из состояния сна в активную жизнь, не оставляет никого равнодушным. А вот другое произведение Влада Сафронова – «Майское утро 2013» с его яркой жизнеутверждающей палитрой цветов, погружает в атмосферу радости, буйства природы во всей её красе.

Когда в 1997 году эксперты Третьяковской галереи увидели работы воронежского живописца Александра Пыльнева, то их единодушное мнение гласило о появлении в России нового имени даровитого художника. Такого точного пронзительного восприятия русской природы как в картинах «Апрель», «Весенний день» трудно найти у других живописцев. Вообще тема «Пейзажи весны» является главной в творчестве художника. Пейзажи Пыльнева «Весна», «Весна май», «Весна в Новохоперском», «Весенний день», «Весна. Разлив Савалы.», наполнены светлым радостным чувством.

Творчество пейзажиста Ирека Нуртдинова неразрывно связано с просторами родной земли. Преданная любовь к природе Симбирского края воплотилась в многочисленных картинах, удивительно точно запечатлевших неподражаемый единственный миг состояния природы. В картинах Михаила Рудника «Апрель», «Апрель в деревне» раскрываются гармония взаимоотношений человека с окружающей русской природой, когда художник сливается с изображаемым миром, передавая свою любовь к нему на полотне.

Особое место среди мастеров пейзажа занимают члены Союза Художников России, для которых изобразительное искусство стало как бы другим проявлением их творческой натуры. Речь идет о таких художниках, как Лариса Георгиевна Серебренникова, которая работала преподавателем математики. Преподавая в МГУ им. Ломоносова на протяжении сорока лет, она свою любовь к изобразительному искусству воплощала в пейзажных картинах. Первая её персональная выставка состоялась в 1995 году, и с того времени она регулярно выставлялась в Москве.

Акварели Ирины Ломановой «Весна. Воробьевы горы», Н.Е. Ермаковой «Апрельская вода», «Апрель», Валерия Сидоркина «Апрель», «Апрель на природе», «Весенний вечер. Припять.», «Весенний разлив», «Весенние мотивы» и С.В. Заславской «Апрельский снег в швейцарском дворике», представляют наиболее яркие произведения художников-реалистов постсоветского периода.  Картина «Весна, последний снег» Сергея Черткова  (1981 г.р.) поражает точностью и верностью изображения, несмотря на молодость автора.

Продажа пейзажей художников

Картины художников-пейзажистов часто выставляются в художественных галереях, на выставках посвященных выдающимся событиям, юбилеям или к различным датам. Существует и такой вид выставок как персональные, где можно купить пейзаж художника, который украсит частную коллекцию или попадёт в государственный музей. С развитием интернет технологий продажа пейзажей вышла на качественно новый современный уровень. На специальном сайте, созданном двумя известными московскими коллекционерами Александром Гремитских и Екатерины Матусевич, можно купить картины художников с пейзажами.  Там же можно купить весенний пейзаж как советских художников, так и наших с вами современников постсоветского периода.  

Владимир Георгиевич Гремитских — уникальный человек и талантливый художник увеличить изображение
Владимир Георгиевич Гремитских — уникальный человек и талантливый художник

Любители искусства высоко ценят реалистическую русскую школу живописи периода социалистического реализма.  Но далеко не каждый знаком с именами выдающихся советских художников того времени. Одним из выдающихся мастеров этого периода является одарённый и самобытный московский художник Владимир Георгиевич Гремитских.

 

Этот талантливый художник, всё творчество которого пришлось на московский период его жизни, родился в декабре 14 числа, 1916 года в Новосибирске, тогда этот город назывался Новониколаевск. Умер он 2-го августа 1991 года в Москве, где жил и работал. Таким образом, можно сказать, что вся жизнь и творчество художника Владимира  Гремитских охватывает советский период - от его начала, и до самого распада.

 

В 16 лет он поступил в Московское художественное училище Памяти 1905 года. Обучался и перенимал опыт у известного мастера акварели Зефирова К.К. Затем через какое-то время он перешёл в класс другого преподавателя – Соколова М.К.

 

В тридцатых годах был только что основан Московский художественный институт им. В.И. Сурикова, в который и поступил Владимир Гремитских. Там он обучался в период с 1936 года по 1945 год, причём с перерывом на фронт. Здесь его обучали такие известные художники-педагоги, мастера своего дела, как Покаржевский П.Д.  – профессор МГХИ, и  доцент кафедры живописи МГХИ Почиталов В.В. Закончил же В. Гремитских обучение по мастерской знаменитого мастера пейзажа Сергея Васильевича Герасимова.

 

Следует отметить, что  Владимир Гремитских относился к одним из самых одарённых студентов, которые учились на тот момент в группе у Герасимова С.В.

 

Сам Сергей Васильевич Герасимов впоследствии стал народным художником Советского Союза. В свое время он сам был учеником одарённого человека и величайшего  русского художника Константина Коровина. В этой связи следует отметить, что мастерство Константина Коровина передалось через поколение - через учителя к ученику. В работах уже зрелого художника Владимира Георгиевича Гремитских ясно прослеживаются откровенно коровинские тенденции.

 

Особенно это заметно на таких картинах, как «Розы и чай» написанной в 1967 году, а также «Вечер. Жигули», написанной в 1947 году  и других картинах. Наиболее обожаемой натурой у Гремитских были два цветка – роза и сирень. В его картинах они встречаются довольно часто и получались у него на высшем уровне. Он создал целый цикл, который был посвящён этим великолепным цветам. Причем картины этого цикла были написаны в разные годы.

 

Любимой техникой Владимира Гремитских была пастозная живопись. Эта техника подразумевает нанесение краски посредством крупных и насыщенных мазков. Пастозная живопись характерна почти для всех его работ. В качестве примера можно привести натюрморт В.Г. Гремитских «Сирень», который часто сравнивают с ранними работами Кончаловского.

 

Под конец обучения Гремитских написал дипломную работу «Ополченцы», которая была выполнена под руководством его наставника С.В. Герасимова.

 

С 1943 года художник начинает участвовать в огромном множестве московских, всесоюзных и республиканских выставок.

 

Уже в 1945 году, сразу по окончании института, Владимир Гремитских вступил в члены Союза Художников РСФСР. С тех пор его работы стали ещё активнее участвовать в выставках, происходивших и у нас в стране, и за рубежом. По результатам этих выставок В.Г.  Гремитских был удостоен дипломов, как МОСХ РСФСР, так  и МГО ХФ РСФСР.

 

Художник писал много пейзажей. Он любил рисовать природу, и у него это выходило лучше всего. Из этого цикла у него выделяется множество сильных работ. Следует отметить достаточно мощную картину, которую он написал в 1960 году, под названием «Цветущая вишня». На ней изображён небольшой и скромный садик, наполненный весной молодыми вишневыми деревьями.

 

Другая не менее захватывающая работа – «Колокольчики цветут». Она была написана в 1966 году. Эта работа показывает нам луг с полевыми колокольчиками. Ты моментально переносишься в это место и чувствуешь все, что происходит в этой картине. Это и есть настоящее мастерство.

 

«Зима в Тарусе», написанная в 1964-1966 годах, - это целый цикл картин с буйными  сочетаниями разнообразной цветовой гаммы. На эти пейзажи зимы приятно смотреть, не хочется отрываться глаз. Хочется посетить изображённые места и ощутить эту атмосферу самому.

 

Значительное место в творчестве В.Г. Гремитских занимают портреты с натуры. Следует выделить те, что он писал с таких выдающихся людей советской эпохи как Брежнев, Андропов, Ахромеев и Айтматов. Все эти портреты он писал с натуры, а значит, имел честь быть лично знакомым с этими великими людьми.

Кстати, на размещённой здесь фотографии это хорошо видно - справа - Чингиз Айтматов, слева - Владимир Гремитских, пишущий его портрет с натуры. Фотография была сделана летом 1983 года в доме отдыха ЦК КП Киргизской ССР на Иссык Куле. 

 

На данный момент произведения Владимира Георгиевича Гремитских разбросаны по всему свету. Его работы есть в  Государственной Третьяковской галерее, Государственном музее обороны Москвы и во многих других музеях на территории бывшего СССР. Картины Гремитских можно также встретить и в региональных художественных музеях - Брянском, Астраханском, Магнитогорском, Башкирском, Самарском, Белгородском и других.

 

Есть его картины и в зарубежных музеях. В Японии, в городе Мики, располагается музей Хоримицу, где можно найти работу Владимира Георгиевича «Сирень», о которой говорилось ранее. Кроме того, картины художника продавались на аукционах Cristies и Bonhams, которые проводились в Лондоне.

 

Помимо этого его работы раскиданы по частным коллекциям по всему миру. Картины Владимира Гремитских есть в США, Европе, Канаде, Японии и Аргентине, не говоря уже о частных коллекциях на территории Российской Федерации.

 

Такой разброс работ по всему свету только свидетельствует о том, что В.Г. Гремитских был выдающимся, талантливым и одарённым художником, получившим мировой признание.

 

Даже после своей смерти, он был удостоен множества наград. Так, в 2009 году Международная ассоциация «Миротворец» наградила его посмертно медалью «Талант и призвание» за личный вклад художника в укрепление народных традиций и укрепления культурного наследия страны.

 

Помимо этого группа искусствоведов «TopArt» включила художника В.Г. Гремитских в саисок 100 лучших русских художников за всю историю страны. Наличие этих посмертных наград и признаний еще раз подтверждает, что этот живописец внёс огромный вклад в культурное наследие нашей страны.

Жизнь и творчество Юрия Петровича Цыганова увеличить изображение
Жизнь и творчество Юрия Петровича Цыганова

Советский живописец, монументалист, член Союза художников СССР, Юрий Петрович Цыганов родился в 1923 году в старинном волжском городе Саратове. До войны он жил с матерью в Сталинграде, где окончил среднюю школу. После ускоренных офицерских курсов, молоденький лейтенант участвовал в боях за снятие блокады Ленинграда, где ним было сбито 8 немецких самолетов.

 

Резкое изменение его судьбы произошло в Риге, в боях за освобождение которой Цыганов принимал участие. 21-летнего командира батареи арестовали по обвинению в гибели солдат от употребления отравленного спирта. Единственная вина его состояла в том, что он разрешил своим солдатам употребить спирт из найденной цистерны который оказался отравленным. Правда, перед этим он сам его попробовал и затем чудом остался жив. Тем не менее, его обвинили в гибели солдат и осудили. В начале его приговорили к десяти годам тюремного заключения, но спустя девять месяцев он, вместе с еще одним обвиняемым, командиром соседней батареи, был полностью оправдан с возвращением звания и наград.

 

Окончание войны Юрий Петрович встретил ещё в тюрьме, а вернувшись, поселился в подмосковном поселке Сетунь. Несмотря на боевые заслуги, Цыганов был совершенно штатским человеком, не любил командовать. Может это, а также то, что он был очень добрым человеком, и способствовало тому, что он как был лейтенантом, так и остался им до завершения войны. Единственной его страстью была живопись и любовь к рисованию. Поэтому после увольнения с армии первоначально он поступил в полиграфический институт, а потом, по совету друга, перевёлся в Московский институт прикладного и декоративного искусства на отделение монументалистки. Первый набор в свою мастерскую, известный художник А.А. Дейнека проводил сам, единолично выбирая, кто будет среди его студентов. Известный портретист  и выдающийся педагог Петр Митрофанович Шухмин был его вторым учителем. Наряду с Цыгановым в мастерскую Дайнеки-Шухмина были выбраны Васнецов, Рублев, Милюков которые в будущем стали замечательными художниками.

 

И то, что великий мэтр не ошибся, доказывает первая большая работа четверокурсника «Стасов среди русских художников», экспонировавшаяся на выставке произведений молодых московских художников в 1954 году. Всего на выставке было 805 произведений разных художников, но именно курсовая работа Юрия Цыганова получила всеобщее признание и была названа образцом современного искусства. Эта картина выдвигалась на соискание Сталинской премии, но получить её молодому живописцу помешал тот факт, что соискатель был студентом. В настоящее время картина выставлена в Музее реконструкции Москвы, который её приобрел, а многочисленные репродукции этой работы известны не только в России, но и далеко за её пределами.

 

Дипломная работа (роспись драматического театра в городе Калинине, нынешней Твери) была защищена Юрием Цыгановым на «отлично». После окончания института художник на протяжении 15 лет работал в Живописном комбинате, Монументальном комбинате, занимаясь станковой живописью. Этот период в жизни художника был очень плодотворен. Этюды Кавказа, Крыма, русской природы поражают виртуозностью исполнения, потрясающей верностью натуре. Работая в Монументальном комбинате самостоятельно, и в соавторстве с другими художниками Ю.П. Цыганов создал ряд крупных горельефов из бетона, мозаик, витражей во многих городах Советского Союза. Все они отличаются высокой художественной ценностью. И сегодня, к примеру, можно полюбоваться великолепной мозаикой в Самарканде, которую Цыганов делал совместно с  одним из самых известных монументалистов советского периода Влащиком. Тогда в качестве исполнителя впервые участвовал его сын Юрий, очень известный русский художник в настоящее время.

 

Став главным художником Художественного Фонда СССР, Юрий Петрович много внимания уделял административной работе, имея в своем подчинении несколько домов творчества и комбинатов. Показав себя как умелый администратор, Цыганов никогда не забывал о творческой работе. Будучи абсолютно бескорыстным человеком, основное количество больших и сложных заказов он отдавал другим, ограничиваясь незначительными, небольшими, заказами. Зато над этюдами он работал постоянно.

 

Вообще его работоспособность поражала всех окружающих. Из дома Юрий Петрович никогда не выходил без маленького этюдника и палки, которая при необходимости легко превращалась в одноногий стул. Кстати, конструкцию стула он придумал сам и изготовил его своими руками, как и этюдник. На своих акварелях он запечатлевал самые незаметные явления природы. Его картины выполнены широкими смелыми мазками наполненными светом, любовью к человеку и окружающей его природе, и все они очень разные.

 

Вот крымский пейзаж с изображением бескрайних морских просторов, а на переднем плане угадываются фигуры людей, любующихся синим морем, сливающимся с горизонтом где-то очень далеко. Несмотря на то, что фигуры людей изображены не чётко, буквально несколькими мазками, в их позах явственно чувствуется зачарованность морской стихией. На другом крымском пейзаже море изображено в туманной дымке осеннего пейзажа. Опушка леса с березами на переднем плане, укрытыми плащом осенней листвы. Замёрзшая речка с густо покрытыми лесом берегами и небольшой прорубью. Все эти картины являются прекрасными образцами чисто русской природы.

 

Все это выписано настолько филигранно точно, что кажется не изображением, а настоящей живой природой. Не чужды были художнику и чисто жанровые картины. Солнечным светом напоен яркий летний день на картине, изображающей художника и его жену на веранде дачного домика. И тут же рядом другая картина зимней подледной рыбалки отца с сыном. И всё это так живо, так реалистично, что создается эффект личного присутствия. Акварели художника, изображающие природу российской глубинки, поражают своей задумчивой простотой, проникнуты особой душевностью.

 

Основное внимание в своем творчестве художник уделял пейзажам, но есть и портретная живопись. Изображение спящего ребенка трогает самые чувствительные струны человеческого сердца. Не чужды Юрию Петровичу и урбанистические пейзажи, выполненные в особой, только ему свойственной манере. Что бы не изображал художник, во всём чувствуется его тонкая гармоничная личность. Несмотря на пережитый в ранней юности ужас войны, Цыганов остался чистым и наивным человеком, глубоко и тонко воспринимающим красоту окружающего мира. О таких людях говорят – «Божий человек». Его не интересовали внешние знаки отличия, он не думал о регалиях и званиях, не издавал каталогов, не хлопотал об персональных выставках. Большинство своих работ он просто раздаривал, но некоторое их количество есть в Московских музеях и в музеях других городов.

 

Когда в Липецком областном художественном музее более двадцати лет тому назад возникла идея создания коллекции, отражающей развитие истории Липецкого края, то кроме произведений местных мастеров в собрании присутствовали лучшие произведения живописи, скульптуры и графики многих российских художников. Семьдесят представленных в художественном собрании Липецкого областного музея, произведений искусства охватывают период с 1940 по 2000-е годы. Принцип его формирования основан не только на том, чтобы рассказать посетителям об истории художественной жизни липецкого края , но и воссоздать ту атмосферу силы духа, в которой творили российские художники. Так наряду с уникальными творениями ученика великого живописца Константина Коровина  Г.М. Машкова (1898-1963) в коллекции музея достойное место занимают работы известного советского художника Ю.П. Цыганова.

 

В музее Островского, в небольшом, но разнообразном фонде живописи собраны картины, отображающие ритм эпохи в которой жил и творил автор романа «Как закалялась сталь». Среди авторов «золотой» части фонда основоположник советской батальной живописи М.Б. Греков и известный монументалист Ю.П. Цыганов, представленный как ученик Александра Дейнеки. В произведениях Цыганова составителей коллекции привлекли романтичная сильная манера письма художника-фронтовика, наполненная ощущением любви к родной земле, высоким чувством патриотизма.

 

Многие акварели Юрия Петровича находятся в Государственном Центральном музее современной истории России. Известный московский коллекционер Александр Гремитских также имеет в своем собрании несколько работ Цыганова. Акварели художника находятся в музее Революции (Москва), но очень много его работ находится у друзей и просто знакомых. Это связано с «лёгким» отношением Юрия Петровича к своим работам. Он любил дарить свои картины и рисунки людям, у которых они вызывали восхищение. Вполне возможно увидеть его работы не только в частных коллекциях, но и в малоизвестных музеях российской глубинки.

 

Среди пятисот работ художника, которые на сегодняшний день собраны в общую коллекцию, каждый найдет именно то произведение, которое созвучно его душе. Сам Юрий Петрович не считал себя большим, выдающимся, художником, но то, что в каждом его произведении будь то небольшой этюд или большая картина, отражается его самобытная светлая душа.

 

Умер Юрий Петрович Цыганов в 1994 году в Москве, после тяжелой продолжительной болезни. Вместе с тем, зная, что умирает, Юрий Петрович не терял оптимизма и продолжал постоянно работать. Его последний этюд был закончен за три дня до смерти. Человек с большой буквы, каким он был в годы войны в юном возрасте, он таким остался и до самой смерти. И сегодня, любуясь его работами, выполненными с потрясающей виртуозностью и мастерством, существует уверенность, что его творчество всегда будет востребовано и необходимо людям.  

Творчество художницы Ирины Ломановой увеличить изображение
Творчество художницы Ирины Ломановой

Сегодня многие интересуются картинами художников акварелью с цветами и пейзажами. Акварель способна передать мельчайшие оттенки цвета, ей свойственны деликатность и прозрачность красок. Это искусство требует безукоризненного мастерства в технике, особенно техника Многослойной акварели в которой работает, в частности, московская акварелистка Ирина Ломанова.

Особенности создания картин в технике многослойной акварели

Нынешние акварелисты чаще всего пишут картины по мокрому листу бумаги в технике «в один приём», применяя заливки, чёткие мазки плоской кистью. Использование этих приемов немыслимо без стремительности выполнения, наличия таланта и мастерства.  Так что это довольно сложная техника.

Но наиболее сложной акварельной техникой считается традиционная многослойная акварель, ныне незаслуженно забытая. Она характеризуется такой выразительностью оттенков, что зачастую обладает большей художественной силой, чем работы, исполненные маслом.

 

Немного о картинах художников-акварелистов

 

Многослойная акварельная живопись создается посредством техники, именуемой лессировкой. Увидеть ее можно в ранних творениях голландских и фламандских мастеров 15-17 веков. Особенностью живописи считается необходимость нижний пласт акварели оставлять непременно сухим, ибо краски покрывают друг друга постепенно, лессирующими мазками. Это позволяет избежать смешивания разных слоев краски и достичь эффекта просвечивания. Каждый кусочек живописи включает самостоятельные полупрозрачные пласты акварели.

Лессировочная техника характеризуется тем, что контуры мазков просматриваются четко, но это нисколько не портит картину в целом, придавая ей своеобразный шарм.

Ценность такого метода нанесения красок состоит в возможности получить реалистические изображения даже более насыщенные по цвету чем масляная живопись.

Картины акварелью в данном случае в какой-то степени схожи с работами, выполненными маслом, но завидно отличаются от них особенной чистотой и воздушностью красок.

Полупрозрачные пласты красок идеальны для создания ненавязчивой последовательности перспективных планов, теневых пространств, предметов с обилием отсветов. Они прекрасно отображают плавность светотени в умиротворяющем расплывчатом свете, везде, где неприемлемо использование корпуса.

Создавая акварель в многослойной технике, художник может свободно распоряжаться своим временем, поскольку процесс можно раздробить на части, руководствуясь в этом исключительно потребностями и вдохновением художника. Это удобно при создании большеформатных красивых картин акварелью, когда отдельные части прорисовываются постепенно. Тонкие полупрозрачные пласты красок накладываются на сухой лист бумаги, что позволяет акварелисту держать под контролем безошибочность мазков, чувствовать подходящие оттенки для каждого фрагмента изображения, достигая уникальных цветовых сентенций.

Шедеврами многослойной акварельной живописи по праву считаются творения кисти Альбрехта Дюрера, Ганса Гольбейна, Питера Пауля Рубенса. Сегодня лучшей признается английская школа акварели, существенный рост которой отмечается с конца XVIII века. Навсегда вошли в историю её представители Уильям Кэллоу, Уильям Тёрнер, Ричард Бонингтон. Известные русские художники тоже использовали эту технику. К ним относятся Михаил Врубель, Константин Сомов, Илья Репин, Александр Бенуа, Василий Суриков, братья Брюлловы.

Печально, что в XX веке наследие многослойной акварели стало понемногу исчезать. Мотив кроется, возможно, в появлении множества красок, вырабатываемых по современным технологиям. Они сразу стали весьма популярны у акварелистов, однако, проявили себя не с лучшей стороны, поскольку моментально блекли, имели весьма кратковременный эффект.

Есть и другой аспект. Применение этой техники на картинах акварелью с пейзажами и цветами предусматривает наличие у художника таланта и мастерства, упорства и глубокомыслия, поскольку филигранное нанесение полупрозрачных слоев акварельных красок в противном случае невозможно.

Загладить огрехи многослойной акварельной работы маловероятно, поэтому немногие художники пробуют себя в этой сложнейшей, требующей максимальной самоотдачи технике.

В наши дни в России традиции многослойной акварели возродил знаменитый художник и преподаватель Сергей Николаевич Андрияка. Его школу прошли многие известные акварелисты, высокопрофессионально владеющие этой сложной техникой. Среди них числится и Ирина Витальевна Ломанова, виртуозная акварелистка. Многие ценители изобразительного искусства мечтают купить её картины акварелью.

Биография художницы-акварелистки И. Ломановой

Появилась на свет Ирина Ломанова в городе Херсоне в 1962 году. Училась в г. Москве, в 1990 году успешно закончил специализированный образовательный центр «Росмаркетинг», получила профессию художника-оформителя в рекламном бизнесе. Затем Ирина Витальевна трудилась в должности искусствоведа в ХФ СССР, обучалась у преподавателя Каргиной А.И. в ГСШ акварели Андрияки С.Н. Принимала участие в многочисленных тематических мероприятиях: «Весенней выставке работ школы С.Н Андрияки» в Манеже, в 2011 году; «Четвертой международной выставке-конкурсе современного искусства «Классическая живопись. Натюрморты в классическом стиле» в г. Санкт-Петербурге, в 2012 году; «Арт-Ростов 2014» в г. Ростове-на-Дону.

Сегодня эта талантливая художница живёт и работает в Московской области, что способствует преобладанию в её творчестве мотивов русской природы центральной части России.

Пейзажи акварелью, принадлежащие кисти И. Ломановой, скромные и эстетичные, характеризуются приглушенной цветовой гаммой с превалированием серых, охристых и палевых тонов. В картинах природы акварелью просматривается талант художницы изящной игрой полутонов и рационально задуманной композицией усиливать выразительность. Особенно отчетливо это видно на акварелях с пейзажами «Ветлы на Оке», «Зеленый холм», «Осенние краски».

Ирина Ломанова не старается завоевать симпатии зрителей, не отличающихся разборчивостью, поэтому не использует дешевых эффектов, кичевой картинности. Все акварель пейзажи Ирины Витальевны пропитаны духом лирической поэзии с добавлением лёгкой нотки элегии.

 

Работы художницы И. Ломановой

 

Отдельного внимания заслуживают натюрморты акварелью кисти Ломановой. В этом стиле ею созданы многочисленные акварели, которые символически можно разделить на серии: акварель с цветами, жизнь игрушки и деревенский натюрморт.

Акварелистка следует обычаям русской реалистичной школы изобразительного искусства. Ярким подтверждением этой мысли является своеобразие натуры, выбираемой ею для работ: ягоды, сушки и бублики, непритязательные растения, горбушка домашнего серого хлеба, составляющие композиции с вещами сельского быта.

Осенью 2013 года картина акварелью «Натюрморт с бубликом» авторства дополнила проиллюстрированное сочинение «Традиции Ярославского края. Дом и быт. Семейные обычаи». Альманах увидел свет в рыбинском издательском доме «Медиарост». Он украшен картинами известных русских художников Бориса Кустодиева, Василия Тропинина, Аркадия Пластова, Константина Маковского, Алексея Корзухина, Федота Сычкова, Алексея Венецианова, Владимира Стожарова, Николая Богданова-Бельского, картины выполненные акварелью.

Цикл «Жизнь игрушки» погружает зрителя в ранние детские воспоминания, навевая чувства умиления и просветленной тоски. Эмоции, рождающиеся во время созерцания акварелей, проникновенных или смешных, иногда с хитринкой, нельзя выразить словами.

Ирина Ломанова с удовольствием занимается благотворительностью, проблемами детей-сирот. Весной 2013 года она участвовала в акции «Художники Москвы детям Костромы», безвозмездно передав несколько картин акварелью из цикла «Жизнь игрушки» дому-интернату для детей с ограниченными возможностями в посёлке Первомайский Костромской области. Двадцать картин акварелью с пейзажами, цветами, натюрмортами кисти мастера украшают стены Центра матери и ребенка в самом городе Костроме.

Первые персональные выставки Ирины Витальевны состоялись осенью 2012 года на арт-площадке «Станция» и весной 2014 года в художественной галерее именно в городе Костроме.

Во Владимире в период с 21.02.2014 по 09.03.2014 года проходила третья персональная выставка работ талантливой акварелистки в областном центре популяризации изобразительного искусства.

Сегодня красивые картины акварелью И. Ломановой находятся в коллекциях Костромского музея-заповедника и Владимирского областного центра популяризации изобразительного искусства. Многие работы стали жемчужинами частных собраний, в том числе коллекции известного московского коллекционера Александра Гремитских.

Зимой 2014 года произошло знаменательное событие. Издательский дом Richard Verlag Fuert опубликовал книгу «Говорящие акварели», представившую акварельные картины художников современности, виртуозно владеющих техникой акварели. Тираж книги составил 2500 экземпляров. Она была представлена общественности весной 2014 года на всемирной Арт-мессе в Карлсруэ. В издании имеются репродукции четырех картин акварелью Ирины Витальевны Ломановой: «Зимнее утро», «Весёлая компания», «Ветла на Оке», «Натюрморт с бубликом».

 

Как купить картины акварелью?

 

Ознакомиться с работами современных российских художников-акварелистов, в том числе и Ирины Ломановой, купить акварель можно на нашем специализированном интернет-ресурсе и регулярно устраиваемых выставках. Продажа акварели в Москве осуществляется в каждом конкретном случае индивидуально.  

Картины Владимира Гремитских: талант вне времени и эпохи увеличить изображение
Картины Владимира Гремитских: талант вне времени и эпохи

 Художник живёт ровно столько, сколько о его творчестве знают и помнят. В творчестве

Владимира Георгиевича Гремитских можно увидеть как раз именно такую подлинную живопись, которая заставляет зрителей возвращаться к его творениям вновь и вновь. Этот необычайно талантливый художник родился 14 декабря 1916 года в Новониколаевске (в настоящее время это Новосибирск) незадолго до начала  Февральской революции и всего за 2 недели до гибели Григория Распутина, событий, положивших конец Российской империи. Умер Владимир Георгиевич 2 августа 1991 года за 1.5 недели до ГКЧП, что можно считать концом эпохи СССР. Можно смело заявить, что его творчество и жизнь целиком охватывают весь пласт советского времени. Художнику удалось застать становление СССР и его последующий развал.

В 16 лет Владимир Георгиевич поступил в Московское художественное училище

памяти 1905 года. Его наставниками в то время были такие выдающиеся художники как  Зефиров К.К, а потом и Соколов М.К.

 С 1936 по 1942 год Владимир Георгиевич учился (с перерывом на фронт) в Московском художественном институте имени В.И.Сурикова, который открылся незадолго до этого.

Там его талантливыми наставниками были такие мастера живописи как – заслуженный деятель искусств и доцент кафедры живописи и композиции МГХИ Почиталов В.В. и профессор Покаржевский П.В.

 Педагоги отмечали Владимира Гремитских как одного из самых талантливых и способных учеников на курсе Сергея Васильевича Герасимова который сам был учеником  великого русского живописца Константина Коровина. Мастерство Константина Коровина передалось через поколение и нашло своё отражение во многих картинах Владимира Гремитских. Продолжение коровинских художественных традиций улавливается например в таких работах Гремитских как «Вечер. Жигули», «Розы и чай», «Розы. Гурзуф» и т.д.

Владимир Гремитских закончил обучение и защитил диплом у знаменитого русского и советского пейзажиста Сергея Васильевича Герасимова.

Художнику нравилась тема цветов, и он умел великолепно переносить её на свои картины. Розы, сирень, весенняя зелень выглядят на его работах живо, красиво и невероятно естественно. Художник смог создать целый цикл картин с цветами, которые были написаны в разные годы его творчества.

Гремитских предпочитал технику пастозной живописи, выполняя многие свои работы насыщенными и крупными мазками.

 В 1945 году Владимир Георгиевич стал членом Союза Художников РСФСР. Его работы начали выставлять в Москве, а также на крупных региональных и республиканских выставках, проходивших в то время в СССР. Художнику были вручены почетные дипломы МГО ХФ РСФСР и МОСХ РСФСР.

 Владимир Георгиевич писал прекрасные пейзажи. У него много работ, посвященных именно русской природе. Одни из самых живописных: «Цветущая вишня», «Зима в Тарусе», «Колокольчики цветут», «Последний луч», «Весенний лес», «Март», «На Волге», «Летний день», «Валентиновка» и многие другие.

 Очень завораживают и впечатляют выразительные портреты, выполненные Гремитских. Ему довелось писать с натуры многих выдающихся деятелей советской эпохи  – Л.И. Брежнева, Ю.В. Андропова, знаменитую киргизскую танцовщицу Кайыргюль Сартбиеву,  писателя Чингиза Айтматова, маршала С.Ф. Ахромеева.

 В настоящее время многие работы художника хранятся в Государственной Третьяковской галерее, в Государственном музее обороны Москвы, в Республиканском выставочном зале в Йошкар-Оле, в картинных галереях в Орле, Брянске, Самаре, в других городах бывшего СССР.

Многие картины этого выдающегося художника находятся и в частных коллекциях, причём не только в нашей стране, но и за рубежом. Некоторые из них имели грандиозный успех на аукционах Bonhams и Cristie's.

Купить картину Гремитских вы можете в большой виртуальной галерее, принадлежащей его сыну и наследнику Александру. Такое приобретение станет достойным украшением любой коллекции живописи.

 В 2009 году Владимир Георгиевич был награжден посмертно медалью «Талант и призвание» Международной ассоциацией «Миротворец» за личный вклад в дело возрождения и укрепления традиций мировой культуры.

Группа искусствоведов «TopArt» включила В.Г.  Гремитских в сто лучших русских художников от Феофана Грека до наших дней.

 

 

Юлия Мусонова  

 

Игорь Павлович Рубинский и Павел Игоревич Рубинский – семейные художественные традиции увеличить изображение
Игорь Павлович Рубинский и Павел Игоревич Рубинский – семейные художественные традиции

Весной 1919 года в небольшом городке Климовичи (Могилевская область) родился будущий известный художник Игорь Павлович Рубинский. Это была семья потомственных дворян, которые с XIV века имели свой фамильный герб. Родители мальчика были высокообразованными и талантливыми людьми. Мать работала в школе преподавателем иностранных языков. Кроме того, она успешно занималась музыкой и была отличной пианисткой. Отец мальчика был признанным художником-педагогом.

 Не смотря на то, что Игорь Павлович родился в Белоруссии, его помнят и знают, как признанного московского художника. Дело в том, что вся семья Рубинских в 1924 году переехала в Московскую область, поселившись в г. Щёлково. Именно здесь и прошли его детские и юношеские годы.

 Впервые Игорь Павлович заявил о себе как о подающем надежды художнике в 1935 году, когда принял участие в Московской Молодежной художественной выставке. Его талантливые работы сразу же были отмечены профессором И. Бродским. После успешного дебюта шестнадцатилетнего парня приняли в Академию художеств им. И.Е.Репина» в Ленинграде.

 После того как через несколько лет в столице был открыт Художественный институт им. В.Сурикова, Игорь Павлович перевелся туда в мастерскую  С.В.Герасимова, которую он закончил в 1942 году.  

Это был самый первый выпуск нового учебного заведения где преподавали такие знаменитые художники-педагоги как П.Д. Покаржевский, И.Э. Грабарь, В.В. Почиталов, А.А. Дейнека, оставившие заметный след в советской живописи.

 Свою дипломную работу «Захват фашистов партизанами»  художник писал в городе Самарканд, куда эвакуировали институт. В самом начале сороковых Игорь Рубинскй отправился на фронт добровольцем и воевал в составе дивизии народного ополчения. Позже его отправили на Северный флот, где он находился до конца войны.

 В 1943 году Игорь Павлович Рубинский стал членом Московского товарищества художников, а после войны вступил в Союз художников СССР. С этого периода он стал принимать активное участие в самых разных выставках. Всего их было более шестидесяти: всесоюзные, республиканские, столичные, групповые, в Италии, Англии и других странах.

 Игорь Павлович не мыслил своей жизни без активного творчества. В сороковых годах он писал роскошные декорации для Большого театра, а в начале пятидесятых панно и картины русских пейзажей для одного из новых корпусов МГУ на Ленинских горах.

Игорь Павлович Рубинский был настоящим мастером жанровых картин, завораживающих пейзажей и характерных портретов. Широкую известность ему принесли такие картины, как «Небесные братья», «Вручение аттестатов зрелости», «Выпускной бал на Красной площади», «Сталевары» и др. Многие из них стали своеобразным олицетворением и жизненным отражением  советского периода нашей истории и быта людей того времени.

 В 1976 и 1996 годах прошли персональные выставки И.П. Рубинского. Звание Заслуженного художника России он получил в 1995 году. Потрясающие работы Игоря Павловича в настоящее время находятся во многих российских музеях -  в Мурманске, Архангельске, в Елизово (Камчатка), в столичном музее Великой Отечественной Войны, в музее Московского Государственного университета. Хранятся картины художника и во многих частных коллекциях.

Умер Игорь Павлович Рубинский в 1996 году в Москве, но у него остался достойный приемник – его сын Павел Игоревич Рубинский, родившийся в 1950 году. В юности Павел сначала закончил СХШ при Академии художеств СССР, а после неё - Московское художественное училище памяти 1905 года. Своим истинным наставником и главным учителем Павел Игоревич всегда считал своего талантливого отца. Павел Рубинский успешно работает в жанре сюжетной картины, пишет удивительные портреты, натюрморты и пейзажи. При этом он работает в самых разных техниках, начиная с акварели, и заканчивая пастелью. Больше всего художник любит писать картины маслом.

 П.И. Рубинский является членом Московского союза художников и Союза художников России. Он лауреат фонда «Культурное достояние».  Картины этого талантливого художника в настоящее время хранятся в Музее Обороны Москвы, а также во многих частных коллекциях зарубежных и российских ценителей живописи. Его персональные выставки проходили в Москве, Варшаве и в Афинах.

 Некоторые работы отца и сына Рубинских находятся в большой коллекции известного московского коллекционера Александра Владимировича Гремитских.

 

Юлия Мусонова

Советский график Соломон Самсонович Боим увеличить изображение
Советский график Соломон Самсонович Боим

Советский художник Соломон Самсонович Боим родился в 1899 году в семье переплётчика в Курской губернии. Когда мальчику исполнилось 11 лет, родители отдали его в Дмитриевское реальное училище. Соломон Боим закончил это учебное заведение с отличием в тот же год, когда в России произошла революция - в 1917 году. На следующий год его приняли в Харьковское художественное училище, но из-за Гражданской войны закончить его он не успел - Боима мобилизовали в Красную Армию. После войны он приехал в Москву и продолжил художественное образование, поступив на графический факультет ВХУТЕМАСа. За время учёбы будущий художник успел показать свои работы на одной из выставок графики, организованной в столице. После учёбы Боим занимался иллюстрацией детских книг и созданием полотен на идеологические темы.

В 1930-е годы Соломон Боим принимал активное участие в различных выставках, в том числе и международного уровня, преподавал рисунок в студии ВЦСПС. В 1941 году его мобилизовали на флот где он проходил службу в Кронштадском доме ВМФ, в отделе занимавшимся наглядной агитацией. Через год его перевели в редакцию газеты «Красный Балтийский флот» в Ленинграде. В 1943 году С.С. Боим был направлен в Политическое управление Балтийского флота, где он служил вплоть до Победы в звании капитана административной службы старшим художником.

После Великой Отечественной войны Соломон Самсонович Боим преподавал в Московском областном художественном педагогическом училище изобразительных искусств памяти восстания 1905 года.

До 1978 года он участвовал во всесоюзных выставках, а также проводил свои персональные выставки. Его картины сохранились в музеях страны и в частных собраниях. К примеру, в коллекции Екатерины Матусевич есть работа С.С. Боима, выполненная им весной 1945 года. Она так и называется «Весна 1945-го., г. Прекульс. Восточная Пруссия» (25x34, бумага, акварель). Купить картину для интерьера можно у Екатерины Матусевич.

Хотя техника акварели Соломон Самсоновичу давалась нелегко, он всё равно любил рисовать акварельными красками. Первые его работы отличались некой приблизительностью форм, однообразием цветовых оттенков и рыхлостью изображения. Но позже, его живопись акварелью стала достойным примером реалистической акварельной живописи.

Среди работ художника много картин с изображением моря, которое ни в одной из них не представлено пустым, там или бушующий шторм, или шумный порт, или какое-нибудь судно. Посмотрите на его «Быстроходные тральщики перед походом», «Артиллерийское учение», «Эсминец», «Шлюпочное соревнование», «В Ростовском порту», «В Цимлянском порту. Бункеровка» - на них обязательно что-то происходит, море никогда не бывает пустым.

Соломон Самсонович Боим также работал в области городского пейзажа. Среди его работ много графических работ посвящённых Ленинграду. Этот город рисовали многие художники, но Боим сумел показать зрителю городской ландшафт совершенно с другой точки зрения. Отличным примером являются его работы «Михайловский сад», «Утро на Неве», «Ростральная колонна», «Стрелка Васильевского острова», «Невский проспект», «Канал Грибоедова» и «Проспект Сталина». Художник весьма удачно изобразил на них величие советской архитектуры города Ленина.

С.С. Боим много работал и с иллюстрациями к различным литературным произведениям. В них явно угадывается проникновение художника в суть литературного образа, точная передача характера героев. Предлагаю взглянуть на его иллюстрации к произведениям А. П. Чехова «Человек в футляре», «Душечка», «В овраге» и «Степь».

Из тематической серии хочется отметить глубоко эмоциональную работу «У Дома Союзов в январе 1924 года».

Боим как-то по особенному рисовал портреты, он умел выделить и показать свойственные только ему (портретируемому) черты характера. Кроме этого на портретах явно видна жизненная энергия советских людей, их радостное отношение к труду, уверенность в коммунистическом будущем и живой огонёк в глазах, присущий труженикам, жившим в те года. Скончался Соломон Самсонович Боим в 1978 году в Москве.

 

 

 

Рустем Массаров 

Художник Павел Семёнович Семячкин увеличить изображение
Художник Павел Семёнович Семячкин

Московский живописец Павел Семёнович Семячкин родился в Омске летом 1923 года. Он был известен не только как одарённый портретист, но и как талантливый плакатист.  В советское время его плакаты выпускались многочисленными тиражами.

У Павла Семёновича много жанровых картин, где изображена жизнь простого советского народа. Среди них есть небольшая работа «Деревенский сторож». Необычна композиция этой работы  – старик изображён спиной к зрителю, он стоит уперевшись на палку. Простая одежда старика, тулуп и шапка, подчёркивают обыденность происходящего. Картина была написана в 1970 году.

 

В этом же году  П.С. Семячкин создал акварельную работу «Хоста. Белый пароход». На картине изображены люди, смотрящие на, проплывающий вдали, белый пароход. Пароход изображён всего 2-3 линиями. Если посмотреть на него в отдельности, он покажется скорее катером, чем большим судном. Но из-за того, что художник сумел придать глубину изображению, он кажется огромным. На первом плане двое детишек прильнули к источнику воды, за ними отдыхающие у какого-то ограждения, сам же пароход занимает дальний план. Работа была создана во время пребывания художника в пригороде Сочи называющемся Хоста. Раньше это был отдельный посёлок. Название посёлка происходит от названия реки Хоста, впадающей в Чёрное море у мыса Видный в бухте Тихая. Этот живописный уголок покорил сердца многих художников. Ф. С. Шурпин в 1946 году нарисовал этюд одного из многочисленных уголков этого посёлка, Г. А. Травников в 1967 году создал пейзаж «Зима в Хосте», Н. А. Соколов - «Хоста. Причал на Чёрном море», Ф. В. Кронидович - «На даче. Хоста. 1970», Г. А. Безукладников - «Отдых в Хосте. 1970». На последней работе Г.А. Безукладникова изображена миловидная девушка, по-видимому и сама рисующая что-то на бумаге.

Стоит заметить, что масляная живопись существенно отличаются от картин в технике акварели, где полностью отсутствует фактура живописи. Масляная краска ложится на полотно слоями, оставляя естественные неровности, что придаёт картине некую живость. Но зато техника акварели позволяет создать изображение, отличающееся прозрачностью и воздушностью. Акварельными красками можно правдоподобно писать воздух и эффектно играть со светом и тенью. Надо сказать что акварельная живопись появилась намного позже масляной.

Екатерина Матусевич, московский коллекционер, бережно хранит эти два произведения художника П. С. Семячкина в своей коллекции картин.

Другие работы Павла Семёновича Семячкина хранятся в основных музеях страны. Среди них особенно интересен цикл работ на тематику освоения целины. Немало его картин были выставлены на аукционах международного уровня и раскуплены поклонниками изобразительного искусства. Теперь купить картину художника можно только у них. Многочисленные частные коллекции сохранили произведения этого советского мастера живописи, среди которых есть такие интересные работы, как «Этюд с рекой» и «К вечеру» (картон масло), эскиз плаката на бумаге «Пионер – значит, первый всегда везде в учёбе, в труде» ( 1970-е годы).

П. С. Семячкин в своё время получил достойное художественное образование - в 1953 году он окончил МГХИ им. В. И. Сурикова, в этом же году он стал членом Союза Художников СССР. Живопись и графику он начал выставлять на столичных выставках с 1950 года. Павел Семёнович Семячкин создал несколько панно для павильонов, работая в производственных мастерских ВСХВ  ( сейчас ВДНХ).

Во время Великой Отечественной войны Павел Семёнович трудился на военном заводе по производству военной техники для нашей армии, приближая победу над фашистскими захватчиками. Он получил за это две награды - «30 лет Советской армии» и «За победу над Германией».

 

Рустем Массаров   

Тверской график Евгений Дмитриевич Светогоров увеличить изображение
Тверской график Евгений Дмитриевич Светогоров

 Заслуженный художник РСФСР Евгений Дмитриевич Светогоров родился и всю свою жизнь прожил в Твери. Родился Евгений Дмитриевич весной 1913 года, скончался в 1981 году, и был похоронен на кладбище Лебедево.

Когда Евгению Светогорову было 12 лет, он поступил учиться в Тверскую художественную студию В. А. Бартоломея. Через четыре года, в 1929 году, его приняли в ВХУТЕИН. Потом в был Институт живописи, скульптуры и архитектуры Всероссийской Академии Художеств в Ленинграде. В общем и целом, своё художественное образование он закончил в 1934 году. До войны Евгений Дмитриевич уже проводил персональные выставки, а весной 1939 года прошла его выставка в Областной картинной галерее города Калинина, где он выставил 45 своих работ. Отмечу, что этот город с 1931 по 1990 года носил название Калинин. Современный город Тверь разделён на четыре района – Центральный, Пролетарский, Московский и Заволжский. В центральном районе расположен Тверской Императорский Путевой дворец, о котором написано ниже.

Евгений Дмитриевич прошёл всю Великую Отечественную войну, зарисовывая события, происходившие на полях сражений. После войны с 1948 по 1957 год работал на посту секретаря Калининского областного отделения Союза советских художников, затем был председателем правления Калининского отделения Союза художников РСФСР.

Е. Д. Светогоров много работал в области линогравюры. В 1967 году им была создана целая серия, посвящённая всесоюзному старосте Михаилу Ивановичу Калинину. Картины евгения Дмитриевича Светогорова находятся в частных коллекциях и музеях России. Галерея картин, расположенная в здании Тверского Путевого Екатерининского дворца, хранит большую часть его работ, среди которых серия «Времена года» и цикл «Селигер в июне». У московского коллекционера Екатерины Матусевич есть  одна из интереснейших работ этого художника - «Старик с котомкой», нарисованная пером тушью на бумаге. Чёрно-белая техника нисколько не ухудшает восприятие образа старика, эти две вещи (сюжет и техника) гармонично дополняют друг друга, от работы веет теплом. Светогоров сумел этой техникой передать добродушный образ старика. Такое впечатление, что старик присел отдохнуть, а может быть, только собрался куда-то пойти, сложив свою котомку, и в этот момент его успел запечатлеть художник

Картина «Катер у пристани» и другие работы тверского художника, описанные ниже,  также находятся в коллекции Екатерины Матусевич. Кстати, купить картину в Москве можно на этом сайте. На картине изображён катерок, стоящий в бухте курортного посёлка Гурзуф в Крыму. Этот небольшой городок расположен в пятнадцати километрах от Ялты, утопающий в хвойных рощах и субтропической зелени, он просто зачаровывает своей красотой. Недалеко от него возвышается гора Аю-Даг (Медведь гора). Название посёлка тоже связано с медведем. Дело в том, что латинское слово Ursus, от которого предположительно произошло название посёлка, означает медведь. Хотя чёрная акварель не в состоянии передать цвета этой живописной местности, фантазия зрителя легко добавит их в своём воображении. Ведь Евгений Дмитриевич смог удачно намекнуть на голубое море и зелёный берег бухты.

Другая графическая работа Е.Д. Светогорова «Барабан и труба»  скорее всего  демонстрирует те самые музыкальные инструменты, которыми пользовались пионеры в те времена в лагере-санатории «Артек». Это был самый знаменитый пионерский лагерь в СССР, хотя правильней было бы назвать его комплексом, ведь на территории 220 га располагаются десять лагерей. Правда, сегодня только некоторые из них находятся в рабочем состоянии. Хотя это не совсем по теме, но у лагеря «Артек» есть своя историческая достопримечательность – это самый большой в мире памятник В. И. Ленину, который… защищает территорию лагеря от возможных оползней, вернее, фундамент памятника удерживает грунт от смещения.

Ещё одна акварель Е.Д. Светогорова на тему Крыма из коллекции всё той же Екатерины Матусевич так и называется «Крым». В очаровательности этой работы можно убедиться, только посмотрев на оригинал этой чёрной акварели, к сожалению в данном случае фотография не совсем удачна. Пусть изображение и чёрно-белое, но сама работа восхитительна!

 

 

 

Рустем Массаров  

Борис Вячеславович Иорданский увеличить изображение
Борис Вячеславович Иорданский

Живописец Борис Вячеславович Иорданский родился летом 1903 года в городе Коврове Владимирской губернии, ушёл из жизни в 1983 году. После окончания ВХУТЕИНа работал в Москве оформителем павильонов выставок, проходивших в то время в столице, принимал активное участие в оформлении площадей и улиц Москвы к праздникам, выполнял другие правительственные заказы на художественную тематику.

Б. В. Иорданский создал много картин на революционную тематику, выполнял плакаты агитационного характера. Его кисти принадлежат многочисленные картины маслом пейзажи, натюрморты и портреты. В первых своих работах в стиле конструктивизма художник использовал фотомонтаж, но позже отошёл от этого направления. Им были выполнены иллюстрации к детским книгам для издательства «Детгиз».

После войны во Дворце культуры Метростроя Б. В. Иорданским и Г. И. Рублёвым была создана композиция «Победа» для потолочного плафона (темпера). По эскизам этих художников были изготовлены мозаики для вестибюля станции «Добрынинская» Московского метрополитена, на которых изображены парад спортсменов, шествие трудящихся по Красной площади и вождь пролетариата В. И. Ленин.  На стене банкетного зала ресторана «Прага» в Москве находится работа Иорданского, где изображены главные достопримечательности столицы – Кремль и храм Василия Блаженного. Кроме этого, он создал композиции для залов Центрального музея Революции, Бурятского театра оперы и балета в Улан-Удэ, гостиницы «Украина» в Москве и Кемеровского областного драматического театра.

В послевоенные годы художник в основном работал над картинами, которые были сильно политизированы, его творчество носило заказной характер, что и проявлялось в его живописных работах в стиле социалистического реализма: «Революционный патруль», «Да здравствует революция рабочих, солдат и крестьян!», «Демонстрация на Красной площади в 1927 году», «В. И. Ленин на 1-м Всероссийском субботнике», В. И. Ленин», «За власть Советов!».

Борис Иорданский также выполнил несколько портретов известных художников и искусствоведов -  В. А. Васильева, М. А. Маркова, В. Ф. Бордиченко, А. Н. Тарасова, К. А. Соловьёва. В его рабочей коллекции есть произведения в техниках акварели, гуаши и линогравюры. Скорее всего, последнее название не совсем понятно для некоторых людей, не связанных с изобразительным искусством. Это техника состоит в вырезании на полимерной основе (линолеуме) изображения и последующем оттиске его на листе бумаги. Впервые линолеум в этих целях стали использовать в 1905 году, осмелился на такое один немецкий художник, когда ему потребовалось напечатать большой фрагмент, а деревянные пластины, которые была в его распоряжении, не позволяли это сделать. В отличие от деревянного носителя изображение получается более чётким, штрих формируется чище и является более гладким.

Борис Вячеславович Иорданский с 1928 года был членом различных художественных объединений. Сначала он состоял в Ассоциации художников революции (АХР), затем - в Российской ассоциации пролетарских художников, потом и Союза художников СССР. В 1937 году в Париже была организована выставка, где Иорданский стал лауреатам «Гран-при». Он активно принимал участие в столичных выставках, организовывал свои персональные выставки, на которых тогда можно было купить картину для интерьера.

Кроме, художественной деятельности Борис Вячеславович вёл преподавательскую работу в Московском институте прикладного и декоративного искусства, а также в Московском высшем художественно-промышленном училище (бывшее Строгановское училище). В 1961 году он получил звание профессора. 

Его картины находятся в Государственном музее современной истории России, в Третьяковской галерее и других музеях нашей страны, а также в частных коллекциях, как в нашей стране, так и за её пределами.

 

 

 

Рустем Массаров

Алексей Иванович Деньшин увеличить изображение
Алексей Иванович Деньшин

Осенью 1893 года в Вятке родился художник А. И. Деньшин - страстный поклонник дымковской игрушки. Умер мастер зимой 1948 году, по некоторым данным в Кирове. Учился в Москве. В 1913 году поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества. В 1919 году некоторое время посещал Свободные Художественные Мастерские. Поначалу он попробовал поработать в Москве, после в Сергиевом Посаде (Загорск), потом работал в Вятке (Киров) художником-руководителем отделения игрушки в Вятских художественно-промышленных мастерских.

Ему с детства нравились дымковские игрушки, он рисовал их, изучил весь процесс изготовления глиняных игрушек. Этот интерес пробудил в нём учитель рисования И. Ф. Фёдоров, который постоянно рассказывал ученикам не только о народном творчестве, но и показывал настоящие картины русских художников. У этого преподавателя была целая коллекция глиняных игрушек, которые он демонстрировал детям.

Кстати, дымковская игрушка в большинстве своём до сих пор делается по эскизам Алексея Ивановича Деньшина. Некоторые из этих авторских эскизов дымковской игрушки с подписями и дарственными надписями самого Деньшина находятся в коллекции московского коллекционера Екатерины Матусевич. А сами народные игрушки-сувениры разбросаны по миру. При  жизни, пропагандируя этот народный промысел, Алексей Иванович Деньшин сам развозил игрушки по музеям Москвы и Ленинграда. Он выпустил несколько рукописных альбомов с эскизами дымковской игрушки, которые вышли небольшими тиражами и тут же стали библиографической редкостью.

В 1933 году Алексей Иванович сформировал целую артель «Вятская игрушка», где функционировал цех по производству дымковской игрушки при товариществе «Кировский художник». Он сумел возродить это ремесло и уговорить нескольких старых мастериц не бросать занятие им. Прибыль от этого дела постепенно уменьшалась, по этой причине мастера и прекращали им заниматься. Одной из самой опытной мастерицей была А. А. Мезрина, которой через год была назначена персональная пенсия. Глиняные игрушки лепила и его жена Е. И. Косс. Таким образом, благодаря стараниям Алексея Ивановича о дымковской игрушке узнали не только во всей России, но и заграницей в Нью-Йорке и Париже, где коллекция игрушек принимала  участие во Всемирных выставках.

Дымковская игрушка – это один из самых старинных народных промыслов на Руси. Уже более 400 лет продолжает литься звонкий задорный свист из глиняных расписных дымковских свистулек по земле Вятской. Этот чудный промысел произошёл от весеннего праздника Свистунья во время которого девушки лепили свистульки из глины в форме домашних животных. Праздник канул в историю, а свистульки остались на радость детворе и коллекционерам – поклонникам старины.

Алексей Иванович Деньшин удачно сочетал увлечение зарисовками изделий вятских мастеров народного творчества с живописью, где были запечатлены красоты вятской природы. У него получались хорошие пейзажи, на которых можно взглянуть в галереях картин России и заграницей. Кроме этого, Деньшин участвовал в оформлении спектаклей Вятских театров. С 1930 по 1932 год он состоял в объединение художников-реалистов, который пришёл на смену знаменитому Союзу Русских Художников. Его приглашали в учебные заведения и другие коллективы для чтения лекций по искусству на разные темы. Сам он владел более 30 старинными народными художественными ремёслами. Его произведения хранятся в частных собраниях, а галерея картин Кировского художественного музея содержит большую его часть работ.   

 

Рустем Массаров

 

Костромская художница Ирина Рыбакова увеличить изображение
Костромская художница Ирина Рыбакова

Художник Ирина Рыбакова родилась в городе Вышний Волочёк, но детство её прошло в живописном селе Новое Котчище, что вблизи знаменитого Дома творчества художников им. И.Е. Репина. Кстати, на её холстах запечатлены как раз те самые места, например озеро Мстино.  Рядом с их домом находилась летняя мастерская художников Петра Страхова и Лии Островой из Ленинграда, которые приезжали туда на этюды на целое лето. Именно такое соседство оказало благотворное влияние на дальнейшую судьбу девочки. Эти ленинградские художники были первыми наставниками Ирины Рыбакой в живописи.

В 1979 году она приезжает в Кострому и поступает в государственный педагогический институт им. Н. А. Некрасова, имея золотую медаль за окончание средней школы на «отлично». Потом, с 1987 года, какое-то время трудится в научно-реставрационном центре им.  Академика И. Э. Грабаря художником-реставратором. Четыре года трудовой деятельности существенно обогатили её багаж знаний и сделали из неё мастера своего дела. Во время работы в реставрационном центре она активно участвовала в разных выставках как в России, так и за рубежом - в Китае, Германии, Франции, Мексике и Великобритании.

В основном в её работах изображена наша родная русская природа. Рассматривая её картины с пейзажами природы, зритель сразу же начинает чувствовать, с какой горячей влюблённостью к родимой земле они были созданы. Они выгодно отличаются от работ других художников- живописцев краткостью, ясной композиционной проработкой, глубиной, занимательным колористическим решением и желанием показать очарование обычного житейского уклада деревенской жизни простых тружеников. Красочный стиль Рыбаковой основывается на русском импрессионизме. В её картинах  угадывается школа Василия Бакшеева, Алексея Саврасова, Аполлинария Васенцова, Константина Коровина и Исаака Левитана, создававшего «пейзажи настроения», в коих природа отображала состояние души мастера на момент создания картины.

В Костромское отделение Союза художников России Рыбакову приняли по отличным рекомендациям известных академиков А. П. Левитина и Н. Н. Соломина, было это в 1991 году. И хотя только лишь через 17 лет Ирина Рыбакова стала обладательницей премии от Российского фонда культуры, но в этот период её произведения получали «призы зрительских симпатий» пусть и на неофициальном уровне.

 

С 2010 года она стала членом Совета по экспозиционно-выставочной деятельности картинных галерей Костромской области. Через год её пригласили на пленэр в Ростов Великий при поддержке РПЦ. Ещё через год галерея полотен Костромского музея-заповедника показала личную выставку Рыбаковой под названием «Монолог». Тогда Виктор Калашников кандидат искусствоведения так отозвался о художественной деятельности Рыбаковой: «Острые касания кисти, обыгрывание «свободной середины» смелым перемещением масс. Свет в её картинах является полноценным персонажем, моделируя фигуры объектов, формируя особое восприятие сюжета холста, концентрируя, таким образом, внимание зрителя на определённую смысловую точку картины».

Художница Ирина Владимировна Рыбакова награждена ведомственной медалью Министерства Обороны РФ «За укрепление боевого содружества», есть и золотая награда. Кроме этого, в её арсенале имеются около десятка благодарственных писем, столько же дипломов различных категорий. Она участвовала во многих выставках, начиная с 2003 года в России и за рубежом. Её персональные выставки организовывались с 1995 года. С 2007 года художница участвует во всероссийских и международных пленэрах.

 

 

 

Рустем Массаров 

Пензенский живописец Василий Матвеевич Беликов увеличить изображение
Пензенский живописец Василий Матвеевич Беликов

В 1922 году в селе Свищёвка Тамбовской области родился Василий Матвеевич Беликов – художник, который был признан всеми ценителями изобразительного искусства, как выдающийся пейзажист.

Через десять лет их семья переезжает в Астрахань, где Беликов поступает в художественное училище. Это произошло вовсе не из-за желания Василия учиться художественному ремеслу, а просто семья жила бедно и они вынуждены были переехать. Когда Василию было 1,5 месяца, его родной отец скончался, и его мать осталась с двумя малышами одна. Чтобы хоть как-то выжить она, вынуждена была сойтись с вдовцом, у которого самого было трое детей. Перед окончательным переездом Василий со своим сводным братом на некоторое время остались в селе и кормились как могли. Частенько Василию приходилось рисовать игральные карты и менять их на еду. Через некоторое время, когда мать обосновалась в Астрахани, она увезла мальчиков из Свищёвки.

После трёх лет учёбы в художественном училище в Астрахани Василия Беликова призывают в армию, как раз перед самым началом войны, весной 1941 года. В 1942 году его направляют служить на канонерскую лодку "Бакинский рабочий" на Каспийском море. Через год снова меняется место службы – он оказывается в морской пехоте под Новороссийском, а войну заканчивает в войсках связи. В 1947 году он демобилизуется и приезжает в Пензу. В Пензе поступает сразу же на 3-й курс местного художественного училища. Его наставником во время учёбы был И.С. Горюшкин-Сорокопудов. В 1950 году Беликов заканчивает учёбу и устраивается художником в Пензенское отделение Художественного Фонда РСФСР, где некоторое время работает директором. Но в 1964 году заболевает туберкулёзом, и некоторое время был вынужден лечиться, посещая разные клиники и санатории. Именно поэтому Василий Матвеевич поздно начал художественную деятельность, так уж сложилась судьба.

Проходя лечение в многочисленных больницах и санаториях, он твёрдо решает для серьёзно заняться рисованием. В конце концов в 1975 году его принимают в Союз художников  СССР. Василий Беликов активно участвовал на всех выставках разных категорий, часто бывал в Доме творчества художников - Академическая дача им. И. Е. Репина, где  он познакомился с большинством ведущих художников СССР.

По натуре В. М. Беликов был стеснительным человеком. Он не решался показывать некоторые свои картины публично, мотивируя это тем, что они ещё недоделанные, у него постоянно было желание что-то в них улучшить. Хотя его картины с пейзажами природы и так были хороши. Те, кто присутствовал на областных выставках, отмечают этот факт.

Картины этого художника отличаются насыщенностью цвета. Особенно хорошо ему удавались картины с пейзажами природы и натюрморты. Портреты он не очень любил рисовать, сам объясняя это тем, что при случайной ошибке и неточности передачи образа модели всю работу можно смело забраковывать целиком. Ещё он не любил уговаривать модель, а при работе над пейзажем или натюрмортом уговаривать никого не нужно. Всё это говорит о том, что  у него в душе был какой-то страх что о нём скажут, как примут его работы. Может быть это связано и с поздним началом художественной деятельности. Свою персональную выставку он откладывал до 1994 года. В этот год он и ушёл из жизни. Так что выставка оказалась как бы и посмертной и прощальной. Но Василия Беликова не забыли, в 2012 году галерея картин в Пензе организовала показ его работ, приуроченный к 90-летию мастера.

 

 

 

Рустем Массаров

 

Отец и сын Рубинские увеличить изображение
Отец и сын Рубинские

Известный московский художник Игорь Павлович Рубинский родился весной в 1919 году в Климовичах, в Белоруссии. Их семья имела родовой дворянский герб начиная с XIV века. Мать Игоря Павловича была хорошей пианисткой, а ещё обучала детей иностранным языкам, отец же был признанным художником и также занимался преподавательской деятельностью. Через пять лет они перебрались жить в город Щёлково в Московской области.

В школе Игорь Рубинский окончил только восемь классов... потом просто сдал экстерном экзамены за остаток школьной программы. В 16-летнем возрасте он решился показать свои работы на молодёжной выставке, проходившей в столице, где его приметил профессор И. Бродский, который дал соответствующие рекомендации, и Игоря Рубинского приняли в Академию художеств им. И. Е. Репина, позже он перешёл МГХИ им. Сурикова. В последнем учебном заведении он учился у Сергея Герасимова, в 1942 году получил диплом и сразу же отправился на фронт. Попал на Северный флот, но не моряком, а оформителем в офицерском клубе. После победы Игоря Павловича приняли в Союз художников. Он принимал участие почти во всех выставках, которые организовывались в то время, всего на его счету участие более чем в 60 выставках. Кроме этого, он написал пейзажи для оформления МГУ и писал декорации для Большого театра. Он был талантливым создателем тематических картин. Но по его словам, ему самому нравилось рисовать картины с пейзажами природы.

Персональные выставки Игоря Павловича Рубинского организовывались в столице на протяжении 20 лет вплоть до самой его кончины. Теперь его работы можно встретить в музеях таких городов, как Петропавловск-Камчатский, Елизово, Челябинск, Ташкент, Самарканд (кстати, в этом городе он писал свою дипломную работу, пока учился в МГХИ им. Сурикова, эвакуированного в этот город во время войны). Некоторые его картины хранятся в Москве в коллекции Александра Гремитских, у него же можно купить недорогую картину для интерьера. Кроме того картины Игоря Павловича Рубинского находятся в частных собраниях поклонников изобразительного искусства в странах Европы и в Японии.

Почётное звание "Заслуженный художник России" он получил перед самой смертью, буквально за год. Но у него остался достойный последователь – его сын Рубинский Павел Игорьевич, который также предпочитает писать портреты, пейзажи и натюрморты. Павел появился на свет в 1950 году. Он вырос на картинах своего отца, что и определило его будущую жизнь. Отучившись в СХШ академии Художеств СССР, а потом в столичном художественном училище, он стал членом МСХ и СХР. Павел Рубинский периодически принимает участие в выставках всех категорий. Его картины можно увидеть в Музее Обороны Москвы. Некоторые его картины хранятся в частных собраниях заграницей. Он участвовал в международных выставках и пленэрах в Польше, Сербии, Черногории (2012), Китае, США (2002) и Греции (2010).

Отец Александра Владимировича Гремитских дружил с Игорем Павловичем. Вообще говоря, их выпуск был сплочённым и поддерживал друг друга в трудных жизненных ситуациях. Известен случай, когда Игорь Рубинский с риском для своей карьеры принципиально защищал Владимира Гремитских, точнее его картину, проведя сравнительный анализ одной из его работ, которую художественный совет не желал принимать. Он сравнил её с только, что принятой картиной именитого мэтра, причём не в пользу последнего. В итоге он убедил присутствующих,  и картину Владимира Гремитских приняли, но после этого Рубинский нажил себе врагов, среди которых, был академик Д. А. Налбандян, чью работу Игорь Павлович, собственно, и сравнивал с картиной Гремитских. Но на следующем собрании, при попытке комиссии с подачи обиженного мэтра вернуть на доработку уже работу Рубинского, посыпались справедливые возгласы негодования рядовых художников из зала. В итоге комиссия МОСХа была вынуждена согласиться с общественным мнением и принять работу Рубинского, вернув на доработку картины именитых коллег-художников.

 

 

 

Рустем Массаров

Московская художница Ольга Курзанова увеличить изображение
Московская художница Ольга Курзанова

Ольга Курзанова появилась на свет зимой, в Москве, в 1975 году. Поклонники и ценители изобразительного искусства отмечают, что Ольга Курзанова смогла привлечь к себе внимание, не имея художественного образования.

В 2011 году Ольга посетила музей «д’Орсе» в Париже, именно этот визит и спровоцировал возникновение её интереса к живописи. Что не удивительно,  этот музей -  крупнейшая сокровищница изобразительного искусства. Картины в жанре импрессионизма настолько впечатлили её, что в результате у девушки проснулся спящий гений художника. Отсутствие официального художественного образования даже лучше в смысле свободы выражения своего взгляда на окружающий мир, таким образом даже больше шансов на проявление индивидуальности без привитой стандартизации художественной школы. Её кредо таково: «Художник - это данность от Всевышнего плюс  труд и желание. Мои работы скорее относятся к импрессионизму и постимпрессионизму».

Главным двигателем её работ являются собственные эмоции, глубокий взгляд на мир, умение увидеть изнанку и саму сущность каждой ситуации и каждой личности. Такой подход характерен для всех её картин  – будь то портрет человека, натюрморт, пейзаж или символическое изображение какой-либо ситуации.

Как фотограф передаёт единственный миг  происходящего вокруг, так и художник создаёт застывшее мгновение, разница лишь в том, что картины художников излучают живую энергию, которой обогащает их человек, а фотокамера на это неспособна.

Ольга Курзанова уже через дважды участвовала в Международной Выставке "ART WEEK 2013" и получила 2-е место в номинации «Классическая живопись». Вскоре после этого её картины участвовали на выставке «Art Monaco 2013», в Америке "SPECTRUM NEW YORK 2013"," SPECTRUM MIAMI 2013,"ART Cocktail Brugge - 2014" Бельгия, и конечно же  выставки в России. С 2014 года она является членом Творческого союза художников России.

Хотя она работает мастихином, делая крупные мазки, но даже выполненные таким образом, портреты отличаются вполне определяемыми чертами лица, на них видны эмоции и настроение человека. Работы Курзановой эстетически красивы, наполнены глубоким смыслом. Её картины полны жизнерадостности, света и теплоты. Рассматривать работы Ольги Курзановой рекомендуется не спеша, тогда картина начнёт раскрываться, вы её поймёте ещё лучше, и она надолго останется вашей памяти.

Нынче в эпоху кризиса многочисленных жанров любой новый стиль и вообще, новинка в изобразительном искусстве, приветствуется. Впрочем, во все времена помимо хорошей художественной школы,  ценилась идея, замысел художника, индивидуализм и своеобразный метод представления зрителям визуального изображения, который вовсе не зависит от художественного образования. Работы Ольги Курзановой являются ярким примером этому.

У каждого своё представление о том, каким должно быть искусство. И это хорошо, потому что скучно было бы, если всё вокруг было предсказуемым, банальным и понятным. Не нужно заключать талант художника в рамки, пусть он сможет передать по-своему, увиденную им Красоту в простых и привычных вещах, которые окружают нас. Причём делается всё это мастихином, который вообще-то, изначально был предназначен для других целей. Постепенно с развитием техники работы мастихином появились его разновидности с коротким и длинным лезвием, отличающимися по форме и жёсткости. К примеру, с  коротким лезвием хорошо получаются угловые мазки, а длинное лезвие подойдёт для художников, работающих в размашистой манере нанесения красок на холст.

Техника работы мастихином чем-то похожа на изготовление бутерброда. Одним из условий при работе в таком стиле является постоянный контроль над состоянием краски, если нанесённая краска начнёт подсыхать, то на ней образуется плёнка, на которую уже не получится нанести следующий слой. По этой причине художники пользуются масляными красками или густой акриловой краской, добавив в них для густоты текстурной пасты. В результате получаются интересные картины маслом (пейзажи).

 

 

 

Рустем Массаров 

Казанская художница Рушан Якупова увеличить изображение
Казанская художница Рушан Якупова

Рушан Якупова, будучи женой художника Якупова Хариса Габдрахмановича тоже пишет картины. Лучше всего у неё получаются натюрморты, где с присущей ей женской мягкостью представлены букеты цветов.

Pушан Мустафовна появилась на свет зимой 1928 года в деревне Кызыл Мечеть Оренбургской области. После окончания курсов росписи по фарфору Дулевского художественно-ремесленного училища поступила в Казанское художественное училище. Потом трудилась в Художественном фонде Татарстана оформителем. Полностью уделить внимание картинам смогла только после того, как вышла на пенсию. Так, началась череда показов своих картин на выставках.

Одна из её картин, которая называется «К чаю», удивляет реальностью предметов, а именно гранёный стакан настолько реалистично изображён, что смотришь на него и удивляешься, как можно обычными красками выразить его стеклянную структуру.

Этот натюрморт и другие её работы были показаны на выставке «Хазинэ» в Казани в 2007 году. Выставка была приурочена к 80-и летию Рушан Мустафовны, было много поздравлений от видных деятелей культуры, в том числе и награда – почётный знак «За достижения в культуре», которую вручила Лилия Саттарова начальник отдела музейных программ Министерства культуры Республики Татарстан.

Работы, выставленные там, полностью оправдали название выставки: «Национальный натюрморт в искусстве Татарстана». Обычные вещи, которыми пользуются татарские хозяйки, благодаря кисти и таланту Рушан Якуповой предстаются в выразительном ракурсе, играя весёлыми цветами, это и обычное полотенце, вышитое татарскими мастерицами, и каляпуш – национальный головной убор для праздников, и самовар, и даже обычный носовой платок трогает за душу своей романтической подписью в уголке.

Картины Рушан Якуповой полны оптимизма, каждая деталь в натюрмортах старательно выписана. Также выставке были представлены, созданные ещё в 50-е годы иллюстрации к татарским и народным сказкам. Посетители выставки подолгу стояли и рассматривали картины, ведь ранее они нигде не выставлялись. Также в выставке принимали участие работы художников Е. Зуева и С. Неустроева, то есть было с чем сравнить и оценить творчество Р. Якуповой и судя по реакции зрителей, картины Рушан Мустафовны пользовались повышенным вниманием.

Картины Рушан Мустафовны хранятся в Государственном музее изобразительного искусства РТ, в частных собраниях Европы и Америки, около сорока лет её работы участвует на выставках разного статуса.

Оказывается, в семье Якуповых рисуют почти все члены семьи, в том числе и дети с внуками, даже правнуки! Сама она так высказывается по этому поводу: «Не знаю, как это у них получается, видать, передаётся талант с генами. Что касается меня, то я ставлю перед собой натуру и долго смотрю на неё, любуюсь ей, стараясь понять, а смогу ли я передать всю эту красоту».

Официальная версия определения жанра натюрморт излагается примерно так: это жанр станковой живописи, посвящённый изображению предметов, организованных в группу, то есть в постановку. Иногда художник допускает включение в группу живых существ, но только как дополнение к сюжету. Этот жанр требует выделение фактуры и деталей объёмов предметов. Отсюда и реалистичность гранёного стакана в работе «К чаю» Рушан Якуповы. В общем, она сумела полностью и правильно соблюсти все требования создания натюрморта.

Принято считать, что это жанр станковой живописи появился в 1504 году, когда итальянец Якопо де Барбари показал свою работу, где была изображена куропатка, стрела и железные рукавица. В России натюрморт появился лишь в 18 веке, когда признали светскую живопись. Рассвет русского натюрморта пришёлся на начало 20 века, кстати, И. Э. Грабарь был среди тех, кто поспособствовал этому.

 

 

 

Рустем Массаров 

Казанский художник Харис Якупов увеличить изображение
Казанский художник Харис Якупов

Харис  Абдрахманович Якупов родился зимой в 1919 году в Казани. После окончания художественного училища пришлось уйти на фронт. Продолжительное время - с 1951-го по 1975 год работал председателем Союза художников республики.

Зрители привыкли видеть его картины, написанные в историко-революционном направлении, но кроме них он писал и пейзажи, и портреты, и натюрморты, которые отличаются сочностью цветов. Стоит выделить одну из его работ, посвященную поэту Г. Тукаю. Картина создавалась 15 лет! На ней поэт изображён как мальчик, подросток и как юноша. А так, в арсенале художника около трёхсот картин, среди которых двадцать больших полотен самые ценные из которых хранятся в Казани. Есть его картины и в Третьяковской галерее. Кроме нашей страны, картины художника принимали участие в выставках заграницей и хранятся в частных коллекциях.

Война оставила свой след в творчестве Хариса Якупова. Пройдя нелёгкий путь до самой Германии, он сделал много зарисовок на военную тему. После Великой Отечественной Войны татарский мастер кисти продолжал писать картины, так в 1951 году была показана картина "Подписание В. И. Лениным Декрета об образовании ТАССР" за которую он получил Государственную премию СССР. Через пять лет Харису Абдрахмановичу присвоили звание народного художника РСФСР. За вклад в художественное наследие страны художник был удостоен ордена «Знак Почета», наградой «За заслуги перед Отечеством» 1-ой степени и другими наградами.

Кистью художника были написаны картины, демонстрирующие подвиги Михаила Девятаева и Мусы Джалиля («Перед приговором» 1950 год). Между прочим, Харис Якупов помнил Мусу Джалиля, когда тот выступал перед учениками на школьном кружке. Хотя это несколько не по теме, но хочется немного рассказать и про М. Дявятаева. Вообще-то его настоящая фамилия была Девятайкин, это во время учёбы в речном техникуме Казани ошиблись с написанием его фамилии. Этот человек сумел не просто сбежать из немецкого концлагеря, а угнать немецкий самолёт! За ним был послан истребитель, за штурвалом которого сидел не менее опытный ас Гюнтер Хобом, но Девятаеву удалось уйти от него. Но они всё же встретились… в 2002 году на аэродроме в Пенемюнде. До конца жизни Михаил Петрович проживал в Казани.

Национальная галерея картин «Хазине» хранит творческую летопись Великой Отечественной Войны в образах, созданных художником Харисом Абдрахмановичем Якуповым. Зимой 2009 года галерея картин «Хазине» организовала показ работ художника, посвящённый юбилею Х.А.  Якупова, на котором Зиля Валеева министр культуры Татарстана высказалась о своих впечатлениях по поводу встречи с юбиляром. Она была удивлена тому, что, несмотря на преклонный возраст, художник продолжал работать. Первые его слова после выслушивания поздравлений по поводу юбилея были об очередной готовой книге, которую пора было уже издавать. Это была его 7-я книга!

На выставку сам Якупов не смог приехать, но вместо него присутствовали его ученики, близкие друзья и родственники. Кроме тёплых слов по поводу юбилея художника, Зиля Валеева зачитала поздравления от Д. М. Медведева, М. Ш. Шаймиева и Р. Н. Минниханова. Было много слов благодарности от видных деятелей, в том числе и от ректора КХУ им. Фешина М. А. Вагапова и главного художника журнала «Казань» Григория Эйдинова. Но самым интересным было выступление сына Хариса Абдрахмановича, Фарида Харисовича, который рассказал публике вот такую историю: «Года два назад мы с отцом прогуливались по одной из улиц Казани. Уже тогда у отца начались проблемы со зрением, поэтому настроения у нас не было. И вдруг он останавливается и говорит:

- Жаль, что Аллах нам дал столь короткую жизнь!

- А сколько, ты хотел бы прожить? – спросил его я.

- Лет, 150 - ответил отец.

- А представь, папа, что Аллах отправил тебе Джебраила с предложением даровать 150 лет, но при условии, что всё, чего ты добился - всё пропадёт! Зато к тебе вернётся и зрение, и здоровье, но всё нужно будет начать сначала.

На что отец сказал:

- Не нужно мне 150 лет! Достаточно мне и того, что осталось».

Выставка была организована ещё и для того, чтобы развенчать миф о нём, как о заказном художнике, то есть якобы, что ему сверху говорили, про это он и писал. На выставке были представлены картины, которые ранее нигде не показывались широкой публике. Это и живопись акварелью, и портреты, и этюды, и графика, и лирические пейзажи, в общем, всё из «домашнего» собрания Хариса Якупова. Были показаны и послевоенные работы художника, а именно работы, где изображены жители деревни Шали: картины «Передовые животноводы – пастухи» и «Сильные люди».

Харис Абдрахманович Якупов ушёл из жизни в 2010 году.

 

 

 

Рустем Массаров 

 

Акварелист Александр Фёдорович Карпан увеличить изображение
Акварелист Александр Фёдорович Карпан

 Александр Фёдорович Карпан родился на Украине Хмельницкой области в городке Староконстантинов в 1953 году. В 26 лет он окончил ХГФ ВГПИ им. С.М. Кирова, обучался у известных акварелистов Белоруссии Мемуса А. И. и Столярова И. М. , потом у Ростовцевой Н.Н. и Максимовой К.М. прошёл стажировку в МГПИ им. В.И. Ленина, и уже в молодом возрасте начал учить искусству создания картин в Витебском государственном университете им. П. М. Машерова.

Александр Карпан со времён работы в ВГУ им. П. М. Машерова принимал участие в выставках международного и всесоюзного уровня. Картины мастера висят в одном из музеев Витебска, в историко-архитектурном музее культурной столице Белоруссии Полоцке. Также их можно встретить заграницей в частных собраниях картин, в культурных учреждениях городов Вецлара, Нинбурга, Бремена.

Он участвовал в акварельных бьеннале международного значения, проводившихся в Петрозаводске и Санкт-Петербурге, а также  зарубежом – в Каунасе и Шэньчжэне.

Александр Фёдорович Карпан был удостоен медали Общества акварелистов  Санкт Петербурга.

Живопись акварелью Александра Фёдоровича отличается продуманностью до мелочей композиции, притягивает внимание зрителя изысканностью форм и гармоничным цветовым решением. Работы, выполненные с использованием классических приёмов акварели, притягивают зрителя и не отпускают его от картины. Вот, к примеру, взять работу «Полдень» на ней вода… мокрая! Появляется желание прикоснуться к картине и потрогать воду.

Период 70-х оставил свой след в манере создания изображений, угадывается желание художника к возврату к утончённой живописи, основанной на конструктивном рисунке.  В итоге акварельные работы художников того времени отличаются с выразительной пластикой форм.

 

Два года назад осенью в Новополоцке прошёл показ картин художника, выставка называлась «В поисках Антареса»,  и была приуроченна к знаменательной дате шестидесятилетия Александра Фёдоровича. Тогда руководитель областного правления Союза художников Баранковская С. А. выступила с такой речью: «Удивительно, но оказывается, можно бояться и обычного бумажного листа! По-моему акварель - это мужская техника, ведь здесь нужна твёрдая рука. Александр Фёдорович Карпан смог овладеть техникой создания картин капризной акварелью». Там можно было купить картину художника.

На выставке были представлены 45 акварелей, созданных за последние 13 лет его творчества. Название выставки не просто так выбрано из-за красивого звучания, Антарес самая яркая звезда в созвездии Скорпиона, которая служила ориентиром для древних путешественников. Название выставки символизирует поиск творческой индивидуальности Александра Фёдоровича, скорее всего, как раз в эти 13 лет.

Что такое акварель? Этот краситель, который после растворения в воде образуется в виде лёгкой прозрачной взвеси, это дает возможность создавать воздушные и лёгкие цветовые переходы. Для улучшения характеристик акварельного красителя в него добавляют декстрин и гуммиарабик, это клеи растительного происхождения. Плюс к ним добавляют сахар, мёд и глицерин для удержания влаги, бычью желчь для предотвращения скатывания краски в капли, чтобы она лучше растекалась,  а фенол работает против плесени, как антисептик.

Акварель, как краситель человек научился делать давно.  Ещё во времена фараонов художники той эпохи писали ею на папирусе. Мастера Японии и Китая писали акварелью на шёлке, соединяя её с тушью.

Техника акварели капризна, но в то же время считается элитной техникой. Дело в том, что она не прощает ошибок художника.  Если при работе с акриловыми или масляными красками можно в процессе создания изображения вносить поправки, то при работе с акварелью мастеру даётся всего лишь один шанс. Можно провести аналогию между капризной женой и акварелью, художник же здесь выступает в роли мужа, которому требуется укротить капризную супругу.

 

 

 

Рустем Массаров 

 Художник Энвер Ишмаметов увеличить изображение
Художник Энвер Ишмаметов

Энвер Дзерулович Ишмаметов родился зимой 1916 года в сельской местности Пензенской губернии в селе Алагулово. В 20 лет после учёбы в столичном изотехникуме памяти 1905 года поступил в Московский государственный художественный институт имени Василия Сурикова, созданного на базе ВХУТЕИНа. Закончил его уже во время войны в 1942 году. С 1945 года был членом Союза художников СССР. Его работы выставлялись в 1948 году на выставке «30 лет ВЛКСМ», через год прошла «Выставка советской живописи и графики» в Москве, а в 1955 году - «Весенняя выставка МОССХ» и в других выставках.

Картины художника хранятся в МГУ им. М.В.Ломоносова в Москве, в музеях Иркутска, Самары, художественная галерея картин Татарстана в Казани также имеет их в своем каталоге. Кроме этого его картины можно встретить в частных собраниях не только по России, но и за рубежом.

Его работы наполнены самобытностью и колоритом татарского народа. Особенно это ясно видно в эскизах к тематической картине «Сабантуй», праздника плуга, который праздновали после окончания посевных работ в татарских сёлах. Среди эскизов выделяются такие работы, как «Разговор», где изображены двое мужчин преклонного возраста, пришедших на праздник, делящихся между собой впечатлениями от столь торжественного мероприятия, а может быть, они обсуждают прошедшие посевные работы.

Другая работа «Сидящий мужчина» уже точнее передает атмосферу праздника, в его выражении лица угадывается интерес к происходящему на празднике, скорее всего он следит за национальной борьбой куреш. Все эти эскизы можно отнести к соцреализму, хотя они в основе своей являются натурными зарисовками односельчан художника Ишмаметова Энвера Дзеруловича.

Среди его работ есть и импрессионизм, взгляните на картины «Бурёнка» и «Куры», и сами убедитесь в этом. Картины "Автопортрет", "Собор в Суздале", "Старуха" и "Ай-Петри" – реализм. Психологический портрет татарской бабушки на картине «Старуха» на мой взгляд нисколько не соответствует названию. Ишмаметов написал богобоязненную женщину, которая держит в руках чётки (тасбих), используемые мусульманами для счёта восхвалений Аллаха, чтобы не запутаться при перечислении Его имён. По-моему, она как раз этим и занимается, после намаза - молитвы Всевышнему.

У  этого художника есть ещё одна картина на эту тематику, которая так и называется - «Молитва», но на ней уже изображён мужчина в летах. Даже, если бы эту картину назвали бы «Старец», было бы лучше, чем предыдущее название «Старуха», хотя бы «Старушка» назвали бы!

Живопись маслом «Ай-Петри», написанная на картоне, относится скорее к импрессионизму чем к реализму. Картина появилась в 1964 году - насыщенный цветом пейзаж, на котором зелёные деревья на белом фоне ледников гор подчёркивают живую природную насыщенность крымского лета, когда всё вокруг цветёт, растёт и благоухает ароматами цветущих растений. От картины веет летним теплом! Художник сумел показать своё развитое чувство цвета, используя почти все оттенки зелёного цвета, начиная от нежного салатового оттенка до самого насыщенного тёмного. Обычно такой подход зрительно утяжеляет изображение из-за перегружённости тёмными тонами но, как не удивительно, этого не произошло!

Ещё одной удачной работой Энвера Ишмаметова является портрет «Татарочка» в стиле импрессионизма, благодаря которому на картине отсутствуют мелкие детали. Зритель, не отвлекаясь на них, полностью внимает тому, что хотел показать мастер, а именно выражение лица. Несмотря на то, что лицо женщины показано в профиль, оно выглядит достаточно выразительно, чтобы увидеть (как мне кажется) печаль и тревогу в её глазах. Между прочим, в профиль передать эмоции очень трудно, а у Энвера Дзеруловича это получилось.

Манера письма Ишмаметова представляет соцреализм в совершенно непривычной для зрителя форме и это определенно стоит принять во внимание, выбирая одну из его картин для оформления интерьера помещения.

 

 

 

Рустем Массаров

Художник Валерий Маковой увеличить изображение
Художник Валерий Маковой

Валерий Георгиевич появился на свет летним днем 1953 года на левом берегу реки Десны в Брянской области в посёлке с поэтическим названием Белая Берёзка Трубчевского района. Одновременно с учебой в средней школе получил образование в музыкальной школе по классу баяна. В 1970 году, участвуя в конкурсе среди музыкальных школ Брянской области, завоевал диплом 2 степени за исполнение сложной органной музыки на баяне. Это было музыкальное произведение к драме Ибсена «Пер Гюнт» и исполнялось на готово-выборном баяне с мощным органным звучанием.  В 1972 году был призван в армию. Служил в Латвии. После службы в армии занимался в изостудии у известного живописца Юрия Ивановича Циркунова, одновременно занимаясь на подготовительных курсах при Академии художеств Латвии. В 1977 году поступил на факультет графики, был избран старостой факультета. В 1983 году защитил на «отлично» дипломную работу - серию из 6 политических плакатов. По завершении учёбы в Латвийской Академии художеств получил направление и работал ведущим художником на производственном парфюмерно-косметическом объединении "Дзинтарс» .  Совмещал работу с  творчеством, участвуя в многочисленных выставках - республиканских, межреспубликанских, Всесоюзных, а в 1990 году принял первое участие в Международной выставке "Космос и мы", организованной в Москве, в Центральном выставочном зале столицы. Начиная с 1990 года получал заказы от издательств Риги на иллюстрации книг, а с 1995 года получил предложение сотрудничать с полиграфическо-издательским объединением "Янтарный сказ" города Калининграда.

 

Художником было проиллюстрировано более 60 книг. Книга, которая по-настоящему вдохновила художника, это оригинальное издание "Одиссеи капитана Блада"из серии ,,Сеятель,, автором идеи которой являлся прекрасный специалист полиграфического дела, директор предприятия Анатолий Махлов, собравший из разных республик бывшего Союза гравёров, в числе которых был и Маковой Валерий. Книга вышла в свет и участвовала в представительских выставках-конкурсах в 1995 году, гравюры были созданы на пластике в технике ксилографии, а другие гравюры в две-три доски. Помимо работы в области полиграфии Валерий исполнял заказы по аэрографии автомобилей и мотоциклов, что в то время являлось привлекательным для владельцев автотехники в Латвии. После ухода с ,,Дзинтарса,, начал приобретать опыт в сфере наружной рекламы, а именно планшетно-световой ,также начал получать заказы в оформлении интерьера помещений, расписывая стены и потолки, что было востребовано владельцами дорогих особняков в то время.

 

В 2010 году Валерий Маковой открыл свою студию-школу изобразительных искусств в Риге. И хотя она располагается всего на 26 квадратных метрах, два его выпускника стали лауреатами Гран-при на серьёзных выставках по детскому творчеству. Эти события произошли в 2013 году, одному из мальчиков тогда было 9 лет - Роберт Зидерман, и в 2014 году с Никитой Тележниковым, которому было тогда 11 лет. Молодцы ребята! Это стало возможным благодаря особому подходу к процессу обучения. Валерий Георгиевич не навязывает ребятам академизм, а даёт свободу

 

творчества, провоцирует их на самовыражение и проявление индивидуальности.

 

Художники по роду своей деятельности часто бывают в разъездах. Так и Валерий Георгиевич с целью найти материал для своих работ побывал в Алтайском крае в творческой командировке, пройдя маршрут Барнаул-Бийск-Горно-Алтайск-Телецкое озеро, и создал коллекцию около 100 этюдов с натуры. Затем были поездки в Грузию, Абхазию, Крым,  Украину, Белоруссию, позже в Ирландию, несколько раз в 2014 посетил Чехию, создав ряд работ в Праге и Карловых-Варах. В итоге родилась экспозиция «Настроение природы» для большой выставки в Доме Москвы в Риге. В ней были собраны более 60 работ, причем не только картины маслом с пейзажами, но и гравюры на дереве, акварель, гравюра на пластике, экспериментальные работы в живописи акрилом, декор и иллюстрации печатных произведений. В общей сложности Валерий Георгиевич участвовал в более чем 70 различных выставках. Его работы раскупили частные коллекционеры из Израиля, Ирландии, Чехии, США, Австрии, ну и «местные» коллекционеры из России, Латвии, Эстонии, Белоруссии и Украины.

 

В Ирландии, в столице страны Дублине, у него живут и работают два сына. Так, что с Ирландией художника связывает не только та первая поездка в 2007 году, когда впервые местные ценители живописи купили работы Валерия Георгиевича, что очень удивило автора, ведь в Ирландии и своих талантливых художников хватает. Скорее всего, причина такого успеха в сильном отличии техники картин рижского художника от ирландских мастеров. Хотя сам Валерий Георгиевич, когда попал в Дублинскую картинную галерею, забыл обо всём и подолгу стоял около полотен, которые были одновременно современны и обладали древней силой кельтской земли, отмечая их завораживающую реалистичность.

 

Маленький фрагмент с публикации русскоязычной ,,Нашей газеты,, в Дублине, написанной известным журналистом Игорем Мейденом : ...Заглянул как-то Валерий Маковой и в магазин, специализирующийся на художественном товаре, там было всё, что нужно художнику! Когда сын узнал, на что отец потратил в магазине около двух сотен евро, обречённо вздохнул… даже ирландцы, не позволяют себе так шиковать. Но у Валерия Георгиевича было на то свое оправдание: в Латвии такого выбора красок просто нет! И потом хочется осуществить свою мечту – написать роспись светящимися красками на одной из стен дома, где живёт сын. И в октябре 2009 года, после посещения самого высокого и мощного водопада в Ирландии в графстве Эннискерри, объект-настенная роспись  4,5 на 2,5 метра появился на лестничном пролете жилого дома, где проживает семья старшего сына... 

Отзыв об электронной галерее ruskartina.ru увеличить изображение
Отзыв об электронной галерее ruskartina.ru

Есть две категории создателей сайтов, те у которых цель сделать на этом деньги, и те, кто создал сайт (сайты) для души или с другими благородными целями, вовсе не корыстными. Один из таких людей Александр Гремитских, который вместе с другим коллекционером -  Екатериной Матусевич сделали сайт ruskartina.ru с целью собрать элиту российских художников-реалистов, тех, кто действительно обладает талантом перекладывать всё прекрасное на холст со своей индивидуальной изюминкой. Среди художников, которых Александр Гремитских принял, так сказать, в свой элитный клуб, есть художники… без художественного образования которые умеют представить своё видение окружающего мира именно благодаря своему оригинальному таланту с той самой изюминкой.   

Арт-рынок переполнен,  и сайтов, развешивающих на своих страницах картины художников тоже уйма, мало того, определённую часть из них художниками-то трудно назвать. Такие сайты заботятся о сео контенте, а не о высокохудожественных ценностях, ибо создатели подобных сайтов далеки от искусства. Картины художников с пейзажами развешиваются на сайтах посредников иногда даже без ведома самих художников. Представьте себе сайт, заточенный, к примеру, на продажу фотообоев.  Вроде бы те же изображения, но фотография и пейзаж, который писался несколько недель художником, в принципе не может быть одним и тем же изображением.  Как вообще можно вешать картину на сайты, отличные по тематике? Это ведь равноценно тому, что повесить настоящую картину признанного художника в цехе какого-нибудь сталелитейного завода, где шум, жара и копоть.

На сайте ruskartina.ru изначально предотвращается вероятность появления дешёвых художников, которые потом пропадают или не подтверждают свою актуальность, как говорится, ушёл в творческий запой искать музу.    

Сайт Александра Гремитских и Екатерины Матусевич направлен только на импрессионизм и реализм, художники могут попасть на сайт, то есть выставить там свои работы исключительно  по личному приглашению организаторов  сайта, причем владельцы сайта сами занимаются поиском художников. На основных страницах сайта в случайном порядке появляются картины принятых художников, что уравнивает всех их в правах, но чем больше у художника картин, тем чаще они появляются на страницах сайта, что также является вкладом в справедливость. Работы можно найти по алфавиту, городу и по ценовой категории. На площадке организована рассылка для участников проекта, что стимулирует их к действию, чтобы сайт был «живой» в электронных глазах поисковиков. Кроме стандартной схемы по продвижению сайта, ведётся работа по активации «сарафанного радио», что работает не хуже по эффективности, то есть стабильно люди будут всё больше и больше узнавать об этой галерее картин. Пройдёт время, и эта электронная галерея картин соберёт не только талантливых художников, но и много любителей русской живописи. 

Также на сайте представлены работы живописца Владимира Георгиевича Гремитских, как не трудно догадаться отца Александру Гремитских. За последние семь лет Александру Владимировичу удалось существенно поднять популярность работ своего отца, не без помощи сайта, который в свою очередь, помогает ему заниматься и благотворительностью. В этом году Александр Владимирович подарил восстановленной даче К. А. Коровина в селе Охотино картину «Весна» художника Ирины Ломановой. Два года назад Костромской музей получил в дар две работы художника Анатолия Яблокова.

Еще раз повторяю, сайт ruskartina.ru – это элитная площадка с лучшими картинами для поклонников реалистической живописи.

                                                                                                                                   

Рустем Массаров 

Картины Владимира Волосова увеличить изображение
Картины Владимира Волосова

 Конечно, у каждого мастера свой стиль и особенный почерк. Но разве волнует истинного ценителя живописи почерк и стиль мастера? Это обсуждают в узком кругу специалистов, которые знают историю искусства, могут отличить подлинник от копии, понимают основные законы композиции, гармонии. Но большинство людей любят живопись не за всю эту глубину, а просто любят – и всё.

 

Возможно, художник Владимир Волосов  всегда рассчитывал на внимание тех из смертных, кто может всем сердцем полюбить лирику реализма, взгляд на жизнь глазами простого человека. Картины Владимира Давидовича предстают такими, словно они были подсмотрены где-то в жизни простых людей, далёких от сложных искусствоведческих сентенций.

 

Сейчас каждый желающий может купить готовые картины этого художника. И делают это по многим причинам. Во-первых, пейзажи нравятся многим людям. Во-вторых, картины Владимира Волосова проникнуты глубочайшей философско-поэтической мыслью, заставляющей останавливаться и задумываться над тем, насколько всё тщетно в этом прекрасном мире. Остаётся только искусство.

 

Среди реалистических работ художника можно встретить картину, которую он назвал «Начало». Используя смешанную технику и любимый многими живописцами мастихин, мастер запечатлел своё собственное видение того, с чего начинается творчество: всего ничего нужно, чтобы родить настоящий шедевр – простейшие инструменты. Картина переносит нас в иную реальность, в параллельный мир художника, который является началом рождения других миров.

 

Особое место в работах художника занимают картины, переносящие нас в атмосферу морского прибоя. Масло, мастихин способны так передать движение волны, показать глубину цвета и перспективу, что даже неискушённый зритель может застыть в изумлении, разглядывая одну из таких работ.

 

«Атлантика» – спокойное море и неудержимость находящей на берег волны.

 

В работе «Переменчивые настроения океана» Атлантика предстаёт со всей её суровостью, чувствуется скорое приближение бури, когда небо станет чёрным от туч, а волны превратятся в кипучую стихию. Всё это оживает в нашем воображении.

 

Художнику потребовался особый авторский стиль, чтобы в определённом ракурсе изобразить Стихию: волна ударяется о берег и превращается бурлящую пену. Этот эффект длится всего мгновение, но здесь, на этой картине, волна, разбившаяся о берег, как наивысшая точка кипения усилена художественными средствами. И нам уже видится, как следом за этой волной приближается ещё одна, такая же неистовая и страстная, и она с силой разобьётся о берег. Так художник, возможно, представляет путь человека, длящийся одно мгновение и разбивающийся о берег жизни, но следом идёт новый герой, который так же смел и страстен, как эта кипучая волна!

 

«Там, где время остановилось» и «Меланхолия» – это не просто деревенские пейзажи, которые, что скрывать, многие пытались рисовать, но здесь мы видим душу художника, его стремление показать настоящую Россию, ту самую Родину, которая есть в сердце каждого русского человека, где бы он не жил на планете.

 

Сейчас есть уникальная возможность у этого художника купить картины маслом недорого на сайте. И, если у вас появилось такое желание, то лучше не откладывать в долгий ящик то, что может сделать счастливым не только вас, но и ваших близких.

 

Почему вам нужно обратить внимание на картины Владимира Волосова? Потому что среди них Вы никогда не найдёте чего-то страшного и безобразного. Любовь к лесным и парковым пейзажам всегда характеризовала художников с лучшей стороны. Не секрет, что купить картину для интерьера именно такого содержания лучше всего. Многие так и делают.

 

В своих картинах Владимир Давидович не обходит стороной старые города, слабость к которым имеют многие из нас. «В центре старого Таллина» можно вообразить за поворотом настоящего рыцаря на коне, облачённого в доспехи! Такие картины всегда таят некую тайну, которую хочется разгадывать или же думать, фантазировать, что там могло ещё быть, что находится за поворотом?

 

А за поворотом у нас – картина «Ломоносовский мост», который видели все туристы, когда-либо посещавшие Санкт-Петербург. Сам мост никакого отношения к великому учёному Михайло Васильевичу Ломоносову не имеет, он был назван его именем в советское время, но кому это теперь интересно? В сознании петербуржцев Мост Ломоносова – это один из многочисленных символов этого монументального города. Петербург – кладезь для художника, там всегда было и есть, что можно запечатлеть на холсте. Вот, вглядитесь в «Набережную реки Мойки»… Неужели после этого всё ещё хочется поехать в далёкие страны в поисках лучших городских пейзажей?

 

Типичный пейзаж «Провинции», узкая улочка «Старого города», а также наиболее посещаемые туристами «Улочки старого Тель-Авива (Яффо)» – станут жемчужинами Вашей коллекции. Так выглядят лучшие картины художников, те самые картины, которые достойно представляют нашу страну на международных выставках. Возможно, купив сегодня одну из этих картин, вы не только станете владельцем настоящего сокровища, но и совершите один из тех важных поступков, которые формируют характер, укрепляют в намерении и дальше поддерживать людей искусства своим вниманием.

 

Андрей Кабилов

 

Художник Владимир Волосов увеличить изображение
Художник Владимир Волосов

Художник Владимир Волосов, как и некоторые другие художники оставил прежнюю деятельность ради изобразительного искусства, ради возможности писать картины с пейзажами природы. Ему пришлось отойти от научной сферы труда, а ведь достиг он в этой области немалого – доктор физико-математических наук, лауреат Государственной премии,  профессор.  Случилось это в лихих 90-х, когда ему было 52 года.

 

Теперь он находится в очаровательной сфере творчества, испытывая, по его словам, искреннюю человеческую радость от созерцания и творения природы на холсте, на котором остаются эмоции художника в визуальных образах. Его работы отличаются безмятежностью и индивидуальностью, без классических схем формирования изображения. Теперь он рисует «для себя», как посоветовал ему тогда отец: «настоящий мужик должен заниматься делом, а картинки можно "для себя" рисовать.»  Это были слова известного учёного, трудившегося, бок о бок вместе с Королёвым.  Да, так и было, сын пошёл по стопам отца, получив высшее физико-техническое образование, он стал работать с лазерами, посвятил себя исследованию процессов, которые происходят в нелинейных кристаллах при преобразовании частоты лазерного излучения. Основываясь на результаты этой работы, были созданы эффективные источники когерентного оптического излучения, которые могли перестраиваться по спектру. В 1984 году Владимир Давидович был удостоен Государственной премии СССР.

 

Волосов является автором около ста работ по линейной оптике. Дальнейшая карьера была обеспечена до конца жизни. Но, как отмечалось выше, вторую половину жизни он начал заново. Тогда Михаил Герман спросил Владимира, не боится ли он жизни в нищете. Ответ был очевиден после посещения ЛенЭКСПО – выставки изобразительных работ в тогдашнем Ленинграде. При регистрации он, как говорится, с потолка,  назначил цену за свои картины - две профессорские зарплаты за одно полотно. Из нескольких представленным им работ в первый же день купили две картины! Кому-то повезло купить недорогую картину для интерьера своего дома. Позже коллеги с досадой отмечали, что он обозначил заниженную цену.

 

На сегодня Владимиру Волосову далеко за семьдесят (он родился в 1937 году в Ленинграде) и он продолжает уверенно держать кисть в руках. Своим тогдашним решением доволен,  ведь создание картин для него не работа, а хобби, приносящее радость, мало того, за это ещё и хорошие деньги платят!

 

К настоящему времени он определился со своим жанром, сам он видит его, как лирический реализм. И это притом, что художественного образования у Владимира нет, опыт приходил на практике, удивительное чувство цвета помогло ему добиться успеха. Ему довелось опробовать и абстрактные философские композиции, и импрессионизм, и технику рисования мастихином. Кстати, большинство его работ выполнены именно в этом стиле подчеркнутой фактурности и экспрессивности. Его оригинальная техника с насыщенным и одновременно прозрачным мазком удивляет зрителей. Владимир Волосов -  художник с категорией 3-В, член Союза Художников РФ с 2012 года.

 

Картины Владимира Давидовича выставлялись во многих странах мира – Америка, Финляндии, Англии, Швеция, Франция, Германия (серия выставок городе Бохуме, где были представлены картины русских художников в формате «Два мира – одна культура») и Израиль. Его работы висят у таких известных людей, как Юрий Лужков, Александр Лукашенко и Анатолий Собчак. В 2010 году Владимир Волосов был удостоен золотой медали на выставке в Нью Йорке «Сontemporary Impressionism». На данный момент Владимир Давидович проживает в США, в городе Бостон. 

 

Рустем Массаров

Художник Виталий Стройнов увеличить изображение
Художник Виталий Стройнов

Художник Виталий Вадимович Стройнов - поэт живописи со строительным образованием в 30 лет добровольно отрёкшийся от карьеры в строительной компании ради изобразительного искусства. И это не пустые хвалебные слова, между прочим, его картины находятся в частных коллекциях заграницей и у нас в России.

 

Художник Виталий Стройнов родом из Оренбургской области г. Бузулук, появился на свет в августе, когда летняя природа была в самом расцвете, случилось это в 1962 году. В детстве он сутками пропадал на природе. Оренбургская область богата озерами, там протекают три реки, раскинулись бескрайние степи, … красота неописуемая! Вероятно, это и заложило в него любовь к живописи сильную настолько, что он решился отказаться от престижной работы заместителя директора строительной фирмы и начать писать картины с пейзажами природы. Случилось это в 2012 году, когда Виталий понял, что ему просто не хватает времени на то, чтобы от души и не спеша писать природу. И, как говорится, пошло-поехало: через год его включили в Международный виртуальный каталог художников "International Art Directory Jose Galvan Montmartre", музей Tadeusz Glowinski предложил разместить у себя 14 его творений. Были участия в выставках в Пензе, Москве (ЦДХ), Цицикар (Китай) - работа «Новый день. Каким он будет?» призер международного конкурса по версии «Вернисаж –2014» третье место и сейчас находится там. В Китае его сильно уважают, в одной из престижных галерей выставлены и другие работы. Его полотна не такие яркие, но излучают теплую ауру, видать на китайцев это по-особому действует. У них ведь нет такого раздолья и красоты природной, как наши леса, озера и степи.

 

Теперь, когда Виталия спрашивают, что является для него живопись, он не может дать однозначного ответа. До ухода с фирмы это было хобби, рисуя, природу он отдыхал, снимал напряжение после рабочего дня. Теперь же это стало тяжёлым трудом, где приходится повышать свое качество не только в цветопередаче, но и в знании психологии восприятия зрителем картины, изучении законов оптики и в других аспектов вроде бы не имеющих к изобразительному искусству никакого отношения. Но он об этом ничуть не жалеет.

 

Художник Виталий Стройнов, можно сказать, самоучка, самостоятельно изучивший основы живописи, композиции, перспективы и цветоведения. Он сумел сохранить свою художественную индивидуальность, которую часто ломают наставники, и в итоге формируется молодой высокотехничный художник, отлично знающий, как держать кисть, смешивать краски, но без индивидуальности и изюминки в работах.

 

Не имея официального художественного образования, Виталий стал членом Профессионального союза художников РФ. Все эти заслуги стали возможны благодаря характеру, ведь жизнь «поэта живописи» была не простой, пришлось побывать в Северной Осетии и Чечне, начав с командира взвода и закончив службу заместителем командира полка. Его удостоили наградой орденом " За заслуги перед Отечеством 2 степени", а как художнику ему присвоен рейтинг 5-В.

 

Летом этого года в Доме народного творчества г. Пензы прошла выставка «Тихая Русь Виталия Стройнова»  где можно было купить картину художника. Некоторые посетители признались, что у них прошла головная боль после просмотра пейзажей Виталия Вадимовича. Некоторые из них оставляют отзывы, вот один из них: «В последнее время общество страшно деградирует, особенно в восприятии искусства. Навязывается общественное мнение, что это ни кому не нужно, модно иметь плоский телевизор на стене, а не настоящую картину. Торговцы электроникой пытаются протолкнуть бездушные фоторамки – протезы изобразительного искусства, от которых не исходит той душевной теплоты, как от рукописных картин художников, они излучают лишь вредные электромагнитные излучения, от которых начинает болеть голова. А пейзажи Виталия исцеляют, от них исходит чудотворная аура!» 

В каждой картине раскрывается потенциал художника увеличить изображение
В каждой картине раскрывается потенциал художника

Вот и закончилась тёплая пора, когда можно были до самого вечера сидеть на одной из самых многолюдных улиц города и писать портреты за фиксированную плату. Конечно, ты говоришь себе, что это было в последний раз, что больше ты уже не выйдешь на улицу, чтобы дарить причудливые коллажи, написанные несколькими умелыми движениями кисточки. Но не всем художникам удаётся продавать свои картины одинаково хорошо.

 

Почему одни художники могут организовать выставку, а другие никак не удосуживаются выйти на свет Божий, увидеть этот мир, показать свои работы? Это не только неуверенность в себе, это отсутствие понимания, что двигаться нужно вперёд  даже тогда, когда ты уверен, что тебе сейчас нечего показывать. И в этот момент кто-то продаёт простые этюды за 50 тысяч рублей!

 

Ещё проблема в том, что в основном начинают рисовать. Например, картины русских пейзажей всегда были в почёте у тех, кто хотел купить себе домой что-то настоящее, сделанное руками мастера, но в то же самое время очень простое и понятное для обычного человека. А что нередко предлагают современные художники?

 

Каждый решает сам для себя  что ему ближе: или элитарная живопись, которую способны купить только очень богатые люди, или массовое искусство, более востребованное у домохозяек и людей пенсионного возраста, не склонных гнаться за модными изысками. Каким бы не был этот выбор, страдают всё равно художники, которые чрезвычайно часто не могут себе позволить рисовать то, что им хотелось бы нарисовать, потому что потом возникают трудности с продажей таких картин.

 

Но у некоторых почему-то всё получается, как по маслу! Что это такое и почему именно так всё устроено? Не прилагая никаких усилий один живописец получает хорошие деньги практически за всё, что он делает, а его коллега должен работать с утра и до самого вечера, чтобы как-то сводить концы с концами. Хотелось бы верить, что успешных и востребованных художников много, но жизнь свидетельствует о противоположном.

 

Ну, а почему бы ценителям живописи не купить картины с пейзажами русских художников, если они выставлены на продажу? Пусть это кому-то и кажется чем-то архаичным и совсем не постмодернистским, такая живопись никогда не выйдет из моды. Так что, уважаемые художники, вот вам информация к размышлению: пейзажи обладают некой магической притягательной силой, способной заставлять людей расставаться со своими деньгами легко и просто.

 

Когда человек, который хочет купить картину, видит работу настоящего мастера, он не может пройти мимо такой работы, ему хочется не просто взглянуть один разок и пройти мимо, чтобы навсегда расстаться с этим творением. Это же просто невыносимо! Особенно, это невыносимо, когда ты влюбляешься в картину, как в женщину, когда она тебе представляется венцом творения, частицей божественного прикосновения к этому бренному миру.

 

Мы уйдём. В этом никаких сомнений нет. Но всё настоящее всегда остаётся, оно будет постоянно присутствовать в судьбе человечества, никогда не покидая общественное сознание. Некоторые картины обладают таким мощным зарядом творческой энергии и истинной гармонии, что они не только больше своих создателей, но и больше всей это жизни, ибо формируют всё, что мы знаем о культуре, об искусстве.

 

Даже если картины художников писаны маслом, это не значит, что они будут лучше, чем картины, созданные пастелью. Во многом изобразительные средства уходят на второй план, если есть какая-то такая идея, образ, яркая перспектива, которая вдохновит не только своего творца. Отрадно осознавать, что всё это великолепие останется и после нас, что оно перейдёт нашим детям, которые смогут наслаждаться живописью прошлых лет.

 

Для того, чтобы верить в лучшее, нужно просто продолжать писать следующую картину. Да, кто-то более успешен, чьи-то картины продаются гораздо лучше, чем твои, но ты силён уже тем, что выше всего этого. В сущности, никто не знает, почему одни картины людям нравятся, а другие – нет. Это тайна, скрытая от нашего сознания.

 

Может быть, кто-то сегодня захочет купить картину для интерьера, а она окажется потом мировым шедевров, который будет стоить миллионы долларов. И тогда счастливый обладатель этой картины станет не просто богат, он в прямом смысле этого слова однажды проснётся знаменитым. Так что, надо покупать картины хотя бы потому, что они способны приносить человеку не только радость, но и что-то намного большее, чем просто моральное удовлетворение.

 

Поэтому лучше всего писать свои работы не только для внезапных уличных зевак, которые хотят, чтобы вы быстро умели «сфотографировать» их лица на холсте, но и для грядущих поколений. Может быть  где-то там есть человек, который будет способен пожертвовать всем, даже своей жизнью, лишь бы ваша картина была у него в коллекции! А для того, чтобы нечто подобное однажды произошло, нужно много работать.

 

Андрей Кабилов 

Правильный выбор мольберта для работы на улице и в помещении увеличить изображение
Правильный выбор мольберта для работы на улице и в помещении

Предназначение мольберта в удержание холста в удобном для художника положении.

Для домашнего использования в большинстве случаев сгодится мольберт-тренога типа «Лира». У него достаточный диапазон регулировок, подходит для работы в формате А1-А2, живопись маслом и графики, можно работать сидя. Важную роль играет глубина удерживающей полки, бывает, что подрамник просто не влезает в него. Отсутствие подставки спровоцирует не удобства при работе на улице.

Существует настольный вариант мольберт-тренога с преимуществом в экономии пространства, но с недостатком в потере возможности регулировки высоты так, как нижняя полка зафиксирована жестко. На практике перемещается самопроизвольно по столу, чем доставляет неудобства художнику, приходится придумывать разные приспособления, чтобы предотвратить перемещение по поверхности стола этой конструкции.

Инженеры-конструкторы, работающие в этой сфере, придумали конструкцию, которая крепится к краю стола зажимом, как у мясорубки. По сути это алюминиевая трубка, по которой перемещаются нижний и верхний держатели подрамника. Преимущество этой конструкции в том, что его можно установить в любом удобном месте, даже на подоконнике.

Мольберт–хлопушка (название пошло от характерного звука хлопка при складывании мольберта) уже имеет в своей комплектации планшет, но формат картины ограничен и нет возможности изменения высоты. Такие мольберты еще называют раскладушка. Нет держателя и верхнего зажима, бумага крепится кнопками, хотя в фанеру кнопку не загонит даже взрослый человек. Профессиональные художники их не используют, обычно их применяют для обучения детей или, как информационные стенды. Второй вариант эксплуатации более разумен, ибо при рисовании они часто сами собой складываются! Отличаются прочностью конструкции и признаны самыми крепкими, изготавливаются из бука или сосны. Самый дешевый из всех варрантов.

Станковый мольберт предназначен для серьезной работы, то есть для больших картин с баталиями, плакаты или иконы. Разного рода регулировки и возможность изменения положения в пространстве холста, ящик для инструментов предоставит требуемые условия для работы художника. К примеру, можно в горизонтальном положении сделать набросок (чертеж), а потом в вертикальном положение холста выполнить живопись маслом. Выбирайте бук, ибо он тяжелее и обеспечит большую устойчивость инструмента. Но, если ширина полотна в два раза шире верхней рамы, то лучше работать на двух мольбертах и лучше, чтобы они были без колес, иначе конструкция разъедется.

Мольберты – трансформеры также имеют широкий диапазон регулировок. К примеру, модель «Дизайнер» упрощенный вариант, идет с планшетом и дает возможность работать сидя, сделан из бука.

Этюдник – это тот же мольберт, только складывающийся в ящик, который можно повесить на плечо. Существеннее, чем тренога, имеется место для складирования других инструментов. Отличная вещь для работы на природе, при транспортировке на автомобиле.

Отдельно хочется отметить мольберты класса люкс, это инструменты ручной работы в ретро стиле. Они сами по себе являются предметом искусства и могут быть украшением интерьера комнаты или мастерской художника.

Материал этих устройств не так принципиален, деревянные занимает больше места, а металлические – меньше и складываются компактно. Слабым место любого мольберта являются сочленения, со временем они все равно разболтаются. Для продления эксплуатационных характеристик деревянного инструмента помогает акрилатный антисептик, защищающий древесину от внешних атмосферных воздействий, ведь художнику приходится работать и на улице. Дуб, ясен, бук тяжелее сосны и березы так, что учтите при выборе мольберта. Вяз, сосна и ольха легче будут. Не вздумайте приобретать или делать самим мольберт из ели, она сучковатая и смолянистая, по мере эксплуатации такого инструмента вы перепачкаетесь смолой, а сучки, которые потом выпадут - ослабят конструкци

 

Рустем Массаров

 

Живая акварель Ирины Ломановой  увеличить изображение
Живая акварель Ирины Ломановой

Акварель никого не оставляет равнодушным. Особенно интересно изучать работы художников, имена которых только-только открываются ценителями живописи. В новых работах всегда можно отыскать что-то свежее, оригинальное, чего ты не видел у других художников. Когда это происходит, то душа радуется и ликует, потому что именно в этих встречах с живым современным искусством и заложен глубинный смысл таинственной силы любви.

 

Ирина Ломанова, вслед за многими художниками, стремится в своих работах стереть грань времени и эпохи. Лишь только по некоторым незначительным деталям можно определить, в каком веке создана та или иная живопись акварелью. Отражает ли Ирина кусочек настоящей природы или пишет изящный натюрморт – все эти картины могли бы быть написаны и в XIX веке. Но мы не чувствуем времени.

 

Особую любовь художница испытывает к игрушкам, которые в акварели смотрятся гораздо более богато, чем традиционная ваза с цветами или композиция из фруктов. Но цветы у Ирины чрезвычайно часто конкурируют с игрушками. Не сразу и разберёшься, что у неё получается лучше -  забавные игрушки, которые есть ещё не у каждого ребёнка, или прекрасные цветы, которые так и дышат ароматом сочных красок.

 

Пейзажи Ирины Ломановой больше тяготеют к пасмурной погоде, нежели к ясным солнечным денькам. Что ж, таково настроение художницы. Не все люди любят яркий свет, когда глаза начинают слезиться. Многим комфортнее при пасмурном небе и тучах, предвещающих скорую грозу.

 

Если Ирина рисует пейзаж, то обязательно в глухом месте, где нога человека ступает весьма редко. Снегом занесённые лодки, терпеливо ожидающие своих хозяев, которые весной снова обратят на них внимание. Или снежная зима, живущая по своим снежным законам, в стороне от суеты наших дней. Даже июль, когда лето в самом разгаре и всем хочется купаться и загорать, на картине Ирины Ломановой холоден и хмур, как наша непростая жизнь, полная тревог и одиночества.

 

Но, несмотря на всю депрессивность и пасмурность акварельных пейзажей, среди них встречается, например, такая картина, как «Лето». Замечательный технический приём, который художница здесь продемонстрировала, создаёт ощущение расширяющегося пространства. Это даже не 3D, а уже 4D! Ощущение влаги, предвестника тёплого летнего дождя, который смывает все тревоги и волнения, очищает страдающую душу. Но в этой же самой картине можно разглядеть огромного мифического волчонка с хитрыми красными глазёнками. Но это увидят не все, а только самые внимательные исследователи, которые способны купить готовые картины для себя и своих любимых.

 

Ощущение тревоги у художницы Ирины Ломановой передаётся через пасмурность, сильную ветреную погоду, через тёмный фон за, казалось бы, весёлыми игрушками. Каждый поймёт по-своему такую печаль, но ясно одно: многим такое состояние души близко, потому что все мы живём в мире, полном скорбей и страданий. Ещё и об этом картины Ирины.

 

И совсем не странно, что в картине «Чебурашка» главный герой совсем не Крокодил Гена и даже не клоуноподобный гномик в красном колпаке и штанишках. Гномик смотрит куда-то в сторону. Крокодил Гена заинтересованно смотрит на маленького Гномика, словно, тот рассказывает что-то очень интересное. А Чебурашка? Добрый Чебурашка, конечно же, смотрит на своего друга Крокодила Гену, он излучает любовь, он – герой этой картины.

 

И так с каждой картиной Ирины Ломановой. Что-то своё родное и близкое можно увидеть там. Совсем не обязательно, что художница-акварелистка хотела сказать именно это. Замысел картины часто не имеет ничего общего с её восприятием, об этом свидетельствуют лучшие картины художников. Но, если в твоих глазах оживают персонажи, если они начинают рассказывать тебе свои истории, то это уже не просто картина, а сама жизнь, запечатлённая в этой картине. И эта жизнь становится ещё краше, ещё лучше, даже если на картине тучи сгустились в преддверии грозы. Мы соглашаемся, вместе с художницей, что у природы никогда не бывает плохой погоды!

 

Разумеется, что не все художники становятся «своими», потому что мироощущение акварелиста может не совпасть с твоим мироощущением. Но когда происходит такое совпадение, когда внутренний мир человека полностью отражён на бумаге, тогда акварель превращается в алмазную россыпь драгоценных слёз радости. Только благодарность можно испытывать, постигая эту таинственную связь между творением и своим восприятием этого мира.

 

Ну а всем остальным, у кого остались вопросы и недопонимания, можно пожелать умения терпеть. Не всё раскрывается сразу. Для многих вещей и явлений в нашей жизни требуется время. И живопись - как раз то самое явление, которое непременно требует времени не только в процессе кропотливого создания картин, но и много позже, когда образы начинают жить своей жизнью, вести диалог с людьми, устремляющими свои заинтересованные взоры на новые произведения искусства.

 

Андрей Кабилов

 

В каждом из нас есть художник увеличить изображение
В каждом из нас есть художник

Художник, как правило, видит всё в несколько ином цвете, но это нисколько не мешает ему передать общую атмосферу улиц наших городов. Ведь каждый город нашей бескрайней страны богат своими причудливыми улочками, чудесными местечками, которые хочется многократно посетить. Именно такие городские пейзажи достойны того, чтобы увековечить их в картине мастера.

 

Сейчас уже не часто можно встретить дом, хозяева которого размещают картины художников маслом в самых лучших и видных местах. Поэтому, когда встречаются такие смелые и светлые во всех отношениях люди, то хочется мысленно пожать им руку. Ведь это именно для них художники рисуют свои картины, для них мастера тратят лучшие годы своей творческой жизни.

 

Если бы все осознавали, как важно учиться понимать настоящую живопись, то наверняка было бы меньше войн и конфликтов. Главное дело искусства – миротворчество, любовь к созерцанию прекрасного и бесконечное совершенствование: через свои работы, образы, запечатлённые на полотне.

 

Мы живём в самое прекрасное время, которое когда-либо было. Возможно, это звучит для кого-то странно, но лучшие картины художников появляются именно сейчас. Очевидно, что XXI век непременно подарит миру новые гениальные полотна.

 

Не может быть в истории человечества эпохи, которая не нуждалась бы в живописи. При всём уважении к фотографам и кинематографистам, нельзя отрицать очевидного факта, что они во всех своих лучших работах опираются на законы композиции. Недаром творческого человека иносказательно называют именно «художником», а не просто «творцом», несмотря на то, что далеко не все творческие люди владеют навыками рисования.

 

Могут ли дизайнеры не быть художниками? В том-то и дело, что если дизайнер или иллюстратор совсем не умеет писать живые картины, то его электронные рисунки могут быть блеклыми и маловыразительными. Так что, элементарные навыки рисования пригодятся всем людям творческих профессий, независимо от сферы деятельности. Не только разум дан творцу, но ещё и пара добрых рук, которые непременно надо использовать.

 

Что же делать, когда ты не знаком со всеми современными веяниями живописи? Это нормально для современного городского жителя. Мы же постоянно суетимся, всё время куда-то торопимся, бежим за временем, которое всё ускользает и ускользает от нас. Всегда есть что-то, чего мы ещё не знаем, но можем узнать.

 

Каждый год появляются новые картины, которые можно купить. Великолепные картины с пейзажами русских художников теперь доступны для вас в Интернете. Наши предки даже и не мечтали о таком. Ведь вы подумайте только, что никуда не надо ехать, не надо даже попадать на выставку художника, чтобы купить его картину. Это удобно не только для любителей русской живописи, но и для самих художников, которые теперь могут с успехом находить заинтересованных покупателей.

 

И совершенно нет ничего плохого в покупке картины современного художника для преображения своего интерьера! Именно с таких маленьких шагов и рождается большая любовь к искусству. Отныне знакомство с живописью будет начинаться не в музее, а в собственной квартире.

 

Психологи рекомендуют всем покупать картины художников. Если вы хотите подарить картину современного живописца своему доброму другу, то вы правильно мыслите: живопись не оставит его равнодушным. Если мы чаще будем покупать картины современных мастеров, то они нарисуют ещё тысячи новых работ и, кто знает, может быть, в одной из них непременно родится что-то новое и гениальное! 

Роза пахнет розой, хоть розой назови её, хоть нет. увеличить изображение
Роза пахнет розой, хоть розой назови её, хоть нет.

Вряд ли кроме розы существует ещё хоть один цветок, которому было бы посвящено столько стихов и песен, фотографий и картин. Перед магическим очарованием роз не устояли многие знаменитые авторы, красотой этих цветов восхищался Пушкин, украсив ими знаменитый бахчисарайский фонтан слёз. У художников розы и по сей день являются одной из самых излюбленных тем для картин, что обусловлено несколькими причинами. Не последней из них является, скажем так, техническая составляющая. Писать розы совсем непросто – широкая палитра оттенков, большое количество лепестков, на каждом из которых лежат нежные отсветы или яркие блики света. Всё это требует от автора мастерства и виртуозного владения выбранной техникой, иначе розы на картинах художников будут казаться неживыми или слишком ярко выделяться на общем фоне и постоянно «резать глаза» зрителю.

 

При этом автору нужно не забывать и о других составляющих натюрморта. Розу не зря называют королевой цветов, она требует к себе поистине королевского отношения. С ней не сделать простого смешанного букета, собранного на скорую руку, она не потерпит присутствия рядом каких-нибудь полевых ромашек и лютиков. Стоит только взглянуть на картины знаменитых художников, как станет видно их почтительное отношение к благородным цветам.

 

«Розы» Артура Павловича Костылева, несмотря на наличие ярких фруктов, сазу приковывают к себе внимание. Тяжёлые распустившиеся бутоны вот-вот начнут осыпаться и вянуть, но автор успел поймать и сохранить тот восхитительный момент, когда цветы полностью раскрыли свою красоту. Ещё один прекрасный пример того, как розы заставляют зрителя смотреть только на себя – одноимённый натюрморт талантливой художницы Натальи Витальевны Вороновой. На этой картине маслом яркая драпировка и яблоко выделяется на нежном фоне, но взгляд всё равно останавливается на цветах, тонких цветовых переходах на полураспустившихся бутонах, зелёном шёлке листьев. Да, чаще всего розы не терпят никакого соседства, предпочитая оставаться единственным объектом поклонения и восхищения.

 

Удивительно точно и живо написаны «Розочки» Татьяны Петровны Седовой. Цветы выглядят по-настоящему живыми, их аромат так и хочется вдохнуть, а рука боится приблизиться к холсту, опасаясь наткнуться на острые шипы. Но розы обманчивы – взмах кисти и они уже кажутся словно попавшими в наш мир из другой реальности, как на картине Марины Соколовой «Букет белых роз». Цветы так белы, что словно светятся в темноте, заставляя рассматривать себя снова и снова.

 

Нельзя сказать столько слов о картинах художников с розами и не упомянуть выдающуюся работу Владимира Георгиевича Гремитских «Розы. Ночь. Масловка». На бархатном фоне ночного города, осыпанного бриллиантами случайных огней окон, трамваев и витрин, букет алых роз выглядит действительно роскошно, полностью вписываясь в окружающую обстановку и даря картине непередаваемую атмосферу. Пожалуй, именно здесь розы по-настоящему на своём месте. Дрожащие золотистые блики утопают в алом бархате лепестков, раскрывая красоту цветов наиболее полно.

 

Анна Николаевна Ковалева 

Русская охота в живописи картины художников с изображением охоты,увеличить изображение
Русская охота в живописи

                В России исторически сложилась ситуация, при которой развлечения людей с разным достатком кардинально различались, разные социальные слои могли даже и не знать о существовании некоторых видов времяпрепровождения друг друга. Но, по крайней мере, один из видов отдыха оставался общим во все времена – охота. Несмотря на огромную популярность, сцены охоты долгое время отсутствовали на картинах русской живописи. Если охотничьи трофеи иногда мелькали на натюрмортах, то саму охоту изображали крайне редко. Авторы то ли считали её не слишком эстетичной, то ли не могли подобрать подходящий сюжет. Такая тенденция сохранялась довольно долго, но, к счастью, наступил перелом и сейчас можно найти немало работ на эту тему, как написанных советскими художниками, так и принадлежащих кисти современных авторов.

                Любителям картин советских художников, решившим украсить свой интерьер охотничьим пейзажем, стоит обратить пристальное внимание на работу «Северная весна» Юрия Михайловича Сочнева. Собственно, как таковой сцены охоты здесь нет. Ни ружей, ни притаившихся ловцов, ни гончих собак, словом, ничего, что привычно вспоминается при слове «охота». Нет, эта картина гораздо тоньше, глядя на неё, нужно немного поразмышлять, прежде чем приходит понимание – на раскинувшийся впереди весенний пейзаж зритель смотрит глазами охотника. Эта картина – то, что видит перед собой стрелок, уже готовый нажать на курок.

                Работа «На токовище» Павла Евгеньевича Весёлкина находится с предыдущей, можно сказать, в одном ряду. Увидеть токующих глухарей непросто, и художник даёт зрителю возможность немного полюбоваться яркой красотой этих птиц, абстрагировавшись от охотничьей темы.

                Более простая для понимания и в какой-то мере близкая зрителю работа Андрея Михайловича Костромина «На зорьке». Здесь уже «классика жанра» соблюдена в полной мере, можно увидеть и принявшую стойку собаку, и вспорхнувшую дичь, и стреляющего охотника. Можно заметить, что эти три фигуры, составляющие основной сюжет картины, намеренно контрастно выделены художником на фоне деревьев и травы. Здесь не важна окружающая обстановка, не имеют значение красота берёз и синева неба, всё подчинено одному единственному моменту и выстрелу.

                Выбирая картину со сценами русской охоты, нельзя обойти вниманием традиционные натюрморты с дичью. Одноимённая работа Владимира Георгиевича Гремитских является отличной иллюстрацией всего жанра. На этой картине можно увидеть и приклад старенького ружья, и, конечно, принесённые охотником трофеи. Такая картина станет прекрасным украшением для загородного дома или дачи. Дополнить интерьер можно картиной «Битая дичь» того же автора. Она прописана менее детально и тонко, чем предыдущая, широкие крупные мазки передают скорее образ предметов, нежели показывают их в подробностях, но это обстоятельство странным образом делает картину более реальной. Создаётся ощущение того, что тот охотник, который принёс дичь, и есть автор картины, решивший сделать эскиз «по горячим следам», а потом позабывший про него в суете ежедневных дел.

 

Анна Николаевна Ковалева

Скромная красота русских деревень увеличить изображение
Скромная красота русских деревень

Картины художников с пейзажами деревень всегда были и до сих пор остаются своего рода визитной карточкой русской живописи. Простота и скромная красота русской деревни, живущей в размеренном ритме и гармонии с окружающей природой, не может не тронуть как сердце опытного живописца, так и неискушённого зрителя. Современные художники всё чаще обращаются к этой, казалось бы, давно изученной теме и пишут в многочисленных российских деревнях всё новые и новые картины маслом с пейзажами.

 

Можно заметить, что деревенские дома похожи один на другой вне зависимости от региона. Конечно, зодчие и строители могут увидеть некую специфическую разницу, но для человека, далёкого от этой сферы, различия между домом в Тарусе и домом в Пермском крае будут незаметны. Казалось бы, в такой ситуации и деревенские пейзажи должны быть похожи один на другой, но ничего подобного. Благодаря таланту художников, способных подмечать малейшие незначительные детали и превращать даже самые заурядные сюжеты в нечто удивительное, зритель получает возможность наслаждаться десятками и сотнями картин художников, каждая из которых будет уникальна и неповторима.

 

Взгляд на масляную картину «Бабушкины ковры» Александра Васильевича Чёрного возвращает зрителя прямиком в детство и зимние каникулы, проведённые в деревне. А Дарья Александровна Воробьёва в своей работе «Василёво» изобразила и саму бабушку, сидящую возле своего милого старенького домика. На эту работу стоит обратить внимание ещё и из-за смешанной техники — сочетание масляных и акриловых красок придаёт деталям картины неповторимое яркое сияние.

 

Жаркой летней порой «Багровый закат» Сергея Юрьевича Ефремова подарит зрителю порыв свежего зимнего ветра. Эта картина раскрывает красоту деревенского пейзажа с иной стороны, выводя на передний план единение деревни с природой. Этот же лейтмотив прослеживается и в работе Евгения Эрнестовича Гавлина «Восприятие», где тонкие стволы деревьев буквально прорастают сквозь картину и соперничают с деревенскими домиками за зрительское внимание.

 

Самой, пожалуй, сильной и неистребимой остаётся ассоциация деревни с чем-то сказочным. Среди картин с пейзажами русских художников есть такие, один мимолётный взгляд на которые сразу вызывает в памяти все народные сказки и предания разом. На первый взгляд, в «Горбачихе» Наталии Валерьевны Новиковой нет ничего особенного, но эта работа как книга с открытым финалом — заставляет размышлять о том, какая нечисть может скрываться в густом лесу и кто живёт в небольшом домике на опушке. Своеобразным продолжением этой работы может показаться «Деревенский мостик» Андрея Николаевича Ковалевского, выглядящий не менее сказочно. Пожалуй, подкупает и заставляет с головой окунуться в сказку отсутствие на этих картинах линий электропередач и каких бы то ни было ещё напоминаний о современности. Конечно, тема русского деревенского пейзажа требует более детального знакомства с картинами различных авторов. Но настоящим ценителям живописи порой хватает и одного взгляда.

 

Анна Николаевна Ковалёва 

Там, наверху, только и разговоров, что о море увеличить изображение
Там, наверху, только и разговоров, что о море

                Море притягивает людей с самого начала цивилизации — некоторые народы его боялись, некоторые боготворили. В изобразительном искусстве нашли отражение самые разные взгляды на эту тему, маринистика даже сформировалась в отдельное направление, собрав воедино всех очарованных бескрайней водной гладью. Мысль о том, что лучшие картины художников с видами моря уже написаны, не имеет под собой никаких оснований. Российские и зарубежные авторы, пишущие картины маслом и акварелью, работающие пастелью и темперой, продолжают пополнять мировой фонд произведений и развивать морскую тему.

                Часто авторы в своих работах показывают море лишь частью общего плана — важной, но не центральной. Безмятежной гладью воды можно полюбоваться, глядя на «Белые скалы» Марины Николаевны Кусраевой или «Беседку у моря» Юрия Владимировича Пугачёва. Согретые южным солнцем, над водой возвышаются «Остров Пифагора» кисти Ольги Борисовны Шойхет и «Адриатическое море. Святой Стефан» Игоря Владимировича Примаченко. Отражаются в волнах белые стены «Кадакеса» Галины Германовны Гомзиной, яркими бликами приветствует написанная Сергеем Юрьевичем Ефремовым «Корсика». Вода оттеняет архитектуру, привносит в работы художников ноты праздника, безмятежности и беспричинного счастья.

                Но есть и такие картины с пейзажами русских художников, на которых море забирает всё внимание. Стоит только взглянуть на «Кружева пены морской» Галины Николаевны Кудряшовой, как становится ясно, что морю, в общем-то, не нужны ни корабли, ни маяки, оно самодостаточно само по себе. Завораживающее сияние воды в солнечных лучах очаровало  многих художников. К примеру, «Paradise» Галины Ивановны Пивоваровой даёт возможность насладиться широкой гаммой оттенков на водной глади — здесь и расплавленное золото солнечного света, и мятная прохлада волн, и белое шитьё пены.

                Менее романтичным людям, решившим купить картину для интерьера, может прийтись по вкусу «Балтийское море» Игоря Валентиновича Воротникова. В ней нет и намёка на праздность и умиротворение, из-под кисти художника появилась не то неприветливая кромка прибоя, не то штормовая волна. Тщательно написанная вода темна, похожа на жидкий металл и кажется тяжёлой и холодной. Ей вторит работа Сергея Лима «Волны», являющая собой следующую стадию шторма. Свет пытается пробиться сквозь толщу волн, но этого недостаточно и море всё равно выглядит непроглядным и опасным.  Но рано или поздно стихия отступает, и приходит новый день, как на картине Василия Похомова «Утро после шторма». Рваные клочья пены ещё лежат на шумных волнах, но небо уже светлеет и предвещает покой.

                Не меньше солнечного авторов притягивает лунный свет и, глядя на ночные морские пейзажи, начинаешь понимать, почему. «Полнолуние» Марины Соколовой — яркий тому пример. Ночью, когда жизнь затихает, море выглядит спокойным и ещё более таинственным, им хочется любоваться очень долго, и прекрасная картина Артура Павловича Костылева «Ночь» как нельзя лучше  дополняет морскую тему.

               

Анна Николаевна Ковалева

Неужели не я, освещённый тремя фонарями?.. увеличить изображение
Неужели не я, освещённый тремя фонарями?..

Живопись как особое направление искусства затрагивает многие темы. Посредством картин художники доносят до зрителя своё видение мира, взгляд на различные события и явления. Несмотря на кажущуюся простоту, портреты порой производят даже большее впечатление, чем огромные полотна со множеством участников и развёрнутым сюжетом. Один только поворот головы и взгляд может многое сказать зрителю, и в этом несомненная заслуга мастерства художника.

 

Лишь одно всегда остаётся «за кадром» - личность самого автора картины. Чаще всего зритель может только догадываться о том, как выглядит художник, в какой обстановке предпочитает творить и чем вдохновляется для написания своих работ. Картины, изображающие студию или самого художника, достаточно редки как в нашей стране, так и за рубежом. Перенося на холст самые удивительные моменты жизни, авторы часто забывают о себе, а, быть может, не считают нужным показывать обратную сторону творчества, предпочитая, чтобы зрители узнавали их лишь по работам.

 

На сайте «Рускартина» есть несколько автопортретов художников, каждый из которых несёт в себе неповторимую стилистику автора. Начать стоит с автопортрета известного советского художника Энвера Дзеруловича Ишмаметова. Яркий представитель школы советской живописи, автор изобразил себя довольно просто, даже небрежно, не заостряясь на мелких деталях. В целом кажется, что художник не задавался целью создать одухотворённый образ деятеля искусства, а просто максимально реалистично написал собственный портрет. Неплохой выбор для ценителей соцреализма, желающих купить картину для интерьера.

 

«Автопортрет с дочерью Женей» Павла Евгеньевича Весёлкина разительно отличается от предыдущего. Реализм уступил место импрессионизму и присущей этому стилю лёгкости и воздушности. Художник предстаёт перед зрителем живым человеком, не замкнутом в своём внутреннем мире, а живущим в реальности и проводящим время со своей дочерью. Похожий по стилю автопортрет написала Любовь Эдуардовна Оноприенко. Интересно то, что почти все представленные автопортреты написаны авторами во время учёбы, то есть являются ранними работами. Учитывая высокое качество исполнения, это даёт зрителю представление о масштабах таланта художников, писавших очень достойные картины даже на заре своей творческой карьеры.

 

Автопортреты, наравне с другими произведениями, часто выставляются в галереях и продаются. Но бывает и так, что художник не готов расставаться со своим изображением, позволяя лишь смотреть на него, чтобы оценить качество своей работы. Таков «Автопортрет» Александра Николаевича Пыльнева. Отдельно от остальных стоят монохромные графические автопортреты Дениса Валерьевича Чернова. В этих глубоко символичных работах фигура автора словно проступает из череды предметов и образов, существующих в его внутреннем мире. Людям, ценящим в искусстве глубокий смысл, безусловно, стоит купить готовые картины этого художника. Вне зависимости от техники и стиля исполнения, автопортреты ценны уже тем, что дают возможность увидеть автора таким, каким он сам видит себя.

 

Анна Николаевна Ковалева 

Блеск и загадка акрильной живописи

 

 

Решая написать картину, любой художник какое-то время находится в состоянии неопределённости. Будет ли это детально прописанная работа или лучше оставить её нарочито небрежной? И, главное, чем и на чём её писать? История изобразительного искусства, насчитывающая многие сотни лет, оставила в наследство современным поколениям самые разнообразные материалы и живописные техники. Сейчас многие картины художников с природой и другими темами часто выполняются акриловыми красками, позволяющими создавать как гиперреалистичные изображения, так и невесомые фантазийные образы.

 

Одна из тем, идеально подходящих для воплощения с помощью акриловых красок, это цветы. Автором, сумевшим в полной мере доказать это утверждение, является Галина Николаевна Кудряшова. Достаточно взглянуть на её «Пион в росе», где дрожащие капли, кажется, вот-вот сорвутся с аккуратных нежных лепестков, чтобы понять, что с выбором материала для картины художница попала в точку. Другие её работы из этой серии – «Цветущий горошек», «Мальвы в тени листьев» и «Цветы яблони» также поражают зрителя своей реалистичностью. Акриловые краски, более яркие чем акварель, но не такие тяжёлые как масло, не обращают на себя внимания, благодаря чему взгляд прикован непосредственно к изображению, и эффект от просмотра таких картин схож с эффектом от фотографий.

 

Являясь идеальным объектом для картин художников, цветы, тем не менее, не единственная тема, которую удобно раскрывать с помощью акрила. Удивительная насыщенность красок даёт возможность художникам писать предметы такими яркими, какими их никогда не увидишь в действительности. Фрукты с картин Валерия Владимировича Попова «Натюрморт с виноградом» и «Натюрморт с лимоном» выглядят, пожалуй, слишком хорошо, чтобы быть правдой, но немедленно приковывают к себе взгляд, заставляя рассмотреть произведения повнимательнее. «Цветной натюрморт» Валерия Георгиевича Макового также заслуживает право называться одной из лучших картин художника ещё и потому, что на этом натюрморте, в отличие от вышеперечисленных, видна фактура краски, придающая произведению большую реалистичность.

 

Возможность работать акриловыми красками так же, как масляными и создавать объёмные произведения, не теряя при этом уникальных цветовых свойств, пополнила фонд картин русской живописи новыми уникальными произведениями. Например, в работах «Утро» и «Золотые фантазии» Натальи Георгиевны Зубковой необходимый эффект достигается не столько сюжетом картин, сколько виртуозным мастерством художника в работе с краской. Цветок на картине художницы «Кофейный лотос» словно выступает из поверхности холста, размывая грань между фантазией и реальностью, искусством и бытом. Купив такую картину для украшения интерьера, будьте готовы к тому, что гости надолго застынут в перед ней, гадая, как автору удалось передать в объёме тончайшие венки на полупрозрачных лепестках цветка. Не умаляя достоинств  других красок, нужно признать, что акрил прочно занял нишу самого яркого материала, способного принимать самые разные формы в умелых руках.

 

Анна Николаевна Ковалева 

Две судьбы

«Художник не должен быть сытым, иначе он перестанет быть художником». Кто это сказал? Может, мудрый человек – недаром великие творцы умирали в нищете. Может, тот, кто не умеет быть востребованным здесь и сейчас. А может, бездарь- неудачник в бессильной злобе?.. Петербуржец Владимир Волосов ни с кем спорить не собирается. Живет себе и не тужит во второй своей ипостаси. Впрочем, он и в первой не больно тужил.

 

 

«Художник не должен быть сытым, иначе он перестанет быть художником». Кто это сказал? Может, мудрый человек – недаром великие творцы умирали в нищете. Может, тот, кто не умеет быть востребованным здесь и сейчас. А может, бездарь- неудачник в бессильной злобе?.. Петербуржец Владимир Волосов ни с кем спорить не собирается. Живет себе и не тужит во второй своей ипостаси. Впрочем, он и в первой не больно тужил.

 

Ленинград, Петроградская сторона. 1937-й год чудом не затронул отца – перспективного ученого-оптика с «пятым пунктом». Посмотрев на потуги сына в рисовании Давид Самуилович как-то заметил: «Мужчина должен заниматься делом. Живопись – баловство. Я тебе не мешаю – я тебе не советую».

 

Вова папе не перечил. Подался в технический ВУЗ, стал нормальным советским… Хотя не совсем. Есть такое понятие – вытащить счастливый билет. ЛЭТИ Волосов-младший закончил в 1960-м – как раз в этом году был изобретен лазер.

 

- Абсолютно новая область! Представьте: мы – 22-летние юнцы, и над нами нет никаких шефов… Нет того, кто знает больше тебя. Все – с нуля, все – на чистовик!..

 

Страшнее всего в те годы, как признается Владимир Давидович, было пойти в библиотеку: « Открываешь журнал и боишься прочесть то, что придумал вчера!...» Темп был бешенный – изобретение за изобретением, публикации не поспевали, молодые-честолюбивые дышали друг другу в затылок. Домой Володя приходил только спать. Здоровье позволяло – спортсмен, гимнаст, горнолыжник. «Это было счастливое время».

 

Лазер, если кто забыл, – монохромный ( одноцветный) источник излучения с жестко заданной длиной волны. А чтобы использовать его – в кино, скажем, или в медицине – необходимо уметь им управлять: изменять цвет. Из необходимости родилась целая наука – нелинейная оптика. Этому-то и посвятил Владимир Волосов всю свою первую жизнь.

 

Кстати, получилось. Когда пришел, доля энергии лазера, которую удавалось перестроить по цвету, составляла одну стомиллионную процента, а когда уходил – 80 процентов…

 

В знаменитом Государственном оптическом институте имени Вавилова он проработал ровно 30 лет, день в день. 12 апреля 1960 – 12 апреля 1990. Подгадал, конечно, чтобы было красиво. Он вообще любит такие «случайности»: например, открытие его персональной выставки в Чайном домике Летнего сада ненароком совпало с открытием Игр доброй воли – неплохо, да? Но это будет позже, а тогда, без малого пятнадцать лет назад, директор ГОИ топал ногами и кричал: «Какого рожна!? Иди к чертовой матери!» - в смысле, убирайся из кабинета, заявление не подпишу…

 

Главный научный сотрудник, доктор, профессор, лауреат Государственной премии.

 

– Я получал официально тысячу рублей ( в тот период триста рублей были очень хорошей зарплатой – В.С.).

 

Было что терять.

 

Знакомые крутили пальцем у виска. Жена Наталия сказала, вздохнув: «Как знаешь, тебе виднее».

 

А он знал. Что готов ко второй жизни. Опять красивая фраза, но ничего не попишешь.

 

В апреле уволился, а в мае увидел анонс: «Художники Ленинграда! Приходите на выставку в ЛЕНЭКСПО!», взял под мышку пять картин и пошёл.

 

– Живая очередь, – все до одного мне в дети годятся… Сидит девуля очаровательная принимает работы: «Как называется ? Сколько стоит ?» А я понятия не имею! Ляпнул первое, что пришло в голову, тысячу рублей. « Так мало?» – «Ну хорошо …давайте две...». А во время вернисажа ко мне подходит организатор и говорит: «Зайдите в бухгалтерию, получите четыре тысячи, Только что две Ваши картины купили». Думаю: бред какой-то… Впервые в жизни у меня произошла переоценка ценностей…

 

Наступила эйфория. Но быстро закончилась. В том же году осенью, делая рамы, Владимир отрезал себе пальцы на правой руке циркулярной пилой. Выйдя из больницы, он, всегда считавшийся правшой, от отчаяния написал картину левой рукой.

 

А затем распался Союз, ввели карточки… Искусство подешевело. Волосов таскал работы в небольшие галереи – там их потихоньку продавали…Поехал в Финляндию, в Хельсинки набрел на галерею «Старый Петербург». Хозяин платил стандартно: $150 за любой холст. Несколько лет это устраивало. Пока однажды Владимир в неурочный час не увидел в витрине свое полотно за $800.

 

Потом был Берлин, Стокогольм, Бостон…

 

– Потом я к западу поостыл. Мое мнение: в России художников ценят больше…

 

Нынче Волосов сотрудничает с тремя избранными галереями: Торонто, Лондон, Москва. Этих контактов вполне хватает. В Канаде Владимир Давидович прохолит под псевдонимом: владельцы поставили такое условие.

 

– Они правы, они меня рекламируют, тратят деньги и не хотят, чтобы у меня покупали работы напрямую.

 

Холст, масло, энное количество квадратных сантиметров на стыке реализма импрессионизма. Одни работы завораживают, другие кажутся … слишком продуманными что ли. Талант, везение, расчет? Пейзажи, марины, ню, «Январь» и «Голубой простор», Литва и Тель-Авив, Шамони и Царское Село. «Натюрморт с тыквой» и «Цветы в белой вазе», портрет жены и старый «Питерский подъезд», где кошки в углу писают на бетонный пол. «Зайдешь в этот подъезд и – забредший ветер веков пахнет в лицо…Вместе с гитарной мелодией, которую играл когда-то отец… Мальчишки спустятся по перилам побегут через двор… И того гляди доброе привидение из детских фантазий взлетит к окну, слышащему разговоры с мамой и со всеми предметами в доме»…Такой отзыв оставил в Сети неизвестный поклонник Волосова.

 

Большую часть картин у него приобретают через инет. Сайт Владимр сделал сам, едва обзавелся первым в жизни компьютером. По книгам разобрался.

 

– Часто спрашивают, как я цену назначаю… – мы беседуем в мастерской художника на улице Кораблестроителей. Типовой дом, типовая квартира, шестой этаж. Светло, чисто – даже чересчур… Волосов у мольберта орудует мастихином ( это такой инструмент вместо кисти). – Почему, мол, эта живопись стоит $500, а та – $1500? Не в размерах же дело?

 

Не в размерах. Логика у мастера понятная: « Все от ситуации зависит. Если бы я был миллионером просил бы по $150 тысяч. Не хотите – не берите. Если бы скитался – мне бы и по $100 было нормально. Ну а сейчас, когда я не богач, но и, скажем прямо, не бедствую…»

 

Коли критерием профессионализма полагать способность обеспечить себе достойную жизнь – тем, чем ты занимаешься, – Волосов эту планку перешагнул давно. Академий не заканчивал, в творческих союзах не состоит – а и не рвется. Фортуны и упорства – редкая смесь – смесь достало и на вторую судьбу. Картины его расходятся сегодня веером по всему миру.

 

– Кто-то объяснит: в струю попал. Кто-то: сытый голодного не разумеет. А может надо просто меньше бояться? И хоть раз, как в том анекдоте, купить лотерейный билет?

 

Валерия Стрельникова

 

«Новая газета» Санкт-Петербург, №92 2004 г  

Первым делом, первым делом самолёты...

Тема авиации в живописи раскрыта не слишком широко. Виной тому как относительная молодость воздушного флота — согласитесь, сто с небольшим лет изображений самолётов это совсем не возраст по сравнению с извечными темами искусства, такими как портреты или пейзажи, имеющими за плечами тысячелетнюю историю — так и необходимость глубокого знания предмета. К художнику, изображающему натюрморт, скажем, с яблоками, зрителем предъявляется совсем другой уровень требований к деталям, нежели к автору, во всех подробностях пишущему взмывающий в небо самолёт. Эти и другие причины лежат в основе столь редкого желания живописцев работать над темой авиации. Тем ценнее становятся те картины, авторы которых не побоялись рискнуть и совместить холодную строгость техники и необъятную романтику полёта.

 

Многое требуя от автора, картины художников маслом, изображающие воздушные суда, весьма придирчивы и к покупателю. Их аудитория не универсальна, по понятным причинам мужчинам такие работы больше придутся по душе мужчинам, чем женщинам, но какие же правила без исключений. Яркие сцены воздушных боёв возвращают зрителя к тревожным и трагическим событиям Великой Отечественной войны. Работа «Над Курской дугой» будет по достоинству оценена как неравнодушными к военной теме людьми, так и специалистами в области авиастроения. Художник Евгений Владимирович Алексеенко, написавший эту картину, и сам окончил Казанский авиационный институт, так что не понаслышке знаком со всеми тонкостями данной сферы. Полученные во время учёбы знания позволили ему в точности соблюсти все необходимые пропорции и уделить особое внимание деталям.

 

В поиске лучших картин художников умение видеть самую суть и обращать внимание на нюансы зрителю ещё пригодится. При первом взгляде на работу «Над Кавказом» невольно возникает ощущение сходства с предыдущей, но первое впечатление обманчиво. Вместо дымной пелены сражения под крыльями самолёта видны пики Кавказского хребта и текущая в долине река. Благодаря этому картина выглядит объёмнее и вместе с напряжённостью боя несёт ещё и лёгкость полёта. Наибольшего эффекта в передаче красоты авиации автор добился, написав картину «В расплавленном золоте восходящего солнца». Более подходяще название и придумать нельзя было. Солнечное сияние, отражённое от облаков и обшивки самолётов, дарит ощущение покоя и умиротворения, напоминая о том, как прекрасен мир без войн.

 

Тем, кто предпочитает сдержанные краски и утончённую живопись акварелью, но не хочет расставаться с авиационной темой, стоит обратить внимание на картину Юрия

 

Михайловича Лаптева «Валерий Чкалов планирует пролететь под аркой императора Тита». В этой картине тоже можно заметить интересное слияние образов — готовый к старту самолёт уподоблен парящей в небе птице, а древней императорской арке словно бросает вызов молодость и профессионализм знаменитого лётчика. Любая из представленных в этой категории работ станет прекрасным украшением как домашнего интерьера, так и офиса, принеся с собой романтику авиации.

 

Анна Ковалёва

Славянские боги, оживлённые художником

Мифология древних славян издавна притягивала художников, манила вереницей незабываемых образов, очаровывала своей загадочностью и красотой. Но среди яркого многообразия современных картин известных художников нечасто можно найти те, которые способны по-настоящему передать неуловимую магию славянских мифов. Древние славяне щедро наделили своих многочисленных богов яркими характерами и сложили про них немало былин, но, к сожалению, не оставили потомкам качественных изображений своих небожителей. Одним из авторов, которым удалось написать ушедших богов так, словно они на самом деле жили среди своего народа, является Андрей Алексеевич Шишкин.

Картины этого московского художника словно приоткрывают перед зрителем дверь в прошлое — таинственный мир, в котором рядом с людьми живут суровые и ласковые боги. Уникальная галерея персонажей, созданная автором, позволяет по-новому оценить значимость старославянских верований для российской культуры. С картин маслом смотрят на читателя и мудрый «Велес», и светлый «Даждьбог», и меткая охотница «Девана». Отличительной чертой работ Андрея Алексеевича Шишкина является неповторимость каждого портрета. Также можно заметить, что славянские боги не предоставлены сами себе, но являются частью целого, поскольку помещены в обстановку, наиболее соответствующую их характеру и предназначению. Ни один из многочисленных героев картин не похож на другого, каждый обладает своим ярким характером, прекрасно донесённым автором до зрителя. Сжимает щит неистовый «Перун-громовержец», зажигает новые звёзды небесный кузнец «Сварог» и всё так же встречает каждое новое утро умытая росой «Заря-заряница».

Каждая из представленных на сайте картин этого художника словно напоена внутренним светом. Несмотря на наличие нескольких весьма грозных персонажей общее впечатление от работ автора скорее умиротворяющее. От картин с пейзажами природы и большинства портретов, посвящённых славянской мифологии, неуловимо веет тишиной, покоем и единением с природой. Чистота и яркость красок, умело подобранных художником, вызывает невольные ассоциации с юностью и переносит зрителя в те далёкие времена, когда мир был совсем молод,

свеж и свободен. За спиной бога «Хорса» видны бескрайние поля, ели у «Старой мельницы» подпирают высокий небосвод, а чистой воды потаённого «Родника» так и хочется коснуться рукой.

Конечно, тема славянской мифологии несколько специфична и не обладает той универсальностью для размещения, какую могут дать пейзажи или натюрморты. Картину со славянским богом или вещей птицей не повесить, например, в современно оформленной столовой, а для того, чтобы как следует представить гостям своё приобретение, скорее всего, придётся потратить несколько минут на объяснения. Но если хочется купить картину для интерьера, не похожую ни на какие другие, такую, чтобы взгляд возвращался к ней снова и снова, стоит рискнуть. С картин Андрея Алексеевича Шишкина на нас смотрит само прошлое, вызывая лёгкую грусть по эпохе, сохранившейся лишь в легендах.

 

Анна Николаевна Ковалёва

Художник, который дарит радость акварель, карпан, художникувеличить изображение
Художник, который дарит радость

Сбылась мечта! Три года назад я поступила на художетвенно-графический факульет ВГУ им. П. М. Машерова. Началась моя самостоятель-ая жизнь. Все кругом было новое: город, люди, цели! Здесь я окунулась в мир искусства, стала заниматься живописью, рисунком, пробовать свои силы в графике и скульптуре. В этом мне помогают преподаватели - настоящие художники, мастера своего дела.

 

С первого курса предметом увлечений, стараний и неистощимого интереса стала акварельная живопись. Большая заслуга в этом принадлежит художнику и педагогу Александру Фёдоровичу Карпану.

 

Александр Карпан преподавал в моей подгруппе акварельную живопись. Всякий раз, когда он брал в руки кисть и начинал писать, все собирались вокруг и, затаив дыхание, следили за каждым его движением. Нас поражало то, как смело и густо он набирал краску, как точно замешивал цвет, тон. В одно мгновение на чистом, «беззвучном» листе появлялось спелое, сочное яблоко, естественно ложились складки драпировок, а на керамической вазе начинали играть солнечные блики. Александр Федорович учил нас не бояться насыщенного цвета, широкого, точного мазка, учил работать вдумчиво и старательно. Вдохновленные примером мастера, мы, его ученики, возвращались на свои места и, засучив рукава, пытались освоить непростую технику акварели.

 

Надолго в памяти останется день, когда я впервые побывала на персональной выставке А. Карпана. Его картины пленили своей красотой, живостью и виртуозностью исполнения. Радость и восторг первого знакомства с творчеством этого художника переполняют меня всякий раз, когда я смотрю на его работы.

 

Александр Федорович стремится сохранить лучшие качества акварели, выполненной быстро, но имеющей твёрдую структуру живописного произведения. Его работы отличает многообразие тем, тонкое колористическое мастерство, чистота и свежесть красок, смелость передачи контрастов, ощущение света, умелая разработка композиции. Художник обладает «музыкальной» цветовой палитрой с широким диапазоном красок - от густых бархатных насыщенных цветов до сияющих прозрачных. Его картины производят сильное впечатление, не оставляя равнодушным зрителя к удивительной волшебной силе цвета, чёткости силуэта, безупречности вкуса и мастерства.

 

Александру Карпану доступны любые жанры, он разнообразно реализует собственную фантазию. Художник не занимается изобретением виртуозных конструкций и фактур: он считает самодостаточной реальную действительность.

 

Особое место в творчестве А.Ф. Карпана занимает лирический пейзаж. Он глубже ощущается душой художника, в нём полнее отражается его внутренний мир.

 

Многообразие этого жанра в творчестве художника представлено городскими, сельским и архитектурными пейзажами.

 

Тема родного края находит свое отражение в работах «Зимний день» (2003), «Оттепель» ,(2005),. «Сумерки» (2005). Зрители могут легко убедиться, что картины написаны с подлинно поэтическим вдохновением. Простые по композиции пейзажи носят камерный характер. А. Карпан изображает уютные, скромные пейзажи родной природы, оживляя их провинциальной архитектурой. Работы, выполненные чистыми прозрачными тонами акварели, отличаются лиризмом и поражают мастерством исполнения.

 

Привлекает своей простотой композиция пейзажа «Оттепель». Низкие, заснеженные крыши деревенских хат отведены на второй план. Дальние планы рассеиваются в тёплой дымке воздушной перспективы так, что возможное изображение лишь угадывается в мерцании солнечных лучей. Несмотря на преобладающую синеву снега, картина дышит теплом. Кое-где на переднем плане проступают охристые следы первых проталин. Холодные, стройные силуэты стволов деревьев местами прерываются - создается впечатление лёгкости и трепета. Тянутся к небу изящные, тонкие ветви. Они еще наги, но внутри них пульсируют соки жизни.

 

Художник живо и непосредственно передает тихую радость человеческого сердца от наступившей весны, бодрящего воздуха оживающей природы и от того как тает снег. Акварель лаконична, свежа, создает своеобразную гармонию света и цвета.

 

Отдельная грань дарования Александра Карпана - изображение цветов, которое требует высокого технического мастерства. Художник признает сложность их написания. Именно это вызывает у него желание рисовать цветы, совершенствуя тем самым свое мастерство.

 

Работы «Георгины», «Ветка розы», «Белые пионы» прекрасны по выраженному в них чувству жизни, по богатству и звучности колорита. Достичь подобной живости, показать естественность, изящество красок и форм растений Карпану удается благодаря особой технике. Работа идет по влажной бумаге с использованием так называемого «lifting» (снятие краски с основы). При нанесении красок на пропитанную водой бумагу происходит их свободное взаимопроникновение и естественное смешивание, иногда, подчиняясь своим законам, они приносят особенно неожиданные результаты. Задача художника - сохранить интересные красивые моменты.

 

Используя прозрачность акварельной техники, художник передает образное обаяние цветов. Вот где проявились присущие А.Ф. Карпану любовь к природе, тонкое проникновение в её жизнь и мастерство акварелиста. Его работы таят в себе необычайное чувство лёгкости, гармонии и естественности.

 

Одно из главныхдостоинств работ художника, на мой взгляд, состоит в том, что они дарят зрителю радость неторопливой, доверительной беседы с художником, беседы об удивительной красоте окружающего мира. 

 

Екатерина Цыганова 

студентка третьего курса ХГФ

 

"Мы і час" 29 мая 2008

Что есть наш сайт (Письмо сына художника В.Г. Гремитских сыну художника В.М. Беликова)

Добрый вечер, Сергей!

Арт-рынок всю жизнь был переполнен. У любого художника в мастерской количество работ превышает общее количество покупателей в стране. Ожидать что живопись и графика начнут отлетать как горячие пирожки не приходится. Это большая проблема. Что же делать?
С командой ArtNow я знаком уже много лет, нахожусь с ними в дружеских отношениях и иногда продаю через этот сайт живопись и графику, но крайне редко. Проблема этого сайта, как и других аналогичных интернет-площадок в том, что его создали айтишники, т.е. люди, к искусству никакого отношения не имеющие. Им всё равно что продавать, лишь бы продать. Поэтому на такие сайты набирают всех подряд, кто сам зарегистрировался. Интересно, что в интернете появилась даже такая услуга когда за плату тебе на сайт вешают картины всех художников, которые продают свои работы в интернете без ведома даже самих художников. Дикость, конечно, но это есть, и это востребовано.
В результате такой деятельности ArtNow, например, сильно замусорен чёрт-те чем, да ещё и по ценам по 500 рублей за работу. Как они с этим борются? Во-первых, периодически устраивают авралы, выбрасывая наиболее дешёвых художников, а также художников, не подтверждающих свою актуальность, с сайта, создавая себе тем самым массу головной боли в буквальном смысле этого слова. Попробуй-ка профильтруй такую махину! Во-вторых, они повысили свой процент до 20, т.е. к своей цене художник вынужден добавлять аж 30%, что коммерчески абсолютно не оправданно.
Результат - ArtNow продаёт в основном крайне дешёвые работы, а хорошие художники от них начинают уходить. Я их об этом предупреждал ещё 7 лет назад, но видно без толку.
Наш же сайт создан двумя московскими коллекционерами - мной и Екатериной Матусевич с принципиально других позиций. 
Первое. Он узко направлен. Только реализм и импрессионизм.
Второе. Художников ищем и приглашаем мы сами. Всякую шпану, именующую себя художниками, баним безжалостно.
Третье. Если Вы заметили, все основные страницы у нас заполнены случайными картинами, если Вы уходите со страницы, а потом на неё возвращаетесь, то видите уже другие работы других художников. Это сделано чтобы уравнять по возможности шансы всех. И чем больше у художника работ, тем он чаще появляется перед публикой. Если же Вы переходите на страницу художника или в какую-то рубрику, то там работы уже идут по алфавиту. Это опять же уравнивает шансы всех.
Есть и поиск по цене или городу для удобства покупателей. Это, впрочем, есть и на других сайтах.
Четвёртое. Рассылками тематических статей мы пытаемся установить контакт с художниками, проявить к ним внимание. Это работает. Мы получаем отзывы, почти всегда после рассылки кто-то из художников добавляет новые работы, на сайте идёт лишнее движение, а чем больше движения на сайте, тем активнее его замечают роботы поисковых систем. Нам без году неделя, но на 1-й странице и Яндекса и Гугл мы уже есть по 3-4 поисковым запросам. Это уже немало, поверьте.
Ничего из вышеперечисленного на других сайтах, продающих живопись и графику нет.
Наша цель - элитный сайт с отборным качеством работ, созданный для покупателей реалистической живописи. Хотя роботам поисковых систем мы уделяем огромное внимание, тратя на традиционную раскрутку сайта от 2 до 5 тысяч рублей в день, но сайт рассчитан не на них, а на элементарное сарафанное радио. 
Поясню на примере. В своё время у меня были курсы иностранных языков. Так вот, на рекламу я почти не тратился, зато запись желающих попасть на мои курсы ежедневно, включая выходные дни, продолжалась да часу ночи. Девочки, производившие запись, работали в две смены. Только в Москве у меня было 145 преподавателей 7 иностранных языков, 224 служащих и 2400-2500 студентов. Это крупный университет, между прочим. Отделения моих курсов были от Бреста до Южно-Сахалинска включительно. Из многих городов приезжали покупать методики, написанные моими преподавателями, концепцию которых я сформулировал лично. Откуда такой успех? Да просто сарафанное радио разнесло по всей стране что именно тут по-настоящему чему-то учат, что аналогов этим курсам вообще нигде нет.
А ведь тогда ещё никакого интернета не было!
Сейчас я хочу повторить то же самое. Сайт, аналогов которому в интернете нет, уже создан и быстро развивается. Рано или поздно вокруг него соберутся любители и покупатели реалистической живописи, которые тоже устали копаться во всевозможном мусоре, а у нас никакого мусора нет и не будет. Сарафанное радио уже сейчас, всего через 4 месяца после появления сайта, приводит на наши страницы отличных художников о которых мы раньше ничего не знали. Приведёт и покупателей. Когда это будет? Не знаю. Сам я рассчитываю на многие месяцы, если не годы,.упорного труда. А без труда не вытащишь и рыбки из пруда. Быстрых успехов и миллионных продаж мы никому не обещаем. 
Но на этом сайте куётся элита современных русских художников-реалистов и если всё пойдёт по плану ( а оно пойдёт), через какое-то время покупатели будут спрашивать, а есть ли такой-то художник на сайте ruskartina.ru? Маниловщина? Может быть. А может быть и нет. Кто знает?  :)
Касательно Вашего пессимизма относительно отсутствия продажи работ, то сейчас я как раз работаю над статьёй о ценообразовании и раскрутке имени художника доступными каждому средствами. За последние 7 лет мне удалось в несколько раз повысить цены на работы моего отца и ровно настолько же их ликвидность. И сделал я это именно в интернете, который является самым мощным средством рекламы на сегодняшний день, а денег вообще не требует. Требует только много часов сидения за компьютером, да и то нерегулярно. Принцип один - чем больше работ художника в интернете, тем лучше. Но об этом я напишу в статье. А сейчас позвольте с Вами проститься, работать надо. Прошу меня извинить.

С уважением,
Александр Гремитских

 

Творческая лаборатория Александра Карпана. (статья из каталога Витебск, 2002) увеличить изображение
Творческая лаборатория Александра Карпана. (статья из каталога Витебск, 2002)

В стилистическом хаосе современного художественного пространства творчество витебского акварелиста Александра Карпана выглядит довольно традиционным. В то же время его акварели и рисунки поражают зрителей ярким и современным звучанием, гармоничным сочетанием известных классических приёмов акварели и новаторства в создании изобразительных форм. Художнику присуще удивительно живописное видение натуры, неординарное мастерство владения акварельной техникой. Высокая профессиональная грамотность, выразительность и лёгкость индивидуальной манеры акварельного письма сегодня являются важными компонентами творческого имиджа Александра Карпана.
Начало формированию яркой творческой индивидуальности было положено уже в период обучения Александра Карпана на художественно-графическом факультете Витебского университета (1974-1979) у известных белорусских акварелистов Ивана Столярова, Алеся Мемуса, Валентины Ляхович а также предопределено первыми творческими экспериментами молодого художника. Именно тогда - в начале 70-х годов - поколение художников, к которому принадлежит и Александр Карпан, ощутило острую потребность в глубоком изучении профессиональных основ искусства, в возврате к утончённой, изысканной живописи, основанной на выразительном и конструктивном рисунке, своеобразно понимаемой эстетике цвета.
Начиная с 1979 года Александр Карпан принимает активное участие в международных, республиканских, областных художественных выставках. Его произведения не раз экспонировались в Нинбурге, Бремене, Франкфурте-на-Майне (Германия), Лионе (Франция), Литтэркен- ни (Ирландия), Варшаве (Польша), Минске, Витебске, Могилёве (Беларусь).
В последнее время Александр Карпана всё чаще называют одним из наиболее талантливых витебских акварелистов среднего поколения. Причём это мнение не только искусствоведов, художников твёрдо стоящих на позициях реалистического искусства, но и тех, кто не приемлет в современном творчестве традиционных форм. Прйчина такого единодушия кроется в удивительном умении Александра Карпана, ориентируясь на реалистическое отображение действительности искать для этого яркий и современный художественный язык. 
Акварели Александра Карпана привлекают внимание и притягивают к себе эффектной манерой живописи, особенной изысканностью форм, продуманной до мелочей композицией, гармонией колористического решения. А ещё концептуальностью созданного образа, сочетанием интеллектуального и чувственного, глубоко осмысленного и формального...
Нередко Александр Карпан использует тот или иной конкретный сюжет для создания художественного образа, но чаще отдаёт предпочтение сложным и совершенно неоднозначно прочитываемым образным конструкциям.
Натюрморт - один из приоритетных жанров в творчестве Александра Карпана. Каждая композиция натюрморта - это до мелочей продуманная мизансцена. Художник составляет их из самых разнообразных, порой, казалось бы несопоставимых по характеру объектов и добивается иллюзорной похожести в отображении пластики предметов. В композициях Александра Карпана часто встречаются как, антикварные, так и просто старые бытовые вещи, которые ещё хранят на себе тепло чьих то прикосновений. Прошлое, которое нам уже не принадлежит, превращается в современное, обычное - в необычное, повседневное - в исключительное... «В окружающем мире нет неживых предметов,» - писала когда то известная русская поэтесса Анна Ахматова, и натюрморты Александра Карпана каждый раз напоминают нам об этом.
В акварелях Александра Карпана основная роль принадлежит выразительной пластике форм, разнообразной живописной фактуре, которая то «материализуется», приобретает вид конкретных вещей, то существует независимо от них, как условный графический приём. Несмотря на то, что объекты в произведениях художника изображены объёмными, среда, как привычное глазу трёхмерное пространство мало интересует Александра Карпана. Чаще он ищет её колористический эквивалент и только едва намечает горизонтальную плоскость на которой располагает предметы. Нередко фоном композиций служат пятна удачно ритмически организованного чистого и насыщенного цвета. Здесь краска свободно течёт, набрызгивается, проскребается лезвием, смывается...
В пейзажах Александра Карпана преобладают лирические природные мотивы. Здесь можно встретить увлекательные картины белорусской природы а также, близкие сердцу художника этюды местечек на его родине Житомирщине (Украина). Для пейзажных композиций художника характерно использование всего многообразия оттенков насыщенных умбристых, охристых, коричневых, изумрудных цветов.
В немногочисленных портретах, Александр Карпан стремится представить образ в тематическом ракурсе или же ищет неординарное его колористическое решение. Особое внимание, наряду с отображением пластической выразительности персонажа, уделяется передаче его психологического состояния. В рисунках обнажённой модели, которые исполнены почти в классической академической манере, поражают не только внешняя эффектность графической техники, но и доскональное владение пластикой, линией, тоном. Часто рисунок с натуры становится важным этапом работы над тем или иным художественным образом.
Выразительность и точность рисунка, графическая обострённость живописных форм, уравновешенность композиционных ритмов, в определённой степени эмоциональный аскетизм натюрмортов Александра Карпана приближают его манеру к стилистике художников Северного Возрождения. В то же время особое внимание к декоративному, формально-пластическому оформлению композиции сближает работы Александра Карпана с произведениями художников 20-х годов прошлого века, представителями «новой реальности». Однако никакие параллели не в состоянии полностью отобразить истинный творческий портрет витебского акварелиста. Александр Карпан индивидуален и, очевидно, неповторим в своих творческих исканиях. Представляя одно из современных направлений развития традиционной акварели, Александр Карпан хочет быть самим собой, и каждый раз подтверждает это своё желание в огромном количестве создаваемых им рисунков и акварелей.


Витебск. 2002
Михась Цыбульский 

 

Павел Весёлкин

Творчество Павла Весёлкина с одной стороны находится в русле отечественной реалистической школы, с другой – воплощает индивидуальный стиль художника. Павел Весёлкин родился в 1943 году в городе Раненбурге Рязанской области, художественное образование получил в Рязанском художественном училище им. Вагнера. На протяжении нескольких десятилетий художник создал большое количество произведений, многие из которых находятся в частных коллекциях в России, Австрии, Канаде, Германии, Италии, Эстонии, а также в Елецком художественном музее, Липецком областном краеведческом музее и в Тамбовской областной картинной галерее. На протяжении своего творческого пути он принимал активное участие в выставочной деятельности, был участником множества областных и всероссийских художественных выставок, а с 2005 года является членом Союза художников России.

Формированию индивидуальной манеры мастера также способствовала его любовь к путешествиям и стремление передать свои впечатления на холсте, благодаря чему появились пейзажи таких городов как Елец, Липецк, Задонск, Тверь, Суздаль, Ростов, Таллин и Алма-Ата. Художник воспевает в своём творчестве прежде всего уголки родной природы. В рамках любимого жанра – пейзажа, живописец использует разнообразные художественные приёмы и колористические решения, прекрасно владеет мастерством световоздушной среды. Ярким примером этого являются такие недавние работы Павла Весёлкина как «Дом Меньшикова в Раненбурге» и «Предчувствие весны. Март.».  Но и в более ранних произведениях, например таких, как «Дождь в Таллинне» или «Алмаатинское разноцветье» зритель видит насыщенный, сбалансированный колорит, продуманную композицию, импрессионистическую вибрирующую световоздушную атмосферу. Между тем, некоторые черты узнаваемой и выразительной манеры мастера меняются. В более поздних работах мазки становятся экспрессивней и объёмней что усиливает эмоциональность, насыщенность картин, добавляет им динамики. Особенно хорошо Павлу Весёлкину удаются возвышенно-поэтические пейзажи. Художник тонко чувствует состояния природы, в чём проявляется приверженность традициям Саврасова, Коровина, Левитана. Наряду с пейзажами художник работает в жанрах портрета и натюрморта в которых развивает и преодолевает реалистические традиции, порой отрываясь от буквальной предметности. Стремление к живописному обобщению приводит к ясным и лаконичным образам, насыщая их эмоциями автора. Живость и динамика его пейзажей, хрупкие мгновения, запечатлённые в его портретах и натюрмортах, дают ощущение, что Павел Весёлкин владеет не только мастерством живописца, но и уникальной способностью управлять временем.

 

Анна Чигонишвили, искусствовед Государственного Русского музея

 

Журнал «Русская галерея, 21 век» № 3,  2012 год 

Письмо администратору сайта.

Уважаемая Екатерина! Благодарю за интересное приглашение. Оно для меня тем более интересно, что мне давно казалось странным, что такая вполне разумная и напрашивающаяся мысль - создать галерею, где авторы приглашаются создателями галереи, а не набегают стихийно со всех сторон, не была до сих пор осуществлена. Теперь это осуществлено Вашими с Александром Гремитских руками. Флаг Вам в руки! Процветания и раскрутки галереи!. Я давно знаю и почитаю работы Владимира Георгиевича. Почту за честь выставляться с ним на одном сайте. Кстати, недавно прочел очерк Александра Гремитских "Как я стал коллекционером" Для него 1991 г ( кончина отца) стал переломным. Для меня - начало моей второй жизни. Живопись для меня - вторая жизнь. В буквальном смысле этого слова, поскольку первую, не менее счастливую и насыщенную я провел в науке. Загляните на пару минут в мой сайт volosov.spb.ru Там в разделе "об авторе" чуть -чуть написано о моей нестандартной биографии.

 

С уважением,

Владимир Волосов

Виталий Стройнов стал призером XIV международного конкурса «Вернисаж-2014»

Пенза, 22 декабря 2014. PenzaNews. 
Пензенский художник Виталий Стройнов стал призером XIV международного конкурса «Вернисаж-2014».

Его работа «Новый день. Каким он будет?» заняла третье место в номинации «Пейзаж».

В номинации «Общая» победу одержала московская художница Асия Лебедева с картиной «Натюрморт с хохломой».

Лучшие в номинации «Пейзаж» признана работа «Снегири» Виктории Курасовой из Кемерово.

В конкурсе приняли участие художники из 79 городов 14 стран — Армении, Белоруссии, Бельгии, Великобритании, Венгрии, Германии, Греции, Грузии, Италии, Молдавии, России, Узбекистана, Украины и Франции.

Полный текст новости ИА «PenzaNews»: http://penzanews.ru/society/85781-2014

О художнике Игоре Тужикове

Художнику, получившему академическую базу, фундаментальную основу для самостоятельного творчества, явно улыбнулась удача. В  самом начале найти учителя, получить  уникальные знания, чтобы опереться на них в нужный момент, не набивая шишек и не изобретая велосипед, несомненная привилегия. Не потому ли образуются целые семьи и династии художников? Всё нажитое мастерство, все его нюансы и секреты там передают из поколения в поколение. И обидно, если некому передать драгоценный неповторимый опыт, который зреет и копится, кажется, целую вечность. Тогда вся жизнь художника как бы уходит в никуда. Да, остаются картины, этюды, но сам процесс, философия мастерства бывают потеряны безвозвратно, если обрывается эта живая нить. Ученику нужен учитель, учителю – ученик. Так замыкается круг, превращая временное в вечное.

 

Кто-то удивляется, как можно рисование, писание картин считать трудом? Но ведь это так и есть. Многие годы и даже десятилетия уходят на обучение, затем на поиски решения и даже на осознание правильности или ошибочности избранного пути. А сам процесс!  Сколько нужно сил и терпения чтобы написать хотя бы небольшой этюд.  Писание с натуры, пленэр. Дождь, снег, холод или жара. Все нужно вынести и даже полюбить, чтобы передать, влить свои эмоции в холст. Мошкара, комариные воинства, шумные и суетливые птицы, требующие к себе внимания, иногда весьма навязчиво, все это нужно терпеть, любить, боготворить.

 

На мой взгляд, пройти академическую школу должен каждый художник. Писать не по правилам можно, только зная основу. Ведь все переданные знания копились веками. Тысячелетиями человечество и художническое братство училось, созерцало, приходило к канонам. Отбрасывать все это – кощунство. Это все равно, что вернуться в каменный век. Судить, правильно ли работает художник, не мне. Если человек что-то делает, это уже хорошо. Но все же...

 

Большие мастера уходят от нас, их всё меньше. А мы не торопимся спросить у ещё живущих о нажитом опыте, не стремимся выведать секреты мастерства, легкомысленно полагая, что и к нам оно придет само собой, как бы по волшебству. Их мало, но они среди нас, пятидесятники, шестидесятники, мастера. Их работами полнятся частные коллекции, музейные хранилища. Мы смотрим, мы восхищаемся, мы снова и снова удивлены и согреты. Современное искусство, вне сомнения, интересно, живо по-новому. Но галереи, где они выставляются, часто безлюдны и нередко пусты смыслами. Музеи же, представляющие зрителю старых мастеров, заполнены ценителями искусства, детьми, студентами, обычными людьми, которым захотелось наполнить душу чем-то, что выше понимания разумом. Да и в обыденной своей жизни человек хочет видеть красоту, наполнить ею свой дом, своё жизненное пространство, своё сердце. Давно сказано -  не хлебом единым жив человек.

 

«Живопись - от слова живое, реальное – собственно, это и есть реалистическая живопись» (М.Ю.Кугач).

 

Игорю Тужикову повезло. В самом начале пути он повстречал замечательных наставников, которые дали его творчеству надежный фундамент из знаний азбуки мастерства. Это были В.Н. Чаус, В.Л. Ганоцкий, В.В. Сизиков и многие другие.

 

Доминирование пейзажа в творчестве художника говорит о его любви к миру, к  природе. Впрочем, неповторимые красочные виды нашего края не оставляли равнодушными многие поколения художников.

 

Игорь старается уловить какое-то особенное, неповторимое мгновение, почувствовать настроение природы в разном её состоянии: осень, весна, лето.  Художнику удается передать даже время, будь то раннее утро, солнечный день, пасмурный вечер или глубокая ночь. Особенно хороши ночные работы. Они обладают удивительным настроением, загадочным колоритом. В них столько  насыщенной полноты и живой поэзии. Будто не из красок лепит он свои произведения, а из самой природной палитры набирает цвета. Пленэр - бесконечный источник вдохновения для художника, и каждое прикосновение  его кисти - благодарение природе.

 

Пейзажи Игоря Тужикова отличаются особым мягким колоритом. Некоторые работы наоборот импрессивны, насыщены живыми контрастами. Яркость самого солнца поселились в них. Перспектива, многоплановость, игра ритма - всё это очень важно в построении композиции, и всё это есть в полотнах молодого мастера.

Игорь приглашает нас побыть наедине с природой, насладиться тишиной или музыкой, игрой стихий. Море, горы, лес, поле. Через полотна слышен звук - волшебная песня природы.

 

Объекты архитектуры и памятники истории присутствуют в многочисленных картинах автора. Художник передает величие и монументальность старых сооружений, сквозящую за их очертаниями прожитую жизнь и чей-то опыт, увлекает их историей и легендами, неразгаданной тайной, приглашает к диалогу со временем и самим собой.

 

Игорь учится у самой природы, передавая нам её послания на своих пронизанных теплом и светом холстах.

 

                                                                                         Грибенюк Оксана Александровна

Аравийские холсты картины, петербургская художница, Анастасия Яблокова, выставка в эмиратах, Дубайувеличить изображение
Аравийские холсты

РОССИЙСКАЯ ХУДОЖНИЦА АНАСТАСИЯ

ЯБЛОКОВА, ВЫРОСШАЯ В ДОЖДЛИВОМ ПЕ-

ТЕРБУРГЕ, НАШЛА СВОЕ ТВОРЧЕСКОЕ ВДОХ-

НОВЕНИЕ НА БЕРЕГАХ ЗНОЙНОЙ АРАВИИ.

ВПЕРВЫЕ ЕЁ ТЕМАТИЧЕСКИЕ РАБОТЫ БЫЛИ

ПРЕДСТАВЛЕНЫ В ОКТЯБРЕ ТЕКУЩЕГО ГОДА

В ГАЛЕРЕЕ HERITAGE HOUSE В ДУБАЕ, ГДЕ МЫ

И ВСТРЕТИЛИСЬ.

 

АРАВИЙСКИЕ ХОЛСТЫ

 

Анастасия, добрый день. Расскажите, пожалуйста, о вашем творческом

пути. Какой этап вы переживаете сегодня?

 

Анастасия: Мой творческий путь начался в раннем детстве. В юности мои рисунки

приобрели немного фантастический характер. Я была увлечена сюжетами волшеб-

ных, сказочных миров, в которых жили герои и злодеи, единороги, женщины-во-

ины с крыльями за спиной и их друзья – кентавры. Масляной живописью я заин-

тересовалась гораздо позже, когда училась в Университете культуры и искусств в

Санкт-Петербурге.

 

Как и многие другие начинающие художники, я

училась живописи, копируя работы старых масте-

ров – Моне, Ренуара, Айвазовского, Серова и т.д.

Живя в родном Петербурге, очень любила выби-

раться на пленэр, писать пейзажи на свежем воз-

духе, хотя, к сожалению, не было возможности де-

лать это часто. С началом жизни в Дубае появились

работы фантазийного характера, такие как серия

«Арабская сказка».

 

Что служит для вас вдохновением?

 

Анастасия: Я восхищаюсь красотой мира и считаю

его самым прекрасным произведением искусства.

И черпаю вдохновение во всем, что меня окружает,

– даже в самых неожиданных вещах: в музыке и в

снах. И с детства люблю арабские сказки. Три года

я прожила в Саудовской Аравии, почти шесть – в

Эмиратах, и до сих пор мир Аравии для меня полон

волшебства. Меня восхищает живая пустыня, вол-

шебные закаты и рассветы, узорчатые и воздушные

мечети. Одеяния арабов – это сплошная тайна. Все

это не может не увлекать.

 

Эмираты часто называют «страной без

культуры». Согласны ли вы с этим?

 

Анастасия: Категорически не согласна! На мой

взгляд, в этой стране бережно сохраняются обычаи

и традиции арабской культуры. Мы видим и чув-

ствуем их везде. Например, мне безумно нравится

арабская архитектура, ее особые формы и разноо-

бразие арабского орнамента, используемого как на

фасадах, так и внутри помещения, как на старин-

ных зданиях мечетей, так и на самых современных

небоскребах. Нельзя не замечать и старания по обо-

гащению арабского мира достижениями общеми-

ровой культуры. Здесь регулярно открываются му-

зеи и галереи, проходят арт-фестивали и выставки.

Страна делает широкие шаги навстречу культурно-

му развитию.

 

Кого вы считаете своим зрителем? 

 

Мой зритель – человек, не лишенный романтизма,

любящий и ценящий красоту окружающего мира.

Благодаря активности в социальных сетях, кстати, у

меня появляется всё больше поклонников.

 

Работы Анастасии Яблоковой

можно посмотреть в галерее

Baginskaya Gallery & Studio

по адресу Jumeirah Bay X 1,

S-07, Ground Floor, JLT, Дубай

 

NOVEMBER - DECEMBER 2014 / LIFE STYLE

Приглашение на сайт

Сайт http://ruskartina.ru/ был создан двумя московскими коллекционерами живописи и графики - Екатериной Матусевич и Александром Гремитских исключительно для художников, работающих в реалистическом и импрессионичтическом направлениях. Художники сами, зарегистрировавшись здесь, размещают свои работы и сами общаются с покупателем. Отличие от других аналогичных сайтов в том, что никакого мусора в котором, как в океане, тонут хорошие работы,  тут нет. Художников и отбираем и приглашаем лично мы, исходя из высокого качества работ. Следует отметить, что в настоящее время подобного сайта, посвящённого исключительно русской реалистической и импрессионистической живописи, где бы вёлся строгий отбор по этим критериям, в рунете нет. 
Уважаемые авторы! Внимательно прочитайте раздел "Как разместить работы" и "Соглашение". Если условия Вас устраивают, ждём Вас у нас на сайте.

 

Администрация сайта     

Выставка на проспекте Мира, 68

Приглашаю художников принять участие в выставке с 20 ноября 2014 по 15 января 2015 по адресу: Москва, Проспект Мира 68 (Библиотека им.Андерсена). Темы: Зима, Новый год, Сказки, Родной город. Отбор работ по интернету до 15 ноября, развеска картин 16-17 ноября 2014. Организатор выставки ТСПХ. Куратор - Диана Суржина
https://www.facebook.com/groups/1479419289005238/?pnref=story

Галерея "На Шаболовке"

Дорогие друзья! 
Уже в декабре галерея "На Шаболовке" откроется после ремонта. Самым первым проектом в обновленной галерее станет выставка "Модель для новой жизни, масштаб 1:1. Авангард на Шаболовке", которую мы готовим совместно с Центр авангарда. Обещаем, что точную дату открытия объявим совсем скоро, а пока посмотрите, как выглядел наш дом раньше.

Мы сейчас готовим выставку под названием "Модель для новой жизни, масштаб 1:1" само собой разумеется, о Шаболовке. Активно собираем архивные материалы. На фото - как выглядел дом, где сейчас находится Центр авангарда и галерея "На Шаболовке". В те времена там были ясли, детсад, ЗАГС, баня, библиотека и клуб.

И да - продолжаем агитировать поддержать нас!http://planeta.ru/campaigns/9352 Остался только 21 день, а мы даже до половины не дотянули. Если не соберем хотя бы половину - все собранные деньги отправятся обратно акционерам. Ну и конечно, мы не сможем купить новый проектор, и многое другое, без чего выжить можно, но крайне трудно. Например без стульев).

Выставка "Весна идёт!" в Костроме

В художественной галерее "Старый город" в Костроме в апреле-мае этого года проходила выставка "ВЕСНА ИДЕТ!", торжественно открывшаяся 25 апреля.

В экспозиции были представлены картины таких костромских художников как Цыбина Светлана, Сазонова Наталья, Трехсвятская Надежда, Христова Любовь, Толстопятов Александр и многих других. 

Выставка художников Марии Смерчинской и Ирины Беляевой «Чувства».

С 19 ноября по 30 ноября 2014 года в музее А.Н. Скрябина пройдет совместнаявы выставка художников Марии Смерчинской и Ирины Беляевой «Чувства».

 

22 ноября в 15:00 часов состоится открытие выставки и концерт оперной певицы Екатерины Чернявской.

Всех маленьких гостей ждут творческие подарки.

 

Меньше недели осталось до открытия выставки "Чувства". С19 по 30 ноября в Музее им А.Н. Скрябина Б. Николопесковский пер., 11 м. Смоленская, Арбатская

22 ноября буду встречать вас на открытии с15.00 до 18.00

Ирина Беляева

Передвижной выставочный проект выставки, художники, картины, картины художниковувеличить изображение
Передвижной выставочный проект

Приглашаются все художественные направления для участия в выставочном передвижном проекте, который стартует в 2016 году в городе Коломна. Нужны арт-объекты, живопись, графика, скульптура - все что угодно, связанное с темой Заповедными тропами"(рабочее название). Всем, кому интересна тема (Российские заповедники, дикая природа, животные, заповедные уголки России, вымирающие виды животных и растений, высыхающие источники и озера нашей Родины...самые нехоженые и уникальные места, горы, леса, реки и озера...) могут присылать работы на почту zapovednitropi@mail.ru
Стоимость участия будет зависеть от количества человек. В среднем 200-500 р с участника(нам за эти деньги делают рекламу, буклеты). Отбор работ - будет, так как очень хочется создать профессиональную экспозицию, чтобы не подвести дирекцию зала. Всем заранее спасибо!

Чем руководствоваться при покупке живописи? Надо ли верить профессионалам? увеличить изображение
Чем руководствоваться при покупке живописи? Надо ли верить профессионалам?

Когда-то, очень давно, в 1970-е годы, на заре своей переводческой деятельности мне довелось работать с ведущими американскими психоаналитиками и ведущими психиатрами СССР. Существует очень много видов шизофрении. Меня поразило то, что все эти светила науки с кучей дипломов и научных трудов определяли вид шизофрении у больного, попросив его что-нибудь нарисовать. Узнав, что я сын художника, с большим удовольствием, явно им это было, как нынче выражаются, по приколу, принялись рассказывать мне каким видом шизофрении страдали Сезанн, Ван Гог, Эль Греко, Гойя и другие художники, которых принято называть великими. Они же обратили моё внимание и на то, что у многих импрессионистов встречается портрет доктора Гаше, а сам Гаше с удовольствием покупал у них их "гениальные" работы из которых составил целую коллекцию. Так вот: доктор Гаше, оказывается, был психиатром! Он просто изучал своих пациентов!

 

Уже в 60 лет, будучи достаточно серьёзным, тщу себя надеждой, коллекционером живописи, я прочитал книгу Перрюшо "Поль Сезанн" из серии ЖЗЛ. И что же? Мне живо вспомнились уроки наших и иностранных докторов медицины! Как ни старается Перрюшо выгородить Сезанна, объявляя его великим, но скажите, разве будет человек, находящийся в своём уме, завидев немощную старуху, с трудом поднимающуюся по горной тропинке, бросать холст, этюдник и всё своё имущество и обращаться в паническое бегство с криками: "Эта старуха! Я её уже 2-й раз здесь вижу! Она идёт забрать мою душу!"? Или станет человек с нормальной психикой выбрасывать свою картину в окно чтобы она несколько месяцев висела там на дереве? Выводы делайте сами.

 

Кстати, Пикассо, например, шизофреником отнюдь не был. Он просто нагло издевался над публикой, эпатируя её так же, как нынче делает это Олег Кулик. На склоне жизни на одном из вернисажей на вопрос критика (по-нашему искусствоведа) об одной работе Пикассо "Что это такое?" (видимо, понять там что-нибудь было совершенно невозможно) мэтр, откровенно забавляясь, нагло, но искренне ответил: "Неужели вы не видите, месье? Это 500 тысяч франков!". Куда уж яснее!

 

В общем, будучи уже в возрасте, уже 20 лет занимаясь искусством, я понял истинность утверждений двух людей: дама, доктор наук, психоаналитик из Бостона (за давностью лет не помню её фамилию) сказала мне:"Алекс, великий художник - это такой художник, за которого платят великие деньги, к качеству его живописи это не имеет никакого отношения. Это чистый PR."

 

А московский художник Игорь Павлович Рубинский на поминках моего отца, достаточно широко известного художника Владимира Гремитских, почти через 20 лет после этого во всеуслышание, будучм совершенно трезвым, он вообще мало пил, заявил: "Искусствоведы - это такие люди, которые профессионально, именно ПРОФЕССИОНАЛЬНО, ничего не понимают в искусстве". Конечно же, он имел в виду не экспертов, специалистов, могущих определить подлинность того или другого произведения искусства, а именно критиков, о которых Эльдар Рязанов сказал так: “Я давно понял, что самовыражение для критиков важнее сути. Если человек не знает столько, сколько я, не понимает того, что понимаю я, зачем мне его слушать?”

 

И правда, если искусствовед будет изрекать общепринятые постулаты, например о том, что Репин был великий художник, его никто и слушать не станет. Другое дело если заявить во всеуслышание что Древняя Греция и Рим ничего не дали европейской культуре. Знаете, кому принадлежит это высказывание? Знаменитому, некогда законодателю мод в искусстве, властителю умов конца XIX, начала ХХ века и всемирно известному критику, глашатаю передвижников, Владимиру Васильевичу Стасову, почётному члену Императорской Санкт-Петербургской Академии Наук, похороненному аж в некрополе мастеров искусств Александро-Невской лавры! Вот и верь после этого искусствоведам!

 

Поэтому при выборе произведения искусства вряд ли стоит руководствоваться «профессиональными» рекомендациями, профессионалы ведь могут иметь и свой марьяжный интерес при рекомендациях богатому клиенту. Не лучше ли руководствоваться собственным вкусом по принципу нравится – не нравится, как это делали такие знаменитые впоследствии собиратели как В.А. Кокорев, К.Т. Солдатенков, П.М. Третьяков? Кстати, тут не надо комплексовать, что я, мол, ничего не понимаю в живописи. А кто из них изначально разбирался в живописи? Кокорев? Солдатенков? Третьяков? Щукин? Морозов? Да никто! У кого из них было профессиональное искусствоведческое образование? Да ни у кого! Их вкус, впоследствии общепризнанный, формировался постепенно, путём посещения выставок и мастерских художников, просмотром большого количества картин. Они и стали-то общеизвестными именно потому, что ни на кого не оглядывались. Сергей Щукин и Михаил Морозов, наплевав на общественное мнение, по 500 франков скупали Ван Гога и Гогена, которых до этого и за пять-то франков продать не могли, сделав из них великих художников, и приобретя себе нетленную славу.

Так что делайте выводы, решайте сами. Чем Вы хуже других?

 

 

Александр Гремитских

..